Autore: Chiara Del Zanno

È il 1983 quando Joaquin Morodo nasce a Madrid: nella sua famiglia è il più piccolo di quattro figli. A monte ci sono due genitori appassionati d’arte, con un amore particolare per l’Italia (dove oggi Joaquin vive, a Milano) e tutta la travolgente pop culture degli anni Ottanta e Novanta, in cui cresce immerso. Inizia disegnando fumetti e viaggiando grazie alla carriera di modello, però senza mai abbandonare l’arte. Mentre gli amici fin da piccolo lo soprannominano “Joker”, per via di un istrionismo un po’ folle da showman, lui «beve» tutto quello che la sorella e i fratelli maggiori ascoltano in quegli anni: «Ci sono proprio annegato in quella musica». Dalla disco al latin, il pop e ovviamente tanto, tantissimo rock: quello delle band che hanno segnato un’intera generazione e che, in qualche modo, oggi Joaquin torna ad omaggiare nella sua musica con il gruppo Joaquin Morodo & The Glaze Friendz. Appena un anno fa erano partiti in due e oggi sono già in quattro, con il primo Ep I Don’t Believe In You e pronti per i live. Quasi sulla scia della brillantina che fece storia con Grease, quel glaze racconta di come lo stile possa diventare un’attitudine e un modo d’essere: freschi, luccicanti e cool.

Partiamo dal principio: la Madrid di quegli anni e la scoperta delle tue passioni.

Il mio sangue è galiziano, in famiglia siamo tre fratelli e una sorella. Io sono il più piccolo. Ho iniziato una carriera da modello a 16 anni, quindi anche a viaggiare presto e a vivere in molte città. Poi sono tornato a Madrid per studiare giurisprudenza, dalla mia famiglia e dai miei amici. Prima che il lavoro di modello diventi una professione, ce ne vuole di tempo…

“Ci piace molto l’idea di omaggiare le band che formano parte della nostra cultura musicale”

E nel mentre ti sei affermato anche come imprenditore, coltivando il mestiere di pittore e di musicista. Negli ultimi tempi sei anche diventato una personalità social, con 137k follower su Instagram. C’è tanto in ballo.
Se parliamo del concetto di tempo, io mi sforzo di fare più cose possibili. Dentro di me però c’è una struttura precisa, non il caos. A 9 anni ho iniziato a dipingere fumetti grazie ad uno dei miei fratelli, che mi ha insegnato il disegno anche in ottica maniacale: lo studio della luce e una visione artistico-plastica monocromatica. Parliamo del classico fumetto con il pennarello, quindi dipingendo delle ombre. Dopo è stato naturale studiare fotografia, l’uso delle camere Reflex, pensare e ragionare dal disegno all’incisione della luce nelle fotografie. Fino a ritrovarmi davanti alla macchina come modello.

L’Italia quando è arrivata?

Sono venuto la prima volta nel 2001, oggi vivo a Milano. Sono sempre stato affascinato dalla cultura e dall’arte di questo paese, già negli anni della scuola. A quel tempo non c’era internet ma ci arrivava molto dell’Italia. La mia è una famiglia interessata alla cultura, mio padre è un’enciclopedia vivente e mi ha sempre parlato della vostra storia.

Nella tua arte quanto hai portato della cultura pop con cui sei cresciuto?
Per me è stata un’influenza esponenziale. In maniera molto leggera e spontanea, provavo a tradurre quello che ho dentro. È anche il risultato dell’essere il più piccolo di quattro fratelli che in quegli anni erano giovani, e quindi io ho bevuto tutto quello che ascoltavano, ci sono proprio annegato.

“30 Something è vincolato all’età in cui vivo adesso, ma anche ad una certezza: quella di non sapere mai abbastanza”

Si sente molto in un brano come 30 Something, che attacca proprio strizzando l’occhio al pop punk americano di quel periodo. È voluto?

Assolutamente sì. Kid Riff, il chitarrista della band, ha 23 anni ma ha una cultura musicale molto profonda, quindi ci divertiamo insieme a pescare e ripescare le emozioni che ci hanno lasciato certi anni. Lui ha iniziato a suonare la chitarra grazie a questi gruppi, i Blink 182, i Green Day. L’idea di omaggiare le band che formano parte della nostra cultura musicale ci piace molto e ci porta a tirare fuori certi brani.

In quel pezzo dici: «Ho 30 anni e ancora non so niente»: è un sentimento generazionale?

È un pensiero che mi segue ogni giorno. Penso che un giorno farò anche 40 Something e canterò ancora lo stesso ritornello. Non credo d’essere l’unico a pensarla così, ma essendo una persona curiosa ogni giorno mi sento più ignorante. Perciò il brano è vincolato all’età in cui vivo adesso, ma anche ad una certezza: quella di non sapere mai abbastanza.

Da ragazzino pubblicavi già dei brani con lo pseudonimo di Joker: da dove arriva?

Tuttora i miei amici in Spagna mi chiamano Joker, con la nostra ‘jota’. Mi piace anche che l’ultimo grande Joker sia stato interpretato da un attore che si chiama come me, Joaquin Phoenix. Credo sia il mio alter ego visto dagli occhi dei miei amici, fin da quando ero piccolo. È vincolato all’istrionismo e al concetto di libertà che sfiora anche la pazzia, a livello energetico. Sono sempre stato un po’ lo showman della mia famiglia e del mio gruppo di amici. Sono una persona come un umore particolare, non dico che sia buono, ma particolare… (Ride).

“Glaze è un omaggio, e insieme un messaggio: è il tocco finale che lucida un’opera d’arte, ma anche un mood”

The Glaze Friendz: c’è una storia anche dietro al nome della band?

Glaze sta per glassato, ho creato un concept intorno a questa idea. Nelle opere d’arte immagino di non essere l’unico che poi passa uno strato di vernice lucida. “Vernice”, in inglese, è proprio glaze. Oggi lo smalto sulle unghie degli uomini è un trend, e noi lo pratichiamo dagli anni Ottanta, quando ero un bebè. Anche questo è un omaggio, e insieme un messaggio: è il tocco finale che lucida un’opera d’arte, ma anche un mood. Usiamo questa parola tra di noi tutti i giorni: «Quel tipo è molto glaze» vuol dire che è luccicante, fresh, fico… come dite voi italiani.

Sembrerebbe una vostra versione di Grease, la brillantina per capelli che racchiudeva un’epoca.
Assolutamente sì, mi piace. Gli americani sono bravissimi a segmentare e sviluppare i concept. E questo è un concetto molto anni Ottanta.

Quando si parla di voi, venite sempre definiti una band sperimentale. Pensi sia corretto?

No, in realtà sono arrabbiato con questa aggettivazione che ho letto anch’io sul web. Credo che con quella definizione volessero riassumere il fatto che tocchiamo tanti generi musicali.

Avete una fortissima influenza latina, fate le versioni electro-remix dei vostri dischi, toccate la trap, il punk e il classic rock…

Esatto, e mi rendo conto che sia un aggettivo positivo, quello della band sperimentale. Ma credo anche che sia un’arma a doppio taglio, perché noi non stiamo sperimentando: sappiamo bene cosa stiamo facendo, lo abbiamo definito dall’inizio.

“Nella Humano Multi-sensorial Experience il comune denominatore stava nel voler tirare fuori un’arte plastica e musicale insieme”

Invece trovo sperimentale la mostra di questa estate (La Humano Multi-sensorial Experience, portata in scena a Milano nell’ex monastero seicentesco di Roseto Square). Un percorso multisensoriale in cui l’input cromatico incontrava la vostra soundtrack.

Sono d’accordo, era la prima mostra che facevamo e abbiamo creato ad hoc una soundtrack collegata alle opere d’arte. Tutto è collegato in modo fluido, con il comune denominatore di voler tirare fuori un’arte plastica e musicale insieme.

Arte e followers: sei mai stato criticato per questo? Sai, il pregiudizio del bel contenitore che non può avere anche un bel contenuto.

Come modelli siamo quasi più odiati degli influencer, era una posizione molto discussa anni fa. È davvero facile criticare anche dei colleghi bravissimi sui social, senza guardare al dettaglio. Viviamo in un’epoca di scroll effimero, ma chi cura i dettagli lascia delle tracce, e basta osservare per riconoscerli.

Tu sei insieme frontman e co-produttore della band: i vantaggi e gli svantaggi di questo doppio ruolo?

Sono tantissime ore di lavoro. Anche se in realtà stiamo dividendo molto bene il metodo creativo e produttivo, sapendo cosa fa ognuno di noi. Io mi occupo del lato songwriting, delle melodie e del concept. Ad esempio ci tengo a fare una graphic cover per ogni brano, mentre normalmente c’è una sola copertina per tutto l’album. Il discorso musicale, invece, ricade più su Kid Riff.

“Credo fermamente che il vero talento, prima o poi, venga scoperto”

Tutto è iniziato proprio da voi due: come è andata?

Nel 2021 io e Kid Riff ci siamo conosciuti nello studio di registrazione di una terza persona, per fare un brano insieme. Considerando che l’abbiamo finito in tre ore, ci siamo accorti subito della sinergia tra di noi. Da lì ho iniziato a pensare all’idea e ad un certo punto gli ho detto: «Facciamo una band». E così è stato. Siamo partiti in due, e oggi siamo già in quattro. Un gruppo a tutti gli effetti, con cantante e songwriter, chitarrista, batterista e bassista. Iniziamo già a ragionare in termini di live, Ale il bassista è venuto ad ascoltarci allo Spirit e ha sposato subito il progetto.

Adesso però divertiamoci con un po’ di polemica. La deriva trash dell’autotune: vai.

(Ride) Mi è venuta questa idea perché facendo ascoltare i miei brani ad amici e conoscenti, c’erano sempre delle critiche all’autotune. In studio avevamo iniziato a sperimentare un tool, Andrea aveva improvvisato un riff, io una canzone, e così abbiamo pensato: «Perché non divertirci a mettere in ogni disco una versione con autotune?». Questo ci dà l’occasione di essere più freestyle e più istrionici, di toccare tonalità diverse… E anche di dissare un po’ la gente. È anche vero che c’è tanta fuffa, artisti meno skillati o con un percorso più povero nella musica che fanno canzoni davvero trash con l’autotune. Travis Scott ci ha fatto una fortuna ed è bravissimo, lo ascolto anch’io.

“Adoro il flamenco, un’arte di cui potrei parlare per ore”

Il vero dissing sta nel cantare «io ti consegno spazzatura e tu mi ammiri», no?

Sì, ma perché in realtà sono anche un po’ stanco di ascoltare spazzatura solo perché la passano ovunque. Eppure la gente li ammira per quello che fanno, quindi i miei sinceri complimenti a loro. Non ci può piacere tutto, e quindi perché no? Lo facciamo con ironia anche per canalizzare un discorso inevitabile tra noi musicisti.

Perché un titolo come I Don’t Believe In You?

“Non credo in te” è qualcosa che ognuno di noi si è sentito dire nella vita, anche in maniera indiretta. Come fai a fare questa cosa? Come farai a vivere di questo? Invece secondo me con dedizione e duro lavoro si può fare tutto.

Un po’ come dire: “Non credete in me? Allora eccovi quest’album”. La cover è opera tua, cosa rappresenta?

È ispirata alla dea della giustizia, ed è legata proprio al concetto del titolo. Perché ti chiedi: è giusto che tu non creda in me? La giustizia porta simbolicamente una benda sugli occhi e una bilancia sulla mano. Credo fermamente che il vero talento, prima o poi, venga scoperto.

Torniamo indietro nel tempo per salutarci: oggi quali pensi siano stati gli artisti che ti hanno fatto davvero innamorare della musica?

Strauss, Verdi, Mozart, Bach, Yann Tiersen, Jean-Michel Jarre. E mi piace anche Tupac, perché no? Poi chiaramente Nirvana, Guns N’ Roses, Strokes e Arctic Monkeys. Giocando in casa ti dico Paco De Lucía, Camarón e Nino Bravo, un valenciano che ho cantato tantissimo da bambino. Però la chitarra di Paco De Lucía… Be’, penso sia qualcosa di inarrivabile. E il flamenco è un’arte di cui potrei parlarti per ore.

Credits

Talent Joaquin Morodo & The Glaze Friendz

Editor in Chief Federico Poletti

Text Chiara del Zanno

Photographer Federica Livia

Stylist Simone Folli

Stylist assistant Nadia Mistri

Grooming Alessia Motti

Nell’immagine in apertura, per Kid Riff giacca e boots Gaëlle Paris, pantaloni GMS7; per Joaquin total look Gaëlle Paris; per Maximiliano total look Gaëlle Paris e boots Gianvito Rossi

«Parigi ti manca ancora?» gli chiedo appena ci sentiamo, ammiccando a un suo brano del 2021 in cui cantava “Parigi mi manchi, i miei occhi sono stanchi”. «Quella l’abbiamo superata» ride lui. «Sono uno che metabolizza in fretta perché il concetto di “mancanza” mi rattrista molto. E poi ultimamente l’ho trovata un po’ cambiata… O forse son cambiato io?». Il primo album nel 2019, Variations, mentre il secondo è fresco d’uscita: Destination Experience, che qui lui definirà «una sorta di grande Ep da ascoltare tutto d’un fiato», mentre mi risponde al telefono dal suo studio di Milano dove sta lavorando ai prossimi dj set e agli album di tre artisti differenti. Ma chissà a cos’altro, dal momento che Thomas Costantin viaggia ovunque e crea di tutto.

Ha una cultura musicale fuori dall’ordinario, e così ci ritroviamo a parlare del mondo del clubbing, dell’Italo disco, di Mina che è la nostra David Bowie, di Xavier Dolan e Dragostea Din Tei in chiave nostalgica.
Classe 1993, produttore, dj, musicista, sound designer contaminato dalla moda e dal cinema, è un esteta in senso assoluto. Il paradosso è che ha assorbito talmente tanti artisti ed influenze diverse, da non cedere mai alla tentazione di emulare nessuno. Ma solo del Duca Bianco dice «da sempre e per sempre». Gli confesso che preparare un’intervista su un artista così complesso e articolato, dà l’impressione di non afferrarlo mai fino in fondo. Ed è un complimento, perché lui si definisce “The Man in Red”, ma è anche l’uomo del mistero.

“Mi piace tutto ciò che ha a che vedere con la musica, per questo non ho mai scelto una direzione unica”

Come succede che il producer si alimenti del musicista e del dj, ma anche dell’arte concettuale, della moda, e del cinefilo che c’è in te?

È tutto molto naturale per me. Mi sono costretto sin da molto giovane a pensare che, anche se la musica è la mia passione, deve essere un lavoro. Da bambino sentivo parlare degli artisti come se il loro fosse un secondo lavoro, un hobby. E ho sempre pensato: no, io voglio che sia il mio lavoro a tutto tondo, non che sia la mia passione del weekend e che per vivere debba andare a fare un’altra cosa. Perciò non sono mai stato snob di fronte alle occasioni lavorative che mi sono state poste davanti. Non dico di essere uno yes man, ma uno positivo sì, uno abile a sperimentare situazioni diverse.

In una dimensione unica riusciresti mai a starci?

Ogni volta che ci ho provato, non ero felice. Mi annoio facilmente. Adesso sto lavorando a tre dischi di altri artisti, uno completamente diverso dall’altro. Oggi che ho quasi trent’anni, questo mi fa molto pensare. Quando conosco altri che fanno il mio lavoro, magari un po’ più giovani di me, vorrei dire loro di non fossilizzarsi sul pensiero di voler spaccare solo come dj o come produttore. Gli consiglierei di pensare a cosa gli piace davvero. Ad esempio a me piace fare tutto ciò che ha a che vedere con la musica, e per questo non ho mai scelto una direzione unica.

“Per me il mistero è importante in generale: quando vedo un artista e di lui capisco tutto subito, non ho più voglia di guardarlo”

Andiamo nel pratico: ad esempio quando in un brano come Berlin citi un film di Kubrick.

Quella era una sensazione. Nel brano scrivevo della notte ed Eyes Wide Shut è un film che parla effettivamente della vita notturna e del suo mistero. Per me il mistero è importante in generale: quando vedo un artista e di lui capisco tutto subito, non ho più voglia di guardarlo. L’idea è sempre mettere nel mio lavoro musicale anche un linguaggio visivo, un po’ di pop e di ironia.

Dopo qualche progetto in italiano sei tornato all’inglese, nei testi. Lo prediligi per una questione di metriche e armonie?

È proprio una questione di comunicazione, anche in base all’audience che sto avendo. In questo momento lavoro di più all’estero, quindi la mia esigenza è quella di parlare ad un pubblico che possa capirmi di più, dall’America o dalla Francia.

Il soprannome Man in Red come nasce? Lo senti ancora tuo?

Assolutamente sì. Non è il mio alter ego, ma un colore che mi caratterizza. Una volta ero con mia madre a guardare delle mie vecchie fotografie di bambino e ci siamo resi conto che ero sempre vestito di rosso, e che tutt’ora casa mia è piena di cose rosse, perché mi attirano tantissimo. «Potrei metterle quando vado a suonare», mi sono detto, anche perché il rosso mi dà sensazioni un po’ magiche. Poi Man in Red è diventato anche il nome di un progetto che ho fatto partire come NFT musicali. Insomma, è un colore ma anche un po’ la mia firma. Oggi quando vado a suonare capita che mi porti dietro delle luci rosse e che le faccia mettere sulla consolle.

“Mi piace che la musica sia divertente, per quanto introspettiva”

Io associo il colore rosso al sesso, alla passione e alla violenza.

Sono la persona meno violenta al mondo, però sono anche abituato ad affrontare le cose di petto. Non scappo dalle situazioni, e penso che il rosso sia un simbolo di questo mio atteggiamento. Non associo la musica alla politica, non mi piace parlarne e non voglio che le persone pensino che io mi riferisca a un certo ceto sociale. Non è la mia storia. Sono nato libero, non giudico nessuno e non mi interessa farlo. Mi piace invece che la musica sia divertente, per quanto introspettiva.

A me piace molto il rapporto che come artista hai costruito con il tuo corpo. È uno strumento costante, a volte funge da manichino o da tavolozza. È sempre stato così?

Diciamo di sì, anche se non mi definirei un esibizionista. Sono sempre stato un amante della danza però, e poi lavoro di notte da una decina di anni, quindi con tutto ciò che ha a che vedere con il movimento, il look, gli outfit. Sono aspetti che mi appartengono, ma che per me non devono mai essere volgari o sessualmente troppo espliciti. Trovo ci siano talmente tante cose interessanti da vendere, che alla fine il sesso è un po’ sopravvalutato.

“In Italia abbiamo creato un nuovo modo di far club, una poesia anche nel mondo delle discoteche”

A proposito di vita notturna: la musica da club è ancora associata a un intrattenimento di serie B. Cosa pensi di questo stereotipo?

Che sia un po’ italiano, perché nel resto del mondo viene data una grande importanza a questo genere di musica. Basti pensare a tutti i festival che ci sono di musica elettronica, che invece in Italia sono pochi. Ho amici che suonano ovunque, al Burning Man, in Francia, in Germania o in UK, dove il clubbing è parte della cultura popolare. In Italia a un certo punto questa idea è stata abbandonata, e il Covid ha dato una bella mazzata, se si pensa anche solo ai locali che hanno chiuso a Milano.

Può dipendere dal fatto che il nostro clubbing è stato spesso associato alla riviera, al litorale e alla provincia? Quasi rilegato a intrattenimento estivo.

Quello sicuramente. Anche se mi piace ricordare che noi abbiamo avuto una cosa enorme come la Italo disco. È diventata un genere esportato a livello mondiale, che riguarda anche l’architettura e tutto ciò che concerne l’atmosfera del club. In Italia abbiamo un enorme punto di forza: il romanticismo. L’Italo disco è una musica da club ma piena di sfumature, di armonia, di voci e melodia. E questo si rispecchiava nei pavimenti colorati tipici degli anni Settanta, nelle luci e nei fiori degli interni. Tutto questo è stato portato direttamente a New York, nello Studio 54 e nel mondo del loro clubbing, dove non a caso i gestori erano quasi sempre italiani.

La nostra memoria storica non può dimenticarlo: abbiamo creato un nuovo modo di far club, che nel resto d’Europa era molto grigio. Noi abbiamo creato una poesia anche nel mondo delle discoteche.

In un’intervista una volta hai parlato delle “ritmiche sexy” della tua produzione. Tecnicamente cosa intendi?

Intendo tutto ciò che fa muovere il corpo. Quest’estate sono stato ad un festival techno in Croazia, il MoDem, che è davvero dura come proposta musicale, con luci e impianti audio incredibili, molto dark. Io e i miei amici abbiamo avuto l’impressione di guardare la classica danza di Charlie Chaplin, quasi una coreografia da miniera, in cui tutti ballano in modo rigido e con movenze anfetaminiche. Ecco, quello che faccio io è l’opposto. È qualcosa di più morbido, ondeggiato, mi piace vedere i corpi che ballano sinuosi. E quel modo di ballare si tira fuori con un certo tipo di ritmiche e di percussioni, abbinate a dei bassi disegnati in modo sexy, se vogliamo.

“In Destination Experience è più presente il concetto di loop, che diventa quasi un mantra nelle sonorità e nelle ritmiche”

Prima di scoprire che sei un fan di Xavier Dolan, ho ascoltato alcuni tuoi pezzi che mi hanno riportato proprio a certe scene dei suoi film.

È così giovane e ha fatto delle cose davvero generazionali! Va a citare registi che amo molto, come Godard e un filone vintage nato con il technicolor, con l’enorme calore dell’analogico. Ma per farlo usa l’occhio e l’ironia poetica della nostra generazione, come nella scena con Dragostea Din Tei, che mi ricorda quando era bambino (nda: nel film Juste la fin du monde del 2016).

Da bambina non avrei mai pensato che un giorno, da adulta, potessi commuovermi con Dragostea Din Tei.

(Ride) Mai, vero? Da bambini quello per noi era un pezzo trash, però ritirandolo fuori in questo modo, Dolan fa un’operazione nostalgia su una generazione intera. E se riesci a farlo, per me vinci. Perché la musica racconta la nostra storia.

“Era il caso di fare un disco che fosse una sorta di grande Ep, da ascoltare tutto d’un fiato”

Nel tuo ultimo disco, Destination Experience, ho l’impressione che il ritmo che cerchi si faccia sempre più martellante e percosso. Quasi venisse estremizzata la digitalizzazione (penso a brani come Hardcore Relax o Melted Music).

Pensa che in realtà il disco è analogico. Il grande stacco che c’è tra questo album e gli altri, è il fatto che è stato lavorato con una catena analogica (un upgrade da digitale ad analogico reso possibile dalla collaborazione col produttore Francesco Frilli presso l’Heavy Soul Studio di Firenze), quindi c’è una sonorità diversa rispetto a quando produci con un mix e un master digitali. Quello che è più presente, magari, è il concetto di loop che diventa quasi un mantra nelle sonorità e nelle ritmiche.

Ci sono pezzi come Melted Music che vanno a toccare ritmiche mai sperimentate da me, quasi un reggaeton minimalista, oppure Big Mess e Stolen Season che hanno delle accezioni quasi pop, con strofa, ritornello e un synth che ripete un leitmotiv. In Space Vertigo addirittura c’è una poesia con un parallelismo tra gli stati di coscienza e un ascensore che ti porta all’esplorazione, legata al mondo psichedelico che io amo moltissimo.

Quindi da cosa credi possa dipendere la percezione digitale e contemporanea di un disco totalmente analogico?

Se posso dire una cosa schietta, credo sia un discorso di lunghezza del lavoro. Destination Experience è contemporaneo perché sono 8 pezzi per 35 minuti totali, e i brani tra di loro sono abbastanza intercambiabili. La scaletta, ascoltata a shuffle, può avere più o meno lo stesso significato perché c’è un concept più unito, anche nell’uso della voce. Con Variations invece avevamo un disco che era quasi un tomo (nda: 14 brani per 1 ora e 3 minuti di ascolto totale), pieno di cose totalmente diverse, come anticipato dal titolo stesso.

“Non ho una visione stilistica unica, mi lascio sempre contaminare da più cose”

Ne fai un discorso di attitudine all’ascolto che è cambiata, quindi?

Sì, perché ci siamo resi conto tutti quanti che il mondo della musica è cambiato. Quindi fare dei dischi troppo lunghi, a meno che tu non sia un colosso come Kanye West o Beyoncé, non è un granché sensato. Per me invece era il caso di presentare un disco che fosse una sorta di grande Ep, da ascoltare tutto d’un fiato.

La consulenza per le maison di moda come è arrivata nella tua carriera? Non è che quella del sound designer sia proprio una figura conosciuta…

Le mie prime consulenze sono nate 6 o 7 anni fa. Non ho una visione stilistica unica, come sempre mi lascio contaminare da più cose. Ogni evento di questo tipo ha una colonna sonora, e per i creativi della musica è un mondo molto open in cui c’è grande richiesta. Mi son reso conto che effettivamente la figura del sound designer è poco nota, anche se è essenziale. Se pensi all’immagine di un direttore creativo, c’è sempre dietro anche un mondo musicale. Guardiamo Gucci o ancor di più Balenciaga, che ha questa immagine rave con occhialoni neri e look quasi da zombie, scarponi giganteschi e total black. Vai alla loro festa alla Fashion Week di Parigi e ti ritrovi a un rave party vero e proprio, perché quello è il loro mondo e anche la musica ne fa parte.

“Il mondo dell’erotismo è molto importante per gli esseri umani, è anche quello che ci manda avanti”

Impossibile analizzare tutte le tue influenze e contaminazioni. Fermiamoci un  attimo su David Bowie, che è il tuo punto fermo: perché?

La storia di David Bowie è parecchio interessante, perché lui è diventato un colosso mondiale ma non è quello che vorrei diventare io. Nel suo caso erano altri tempi con altri mezzi di comunicazione, c’era una verginità nel tipo di musica che proponeva, mentre oggi esiste già tutto e noi possiamo farne solo una sorta di remix. Ma la sua figura è incredibile perché prima di diventare un fenomeno non se lo cagava nessuno, ha fatto molte cose inedite, aveva una visione talmente fuori dagli schemi in quegli anni dominati dall’eroina. Ha fatto la fame per tanto tempo. In me è nata una grande ammirazione verso l’artista non borghese, veramente rock’n’roll. A lui importava solo della sua musica e ignorava la richiesta di mercato, come ha sempre fatto Mina in Italia.

Quando ascolto i tuoi brani ritrovo una dimensione erotica, perfino pornografica. Nell’immaginario collettivo l’artista si alimenta della propria sofferenza: tu invece sei più ispirato dal dolore o dall’eros?

Assolutamente dall’eros. Probabilmente arriverà anche una parte della mia carriera ispirata dalla tristezza e dalla sofferenza, ma oggi sono in un’età giovane, di scoperta del mondo estrema. Non vendo la sessualità, ma se alcune cose ti suscitano delle immagini quasi pornografiche per me è bello. Il mondo dell’erotismo è molto importante per gli esseri umani, è anche quello che ci manda un po’ avanti. Come nel clubbing, no?

Credits

Talent Thomas Costantin

Editor in Chief Federico Poletti

Text Chiara Del Zanno

Photographer Cuba Tornado Scott

Art direction Daniele Cavalli

Location Studio Abside (Firenze)