Autore: Redazione MANINTOWN

Dal 27 maggio al 3 giugno si terrà la seconda edizione de Il Giro dei Venti, un’esperienza esclusiva alla scoperta di paesaggi, culture e sapori dedicata a un pubblico internazionale, con tappe ciclistiche e veleggiate con imbarcazioni da diporto, nello splendido scenario del Salento e delle coste greche.

Tra sapori e bellezze naturali

Dopo il successo della prima edizione, per il 2023 la competizione propone un concept e un’offerta esperienziale totalmente rinnovati. “Il nuovo Il Giro dei Venti vuole essere un’esperienza esclusiva di benessere e viaggio in cui la dimensione sportiva diventa un’occasione di scoperta”, afferma a riguardo il Cavaliere Sergio Filograna, founder di Workness e ideatore della gara, e precisa: “Se da una parte la condivisione e la complicità che nasce all’interno delle squadre di ciclisti e velisti permetterà di arrivare alla vittoria finale, dall’altra l’iniziativa consentirà di immergersi completamente nel territorio, con i suoi profumi, sapori, bellezze naturali ed eccellenze gastronomiche. Il Giro dei Venti si iscrive così nel novero dei grandi eventi in Puglia”.

I partecipanti si sfideranno durante tre tappe ciclistiche e altrettante veleggiate, immergendosi a pieno in un palinsesto di esperienze leisure all’interno dei due scenari d’eccellenza del percorso: la costa orientale a sud di Otranto, incantevole teatro naturale della Penisola, e l’isola di Corfù, che rappresenta un unicum nel panorama delle isole greche, unendo influenze architettoniche veneziane, francesi e inglesi in uno scenario con boschi e spiagge mozzafiato.

“Inoltre quest’anno – aggiunge ancora Filograna – abbiamo voluto valorizzare la decisione dei partecipanti di aver sposato i nostri valori attraverso l’assegnazione di un premio speciale a un equipaggio estratto a sorte: un chilo d’oro in cinque lingotti, di cui uno verrà devoluto. Rappresenta un modo concreto, tangibile e durevole nel tempo per premiare il coinvolgimento in questa nuova avventura”.

Il programma della seconda edizione della competizione

Tra le esperienze previste, un glamping con pernottamento in tenda e cena sotto le stelle, nella suggestiva area della Grotta dei Cervi; la visita a un frantoio ipogeo a Castri, dove vivere degustazioni e laboratori dedicati alla riscoperta di antiche tecniche di produzione e conservazione dei cibi; walking tour guidati nel centro storico di Lecce; trekking con possibilità di escursioni per scoprire, tra le altre, la barriera corallina pietrificata. La valorizzazione del territorio pugliese e il rispetto dell’ambiente sono senza dubbio i cardini dell’evento: tutti i partecipanti osserveranno e praticheranno la procedura di piantumazione di ulivi in collaborazione con OlivaMi, associazione che promuove l’adozione degli ulivi salentini come risposta alla devastazione portata dalla Xylella.

Completa il programma, infine, un’avventura blue therapy con il campione di apnea Umberto Pelizzari, che passa attraverso un briefing sull’importanza della consapevolezza del respiro, cui seguirà un’uscita in gommone e, successivamente, un’immersione in tutta sicurezza, per godere, semplicemente, del blu del Mare Nostrum.

Nell’immagine in apertura, la veleggiata Leuca-Corfù, un momento della passata edizione del Giro dei Venti

In occasione di Esxence, fiera di riferimento a livello mondiale della profumeria artistica, Sustaina Luxury, la divisione lusso dell’azienda Sustaina-sustainable cosmetics company, presenta in anteprima Bellarmino Fragranze Extrait de Parfum. Palcoscenico del lancio ufficiale della collezione, lo scorso 30 marzo, il The Core Club Lounge in via Montenapoleone 23.

I primi tre jus maschili della linea, dai nomi evocativi (Not stirred, The boy in you e Giardinetta), nascono dall’illuminazione imprenditoriale di Roberto Boscia, CEO di Sustaina, esperto di comunicazione e appassionato di fragranze di nicchia, proprio attraverso uno studio approfondito di queste ultime, che muove dall’assunto di considerare l’olfatto una componente vitale della quotidianità di ciascuno, secondo solo alla vista. Alla base del progetto, le sensazioni innate dell’inconscio e il lato emozionale proprio di ogni profumo; reminiscenze evocate nel profondo, motivazioni ed energie interiori legate all’immaginario personale, sensazioni ripetibili ovunque semplicemente chiudendo gli occhi e lasciandosi trasportare.

Una linea di profumeria artistica che coniuga eccellenza qualitativa e sostenibilità

«Bellarmino, il termine cui abbiamo pensato per questo progetto, richiama un nome tipicamente italiano, ma esclusivo, aulico, ricco di saggezza, rigore, fiducia. Unico nel suo genere, avvolgente, trasversale, per esprimere le varie declinazioni di ogni personalità», spiega l’amministratore delegato di Sustaina, nonché fautore del nuovo marchio di niche perfumery, e precisa: «Non fragranze diverse, ma differenti, un inno alla diversità, all’unicità di ogni individuo».
L’azienda romana, inoltre, ha l’obiettivo di introdurre nel mercato cosmetico nuove soluzioni sostenibili, coniugando un basso impatto del ciclo del prodotto con esperienze multisensoriali di benessere, ad alta funzionalità estetica.

Nel secondo semestre del 2023, le fragranze debutteranno anche all’estero, rendendo il prodotto fruibile su larga scala grazie al suo concept unico e esclusivo.

Le peculiarità delle singole fragranze Bellarmino

Per quanto riguarda le referenze, Not stirred ha un piglio solido e deciso, come il profumo ghiacciato, forte eppure morbido, avvolgente, di un Martini cocktail, ironico e tagliente in egual misura. Nelle note di testa troviamo bergamotto, zest di limone, bacche di ginepro, oliva verde, timo rosso, in quelle di cuore fiori d’arancio, cardamomo, pepe nero, cannella; sul fondo, vetiver, legno di cedro e sandalo, semi di ambretta, musc.

L’essenza di The boy in you è racchiusa invece in un invito, would you play? Un sillage che evoca il rientro a scuola in settembre, tra acquisti in cartoleria, l’odore inconfondibile dei libri appena comprati, interrogazioni alla lavagna e disegni colorati sul banco, con la consapevolezza che la maturità non è tale se non contiene in sé un pizzico di fanciullezza.
Si apre con note di eliotropio e neroli, che cedono il passo a rosa turca, foglie di violetta, patchouli e, per finire, a vaniglia, legni preziosi, un accordo di cuoio, labdano, vetiver, muschio.

Giardinetta rimanda invece a una mattina di sole trascorsa alla guida, segnata dall’effluvio di benzina, cuoio, tabacco e dal rombo del motore, fra texture di tweed, frame di gare automobilistiche, vento che accarezza la pelle. La fragranza è aperta da note di bergamotto e petit grain, con accenti smoky; al cuore della piramide olfattiva, lavanda, legno di cedro, patchouli, sul fondo un accordo cuoio, legni preziosi, betulla, styrax, musc.

I jus sono contenuti in flaconi dal sapore minimal, rettangolari, da 50 ml, in vetro rigorosamente trasparente, con un tappo verniciato distintivo per ciascuna referenza, nero per Not stirred, blu per The boy in you e verde Giardinetta (ispirato alla tonalità della Topolino 500c, icona della migliore italianità) per – appunto – Giardinetta.

Il The Gore London, situato a pochi passi da Hyde Park e da Kensington Palace, è uno degli hotel simbolo dell’hotellerie londinese, che punta su un perfetto equilibrio fra stile anglosassone e il meglio dell’ospitalità italiana. Nasce nel 1892, come residence in occasione dell’Esposizione Universale londinese, sotto il patrocinio del Principe Alberto, consorte della Regina Vittoria e dal 2012 fa parte del circuito Starthotels Collezione.

L’unicità delle suite del The Gore London

Al The Gore la storia è ancora viva e tangibile, motivo del suo grande successo e della sua popolarità da oltre 130 anni, così da renderlo uno degli hotel più affascinanti della capitale inglese. Dagli imponenti letti a baldacchino, alle piastrelle vittoriane, dai mobili antichi, ai dipinti originali incastonati in cornici in foglia d’oro, ognuno dei sei piani è un uno scrigno che racchiude preziosi pezzi unici e dettagli emblematici di un’epoca gloriosa. Il luogo e l’atmosfera permettono di immergersi a pieno nel lusso e nello sfarzo di un tempo che ha accolto personalità, artisti e nobili viaggiatori da tutto il mondo. Ognuna delle 50 camere presenta uno stile in grado di rendere differente l’una dalle altre, ammobiliate con grande ricercatezza, eleganza e raffinatezza.
Esempio lampante dell’espressione, dello stile e del gusto è la Tudor Suite, con i suoi 75 mq, è un esemplare unico in tutta Londra. Magnificamente delicata e accurata, con un sontuoso letto scolpito a colonne in mogano, una galleria di menestrelli del XV secolo, ampie vetrate colorate, soffitti alti con travi in quercia a vista e per completare un maestoso camino in pietra.

Il bar dove i Rolling Stones lanciarono l’album Beggars Banquet

All’interno della struttura è presente il Bar 190, ambiente dall’animo decisamente più rock’n’roll in contrasto con l’atmosfera barocca dell’hotel, celebre per essere stato il luogo in cui i Rolling Stones nel 1968 lanciarono il loro album Beggars Banquet. I giovani musicisti difatti, scelsero questo spazio come palcoscenico per l’eccezionale festa di presentazione del nuovo disco, in quanto luogo d’interesse e di richiamo, con un’atmosfera intima e tranquilla. Con la sua posizione strategica, il The Gore, Starhotels Collezione, è l’ambientazione ideale per accogliere convegni ed eventi sia privati che business, le sale comuni si prestano a perfezione per qualsiasi tipo di evento come, dal meeting di lavoro formale per la riunione del board al cocktail party, dal ricevimento di nozze alla cena di gala, fino allo shooting per l’alta moda.

In apertura, l’interno del The Gore London

La rilevanza, nella scena della moda contemporanea, di concetti quali riciclo, upcycling, tracciabilità, circolarità delle materie prime e altre pratiche legate alla sostenibilità, è – per fortuna – un dato di fatto incontrovertibile, al centro dei discorsi di aziende, istituzioni, addetti ai lavori e consumatori. Affinché tali precetti non restino però intenzioni lodevoli o poco più, utili ai fini dei famigerato greenwashing ma ben poco funzionali a un reale cambiamento dello status quo che, nei decenni, ha reso il fashion uno degli ambiti più inquinanti in assoluto, è fondamentale che proprio il pubblico abbia la possibilità di conoscere in maniera approfondita determinate tematiche, di tastarne con mano processi, obiettivi, risultati.

Va esattamente in questa direzione FashRev_Mrkt, mercato urbano promosso da Fashion Revolution Italia che riunisce, in un unico spazio, quei brand che, attraverso le loro collezioni, si fanno portavoce dei valori e dei principi, etici e produttivi, perseguiti dalla ONG fondata da Orsola de Castro e Carry Sommers nel 2013, dopo la tragedia di Rana Plaza, in Bangladesh, nella quale morirono 1138 persone, tutte impiegate – o, per meglio dire, sfruttate – nel settore tessile.
A ospitarlo saranno gli spazi della Fondazione Sozzani, in via Tazzoli 3 (Milano), pronta ad accogliere i visitatori dalle 11 alle 19.30 di venerdì 21 e sabato 22 aprile.

Commentando l’iniziativa, la country coordinator e presidente di Fashion Revolution Italia, Marina Spadafora, sottolinea come la Fashion Revolution Week che si appresta a cominciare sia «speciale per noi, ricorre infatti nel decimo anniversario del crollo del Rana Plaza. A distanza di dieci anni ci siamo chiesti cosa è cambiato e, per trovare una risposta, con FashRev_Mrkt abbiamo voluto dare spazio a marchi positivi ed etici, nati per evitare che tragedie come quella possano ripetersi».

I brand presenti e il programma del mercato urban di Fashion Revolution Italia

Il mercato sui generis organizzato dalla ONG rappresenta, dunque, la cornice ideale per il lavoro di una serie eterogenea di designer e label, selezionate col contributo della piattaforma Must Had e accomunate dalla consapevolezza del fatto che, nella moda odierna, non debba esserci spazio per ingiustize sociali, sprechi, uso di materiali o tecniche inquinanti e altre procedure che, oltre ad essere moralmente riprovevoli, attentano alla salute (sempre più compromessa) della Terra; tra di loro, Endelea, Farma 282, Cantoprimo, TMMT, W. Camice, Kechic, PECORANERA, SALAD, Sunvitale Studio, TOOLS, Vuschichè e Close the Loop, solo per fare qualche nome.

Durante la serata inaugurale della kermesse, giovedì 20 aprile, è prevista – alle 19 – la proiezione di un episodio di Junk, docuserie co-prodotta da Will e Sky Italia che racconta l’impatto (devastante) della cosiddetta fast fashion su ambiente e persone, concentrandosi proprio sulle storie e immagini di chi, quotidianamente, ne subisce gli effetti deleteri. A seguire, Marina Spadafora ricapitolerà i passi avanti compiuti dall’organizzazione che presiede negli ultimi due lustri e presenterà la campagna Good Clothes Fair Pay, un’iniziativa lanciata a livello comunitario nel 2022, per chiedere al Parlamento Europeo una legge a tutela del pagamento di stipendi dignitosi per tutti i lavoratori dell’industria dell’abbigliamento; perché, oggi più che mai, la salute del Pianeta passa anche e soprattutto da quella delle persone che lo abitano.

Nell’immagine in apertura, foto di una campagna promossa da Fashion Revolution Italia

Si è conclusa lo scorso 2 aprile l’edizione 2023 di Esxence, fiera dedicata al mondo della profumeria artistica, che ha riunito a Milano ben 298 brand (di cui 95 italiani), provenienti da 30 paesi.
Nell’ambito di quest’importante manifestazione, che rappresenta un prestigioso palcoscenico per le fragranze di nicchia, opera dei migliori nasi ed esperti in materia del mondo, Laboratorio Olfattivo ha presentato al pubblico due nuovi sillage, ispirati alla bella stagione per eccellenza, la primavera.

Il brand torinese, fin dalla sua nascita nel 2009, si pone come obiettivo quello di dare massima espressione ai singoli ingredienti e note di ogni fragranza, in modo che ciascuna crei un’esperienza trascinante, sensorialmente impetuosa, portando alla mente ricordi, luoghi e tempi diversi, evocati da profumazioni sui generis.

Due fragranze che esaltano le qualità della bella stagione

Miss_U, nello specifico, è un profumo emozionale creato da Luca Maffei; nell’ultimo arrivato del marchio, infatti, si fondono delicatezza e un pizzico di malinconia. La rigogliosa apertura degli agrumi si fa più intensa e passionale grazie a cannella, pepe di Sichuan e soprattutto ambre, legni caldi, vaniglia e patchouli.
Til, altra novità della griffe, ha invece ha il magnifico potere di catapultare chi la vaporizza sulla pelle in un’atmosfera di impazienza per l’inizio delle vacanze, cadenzata dai primi raggi di sole, distinguendosi così come un jus capace di comunicare un autentico senso di gioia.
Le note di neroli, zenzero e cardamomo danzano piacevolmente in un fondo avvolgente di legni morbidi e muschi, trasmettendo positività e serenità.

Il successo di Laboratorio Olfattivo dimostra come le maison di nicchia si stiano ritagliando spazi sempre più importanti nella scena profumiera italiana, raccontando storie e personalità differenti, propagando pensieri ed evocando ricordi, arrivando lì dove le parole non possono trasmettere emozioni altrettanto forti.

Nell’immagine in apertura, lo store milanese di Laboratorio Olfattivo

Il brand francese Atelier de Production et de Création, conosciuto – più semplicemente – con l’acronimo A.P.C., lo scorso 30 marzo ha inaugurato un nuovo store a Milano, un’apertura che segna l’ingresso della griffe nel panorama retail nostrano. La boutique si trova nel cuore della città, precisamente in via Ponte Vetero 13, una delle arterie principali del quartiere di Brera, epicentro, coi suoi caffè, ristoranti e negozi (per non parlare delle numerose accademie e gallerie d’arte) della vita culturale cittadina, fin dall’inizio del secolo scorso, quando divenne il ritrovo di intellettuali, artisti e creativi.

L’opening milanese si inserisce nella nuova strategia di crescita del marchio

A.P.C. è la sigla usata dal fondatore Jean Touitou, famoso per l’abilità nel taglio sartoriale e l’uso di tessuti esclusivi, che predilige uno stile sobrio, minimalista e rigoroso, che fa della precisione e dell’understatement i propri capisaldi.
L’opening arriva nel momento in cui L Catterton, fondo di privaty equity co-creato dal gruppo LVMH e dalla famiglia Arnault, rileva una partecipazione di maggioranza nel marchio; l’obiettivo è quello di avviare una partnership strategica, che promuova la presenza internazionale dell’etichetta, accelerandone la crescita.

Opera dello studio Laurent Deroo Architecte, lo spazio propone un design essenziale; gli elementi d’arredo sono prevalentemente in legno, non sfarzosi e solo in apparenza semplici, caratterizzati da linee armoniose, pulite ed equilibrate. Una vera e propria controtendenza, in contrasto con l’estetica lussuosa della maggior parte degli spazi fashion presenti nella capitale italiana della moda; il flagship in questione, al contrario, favorisce la microarchitettura, delineando un percorso che si tramuta in un un’autentica experience, dando risalto a ogni dettaglio delle collezioni donna, uomo, denim, accessori.

In apertura, l’interno del nuovo store milanese di A.P.C. (ph. courtesy of A.P.C.)

Da oggi, venerdì 7 aprile, è disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali Altamente mia, il nuovo singolo di Andrea Brasi, in arte Bresh. Dopo il grande successo del precedente brano, Guasto d’amore, con oltre 21 milioni di stream sul solo Spotify e la certificazione del disco di platino, il cantautore genovese torna con un pezzo strappalacrime, decisamente toccante.
Prodotta da Shune, Altamente mia racconta la fine di una storia d’amore attraverso un susseguirsi di fotografie della vita quotidiana di una coppia ormai al capolinea, non ancora pronta a lasciarsi andare del tutto, lasciando aperta una speranza per il futuro.

Aprendosi con un giro di chitarra che cresce durante la strofa, accompagnato da una serie di immagini mentali facilmente visualizzabili, tipiche dello stile artistico e di scrittura dell’autore, raggiunge la massima apertura strumentale nel ritornello, per poi concludersi quasi in un parlato, come a dimostrare che la fine della canzone coincide anche con il termine della relazione.
“Altamente mia è una storia che, pur molto verosimile, è in realtà frutto di una visione immaginaria e disfattista dell’amore. È la speranza che la relazione continui a crescere ma con il pensiero a un futuro che potrebbe lasciare l’amaro in bocca. Il desiderio di trovare l’anima gemella si affianca alla paura che tutto possa finire”.

L’intervista con MANINTOWN

Nell’intervista concessa a MANINTOWN nel 2022, per l’uscita dell’album Oro blu, sottolineava in particolare quanto la scuola genovese avesse influenzato il suo percorso e la sua scrittura: “Sicuramente per me l’educatore maggiore, al di là dei miei genitori, è stato Faber. Questa mia parte apparentemente meno virile, che mi porta anche a raccontare aspetti poco machi, è un’ispirazione che arriva da chi mi ha insegnato a non nascondere niente. Io vedo la virilità in un uomo come De André, in quel suo modo di fare, nella sua consapevolezza”.

Nell’estate 2023 Bresh tornerà a esibirsi live in giro per la penisola, in un tour quasi completamente sold out, compreso il Carroponte di Milano, a dimostrazione dell’incredibile seguito di cui gode il cantautore di Bogliasco.

Reduce dal successo della serie americana targata HBO The White Lotus, Beatrice Grannò annuncia tre date in cui presenterà alcuni inediti del suo nuovo progetto musicale. I live si terranno il 10 e 11 aprile, rispettivamente a Milano e Bologna (aprirà il concerto di Ichiko Aoba), e il 29 aprile a Roma, in apertura a Generic Animal.

Classe 1993, l’attrice e cantautrice romana coltiva da subito la sua passione per il cinema, il teatro e la musica. Appassionata di pianoforte, ukulele e percussioni, si iscrive a un’accademia di musica a Prato. 
Nell’intervista concessa a MANINTOWN nel 2022, ancor prima dell’uscita del serial che l’avrebbe resa una star internazionale, sottolineava di aver «sempre fatto musica, nel mio modo di farlo c’è lo stesso intento che ho con la recitazione. Come attrice ho un approccio razionale, con la musica sono impulsiva. Mi piace raccontare in maniera dolce un segreto, cantare cose difficili con le parole. Da quando sono piccola suono il pianoforte, poi crescendo mi sono avvicinata anche ad altri strumenti perché avevo voglia di sperimentare».

Un’artista poliedrica, che si divide tra recitazione e musica

Dopo aver studiato recitazione a Londra, nel 2014 Grannò inizia la sua carriera nel mondo dello spettacolo con la serie Rai Don Matteo, alla quale seguono diversi ruoli in titoli di rilievo, tra grande e piccolo schermo, come Il Capitano Maria, Tornare, Gli indifferenti, Mi chiedo quando ti mancherò, Doc – Nelle tue mani e Zero. A livello attoriale, come detto, la consacrazione arriva con la partecipazione a The White Lotus, in cui ha avuto l’occasione di mettere in luce anche le sue doti canore.
L’amore per il cinema e la musica distinguono il percorso artistico di quest’artista sfaccettata, e ora le date di Milano, Bologna e Roma rappresentano l’opportunità di ascoltare il suo nuovo progetto, d’ispirazione alt-folk americano.

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Beatrice Grannò (ph. courtesy of Astarte Agency)

Nell’abbondanza di settimane della moda, ormai sparse in tutto il mondo, si pone la questione sul senso e i benefici di questi eventi, legata all’aggiunta di ulteriori luoghi sulla mappa internazionale del fashion. Nel caso della Taipei Fashion Week, ad esempio, il pubblico specializzato potrebbe chiedersi perché l’opening show della manifestazione si sia tenuto a Tainan invece che nella principale città dell’isola.
In tutto questo, c’è di sicuro un innegabile vantaggio economico da parte delle strutture regionali, che riguarda specificamente la creazione di nuovi posti di lavoro, necessari per allestire una settimana della moda, oppure i ricavi aggiuntivi di cui beneficiano il settore della gastronomia e quello dell’hôtellerie. Bisogna poi aggiungere, ovviamente, che i designer partecipanti vogliono dimostrare ciò che sanno e possono fare.

Come visitatore, tuttavia, c’è una motivazione davvero forte alla base del viaggio, che per alcuni può essere molto lungo: un’ospitalità senza fine! In alcuni frangenti della fashion week taiwanese ci possono essere lievi barriere linguistiche, anche solo per registrarsi a una sfilata, ma una volta superati piccoli ostacoli del genere si può assistere a un benvenuto decisamente caloroso, raro in altre kermesse della moda.

Una location d’eccezione per l’apertura della rassegna

La Taipei Fashion Week, avviata solamente sei anni fa, si è sempre data il compito di stabilire un dialogo tra performance tradizionale, artigianato e moda. Secondo i responsabili, da ben 360 anni le persone si recano al tempio Nankunshen Daitian per esprimere i loro desideri, e Tainan è anche nota per un patrimonio artigianale di lungo corso. Era quindi chiaro che l’apertura della fashion week avrebbe dovuto avere luogo all’altro capo dell’isola, a Tainan. Circa due terzi degli ospiti, in viaggio da Taipei, si sono adeguati a quest’indicazione, che ricorda in qualche modo il Festival di Hyères, in cui gli addetti ai lavori compiono un pellegrinaggio speciale nel sud della Francia.
Lo show d’apertura, tenutosi per la prima volta al tempio Nankunshen Daitian di Tainan il 22 marzo, è visto come un complemento dei défilé ospitati nella sede principale della rassegna, il Songshan Culture and Creative Park di Taipei.

Obiettivi e valori della Taipei Fashion Week F/W 2023-24

Per la stagione Fall/Winter 2023-24, la Taipei Fashion Week include una sfilata di moda sostenibile, 12 di singoli brand (tra cui lo show New Breed, con tre giovani, talentuosi designer) e tre interscolastiche, riservate agli studenti di sette scuole specializzate.

Secondo i promotori di questo grande evento fashion, i cinque pilastri della TFW sono sostenibilità, funzionalità, diversità, “crossover” di stile, umanità. Lo scopo è mettere l’artigianato tradizionale taiwanese in primo piano, avvicinandosi così all’obiettivo di diventare la quarta settimana della moda per importanza nella regione asiatica. Le probabilità di riuscita, in questo senso, sembrano buone, e i feedback dei partecipanti lo confermano. Gli organizzatori, inoltre, si propongono di far incontrare l’industria tessile e gli stilisti emergenti, così da passare da un affascinante abbigliamento funzionale a un abbigliamento up to date.
Durante la sfilata inaugurale, diventa chiaro che il piano sta funzionando: una craftsmanship eccezionale, tramandata di generazione in generazione, ed elementi fashion squisitamente contemporanei si uniscono in collezioni uniche nel loro genere. La mise en scène delle passerelle incorpora performance artistiche, savoir-faire artigianale e moda, tra musica classica, opera tradizionale e teatro d’ombre, soluzioni ricorrenti nelle presentazioni dei 70 look firmati da sette label (TANGTSUNGCHIEN, Just In XX, BOB Jian, C JEAN, Gioia Pan, WEI TZU-YUAN e YENLINE).

Lo spettacolo dello show d’apertura

Oltre ai fuochi d’artificio, per dare il via alla serata sul tempio vengono proiettati il fashion film e il video promozionale F/W 2023-24 del regista Zhun Zhang e di Yingting He, maestro dell’obiettivo. È il loro primo tentativo di combinare il tradizionale video culturale e l’intelligenza artificiale (Deforum Stable Diffusion), per dare alle immagini una texture a mo’ di dipinto astratto, completando i raffinati movimenti degli artisti reclutati, aggiungendo così un livello ulteriore all’effetto visivo d’insieme. Stando alle loro parole, hanno seguito Joanne Chih-Chiao Tseng da una prospettiva in terza persona di cambiamento, integrazione e connessione, unendo memoria culturale e moda contemporanea per realizzare un look completamente nuovo.
Inoltre, per aiutare i brand ad espandersi sia nel mercato regionale che in quello estero, per questa stagione è stato lanciato il Taipei Fashion Week Shop, nel SOGO Department Store Fuxin Branch, che vende oltre 40 marchi di stilisti provenienti da diversi settori.

La Taipei Fashion Week si svolge dal 22 marzo al 9 aprile, con le principali attività concentrate nei giorni dal 24 al 29 marzo, presso il Songshan Cultural and Creative Park.

Nell’immagine in apertura, un momento dello show inaugurale della Taipei Fashion Week F/W 2023-24

Uno spazio aperto alla città, pensato per accogliere ricercatori, curatori, archivisti, studenti e designer interessati alla ricerca nell’ambito dei fashion studies. È Anarchive, il nuovo hub creativo lanciato a Firenze da Polimoda: non un museo, bensì un archivio di moda che si pone l’obiettivo di educare e divulgare, un laboratorio in costante evoluzione, che parte dalla curatela dei capi iconici dei grandi designer. “Guardando al passato, possiamo trovare ispirazione per costruire un futuro nuovo, che tenga in considerazione le sfide attuali” sottolinea il direttore della scuola, Massimiliano Giornetti.
Sede di ricerca ma anche teatro di incontri e appuntamenti, per mettere in contatto le diverse realtà creative del fashion system, utilizzando un lessico universale e un approccio analitico.

“La moda non è solo business, ma un universo di potenzialità creative che si espande ben oltre i confini del suo mondo”, aggiunge Linda Loppa, Advisor Strategy and Vision di Polimoda. Il progetto, attraverso un linguaggio comune, vuole superare le barriere culturali e geografiche, dando vita a nuove forme di espressione artistica.

Il progetto nelle parole di Ferruccio Ferragamo, Massimiliano Giornetti e Linda Loppa

“Firenze è da sempre una città fortemente legata alla moda e alle arti, un vero e proprio hub culturale per il settore”, dichiara il presidente di Polimoda Ferruccio Ferragamo, “qui la moda italiana ha avuto origine e resta protagonista con Pitti Immagine. È quindi naturale la sinergia di Firenze con Anarchive, che ha l’obiettivo di valorizzare il patrimonio storico e culturale della moda, con particolare attenzione alla sua evoluzione nel tempo. Grazie a questo progetto, la città potrà continuare a essere un punto di riferimento per la formazione e la ricerca fashion“.

“Il mondo fashion è in costante evoluzione e Anarchive rappresenta una risorsa inestimabile per coloro che intendono viverlo con un approccio innovativo”, sottolinea invece Giornetti. “Guardando al passato, possiamo trovare ispirazione per costruire un futuro nuovo, che tenga in considerazione le sfide attuali. Il nostro progetto si articola in quattro azioni: archiviazione, ricerca, formazione e presentazione. Grazie ad Anarchive, Polimoda si propone di creare un luogo fisico e virtuale nel quale accedere a un patrimonio culturale unico, un tesoro prezioso da cui attingere per costruire un futuro sempre più sostenibile e innovativo“.

Loppa, da parte sua, sottolinea che “Anarchive si propone di sfidare le normali assunzioni nella moda, creando un centro di ricerca che la connette ad altre discipline come arte, scienza, design, musica, fotografia, cinema. Questo progetto ambizioso vuole creare un linguaggio universale comune, che superi le barriere culturali e geografiche, dando vita a nuove forme di espressione artistica. Anarchive ci invita quindi a riconsiderare la moda, a guardare oltre le apparenze e scoprire tutto il suo potenziale creativo”.

Il potere dell’heritage nella moda

Gli archivi di moda rappresentano senza alcun dubbio un tema di straordinario interesse e infatti, ormai da tempo, sono al centro di molteplici iniziative di censimento e riordino, di valorizzazione e condivisione, pubbliche e private. Basti pensare alla Fondazione Emilio Pucci, nata ufficialmente nel 2001 per volontà della famiglia Pucci e di Bernard Arnault, proprietario del conglomerato del lusso LVMH, con l’intento di conservare, organizzare e preservare il ricco patrimonio aziendale accumulatosi in 75 anni di storia.
Un nome che ancora brilla tra le eccellenze italiane non può che essere quello memorabile di Gianfranco Ferré, ed è proprio il suo lascito creativo e artistico, un vero e proprio patrimonio culturale, che la Fondazione Gianfranco Ferré ha deciso di donare al Politecnico di Milano.
I disegni e gli abiti dell’archivio restituiscono in modo considerevole l’eredità del pensiero e dell’opera dello stilista italiano, rappresentando un giacimento unico su cui innestare nuovi filoni di ricerca, l’esemplificazione perfetta di come il passato possa incontrare il presente per guardare al futuro, nutrendolo di nuova ispirazione. L’archivio dunque non è solo un modo per custodire, bensì uno strumento vitale e operoso, un motore di rielaborazione e riadattamento, un luogo sacro e culturale.

Nell’immagine in apertura, la Manifattura Tabacchi, dove sarà realizzato Anarchive (ph. by Marco Gualtieri, courtesy of Polimoda)

Dal 1964, anno di fondazione dell’azienda a Westbrook, nel Maine, Sebago è sinonimo di preppy, l’abbigliamento caratteristico degli universitari dell’Ivy League americana, un’estetica collegiale “elevata”, sofisticata e dégagé in egual misura, che nel tempo ha sedotto schiere di studenti – e non solo – ai quattro angoli del mondo, ammaliati dai capi e accessori del marchio, a cominciare dai mitici penny loafer, i mocassini con mascherina dall’appeal raffinato, e dalle scarpe da barca Docksides, con suola in gomma antiscivolo.

Ora, dopo aver rivoluzionato il mondo fashion con proposte outdoor e indoor divenute emblemi dell’estetica habillé della casa, frutto di lavorazioni rigorosamente artigianali e di una cura minuziosa dei dettagli, che rendono unico ogni articolo, il brand a stelle e strisce, per la stagione primavera/estate 2023, arricchisce il proprio vocabolario di stile con un nuovo lemma, fedele – of course – ai valori che ne hanno decretato il successo internazionale.
Si tratta della linea Sebago Sunglasses, una collezione di occhialeria unica nel suo genere, legata a doppio filo con l’heritage della griffe americana. Ogni occhiale, infatti, richiama sia nel nome che nel design i mocassini sopracitati, simbolo di un’eleganza timeless che ha conquistato fan ad ogni latitudine, contaminando outfit e abitudini vestimentarie disparate.

Quattro montature dal gusto classy, simbolo di un’eleganza senza tempo

Sono quattro, in particolare, i modelli intorno ai quali è imperniato il debutto nell’eyewear, che si candidano già a diventare iconici: innanzitutto Joe, occhiale dalla linea panto (ossia over e smussata) lievemente squadrata; poi Portland, che si distingue per i volumi stondati e l’ampio ponte a chiave; Paul, modello rettangolare dalla silhouette cat-eye; infine Dan, panto “canonici” che si adattano facilmente a qualsiasi forma del viso.
Quattro sunglasses dal gusto clean, classico, cui i materiali di pregio che hanno sancito la fortuna del brand danno il necessario twist. Trasparenti, nere o tartarugate, declinate in varianti opache o lucide, le montature sono proposte in diverse cromie, in nuance con la calzatura cui fanno riferimento; ad accomunarle – e contrassegnarle – è però il logo “penny loafer”, riprodotto sulle cerniere, e il design delle aste, ispirato all’inconfondibile suola moc delle scarpe.

Ogni paio è accompagnato da un packaging esclusivo in pelle, marchiato Sebago e completo di panno pulente in microfibra, su cui è impressa la storia della label. Un tributo a tutti gli effetti, che vuole celebrare a dovere l’importanza di quelle peculiarità stilistiche che hanno cambiato – e continuano a farlo – i codici tradizionali del ready-to-wear. L’eyewear Sebago, dunque, rielabora con brio l’estetica preppy, arricchendola con mille spunti per abbinamenti e total look. Una linea di occhialeria che ha riscosso consensi fin dalla presentazione ufficiale della collezione, lo scorso febbraio, quant’è stata svelata nella cornice d’eccezione del MIDO Eyewear Show di Milano, principale evento internazionale dedicato all’eyewear, visitato quest’anno da oltre 52.000 presenze e più di 1.200 espositori da tutto il mondo.

Dal 15 marzo è disponibile, su tutte le piattaforme digitali, la seconda “incursione” del duo musicale Colapesce Dimartino nel mondo – in continua, rapidissima espansione – dei podcast. Bis!, questo il titolo, si presenta come la seconda stagione (o sequel che dir si voglia) della trasmissione radio di debutto, Big! (Storia leggerissima di qualcosa che non rifaremo), e documenta l’atteso ritorno al Festival sanremese, dopo l’exploit nel 2021 con Musica leggerissima, di Lorenzo Urciulli e Antonio Dimartino (questi i veri nomi dei due artisti siciliani).

Scritto e prodotto da Marco Rip e Giacomo De Poli per Dopcast e LifeGate Radio, Bis! Colapesce e Dimartino a Sanremo riparte dal desiderio di seguire passo per passo il loro secondo festival, portando l’ascoltatore dietro le quinte della rassegna musicale italiana per eccellenza, per certi versi una prima volta (bisogna infatti considerare che il debutto all’Ariston, nel 2021, era avvenuto nel pieno del lockdown, senza il pubblico in sala, durante un’edizione atipica sotto tutti i punti di vista), documentando, attraverso un format assai inusuale, la settimana più frenetica della canzone italica.

Un documentario “parlato”, che racconta in presa diretta il festival musicale italiano per antonomasia

Il nuovo podcast aggiunge capitoli inediti al precedente racconto e, in generale, alla storia di Colapesce Dimartino, musicisti tra i più ricercati e importanti della scena italiana dell’ultimo decennio, desiderosi – e capaci – di rimettersi sempre in gioco, anteponendo a tutto la loro poetica.
Rispetto a Big!, registrato quasi del tutto da remoto attraverso messaggi vocali, lunghe chiacchierate a distanza e qualche scena catturate dall’entourage, Bis! può definirsi un autentico documentario, realizzato in presa diretta nei vari ambienti del Festival. Una produzione sfaccettata e rigorosamente “sul campo”, in grado di districarsi tra situazioni e contesti completamente diversi, nonché di alternare un punto di vista oggettivo, di testimonianza diretta a momenti introspettivi e altri di pura vivacità. Il risultato appare come un “film sonoro” unico nel suo genere, immersivo, che ci trasposta a fianco dei protagonisti, facendoci rivivere la quotidianità e l’atmosfera del backstage sanremese.

Un next chapter che segue il grande successo di Big!, incluso due anni fa da Apple tra i migliori podcast, piazzatosi al secondo posto nella classifica di quelli più ascoltati su Spotify, infine candidato agli Oscar italiani della categoria come miglior podcast audio-documentario.
Colapesce Dimartino, invece, non hanno ormai più bisogno di presentazioni. Alla 73esima edizione della kermesse canora hanno presentato il singolo Splash, già certificato disco d’oro, con cui hanno vinto sia il Premio della critica Mia Martini che quello della sala stampa Lucio Dalla. Dopo il bis a Sanremo, il duo sarà impegnato nel Club Tour 2023, in partenza a novembre 2023, che li porterà (durante le prime tappe) all’Estragon di Bologna, alla Casa della Musica di Napoli, all’Atlantico di Roma, alla Venaria Reale e al Teatro della Concordia (Torino) e all’Alcatraz milanese, rispettivamente il 23, 30 novembre, 1, 4 e 5 dicembre.

Nell’immagine in apertura, Colapesce Dimartino fotografati da Chiara Mirelli

Da esattamente un anno, a Milano, nel centralissimo corso Buenois Aires (arteria principale del vivace quartiere di Porta Venezia), opera un centro medico estetico che ha fatto dell’avanguardia, della costante innovazione la propria ragion d’essere, emergendo da subito nel variegato panorama cittadino che ruota intorno al benessere, alla cura di sé. Beauty Formula, questo il suo nome, si distingue perché riunisce, nella medesima struttura, medici chirurgi estetici e professionisti del settore altamente qualificati, riconosciuti per l’elevata competenza nelle rispettive discipline, in grado di fornire ai pazienti un approccio sui generis, multidisciplinare, imperniato sull’ascolto – e la conseguente soddisfazione – dei loro bisogni.

Trattamenti innovativi, tagliati su misura per le specifiche esigenze di ciascun cliente

A rendere unica nel suo genere la clinica è la metodologia ultra-innovativa, che sfrutta le apparecchiature più recenti e sofisticate. Un’expertise al servizio dei clienti, con i quali s’instaura un fondamentale rapporto di ascolto e cura delle specifiche necessità, per seguirli in ogni fase del trattamento.

Il focus, da Beauty Formula, è sui trattamenti di medicina estetica non invasiva, cioè quelli specificamente pensati per la cura di viso e corpo, per il ringiovanimento, per il rimodellamento e la prevenzione dei segni del tempo. Nell’ampia varietà di servizi offerti, quello di punta è rappresentato senz’altro da Thermage FLX, terapia avanguardistica mirata a ringiovanire il volto, da eseguire in una sola seduta poiché rilascia energia controllata tra i 58 e 63 gradi, con risultati che si mantengono a distanza di anni.

Durante il trattamento (che può associarsi a una blanda sedazione, per rilassarsi e godere della massima tranquillità) vengono inviati degli impulsi, subito avvertiti dal paziente, che percepisce per una frazione di secondo una profonda sensazione di calore, preceduta e seguita (e dunque smorzata all’istante) dal raffreddamento a spruzzo, per ridurre al minimo il fastidio. 
Senza interventi chirurgici né iniezioni, Thermage FLX permette di levigare la cute, distendendola, modellandola e facendola risplendere, così da rinvigorire contorno e profili del viso, rinnovando il collagene naturalmente presente nel derma, che in questo modo non è scalfito da incisioni o punti di sutura.

Ricerca e ascolto al servizio del benessere esteriore, per far risplendere anche quello interiore

Il claim del centro sintetizza, in maniera efficace, la sua filosofia, ossia “valorizzare la bellezza naturale di tutte le persone, per migliorarne l’aspetto in modo che si sentano in armonia con se stessi”; una vera e propria ode al benessere esteriore, che non può non impattare positivamente su quello interiore, equilibrando alla perfezione le due dimensioni – inscindibili – della bellezza, corpo e spirito.

Ogni trattamento e protocollo applicato da Beauty Formula si configura come un processo a più tappe, incardinato rigorosamente sulla scienza e il pensiero alla base del suo operato. Il minimo comun denominatore? La volontà di migliorare aspetto e qualità della pelle, minimizzare i segni dell’invecchiamento cutaneo, correggere gli inestetismi, il tutto preservando l’armoniosità dei lineamenti e la naturalezza – e assoluta sicurezza – delle procedure.

Nell’immagine in apertura, una foto del centro medico estetico Beauty Formula, a Milano

Bologna la dotta, Bologna la rossa, Bologna la grassa, Bologna la turrita… Per il capoluogo dell’Emilia Romagna, un concentrato di arte, cultura, eccellenze enogastronomiche, fermenti giovanili – e non solo – che teme ben pochi confronti, gli aggettivi si sprecano. Per godersi appieno il soggiorno nella città felsinea, appoggiandosi a un albergo di grande prestigio e appeal, una soluzione ottimale è rappresentata dall’hotel NH Bologna de la Gare, che – come suggerisce il nome – sorge a pochi passi dalla stazione ferroviaria, nella centralissima piazza XX settembre. Una posizione strategica, poiché consente di raggiungere, con una piacevole passeggiata, i principali monumenti e luoghi d’interesse bolognesi, dalla celeberrima piazza Maggiore, dove svetta l’imponente mole gotica della basilica di San Petronio, alle due torri simbolo Garisenda e degli Asinelli (distanti appena una quindicina di minuti a piedi), che ne dominano e caratterizzano lo skyline, senza contare i vari locali e store che affollano il centro.

Un indirizzo raffinato, pensato per soddisfare le esigenze più diverse, dal meeting al soggiorno romantico

L’hotel conta 156 camere, tutte dal raffinato stile classico, all’insegna del comfort assoluto. Quelle superior, in particolare, risultano assai spaziose, mentre le room per famiglie sono perfette per chi viaggia con i bambini. All’ultimo piano dell’edificio, sette Junior suite e due suite, oltre a tutti gli atout del caso (dai salottini privati alla Technogym Bike disponibile 24 ore su 24), garantiscono una vista impagabile su Bologna.

NH Bologna de la Gare, poi, offre la possibilità di ospitare qualsiasi evento, potendo contare su sette sale riunioni, la cui capienza può superare le duecento persone; spazi ideali per organizzare meeting lavorativi o convention, dotati di ogni attrezzatura, dai videoproiettori ai fogli mobili; lato catering, invece, la struttura mette a disposizione degli ospiti stuzzichini gourmet, bevande o pietanze più elaborate, disponibili nel ristorante Amarcord.

Quest’ultimo costituisce l’ennesimo fiore all’occhiello dell’indirizzo bolognese della catena, un locale moderno, contemporaneo, dagli arredi eleganti e ricercati, in cui proposte d’avanguardia e capisaldi della cucina tradizionale, come la pasta fatta – rigorosamente – in casa convivono in armonia, esaltati dall’atmosfera soffusa, ricercata; qualità che ne fanno un autentico place to be, dove ritrovarsi per qualsiasi occasione, dal pranzo di lavoro alla cena intima.

L’offerta gourmet dell’hotel, dal ristorante di design al rooftop bar estivo

Per chi preferisca drink e pietanze più “easy”, ecco poi il raffinato lobby bar interno, aperto tutti i giorni dalle 10 a mezzanotte, che accoglie gli avventori con le sue linee minimal, l’arredamento in stile contemporary chic, le cromie neutre, che contribuiscono a definire il tono rilassato e raccolto dell’ambiente, inondato di luce naturale grazie alle ampie finestre che corrono sui lati. Nella carta, oltre alla lista dei cocktail, una ricca selezione di rum e grappe, senza dimenticare le ghiottonerie assortite del menù, nel caso ci si voglia concedere uno stuzzichino.

Durante la bella stagione, inoltre, gli ospiti possono beneficiare di un’ulteriore “chicca”, lo scenografico Sky Bar 507, situato sulla terrazza della suite 507, appunto; un “temporary summer bar” dove rilassarsi al tramonto, godendosi la vista formidabile sulla città mentre, magari, si sorseggia un drink accompagnato da qualche snack. Aperto fino al 20 settembre tutti i giorni, dalle 18 alle 21, è il luogo d’elezione per cominciare una serata bolognese nel miglior modo possibile.

NH Bologna de la Gare

Piazza XX Settembre, 2, 40121 Bologna Italia

Tel: +39 051 281611

[email protected]

www.nh-hotels.it/hotel/nh-bologna-de-la-gare

Nell’immagine in apertura, lo Sky Bar 507, sul rooftop dell’hotel NH Bologna de la Gare (ph. courtesy of NH Hotel Group)

L’azienda Velier, da oltre 60 anni è uno dei principali distributori di liquori e distillati in tutta Italia.Tra questi, Glenfiddich ha annunciato il lancio della collezione Time Reimagined, una straordinaria collezione di eccezionali single malt whiskies invecchiati rappresenta l’espressione definitiva del tempo ed è l’apice dello stile caratteristico della distilleria Glenfiddich.

Ognuno è modellato dal costante trascorrere del tempo ed è presentato in una confezione unica, espressione di una artigianalità su misura. La collezione Time Reimagined consiste di tre straordinari single malt whiskies ognuno dei quali cattura un momento nel tempo. Questi whiskies sono invecchiati per molti decenni sviluppando una ricchezza ed una profondità aromatica che raramente può essere trovata. Il più raro all’interno di questa collezione altamente ricercata è il 50YO; una sbalorditiva rappresentazione del Tempo Simultaneo, che esplora le condizioni e gli effetti paralleli e complessi che hanno influenzato questo liquido raffinato. Il 40 Year Old rappresenta il Tempo Cumulativo, portando attenzione alle stratificazioni di aromi all’interno del suo liquido rese possibili dal processo di assemblaggio delle rimanenze, sperimentato per primo da Glenfiddich, dove alcune single botti vengono selezionate e unite con il precedente assemblaggio di 40 YO. A completare la collezione un 30 Year Old, che incarna il concetto di Tempo Sospeso, il momento in cui il Malt Master sospende l’invecchiamento del whisky, mostrando la più pura espressione del carattere della distilleria.

Dal 1960, solo tre Malt Masters sono stati al timone, supervisionando il paziente sviluppo di queste botti rare e preziose. Diversi decenni più tardi, questi single malts hanno raggiunto l’apice della loro maturità ed ora sono pronti per essere imbottigliati.

Lo straordinario packaging esterno creato per tutti e tre i whisky, destruttura visivamente e porta orgogliosamente in vita queste articolazioni del tempo in una forma spettacolare, raccontando la loro storia attraverso tecniche di design anticonformiste e dirompenti. Il perfetto contrappunto a questi whiskies che sono rimasti a maturare tranquillamente ed evolvere nello Speyside in Scozia, per decenni.

Una piccola (come da nome) boutique gourmet, pensata per soddisfare le esigenze dei foodie più smaliziati come dei “semplici” avventori che si ritrovino per caso a passare davanti alla sua vetrina; si potrebbe definire così Il Piccolo Lab, laboratorio di pasticceria dolce e salata in via Presolana, a Porta Romana, uno dei quartieri più dinamici e, al tempo stesso, eleganti di Milano. Un indirizzo consacrato alla golosità, dove tutto, dagli spazi agli allestimenti, fino alle proposte gastronomiche, intende trasmettere una sensazione di intimità, di (sofisticata) rilassatezza, come da volontà della titolare, Federica Gaboardi, che nel dicembre 2019 ha deciso di inseguire il suo sogno, un locale tutto suo nel cuore della metropoli lombarda.

Un indirizzo consacrato alle proposte gourmet, dolci e salate

Il suo percorso, professionale e di vita, l’ha portata a laurearsi in marketing, per decidere poi di assecondare la passione più grande, quella per la pasticceria, appunto, lavorando nelle cucine di Bulgari e collaborando coi migliori ristoranti di Barcellona, a cominciare da Espai Sucre, autentico tempio catalano del dessert, che vanta una carta composta esclusivamente da torte, sorbetti, gelati e affini.
Completata la sua formazione, decide di tornare in Italia e intraprendere un percorso in solitaria, aprendo il Piccolo Lab, con cui realizza menù ricercati per i catering in ufficio, le produzioni media, eventi e feste varie, nonché proposte su misura per chiunque desideri festeggiare a casa, ma seguito da una private chef d’eccezione.

Federica segue in prima persona, minuziosamente, l’intero processo di preparazione delle pietanze, dalla scelta degli ingredienti (rispettosi, il più possibile, del ciclo naturale delle stagioni) alle portate finali con cui deliziare il palato dei clienti. Le brioche del locale, dolci o salati, risultano ad esempio immancabilmente soffici e fragranti, preparate esclusivamente con burro francese.

Un laboratorio piccolo nelle dimensioni, ma animato da un’esperienza e una passione gigantesche, messe al servizio di un solo obiettivo, accompagnare il cliente in un’esperienza culinaria completa, dall’antipasto al dolce, che pur esaltando il gusto sposa i precetti del mangiar sano.

Nell’immagine in apertura, una torta esposta nella vetrina de Il Piccolo Lab

Dallo scorso venerdì è disponibile, in formato fisico e su tutte le piattaforme online, il nuovo disco – il secondo prodotto dall’etichetta personale Ultimo Records – di Ultimo, Alba.
Il nuovo progetto discografico di Niccolò Moriconi (questo il vero nome del cantautore romano) è il risultato di un anno intero di viaggi, leva indispensabile per comporre brani come Vieni nel mio cuore, scritto a Los Angeles, o Ti va di stare bene, realizzato durante la sua permanenza a Londra. Senza dimenticare la canzone che dà il titolo all’album, che ha ottenuto riscontri lusinghieri al 73esimo Festival di Sanremo, dove Ultimo si è classificato quarto, e solo nell’ultima settimana ha conquistato la Top 10 su Apple Music, Spotify e Amazon Music, raggiungendo 6.3 milioni di stream sulle piattaforme; su TikTok, poi, risulta essere la quinta hit di maggior popolarità.

Un album che rappresenta un nuovo inizio cui ambire, ché «tutti abbiamo un’alba dentro, basta guardare»

Quella di Alba, sostiene l’artista, è una nuova luce, che rappresenta simbolicamente uno squarcio nelle atmosfere decisamente più cupe del quarto disco Solo, uscito nel 2021, certificato triplo Disco di platino. Alba è infatti rinascita, è guardarsi dentro e voler ricominciare, un nuovo inizio cui ognuno può ambire, perché «tutti abbiamo un’alba dentro, basta solo guardare». La canzone, spiega Moriconi, «disegna una connessione con la parte più nascosta di me. Quella parte che tutti abbiamo ma che, purtroppo, tendiamo a perdere di vista. È una lettera per chiunque voglia guardarsi dentro e provare a ricominciare. È rivolta all’essere umano, alle sue fragilità, al bisogno che sente di superare i suoi limiti».

La tracklist comprende però diversi altri titoli, da Tornare a te («tra le mie preferite. È la fotografia della malinconia, spiegata con frasi quasi “spruzzate”, in un vero e proprio flusso di coscienza», puntualizza) ad Amare («la canzone d’amore per eccellenza. Un amore che va a gonfie vele, un amore che esprime salvezza»), da Tu («molto legato al sound R&B più melodico. In un attimo mi ritrovo a una cena a lume di candela, a New York») a Vivo per vivere, un «brano “fresco”. C’è una frase che mi rappresenta appieno: “resta con me, mentre cammino da solo”».

Molta dell’energia riversata da Ultimo nel suo nuovo lavoro deriva dai palchi – regolarmente sold-out – degli stadi calcati durante la scorsa estate, nonché dalla carica in vista di quelli che lo aspettano nel corso dell’anno col tour La Favola Continua…, che prenderà il via allo stadio Teghil di Lignano Sabbiadoro il 1° luglio, farà tappa a Roma, allo stadio Olimpico, per due date (7-8 luglio) da tutto esaurito, e chiuderà in bellezza a San Siro, a Milano, il 17 e 18 luglio.

I live rimangono, quindi, il principale motore del cantante, una spinta indispensabile per realizzare musica. Guarda proprio agli stadi anche il sound di Alba, più ricercato e consapevole, a testimoniare la maturazione di un artista che, a soli 27 anni, vanta già 56 Dischi di platino e 18 d’oro.

Nell’immagine in apertura, Ultimo fotografato da Giulia Parmigiani

Fresco di partecipazione all’ultimo Festival di Sanremo, dove ha presentato il brano Stupido, Will (nome d’arte di William Busetti, cantautore 23enne originario di Vittorio Veneto) è determinato a intraprendere una nuova fase del suo percorso di crescita, creativa e umana. Lo certifica l’uscita, qualche giorno fa, del suo primo album Manchester, disponibile sia in formato fisico (cd e lp, anche in versione autografata, in esclusiva nello store Universal Music) che digitale, pubblicato dall’etichetta Capitol Records (Univesal Music Italy); oltre alla canzone sanremese, di fatto un’anticipazione del progetto, contiene altre 15 tracce; una tracklist composita, che comprende successi come Estate – già certificato Disco di platino, Anno Luce, Capolavoro, Chi sono veramente, Domani che fai?, Più forte di me, che nell’insieme possono vantare oltre 100 milioni di stream. 

L’album dà forma compiuta al mondo dell’artista, intriso di verità e spontaneità, capace di raccontare le piccole – ma significative – cose del quotidiano con un’autenticità spiazzante, cogliendo quella dimensione cristallina della vita di tutti i giorni che solo un cantautore è in grado di trasformare in musica. Nonostante la giovane età, Will conferma dunque di avere una vena estremamente versatile, la capacità di muoversi con disinvoltura tra generi e stili diversi, pur mantenendo una sua cifra, assolutamente riconoscibile.

Manchester, primo album del cantautore che, dice, «rappresenta al meglio il mio viaggio»

Ad accompagnare il disco, l’omonimo “instore tour”, partito lo scorso sabato 11 febbraio proprio da Sanremo e proseguito a Padova, Milano, Roma, Bologna e Torino. A maggio, invece, il ritorno alle esibizioni live con lo Stupido Tour Venti23, organizzato e prodotto da Magellano Concerti, che farà tappa innanzitutto a Milano, il 3, presso i Magazzini Generali, per poi spostarsi a Padova (4 maggio, Hall) e nella capitale, l’11, all’Orion (per tutte le info su date e biglietti, magellanoconcerti.it).

È lo stesso Will a descrivere l’album come «il frutto degli ultimi tre anni di lavoro, in cui mi presento per quello che sono realmente, senza filtri né costruzioni»; e precisa: «Manchester rappresenta al meglio il mio viaggio, facendomi scoprire lati di me che non conoscevo sino a definire la mia vera identità musicale, un album che in qualche modo ripercorre i miei ultimi anni, da quando ho iniziato a scrivere i primi testi fino a Sanremo. È sicuramente un tributo alle mie origini. Parte della mia famiglia è di Manchester, quella cultura anglosassone l’ho sempre respirata, fa parte di me e del mio modo di vivere e concepire anche la musica, soprattutto nelle influenze e nelle sonorità pop britanniche. Mi rispecchia in tutta la mia essenza, spero davvero che arrivi la sincerità di questo progetto a cui tengo in maniera particolare».

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Will

Oltre 500 brand i brand protagonisti dell’evento espositivo divenuto punto di riferimento per l’artigianato creativo di qualità del settore

Homi Fashion&Jewels Exhibition, unico evento espositivo completamente dedicato all’accessorio moda, all’abbigliamento e al gioiello torna con una nuova edizione dal 17 al 20 febbraio in fieramilano (Rho) con un format rinnovato e da una ricca proposta che lo conferma punto di riferimento dell’intero settore. Una vetrina dalla forte vocazione internazionale capace di rappresentare l’eccellenza e le tendenze del futuro che ospita oltre 500 brand, il 39 % dei quali provenienti da 22 diversi paesi Europei, tra i quali Francia, Grecia e Spagna sono i più rappresentativi.

Rinnovata la collaborazione con Poli.Design con due specifiche aree tendenza e tante novità

Collezioni sempre più attuali, innovative e tecnologiche con focus sulla sostenibilità, sociale e ambientale, saranno presenti per ispirare con gli ultimi trend della moda e avvicinare sempre più gli operatori del settore a quelle che sono le esigenze del mercato. Un viaggio ideale alla scoperta di quelle proposte primavera/estate 23 sempre più caratterizzate da elementi di ricerca, innovazione e creatività, per raccontare le ispirazioni nate all’insegna della libertà di espressione, dell’avanguardia e dell’essenzialità. 

Tante novità anche nelle proposte dello spazio The incubator-Tuttepazzeperbijoux, a cura di Maria Elena Capelli, che si conferma un’area di successo con quindici brand che in particolare si rivolgono ai concept store e gioiellerie che ricercano pezzi unici o fatti a mano, caratterizzati da originalità e alta qualità. 

Un hub per scoprire le tendenze del domani, amplificato anche dalla rinnovata collaborazione con Poli.Design, che ha dato vita in questa edizione all’area espositiva VISIONAIRES– che accoglie creazioni di 120 designer internazionali che propongono la loro visione futura- e allo spazio multimediale DESIGN DIRECTION– Fashion Forecast 2025 che racconterà indicazioni, idee e spunti di riflessione sull’evoluzione dei trend e del costume tracciano le linee guida del prossimo biennio.

Infine, gli operatori potranno sfruttare a pieno l’esperienza fieristica, ritrovando in parziale contemporaneità – dal 19 al 22 febbraio – sempre in fieramilano, MICAM Milano, Salone Internazionale della Calzatura, MIPELSalone internazionale della pelletteria e dell’accessorio moda, TheOneMilano, Salone Internazionale dell’Outerwear e dell’Haute-à-porter.

Firenze è una città traboccante di cultura, arte, storia, tradizione. Ogni angolo del capoluogo toscano nasconde, infatti, una bellezza senza pari. Visitarla in inverno, poi, ha un fascino tutto particolare, senza contare che porta con sé numerosi vantaggi, dall’abbattere i tempi per visitare i celebri musei cittadini, Uffizi su tutti, all’entrare facilmente nei tipici ristoranti fiorentini, fino alla possibilità di passeggiare per le meravigliose strade e vicoli della culla del Rinascimento apprezzandone ogni dettaglio, senza la confusione tipica dell’alta stagione.

Una struttura di charme moderna e polivalente

Punto perfetto in cui fare base per un weekend invernale è l’hotel NH Firenze. Nel cuore della centralissima Porta al Prato, vicino a una delle porte storiche delle antiche mura e di fronte al parco delle Cascine, lo spazio verde più grande della città, la struttura vanta una posizione decisamente strategica: con una passeggiata di qualche minuto lungo le rive dell’Arno, è possibile raggiungere lo spettacolare Duomo e il quartiere dello shopping di San Lorenzo.

A seguito di una recente ristrutturazione, le 152 camere presentano ora uno stile moderno e sofisticato; sono tutte dotate di impianto di climatizzazione (disponibile in ogni stagione), wi-fi gratuito, grande televisore a schermo piatto e minibar. Le Junior Suite, invece, godono di ampi terrazzi panoramici, mentre le stanze Superior XL si affacciano sulle Cascine, offrendo un notevolissimo scorcio sul suggestivo panorama cittadino.

Narciso, il concept food & drink dell’hotel fiorentino

Che si abbia in programma un aperitivo con gli amici, una cena di lavoro o un appuntamento formale, NH Firenze è la scelta giusta. L’hotel ospita al proprio interno Narciso, nuovo concept food & drink, distribuito su aree diverse dello storico palazzo di piazza Vittorio Veneto: se d’inverno occupa l’area adiacente alla lobby, che comprende bar e ristorante, d’estate si trasferisce sul rooftop panoramico, col suo formidabile colpo d’occhio sul paesaggio fiorentino.
La proposta gastronomica del ristorante è imperniata sui migliori piatti della tradizione toscana e italiana; il bar è il luogo ideale per un drink in compagnia, il rooftop bar a bordo piscina vanta una location unica, di grande impatto, soprattutto al tramonto, quando si può ammirare lo spettacolare skyline di Firenze, dominato dalla cupola del Brunelleschi. 

Oltre a essere un punto d’appoggio ottimale per il weekend, un altro atout dell’hotel NH Firenze è il segmento meeting ed eventi. In questo senso, il moderno centro congressi della struttura ne fa una cornice naturale per convegni e incontri d’affari, con nove sale dotate delle più avanzate tecnologie, che arrivano ad ospitare fino a 130 persone. 

www.nh-hotels.it/hotel/nh-firenze

Nell’immagine in apertura, il rooftop bar dell’hotel NH Firenze, con vista sullo spettacolare panorama cittadino (ph. courtesy of NH Hotel Group)

Corso Lifestyle, Piazza dei Gioielli, Viale Rosa Shocking, Bastioni Gran Classe, Viale dei desideri fashion: sono solo alcune delle (fantasiose) proprietà che costituiscono l’ossatura di un Monopoly inedito, unico nel suo genere, realizzato in edizione limitata per La Reggia Designer Outlet, il centro McArthurGlen più grande del Mezzogiorno.
Il gruppo specializzato in shopping center, pioniere degli outlet griffati con i suoi 25 indirizzi in nove stati, dentro e fuori dal Vecchio Continente (Usa, Canada, Francia, Germania, Spagna…), unisce infatti le forze col celeberrimo gioco da tavolo Hasbro, firmando una special editon su misura, la prima in assoluto di questo tipo.

Una collaborazione inedita, che strizza l’occhio al fashion world

Monopoly, in effetti, per le sue collaborazioni lim-ed sceglie solamente luoghi o marchi di gran prestigio, dal Louvre al Four Season, dal mitico Ritz Carlton parigino ai luxury hotel The Peninsula di Hong Kong. L’edizione in tandem con McArthurGlen costituisce quindi un unicum, la prima interamente dedicata al mondo della moda; la dinamica del gioco rimane immutata, con la costruzione di case e alberghi che siano il più redditizi possibili, la possibilità di finire in prigione, le carte da pescare e così via, ma le pedine si muovono su un tabellone personalizzato ad hoc, lungo strade, imprevisti e probabilità che riproducono la struttura dei designer outlet della catena, strizzando l’occhio al fashion biz.

Creato da Elizabeth Magie all’inizio del Novecento e messo in vendita, per la prima volta, alla metà degli anni Trenta, il Monopoly non ha bisogno di presentazioni; a quasi novant’anni dalla sua comparsa, rimane uno dei giochi da tavolo più venduti e amati in assoluto, e può vantare una quantità di giocatori che ha dell’incredibile, se si pensa che circa un miliardo di persone (in 114 nazioni e 47 lingue) hanno avuto a che fare, almeno una volta, con l’iconico tabellone verde. Nella sola Italia, ne vengono tutt’oggi venduti 200.000 pezzi l’anno.

Il risvolto sociale del progetto di Monopoly e McArthurGlen 

L’edizione speciale per la Reggia Designer Outlet è un dono che il McArthurGlen ha voluto per premiare la propria clientela, ma presenta anche un encomiabile risvolto sociale. Da febbraio, infatti, il Monopoly La Reggia è protagonista di un’iniziativa inedita presso il Real Albergo dei Poveri (tra gli edifici più grandi d’Europa, utilizzato nei decenni per svariate iniziative solidali in favore di minorenni, orfani, sordomuti, persone in condizioni economiche precarie…), al cui interno è ospitato l’ASD Konokan, centro sportivo per le attività motorie dell’Associazione La Scintilla Onlus.

Lo scorso 7 febbraio, un Monopoly gigante, con un monumentale tabellone di 8 x 8 metri (riproduzione fedele di quello della limited edition), ha trasformato la struttura nel cuore di Napoli in un’enorme area giochi, con tanto di Mr Monopoly in carne e ossa a intrattenere i ragazzi dell’associazione e tutti i presenti. Chi lo desiderava, inoltre, ha potuto avere una copia del game con una donazione all’onlus; La Reggia, infatti, donerà all’associazione le scatole del gioco, per raccogliere fondi destinati a sostenere le numerose attività che coinvolgono i suoi volontari.

Il progetto, precisa Fabio Rinaldi, Centre manager dell’outlet McArthurGlen in provincia di Caserta, «ci consente di portare un po’ de La Reggia nelle case e nei momenti spensierati dei nostri clienti. In un’epoca iperdigitalizzata, il Monopoly è un ritorno al gioco, alla socialità, allo stare insieme tra amici e famiglia, intorno ad un tavolo. Proprio per questo, abbiamo deciso che non sarà in vendita, è un nostro dono. Associare il nostro brand a quello del più celebre gioco da tavolo ci inorgoglisce, consentendoci di aggiungere un nuovo tassello in un percorso di crescita culturale prima ancora che commerciale».

Nell’immagine in apertura, il maxi tabellone dell’edizione speciale di Monopoly per McArthurGlen, installato a La Reggia Designer Outlet (ph. courtesy McArthurGlen)

FOULON è il nuovo brand del mondo del fashion, che produce capi e accessori realizzati solo con pellami e tessuti naturali. Pensato per l’uomo che ama l’eleganza senza tempo ci presenta capi iconici che accompagnano chi li sceglie, disegnati per diventarne parte integrante e durare una vita intera.

Il progetto nasce dall’idea di una produzione artigianale esclusiva, dove la qualità ha un prezzo legato al valore di ogni singolo momento di lavorazione sartoriale dei capi. Un brand che è sinonimo di stile, di eleganza, una riflessione sul futuro della moda e del lusso, per riportare al centro l’autenticità dei materiali, la qualità e l’eccellenza dell’artigianato italiano.

“FOULON per me è una riflessione, che parte dal desiderio – spiega Francesco di Napoli Pinillos, CEO di FOULON, imprenditore italo-spagnolo – di ritrovare il piacere dei materiali naturali, della voglia di risentire il profumo della pelle, la setosità del camoscio e la sottile imperfezione dei capi fatti a mano.”

Ci rivolgiamo a chi ama il bello e l’esclusivo in tutte le sue forme: automobili, arte, design, viaggi. Una collezione con pochi modelli, ma intramontabili, evergreen, realizzati utilizzando esclusivamente pellami pregiati, provenienti da fornitori certificati per la loro sostenibilità. Proprio la sostenibilità per FOULON è il risultato di una scelta minuziosa di una filiera di alto artigianato italiano, che rispetta l’uomo, i suoi tempi e l’ambiente, in ogni fase di progettazione e lavorazione.

Unità e unicità rappresentano, da sempre, i pilastri valoriali delle collezioni firmate Antony Morato, che per la campagna pubblicitaria Spring/Summer 2023 sceglie come fil rouge il concetto – emblematico – di “Unity”.

Realizzata dal fotografo Javier Biosca, l’adv si sviluppa su tre temi cardine, che riflettono altrettante dimensioni della S/S 2023 della griffe. Così se il mondo “Fashion” presenta capi, accessori e outfit che guardano ai principali trend stagionali del menswear, sottolineando il carattere eclettico, trasversale delle proposte targate Antony Morato, quello “Suits” è centrato sull’interpretazione del brand di un must assoluto del guardaroba, il completo di stampo formale, declinato in silhouette affilate e cromie bold quali indaco, celeste o verde salvia. La parte “Denim”, infine, celebra un mito inossidabile della moda (e, più in generale, dell’abbigliamento), quella tela blu capace, nei decenni, di vestire intere generazioni, indifferentemente da età, etnie o categorie sociali; da Morato, i differenti fit dei jeans di stagione vengono esaltati dall’abbinamento con semplici t-shirt bianche, per mise di gusto minimal indossate, nelle immagini della campagna, da soggetti a piedi nudi.

Il gruppo come dimensione naturale di esperienza, che esalta le singole personalità e stili

Le foto dell’advertising campaign ritraggono gruppi di uomini su uno sfondo bianco, quasi asettico, per far spiccare ancora di più le silhouette grafiche del marchio. I protagonisti, appartenenti a varie etnie, trasmettono un forte senso di complicità, di interazione, dando vita a scene dinamiche che evidenziano una concezione della mascolinità plurale, eterogenea, votata all’internazionalità, complessa nella sua diversità ma ben definita nel suo spirito di appartenenza, di condivisione degli stessi valori. Per questi uomini contemporanei, charmant e stilosi, il gruppo diventa dunque una dimensione naturale di esperienza ed espressione, perché non cancella il singolo, al contrario, lo esalta.

I protagonisti della campagna Antony Morato sono figure metropolitane, sicure di sé, curiose per natura, che pur distinguendosi per un forte carattere e un’attitudine del tutto peculiare, riconoscono nel gruppo un idem sentire, cementato dai medesimi riferimenti culturali, da un’identica disinvoltura nell’esprimere la propria personalità, che emerge in maniera spontanea e decisa al tempo stesso. I piani degli scatti cambiano, stringendosi o allargandosi sui modelli, ribadendo un’idea di dinamismo e collettività in cui l’individualità trova un senso compiuto nell’unità del gruppo; risulta naturale, perciò, la scelta del termine “Unity” come payoff di ogni immagine, con un font ispirato all’arte urbana e ai graffiti, codici rappresentativi delle generazioni a cui la campagna e la collezione S/S del brand sono dedicate.

Nell’immagine in apertura, uno scatto della campagna adv S/S 2023 di Antony Morato (ph. by Javier Biosca, courtesy of Antony Morato)

Tommy Hilfiger presenta oggi il nuovo capitolo stilistico della label Tommy Collection by Tommy Jeans. Il marchio nell’orbita del gruppo PVH Corp., che affonda le proprie radici nell’estetica hip-hop degli anni ‘80 e ‘90, per la collezione Primavera 2023 interpreta da par suo i codici della street culture internazionale, filtrandoli attraverso un’ottica spiccatamente progressista e “local”; il riferimento, nello specifico, è l’arte del Lowriding Chicano giapponese, imperniato sulla personalizzazione delle automobili, tra scocche lucidissime e sospensioni modificate ad arte.

Reminiscenze hip-hop e influenze nipponiche nella nuova collezione del brand

La Tommy Collection Spring ‘23 si compone di 55 articoli, un upgrade decisamente contemporaneo dell’archivio della griffe. I pezzi più rappresentativi dello stile Tommy Jeans sono dunque riletti per la bella stagione prossima ventura: si va dalla giacca Chicago Windbreaker nel rosso e blu emblematico del brand, declinata in una versione che presenta maniche rimovibili, ai pantaloni Aiden, jeans dal lavaggio medio e volumi più che rilassati; come del resto i parka color block, la giacca in denim smanicata, i capi dal sapore preppy quali gilet e maglia da hockey in nylon. Tutte le proposte della linea stagionale giocano su proporzioni e stratificazioni, mescolando liberamente influenze preppy, skate e hip-hop. I capisaldi dello sportswear, in particolare, vengono reinterpretati attraverso un caleidoscopio di culture (e subculture) eterogenee, così da infondere un boost creativo nelle classiche silhouette Tommy.

La campagna Spring ‘23 guarda alla scena lowrider del Giappone

La campagna pubblicitaria Spring ‘23 esalta il carattere poliedrico e, allo stesso tempo, versatile dei capi; è il risultato di un mix di istantanee – opera del fotografo londinese Theo Cottle – legate dal filo conduttore dell’azione, tra momenti out of the box e ritratti intimi della comunità lowrider del Giappone.
Il cast comprende proprietari di garage americani, rapper e tatuatori, un collettivo che simboleggia in modo efficace l’ispirazione adrenalinica del ready-to-wear primaverile. A immortalare questa comunità di cultori del lowriding, il videografo Yohai Haga Peta (@yoheipeta), che ambienta le sue frenetiche scene, un concentrato di topoi della cultura automobilistica e street cali-messicana, tra piloti che rimbalzano e guidano lungo le strade di Tokyo, nel quartiere di Shibuya, uno dei più caratteristici della capitale nipponica.

La collezione sarà disponibile, dal 10 febbraio, sul sito ufficiale  tommy.com e in selezionati store Tommy Jeans in tutto il mondo. Per un’ulteriore, vivida immersione nelle atmosfere e riferimenti che hanno informato le creazioni per la primavera 2023, è sufficiente accedere ai canali sociali @TommyJeans, #TommyJeans e #TommyCollection, unendosi – digitalmente – alla community del marchio, un unicum che tiene insieme musica, streetwear e cultura, nel segno della creatività.

Nell’immagine in apertura, uno scatto della campagna Spring ’23 di Tommy Collection (ph. courtesy of Tommy Hilfiger)

L’hotel Papadopoli Venezia si trova nel cuore della città, immerso nel verde dell’omonimo parco, a poca distanza dal Canal Grande. La sua vicinanza alla principale via d’acqua di Venezia consente di visitare facilmente tutti i luoghi iconici della laguna e di soggiornare in un ambiente elegante, raffinato e senza tempo.

Una storia veneziana

Le origini dell’hotel Papadopoli risalgono agli inizi del XIX secolo e raccontano la storia di un dono d’amore da parte del conte Spiridione Papadopoli, che fece costruire un’elegante residenza estiva con un grande parco per la giovane moglie Teresa Mosconi.

Il cosiddetto “Giardino Papadopoli” è stato progettato e realizzato dall’architetto e pittore Francesco Bagnara, meglio conosciuto come scenografo del Teatro La Fenice. Il palazzo Papadopoli-Foresti e il suo parco divennero presto luoghi famosi e privilegiati dell’alta società.

L’hotel Papadopoli oggi

Durante la realizzazione dell’Hotel Papadopoli, l’architetto paesaggista Pietro Porcinai coinvolto nel progetto, decise di riprodurre un Giardino d’Inverno (oggi ristorante), per offrire un omaggio intelligente e sensibile all’antico conte Papadopoli e ripristinare l’originale dialogo tra paesaggio interno ed esterno. Grazie alla sua incantevole atmosfera, il ristorante oggi è una cornice magnifica e unica per cene romantiche, matrimoni ed eventi speciali.  Anche la Terrazza Lounge Bar & Kitchen è una zona lounge da scoprire, ideale per un rituale del tè, un cocktail sofisticato o per assaggiare i deliziosi sapori della laguna in un’atmosfera intima combinata con una splendida vista sui canali.

La struttura nel complesso conta 100 camere e suite che riflettono l’eleganza e lo splendore di uno stile veneziano del XVIII secolo rivisitato, offrendo una vista straordinaria sul Canale dei Tolentini e sui Giardini Papadopoli. Tutte le camere sono finemente arredate e dotate di ogni comfort. 

La posizione strategica inoltre lo rende un punto di partenza perfetto per esplorare la cultura, l’arte e la storia di Venezia. A cominciare dalla Scuola Grande di San Rocco con i capolavori del Tintoretto e ancora la Chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari con l’Assunta, opera di Tiziano e della Scuola Grande dei Carmini. Il ponte di Rialto e Piazza San Marco sono raggiungibili inoltre a piedi in circa 20 minuti.

Il carnevale di Venezia

In occasione del Carnevale di Venezia 2023, l’Hotel Papadopoli, organizzerà un Carnival Party a tema Bridgerton, la celebre serie cult di Netflix che racconta le vicende dell’alta società londinese del XIX secolo. Il 18 febbraio l’incantevole cornice del Giardino d’Inverno ospiterà una cena con intrattenimento accompagnata da un menù d’eccezione. Dress code rigorosamente a tema Regency che prende ispirazione proprio dalla serie.

Nel resto della città, il titolo del carnevale è “Take your Time for the Original Signs” . Sarà spirato allo zodiaco, ancora una volta sotto la firma del direttore artistico e scenografo del Teatro La Fenice Massimo Checchetto. Un’edizione che nasce sotto il segno del Leone di San Marco e che prenderà avvio sabato 4 febbraio con l’Opening Parade “Original Dreamers” lungo il Canal Grande, per concludersi martedì grasso 21 febbraio con l’intenzione di proporre un mix di eventi in grado di coinvolgere tutte le fasce di età e spingere veneziani e ospiti a vestirsi in maschera.

Dopo i riscontri lusinghieri dell’edizione di debutto, un anno fa, la Stazione Leopolda di Firenze si prepara ad accogliere nuovamente Testo, una tre giorni (dal 24 al 26 febbraio) per conoscere e comprendere il mondo dell’editoria e, più in generale, della lettura, approfondendone le dinamiche, osservandole dal punto di vista degli addetti ai lavori, cioè tutte quelle figure che, a vario titolo, sono partecipi della trasformazione di un manoscritto in libro. L’appuntamento, un’idea della libreria Todo Modo, è organizzato da Pitti Immagine, in collaborazione con la Leopolda.

La fiera si propone di spiegare come nasca un libro, come arrivi al lettore finale, permettendo ai visitatori di immergersi in un universo vivido di parole e carta, attraverso una selezione ragionata di pubblicazioni e, in parallelo, un programma assai corposo tra laboratori, talk, incontri e percorsi di lettura.
Un’occasione unica per confrontarsi con insider, autori di punta della scena editoriale nostrana (e non solo) e case editrici, ben 107 in questa seconda edizione; l’elenco è eterogeneo, comprende realtà storiche quali Mondadori, Einaudi, Bompiani o Adelphi come pure nuovi, dinamici protagonisti del settore, ad esempio Blackie, NNE, NERO; e ancora, prestigiosi indipendenti (Il Saggiatore, Marcos Y Marcos, Iperborea, Fandango), Coconino Press (che ha contribuito in modo decisivo a rendere il fumetto un genere letterario a tutti gli effetti), Humboldt Books (specializzata in narrativa di viaggio).

Talk, presentazioni e approfondimenti sulla lettura invadono le sale della Leopolda

Il percorso, come già nel 2022, è suddiviso in stazioni, sette per la precisione, pensate per mettere in relazione pubblico ed editori, librai, direttori di biblioteche, oltre ovviamente agli scrittori. Tra questi ultimi, nomi eccellenti della narrativa contemporanea, da Niccolò Ammaniti a Marco Missiroli, passando per Alessandro Piperno, Emanuele Trevi, Paolo Nori, Carlo Lucarelli, Mario Desiati (vincitore, con Spatriati, dell’ultimo Premio Strega).

L’allestimento, a cura di Alessandro Moradei, occupa le due navate della Stazione: ogni editore propone un ristretto numero di titoli, evitando sovrabbondanza visiva o pile di volumi sui tavoli; spazi nei quali, grazie al confronto coi professionisti dell’industria, i lettori possono immergersi appieno nello spirito delle proposte.

Per quanto riguarda le stazioni, puntano a ricreare il ciclo di vita dei libri attraverso sette tappe, ciascuna delle quali (il Manoscritto, il Risvolto, la Traduzione, il Segno, il Racconto, la Libreria, il Lettore) descrive nel dettaglio uno specifico step. Nel ruolo di Capistazione, responsabili del calendario di presentazioni ed eventi vari, Luca Briasco (editor di narrativa straniera, traduttore ed editore di minimum fax), Andrea Gessner di Nottetempo, Beatrice Masini (traduttrice, scrittrice, direttrice di divisione da Bompiani), le fondatrici di Humboldt Books Giovanna Silva e Chiara Carpenter, Leonardo G. Luccone (direttore dell’agenzia letteraria e studio editoriale Oblique), i fondatori di Todo Modo, Maddalena Fossombroni e Pietro Torrigiani, e infine il responsabile delle relazioni internazionali della Fondazione Teatro della Toscana, Riccardo Ventrella.

Nell’arco delle tre giornate della kermesse, poi, interverranno figure di spicco dell’editoria internazionale, invitate per raccontarla dall’interno: si possono citare, fra le tante, la presidente di Adelphi Teresa Cremisi; il direttore della Fiera di Francoforte, Juergen Boos; Barbara Epler dell’americana New Directions, famosa per le sue pubblicazioni innovative; Luca Sofri, Francesco Costa e Matteo Caccia de il Post.

Una manifestazione corale che si apre alla città, coinvolgendo istituzioni e luoghi simbolo di Firenze

Ad infittire ulteriormente il programma, i laboratori tematici (legati alle sette stazioni, con cui condividono l’obiettivo di fondo del racconto su “Come si diventa un libro”), gli omaggi ai mostri sacri della letteratura (da Shakespeare a Dante, da Proust ad Anna Achmatova), le Consultazioni poetiche, che offrono la possibilità di ricevere un ristoro letterario o musicale sotto forma di prescrizione poetica, a seguito di una libera conversazione.

Numerose, poi, le collaborazioni che coinvolgono istituzioni culturali e luoghi storici della città, dal Gabinetto Viesseux alla Stamperia Braille della Regione Toscana, dalla Santa Maddalena Foundation – Premio Gregor von Rezzori al Cinema La Compagnia.

La manifestazione si conferma, dunque, legata a doppio filo col capoluogo toscano; lo ribadisce il Direttore Generale di Pitti Agostino Poletto, precisando che «Testo intrattiene con Firenze, i suoi luoghi e soggetti un rapporto aperto e di scambio, non occasionale: ne fa anzi un motivo distintivo delle sue attività. E ciò avviene a maggior ragione quando il contenuto del progetto – in questo caso l’industria editoriale e la cura della lettura – rimanda a una vocazione rilevante e di riferimento nazionale nel profilo economico, sociale e culturale della città». Sempre Poletto, parlando di «sfida è ancora più stimolante» rispetto a quella dell’esordio, a febbraio 2022, chiosa: «Anche quest’anno TESTO porterà alla Stazione Leopolda percorsi intersecati fra loro in modo da creare una mappa di tutto l’ambiente editoriale finalmente chiara e omogenea. Il merito va a una regia collettiva che, come avviene per molte delle manifestazioni di Pitti, vive del contributo di tutti».

Nell’immagine in apertura, un talk della prima edizione di Testo, nel febbraio 2022 (ph. by AKAstudio-collective, courtesy of Pitti Immagine)

Ci si avvicina inesorabilmente a quello che è ormai l’appuntamento clou del panorama musicale nostrano, il Festival di Sanremo, che si svolgerà quest’anno dal 7 all’11 febbraio.
Nel corso della conferenza stampa di presentazione della kermesse, qualche giorno fa, il conduttore e direttore artistico Amadeus (riconfermatissimo, dopo gli ascolti monstre delle ultime edizioni) ha confermato che, come da tradizione, la quarta serata dello show sarà riservata ai duetti, con i big in gara affiancati da un collega nell’esecuzione di un brano a loro scelta, tra quelli usciti nel periodo che va dal 1980 al 2000.

La serata delle cover fa il pieno di grandi nomi

Sul palco del teatro Ariston, venerdì 10 febbraio, si alterneranno dunque nomi di peso della scena canora italiana, dal favorito della vigilia Marco Mengoni, che ha scelto di esibirsi col Kingdom Choir, a J-Ax in tandem col sodale di lungo corso Fedez (al Festival anche in qualità di ospite della “trasmissione parallela”, sulla nave da crociera, e presentatore di Muschio Selvaggio, per l’occasione in trasferta sugli schermi Rai), dalla coppia d’assi Elisa–Giorgia a Mara Sattei feature Noemi; e ancora, Ultimo con Eros Ramazzotti, Colapesce Dimartino con Carla Bruni, i Coma_Cose coi Baustelle, il rapper LDA (figlio di Gigi D’Alessio) con Alex Britti, il vincitore di Sanremo Giovani 2022 gIANMARIA con Manuel Agnelli.

A seguire, l’elenco completo dei duetti della 73esima edizione del festival nazionalpopolare per eccellenza.

Anna Oxa con il deejay iLjard Shava – Un’emozione da poco (Anna Oxa)

Ariete con Sangiovanni – Centro di gravità permanente (Franco Battiato)

Articolo 31 con Fedez – medley degli Articolo 31

Colapesce Dimartino con Carla Bruni – Azzurro (Adriano Celentano)

Colla Zio con Ditonellapiaga – Salirò (Daniele Silvestri)

Coma_Cose con i Baustelle – Sarà perché ti amo (Ricchi e Poveri)

Elodie con BigMama – American Woman (The Guest Who)

Gianluca Grignani con Arisa – Destinazione Paradiso (Gianluca Grignani)

gIANMARIA con Manuel Agnelli – Quello che non c’è (Afterhours)

Giorgia con Elisa – medley di Luce (Elisa) e Di sole e d’azzurro (Giorgia)

Cugini di Campagna con Paolo Vallesi – La forza della vita (Paolo Vallesi) e Anima mia (Cugini di Campagna)

Lazza con Emma e Laura Marzadori – La fine (Tiziano Ferro)

LDA con Alex Britti – Oggi sono io (Alex Britti)

Leo Gassmann con Edoardo Bennato e il Quartetto Flegreo – medley di Edoardo Bennato

Levante con Renzo Rubino – Vivere (Vasco Rossi)

Madame con Izi – Via del Campo (Fabrizio De Andrè)

Mara Sattei con Noemi – L’amour toujour (Gigi D’Agostino)

Marco Mengoni con il Kingdom Choir – Let it be (Beatles)

Modà con Le Vibrazioni – Vieni da me (Le Vibrazioni)

Mr. Rain con Fasma – Qualcosa di grande (Lunapop)

Olly con Lorella Cuccarini – La notte vola (Lorella Cuccarini)

Paola & Chiara con Mark & Kremont – medley di Paola & Chiara

Rosa Chemical con Rose Villain – America (Gianna Nannini)

Sethu con Bnkr44 – Charlie fa il surf (Baustelle)

Will con Michele Zarrillo – Cinque giorni (Michele Zarrillo)

Shari con Salmo – medley di Zucchero Fornaciari

Tananai con Don Joe – Vorrei cantare come Biagio (Simone Cristicchi)

Ultimo con Eros Ramazzotti – medley di Eros Ramazzotti

Nell’immagine in apertura, Ultimo con Amadeus e Gianni Morandi durante la finale di Sanremo Giovani (ph. Ansa)

Un heritage straordinario, pluridecennale, con radici ben salde nel Biellese (territorio sinonimo, da sempre, di maestria tessile), unito alla voglia di continuare a migliorarsi, proiettandosi costantemente in avanti. Si potrebbe riassumere così l’identità di Fratelli Tallia di Delfino, lanificio di Strona che, proprio nel 2023, taglia il significativo traguardo dei 120 anni d’attività. La collezione primavera/estate 2024, dunque, non può che celebrare il savoir-faire di cui il nome è espressione da oltre un secolo, la sua ragion d’essere, ovvero la ricerca (meticolosa) delle materie prime più preziose, che si accompagna a design distintivi, massimamente curati, riconoscibili al primo sguardo.

Le nuove bunch Gentleman’s Wardrobe per la P/E 2024

L’eccellenza delle fibre naturali dà vita a una gamma di tessuti sofisticati e, al tempo stesso, versatili, pensati per vestire a regola d’arte in contesti diversi, dagli appuntamenti business agli eventi serali formali. Il fil rouge, di nuovo, è l’attenzione a un futuro innovativo e consapevole, che non può prescindere, tuttavia, dal solido passato dell’azienda, a cui attingere liberamente.
Le due nuove bunch Gentleman’s Wardrobe (esclusivo servizio di Fratelli Tallia di Delfino dedicato ai brand più raffinati) rappresentano alla perfezione questa filosofia.
Ad ispirare la bunch Archivio 1903, come suggerisce il nome, sono infatti i tessuti che hanno fatto la storia del lanificio, una rivisitazione contemporanea delle collezioni in questo senso più rappresentative.

Nasce invece dalla collaborazione con il Linificio e Canapificio Nazionale (tra i marchi europei più antichi), altro emblema del saper fare italiano, l’altra novità di stagione, la Lino d’Italia Selection. Con l’obiettivo di coniugare al meglio creatività e know-how artigiano, il Linificio e Canapificio Nazionale riporta nel nostro Paese, dopo più di sessant’anni, la coltivazione del lino, privilegiando la selezione di semi puri, in grado di garantire una finezza superiore. La selezione, realizzata con una materia prima d’eccezione, è frutto della primissima fioritura dei campi.

Le novità presentate dall’azienda a Milano Unica

Per l’edizione di Milano Unica di quest’anno, in calendario dal 31 gennaio al 2 febbraio, viene poi presentata l’innovativa APP Gentleman’s Wardrobe, che punta a facilitare, a rendere ancora più immediata la selezione dei pregiati tessuti dell’azienda. Gli utenti avranno così la possibilità di scegliere e acquistare le varie tipologie di prodotto, verificandone la disponibilità.
Un’autentica esperienza immersiva, ricorrendo a tecnologie di realtà aumentata e virtuale (dalle animazioni digitali alle visualizzazioni tridimensionali), fa sì che i tessuti della collezione prendano vita, enfatizzandone in maniera inedita le peculiarità.

Il focus sulla significativa ricorrenza dei 120 anni caratterizzerà, nel corso dei prossimi mesi, tutte le iniziative di Fratelli Tallia di Delfino, compresa l’emissione, da parte del Ministero delle Imprese e del Made in Italy, di un francobollo appartenente alla serie tematica “Le eccellenze del sistema produttivo ed economico”, celebrativa appunto del 120° anniversario.

Nell’immagine in apertura, la nuova bunch Gentleman’s Wardrobe del lanificio Fratelli Tallia di Delfino (ph. courtesy of Fratelli Tallia di Delfino)

Giunto alla 103esima edizione, Pitti Immagine Uomo si conferma un appuntamento irrinunciabile per avere una visione d’insieme sul menswear che sarà, nello specifico quello per l’Autunno/Inverno 2023-24, anticipato dalle proposte delle centinaia di brand presenti al salone, divisi per sezioni ad hoc, dalla storica sezione Futuro Maschile a Superstyling, da Fantastic Classic a Dynamic Attitude.
Ad illustrare a MANINTOWN i tratti distintivi delle rispettive collezioni per la prossima stagione fredda, fornendo dei preziosi insight sullo stato dell’arte della moda uomo contemporanea, presidenti, manager e direttori creativi di marchi di caratura internazionale, da Herno ad Arav Group, a Pitti per il (ri)lancio della label Richmond X, passando per KNT, People of Shibuya, Avant Toi, Antony Morato, Ciesse Piumini, Jeckerson.

Nell’immagine in apertura, l’ingresso del padiglione centrale di Pitti Immagine Uomo 103 (ph. by AKAstudio-collective)

Con la 103esima edizione del salone, Pitti Immagine Uomo ha aperto all’universo del design grazie a the SIGN, un’area speciale in collaborazione con l’agenzia di comunicazione Ghost Studio; una selezione di complementi d’arredo, oggetti e pezzi décor ad alto contenuto d’innovazione e creatività, firmati da designer, brand e realtà capaci di ispirare e offrire nuovi spunti creativi e di business, inseriti non a caso nel percorso della sezione Superstyling, che comprende le collezioni di ricerca della fiera.

Tra i marchi che hanno preso parte al progetto, Slide (azienda che vanta collaborazioni con i pesi massimi del design internazionale, da Alessandro Mendini a Marcel Wanders passando per Karim Rashid, Paola Navone e Fabio Novembre), Situér Milano (presente già allo scorso Pitti), True, Studio Bojola, Sekkei Sustainable Design, The House of Lyria. E ancora, le creazioni sui generis di Iammi, Bidone Design, Robirenzi, Holypop e Insulti Luminosi.

Nell’immagine in apertura, lo stand di Sekkei Sustainable Design nell’area the SIGN (ph. by AKAstudio-collective)

Pitti Uomo 103 ha registrato la presenza, per la sesta volta, di S|Style sustainable style, progetto espositivo che dà spazio alle collezioni di giovani marchi e designer affermati, accomunate dalla volontà di unire ricerca creativa e attenzione all’ambiente.

Protagonisti dell’iniziativa, i brand Dhruv Kapoor, Isnurh, Kemkes, Margn, Maxime, Non Confunditur, Permu, Junk, Waste Yarn Project e Piumestudio. Nel video che segue, gli highlight dell’edizione numero sei di S|Style. 

Nell’immagine in apertura, l’area S|Style sustainable style a Pitti Immagine Uomo 103 (ph. by AKAstudio-collective)

Will dopo aver superato con successo la finalissima di Sanremo Giovani con il brano “Le cose più importanti”, sarà grande protagonista dal prossimo 7 Febbraio al Festival di Sanremo 2023 e presenterà il brano “Stupido”. Il giovane artista che negli ultimi anni è riuscito a conquistarsi con costanza e determinazione un posto nella scena musicale contemporanea italiana si prepara così a calcare per la prima volta l’ambitissimo palco dell’Ariston tra i Big della canzone italiana. 

Will al secolo William Busetti, è una delle penne più originali, fresche e carismatiche della nuova scena pop urban contemporanea, una vera e propria icona che a poco più di 20 anni si è fatto notare con la sola forza della sua musica e delle sue parole. Il suo mondo è intriso di autentica verità, una dimensione sincera in grado di raccontare la realtà delle piccole cose con una spontaneità disarmante, rivelando quell’anima cristallina del vivere quotidiano che solamente un cantautore è in grado di cogliere. Un giovane artista estremamente versatile e capace di muoversi con fluidità tra differenti generi e stili pur conservando la sua unicità. Attraverso una ricerca musicale, mai scontata e prevedibile, il sound, lo stile e i testi di Will sono ormai assolutamente riconoscibili nel panorama italiano.

“Stupido” che sarà presentato per la prima volta proprio sul palco dell’Ariston uscirà nella settimana del Festival su etichetta Capitol Records (Universal Music Italy).

“Stupido è un brano in cui tutti si possono ritrovare – dichiara Will – a molti di noi è infatti capitato almeno una volta nella vita di sentirsi stupidi, facendo delle cose stupide anche per amore. Il tema principale di stupido ruota attorno alle molteplici declinazioni e sfaccettature dell’amore, inteso nella sua accezione più universale. Il brano racconta di storie e intrecci d’amore in cui ci siamo persi e ritrovati, quell’amore che, proprio per le emozioni di cui ti nutre in alcuni momenti della giornata quando ti fermi a pensare ti fa sentire “piccolo” e in altri ti fa sentire un “gigante”.

E ancora : “Sono felicissimo e orgoglioso di poter portare ad un pubblico così ampio la mia musica, grato alla commissione che ha creduto nel mio progetto consentendomi di realizzare un sogno che mai avrei pensato potesse realizzarsi. Spero che Stupido possa emozionare arrivando al cuore di tantissime persone, non vedo l’ora di poter vivere il vortice delle emozioni di questo Sanremo 2023”

Grazie alla partecipazione al prossimo Festival Will prosegue così il suo nuovo percorso artistico e personale, la naturale evoluzione pop di un giovane fuoriclasse della musica che ha trovato la sua vera identità: un musicista estremamente talentuoso che è riuscito in poco tempo a mostrare la sua vera essenza, svelando le fragilità che anche un giovane ragazzo può incontrare. Un percorso raro di estrema sensibilità in cui l’artista è riuscito ad aprire il suo cuore, la sua mente e la sua musica, come pochi altri alla sua età, verso ulteriori orizzonti sonori in cui l’attitudine pop abbraccia sapientemente il mondo urban. In bocca al lupo Will!

Da un lato, un marchio che, mantenendo ben salde le radici nel territorio dove tutto è cominciato nel 1965, la Valle d’Itria, ha saputo rendere il suo nome sinonimo di sartorialità e ben vestire squisitamente italiani; dall’altro le mille anime della città che non dorme mai, quintessenza del melting pot, in cui convivono persone di ogni età, etnia, religione e gruppo sociale, con tutto il corollario di codici vestimentari, colori e influenze – spesso allegramente mescolate tra loro – che da questo deriva.

Latorre, anche per la prossima stagione fredda, continua il suo percorso di espansione, che lo spinge a ricercare sempre nuovi stili e fonti d’ispirazione per le collezioni del brand, facendo perno immancabilmente sul saper fare artigiano, su quell’eccellenza della confezione nostrana che ha decretato la fortuna della moda tricolore. Nel caso dell’Autunno/Inverno 2023-24, si è scelto di trasferire i cardini della sartoria in una dimensione inedita, esportando – idealmente – la sofisticatezza del Made in Italy, ibridandola con spunti, culture, concetti disparati.

Quattro categorie di stile ispirate ad altrettanti luoghi simbolo di Manhattan

L’approdo di un simile viaggio stilistico non poteva non essere la Grande Mela. Le quattro categorie della collezione, infatti, guardano alle principali aree di Manhattan, quartieri che solo a nominarli evocano il fascino indissolubile della metropoli americana, brulicanti di vita e suggestioni (anche) modaiole. Si tratta, nello specifico, di Central Park, Wall Street, Times Square e Little Italy.

La prima si rifà al polmone verde di New York, l’enorme parco rifugio quotidiano di pedoni, ciclisti e runner. La palette cromatica risulta dunque attenuata, ad evocare le sfumature della vegetazione che ne definisce il paesaggio. Il fit è rilassato, i tessuti sposano i precetti dell’ecosostenibilità, tra lane vergini prive di prodotti chimici e uso di tinture naturali.

Wall Street riprende – ed esalta – i look curatissimi dei businessmen e finanzieri newyorchesi, entrati nell’immaginario collettivo grazie a diverse pellicole di successo, su tutte l’omonimo film di Oliver Stone del 1987, che valse a Michael Douglas l’Oscar come miglior attore protagonista. La qualità di completi e materiali, tutti dal gusto classico, strettamente legati alla tradizione tailored italiana, è irreprensibile, frutto di un’attenzione meticolosa a lavorazioni e dettagli. La tavolozza dei colori è improntata alla sobrietà, prevalgono le nuance del grigio, nero e blu.

Times Square trasla nel ready-to-wear della griffe il mix di spettacolo, luci e movimento che, da sempre, identifica una delle piazze più affollate e vivaci al mondo. I suit della linea ne rispecchiano l’esuberanza: sono quelli delle grandi occasioni, perfetti per cerimonie e feste con le loro cromie accese, marcate, nobilitate da filati preziosi, finemente lavorati.

Cura maniacale dei tessuti, trattamenti ad hoc e comfort, i must dell’A/I di Latorre

In Little Italy, invece, spiccano giacche dai toni vivaci e dagli accenti ricercati, per una parte di collezione colorata e allegra, proprio come il quartiere cui è dedicata. I tessuti, al solito, garantiscono alte prestazioni e comfort, grazie ai volumi morbidi dei modelli. 

Ad accomunare le quattro categorie stilistiche, la cura maniacale riservata al trattamento dei tessuti, che tra filati impermeabili e antipiega, non temono confronti. Sono pensati per un cliente raffinato e cosmopolita, sempre in movimento, che si sposta velocemente nelle strade metropolitane, senza mai derogare a quello che, per il brand, è un autentico mantra, ossia la comodità assoluta delle proposte, conditio sine qua non per outfit che risultino inappuntabili in qualunque contesto, dall’ufficio all’aperitivo, dall’appuntamento di lavoro all’evento serale.

Un allestimento speciale per dare risalto alla ricercatezza dei capi del brand

A dare (ulteriore) risalto alla pregevolezza di una collezione composita, distinta, che invita a saggiare consistenze, pesi e texture di ogni singolo pezzo, oltre che ad osservare attentamente pattern, colorazioni, trame tattili per cogliere i rimandi allo scenario urbano di Manhattan, è stato lo speciale allestimento dello showroom Latorre che, nella serata di martedì 17 gennaio, ha fornito la cornice ideale ai capi A/I 2023-24 del marchio. Protagonisti del setup curato dal designer Alfredo Fabrizio, gli arredi d’autore della galleria Robertaebasta, immersi in un’atmosfera resa ancor più suggestiva dalle candele WoodWick; il tutto accompagnato da una wine experience nel segno di bollicine e bianchi d’eccezione, firmati rispettivamente Foss Marai e Cantine Pellegrino 1880. A fornire altri dettagli e “coordinate” del nuovo guardaroba Latorre, infine, sono stati gli stessi titolari dell’azienda: alcuni passaggi dell’intervista nel video che segue.

Alcuni degli ospiti intervenuti alla serata ospitata nello showroom Latorre: Massimo Pozzi Chiesa e Joaquin Morodo; la famiglia Latorre; John Richmond; Raffaele Panizza (ph. by Xin Hu)

Credits

Photographer Xin Hu

Videomaker Vincenzo Traettino

Nell’immagine in apertura: capi della collezione A/I 2023-24, protagonisti dello special setup allestito nello showroom milanese del brand, in via Manzoni

Durante la fashion week maschile appena conclusasi, Colla (tra i place to be più rappresentativi del fermento culturale di Nolo, quartiere milanese che vanta una scena culturale vivace, costantemente in fieri) ha ospitato un evento decisamente sui generis, dedicato a The Gender Issue, numero speciale nato dalla collaborazione inedita tra MANINTOWN e Collectible Dry, che affronta il tema – oltremodo attuale – dell’estetica genderless e, in generale, dell’identità di genere.

Un evento speciale che fonde moda, editoria e ricerca artistica

Una serata all’insegna della (prolifica) commistione tra editoria e ricerca artistica, in linea con la direzione intrapresa dalla galleria di via Pietro Crespi, nata, come spiegano i fondatori, «dall’esigenza di avere uno spazio dove condividere idee, ampliare il nostro network, poterci esprimere al di fuori dei nostri lavori commerciali. Colla Super si pone come un collante culturale, sostanza tenace, capace di contaminare e lasciarsi contaminare». La struttura, proseguono, «vuol essere malleabile per ogni artista che la personalizza ad hoc, l’idea è allestire una mostra e di conseguenza un evento di opening ogni 2-3 settimane, noi vogliamo esserci dal lato curatoriale, cercando di adottare formati per la vendita non convenzionali».

Ad animare l’appuntamento voluto dalle due riviste, la performance dell’artista Raffaele Greco. Originario di Giarre, l’autore, nonostante la giovane età, può vantare un curriculum artistico di prim’ordine. Laureato all’Accademia di belle arti di Brera, nel 2018 ha aperto Studio Scalzo, iniziando a collaborare con altri colleghi e curatori, mentre l’anno seguente è stato premiato dalla biennale d’arte di Monza per l’opera Quiescenza. Ora si divide tra Milano e Catania, perfezionando una pratica che lo vede ricorrere a diversi medium espressivi, su tutti videoarte, pittura, performance.

Strumenti di distruzione di una cultura, l’opera di Raffaele Greco in scena da Colla Super

Il suo lavoro, precisa, «nasce da interessi su questioni antropologiche, territoriali e paesaggistiche. Parte dall’osservazione di come un immaginario collettivo è modellabile tramite simbologie culturali e avvenimenti concreti, diretti sul reale. Per la composizione formale ed estetica utilizzo un approccio sia metafisico, stimolato da gusti personali, che accidentale, ovvero fatti concreti di cose realmente accadute. Cerco una rimodulazione di avvenimenti intrecciandoli con leggende che hanno da sempre alimentato le nostre culture, cercando di leggere tutto un insieme che mobilita assetti sociali e popolari, protagonismi e antagonismi. La finzione, l’interpretazione, la narrazione e la rappresentazione, si confondono, si mischiano come nella realtà che non ha trame, non ha scopi, non ha senso».

Greco descrive così l’opera presentata da Colla Super, intitolata Strumenti di distruzione di una cultura: «Una video installazione, più una disposizione di strumenti, diventa scenografia di un atto performativo. Una lettura tri-attica che evoca le basi teoriche di una ricerca artistica sospesa sui confini sfumati tra teatro e arti visive. Strumenti di distruzione di una cultura è un lavoro di ricerca attitudinale alla performance. Gli oggetti esposti in galleria sono ferme decorazioni, superflue, di una cornice fashion e sterile. Sono oggetti evocatori di movimento, speranzosi di rottura».

Un intervento artistico impattante, articolato, che ben rispecchia la volontà, comune a entrambi i magazine, di andare oltre etichette e paletti rivelatisi del tutto superati, vetusti, per abbracciare un approccio sincretico, aperto a una molteplicità di idee, suggestioni e, appunto, linguaggi espressivi.

Nell’immagine in apertura, un momento della performance di Raffaele Greco alla galleria Colla, per l’evento di lancio dello speciale The Gender Issue

La bellezza per sua natura effimera, delicata, essenziale, spesso (ingiustamente) trascurata dei fiori – anche i più semplici – che arricchiscono da sempre le nostre abitazioni, diventa ora protagonista di una speciale capsule collection, che ne trasferisce le vivide nuance sulle superfici ultralight, praticamente impalpabili di sette maxi foulard, ideali per regalare un tocco artsy all’outfit di turno, oppure alla propria casa.

A firmare gli accessori in questione, dalle dimensioni importanti (185 cm x 135 cm) e realizzati in una mischia di modal e seta, è Faliero Sarti, storico marchio italiano specializzato proprio nella creazione di sciarpe sui generis, che uniscono savoir-faire, estro artistico e sostenibilità.
La direttrice creativa del brand, Monica Sarti, è infatti rimasta colpita dagli scatti della serie fotografica Flow(ers), opera del fotografo di origini friulane Francesco Dolfo, ed ha deciso di selezionarne alcuni per arricchire le stole della griffe.

La serie fotografica di Dolfo incontra il savoir-faire e l’estro dello storico marchio di sciarpe

Autore tra i più conosciuti – e apprezzati – del panorama artistico nazionale (ha collaborato con i pesi massimi dell’editoria, dell’architettura e del settore luxury, compresi – fra i tanti – Dior, Gucci, Luxury Living Group, Acqua di Parma, AD, Elle Decor, Vogue Living), ha intrapreso da anni una ricerca focalizzata, appunto, su quella che si potrebbe definire la “straordinaria ordinarietà” dei fiori, arricchendola notevolmente durante il periodo del lockdown.

È stato allora che Dolfo, costretto – come tutti – a passare la quasi totalità del tempo chiuso fra quattro mura, ha scelto di tramutare la (forzata) intimità domestica in un elogio appassionato, colorful dell’effimero, dell’ordinario, ricorrendo a una sorta di parafrasi floreale. Le corolle di papaveri islandesi, dalie e anemoni si sono rivelate, così, il soggetto migliore per un’operazione tesa a scovare, e celebrare, la bellezza discreta (ma non per questo trascurabile) che punteggia la vita quotidiana di ciascuno, e che attraverso l’obiettivo del fotografo diventa qualcosa di prezioso, raro.

L’approfondimento, la voglia di andare oltre l’apparenza accomuna il lavoro di Dolfo alla visione del brand, per cui ogni sciarpa non è un “semplice” accessorio dal tessuto pregevole, bensì un oggetto intimo, che avvolge, quasi abbraccia chi sceglie di indossarlo, restituendogli il senso di una sensualità tanto confortevole quanto stilisticamente raffinata.
I foulard della capsule saranno in vendita dal 27 gennaio nelle boutique Faliero Sarti, in selezionati negozi multibrand e sull’e-commerce ufficiale falierosarti.com/it.

Nell’immagine in apertura, una delle sette stole della collezione Faliero Sarti X Francesco Dolfo (ph. courtesy of Faliero Sarti)

Il brand Cruna, fondato a Vicenza nel 2013 da Alessandro Fasolo e Tommaso Pinotti, possiede valori molto chiari, che gli stanno consentendo una crescita rapida e virtuosa. I pilastri del successo del marchio sono la produzione, rigorosamente Made in Italy, e la filiera corta, garantiti dalla collaborazione con i laboratori storici della tradizione manifatturiera veneta, uniti a design innovativi ma rispettosi dei codici della cultura stilistica italiana, e all’utilizzo esclusivo di materiali pregiati.
Un progetto autentico che parte dal pantalone, cardine dell’abbigliamento maschile, e si sviluppa su una collezione total look interamente Made in Italy, imperniata sullo sviluppo rigoroso di capispalla e maglieria, a comporre l’anima di un brand dalla fortissima identità, che ha il raro pregio di rompere gli schemi e guardare al futuro senza esasperazioni.

La collezione uomo Fall Winter 2023 compie un ulteriore passo verso l’orizzonte dello stile maschile contemporaneo e dell’elevated casual. Un’evoluzione accompagnata dalle atmosfere 60’s dei jazz club e dalle note di Miles Davis. Classe, sofisticatezza, conoscenza e relax, i pilastri di un contesto nel quale l’uomo Cruna si sente profondamente a suo agio, come ci racconta Alessandro Fasolo, uno dei due fondatori.

“La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km”

Cosa significa nel 2023 progettare e presentare al mercato collezioni puramente Made in Italy, quali sono le implicazioni positive e quali le eventuali difficoltà?

Trasferire nel prodotto il valore del know-how e le competenze del Paese sono, da un lato, garanzia di qualità per i nostri clienti, dall’altro motore di sostenibilità per le realtà artigianali del nostro territorio. La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km, principalmente nel Veneto, tra Verona e Treviso, passando per i Colli Berici.

Abbiamo, negli anni, sviluppato e consolidato un network di fornitori di materie prime e laboratori, per poter gestire da vicino il processo end-to-end. Così le nostre collezioni vengono sviluppate a quattro mani, in sinergia coi migliori produttori di tessuto italiani, e selezionando accessori di qualità, che consentono di rendere curati e distintivi i nostri capi. Le implicazioni positive sono, in questo senso, la possibilità di gestire da vicino la filiera produttiva, incrementando visibilità e tracciabilità del prodotto, elementi essenziali per rispondere alle domande dei clienti che, oltre a voler sapere dove viene confezionato un capo, sono sempre più interessati a come viene realizzato, con quali materiali.

Produrre in Italia significa, inoltre, non essere esposti alle complicazioni che le logistiche internazionali hanno subito dall’avvento della pandemia ad oggi, mantenendo maggiore flessibilità e potendo garantire un migliore livello di servizio. Tutto questo chiaramente ha un costo che, proprio negli ultimi mesi, la crisi energetica ha incrementato e, unitamente alle recenti volontà di rientro in Italia delle produzioni di molti premium-luxury brand, ha visto l’acuirsi della competizione supply-side.
Tuttavia, la nostra posizione, consolidata negli anni, e le relazioni costruite con i nostri partner ci consentono di continuare a presidiare aree produttive di valore, garantendo alla clientela prodotti dalla qualità impeccabile, con elevato value-for-money.

“Attenzione alla qualità, dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, know-how artigianale: Cruna è la sintesi di tutto questo”

In quali paesi ha maggior valore la certificazione Made in Italy? È un fattore che sul vostro segmento cambia le carte in tavola?

Credo che il Made in Italy sia percepito come elemento di valore ovunque. Il nostro è il paese dell’eccellenza della creatività e della manifattura, le 3F del suo lusso (Fashion, Furniture, Food) sono riconosciute e apprezzate in tutto il mondo. La creatività e l’esperienza presente in Italia sono driver formidabili per trasferire al cliente il valore del prodotto, il sapore della nostra cultura artigianale.
Cruna rappresenta la sintesi di tutto questo: l’attenzione alla qualità, la meticolosa dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, il know-how artigianale.

“Abbiamo lanciato il progetto Studio con l’intento di reinterpretare l’activewear in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata”

Cruna è un marchio giovane ma che evolve ogni stagione, quali sono le innovazioni della collezione FW23 che presentate a Firenze?

La collezione Fall/Winter 2023 si caratterizza per l’ampliamento della gamma di categorie merceologiche, per cui i look, partendo dal pantalone, vengono completati da Tribeca e Mayfair, rispettivamente giacche monopetto e doppiopetto, e dal cardigan Dumbo a costa inglese, contemporaneo e senza tempo. Columbia, la camicia botton-down, immancabile nel guardaroba dell’uomo, è realizzata in tessuti originali e ricercati, il raincoat Notting Hill, con spalla raglan, è il capo outwear sviluppato da Cruna per completare in modo sofisticato e contemporaneo gli outift dei nostri clienti. Per quanto riguarda il pantalone, invece, il must have rimane il Mitte, pantalone con elastico e coulisse, a cui, tra le novità di stagione, si aggiunge il Cornel, un chino con vestibilità regular, che rilegge in chiave contemporanea l’iconico pantalone americano straight-fit.

Con il desiderio di continuare ad innovare e sperimentare, con questa stagione abbiamo lanciato il progetto Cruna Studio, con l’intento di reinterpretare in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata il trend dell’activewear. Capi provenienti dal mondo sportswear sono perciò ricreati utilizzando nuovi dettagli e tessuti pregevoli, per un look elevated casual dal sapore internazionale. L’utilizzo di colori solidi e outfit monocromatici, la ricerca meticolosa di materiali con attributi di performance e comfort sono il DNA di questa linea, dove spicca, inoltre, la componente easy-care.
L’uomo Cruna frequenta ambienti culturali ricchi di emozioni, ascolta jazz e sa riconoscere la qualità viaggiando nel mondo.

“L’obiettivo del brand è creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità e alla funzionalità, offrano valori emozionali”

Un  racconto piacevole e che evoca bellezza. È un auspicio o una realtà che riscontrate nel vostro cliente più fidelizzato?

L’obiettivo di Cruna è quello di creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità ed alla funzionalità, offrano valori emozionali. Infatti, in un mondo cosmopolita, frenetico e iperconnesso, l’auspicio del brand è di poter trasferire, mediante la mano dei tessuti e il comfort della vestibilità dei capi, un richiamo alle sensazioni di piacevolezza, serenità e bellezza che si avrebbero durante una serata passata al jazz club.

Per questo motivo abbiamo scelto questa ambientazione come “palcoscenico” per presentare la nuova collezione Fall/Winter 2023, soffici lane che avvolgono come il caldo suono del jazz, coste inglesi che trasferiscono il sapore della ricerca e tessuti stretch che, grazie al loro comfort, ti fanno trascorrere piacevolmente una bella serata. Per noi questa filosofia è intrinseca al concetto di elevated casual, supportata peraltro dai trend degli ultimi anni, che hanno visto una continua flessione del mercato del formalwear a favore del casualwear. Proponiamo in chiave contemporanea e raffinata pezzi che hanno caratterizzato la storia dell’abbigliamento, conferendogli un nuovo sapore e maggiore disinvoltura.
Il nostro desiderio è trasmettere i valori in cui crediamo, con l’auspicio che vengano riconosciuti dai nostri clienti, in modo da creare una community di persone che perseguano un’idea condivisa di qualità, stile e e interessi.

Nell’immagine in apertura, un ritratto dei fondatori di Cruna, Tommaso Pinotti e Alessandro Fasolo

Lo scorso 15 novembre, una speciale experience tenutasi da Rita & Cocktails (tempio meneghino del buon bere) ha celebrato a dovere i 150 anni di Ron Matusalem, autentica istituzione nel mondo degli spirit. Ospitando una masterclass ad hoc, infatti, il bar ha permesso ha permesso agli ospiti presenti, tra degustazioni, food pairing e spiegazioni approfondite, di immergersi nella realtà d’eccellenza di questo rum, premiato e riconosciuto a livello internazionale, nato un secolo e mezzo fa a Cuba e poi radicatosi nella Repubblica Dominicana, che ha fatto del connubio tra savoir-faire e innovazione continua la propria cifra.

È stato l’Head of Consumer Experience di Matusalem, Hektor Monroy, a condurre giornalisti e appassionati in un viaggio alla scoperta delle molteplici, suggestive sfaccettature di un nome pioniere dell’arte del buon gusto, con un excursus che, dalle origini ottocentesche del marchio, si è spinto fino agli anni d’attività più recenti.

Ron Matusalem, un’eccellenza del mondo degli spirit da un secolo e mezzo

Distribuito nel nostro paese dal gruppo Montenegro, il liquore in questione viene ancora prodotto seguendo la tradizione cubana originaria, scrupolosamente preservata dalla quinta generazione della famiglia proprietaria, gli Alvarez. Per l’azienda, del resto, l’eleganza è un concetto senza tempo, racchiuso in un heritage che viene tramandato di generazione in generazione.

Lo stesso nome del rum è ammantato di fascino timeless: fa riferimento, infatti, al patriarca biblico Matusalemme, che, secondo la narrazione dell’Antico Testamento, sarebbe vissuto fino a 969 anni. Un richiamo perfetto, dunque, per il sistema di invecchiamento che contraddistingue il rum nato a Santiago de Cuba. Senza contare che i fondatori, nell’industria isolana dei distillati, sono stati antesignani del sistema Solera. E, a proposito della perla dei Caraibi, ad accrescere enormemente la reputazione di Matusalem, dagli anni Trenta e fino alla metà del secolo scorso, sono proprio i fasti della cosiddetta golden age cubana, quando L’Avana è la meta d’elezione di star del cinema e celebrità.
Negli anni Cinquanta, però, la famiglia è costretta a lasciare il paese e si trasferisce a Miami. Negli anni Novanta, poi, Claudio Alvarez (esponente della quarta generazione), riacquista tutte le azioni aziendali, dando corpo al sogno di riavviare il brand, la cui storia riparte dalla Repubblica Dominicana, dove le condizioni climatiche e del suolo sono molto simili a quelle di Cuba.

Il “cognac dei rum” (soprannome di Ron Matusalem), infatti, è realizzato attenendosi ai precetti della ricetta originale – e segreta, tuttora invariata, con standard elevati e assai rigorosi, fissati dagli stessi fondatori. Dettami che hanno permesso al liquore di imporsi come uno dei luxury spirit più prestigiosi, apprezzatissimo dai connoisseur.

Dal Gran Riserva 15 all’Insolito, le etichette simbolo del marchio

Proprio le etichette della casa sono state le protagoniste assolute dell’appuntamento organizzato da Rita & Cocktails, sul Naviglio Grande. In scena, dunque, una selezione gourmet, dal Gran Reserva 15 (vera icona del marchio, un rum scuro di alta gamma, pluripremiato, dal gusto legnoso, secco e burroso, che dato il blend di complessità e morbidezza risulta perfetto tanto liscio quanto mescolato in combinazioni inedite) al Gran Reserva 23, massima espressione del rum invecchiato con metodo Solera, ben equilibrato con tracce di miele, vaniglia e melassa, dalla finitura speziata, duratura.

E ancora, Insolito (che – nomen omen – rappresenta un unicum, presentandosi come il primo rum rosa al mondo, affinato in botti ex-Tempranillo), che sorprende col suo finale burroso, dai sentori di pane tostato e frutti rossi, in armonia coi residui di tannini del vino; e Sublime Edizione Limitata, un distillato eccezionale nel vero senso del termine, creato per celebrare il 150esimo anniversario dell’azienda. Si distingue per l’intensa nuance ambrata, con riflessi mogano, che donano esclusive note di colore a un liquore dagli aromi di ribes nero, vaniglia, cacao e tabacco. Alla beva evoca rovere, caramello, frutta rossa e, sul finire, fumo di quercia, frutta secca dolce, tabacco.

Questa limited edition, che serba il ricordo dell’età d’oro di Santiago de Cuba, è racchiusa in un decanter lavorato come un’opera d’arte, fatto a mano e numerato da Vista Alegre, vetrai dal 1824. La tiratura iniziale, limitatissima, ha riscosso un successo tale da “costringere” Ron Matusalem a produrre una seconda edizione, richiesta immediatamente dai migliori bartender internazionali. Label sinonimo di un drink d’eccezione, oggi come ieri.

Nell’immagine in apertura, una bottiglia di Insolito, una delle etichette simbolo del rum Matusalem

In un contesto come quello del fashion world contemporaneo, alle prese con trasformazioni epocali (dalle – sacrosante – richieste di maggiore inclusione e diversità nelle collezioni alla questione ormai imprescindibile della sostenibilità, dalla frenesia generalizzata per metaverso, NFT e affini all’affastellarsi, sull’onda di filmati à la TikTok, di trend oltremodo effimeri), è più importante – e urgente – che mai dare spazio alle nuove leve creative. Giovani formatisi nelle migliori scuole del settore, che, alla stregua di sismografi, riescono a captare i sommovimenti che attraversano in profondità la nostra società, restituendoli sotto forma di creazioni fresche e accattivanti, ancora immuni da costrutti, dogmi e artifici dei quali, invece, i big della moda devono per forza di cose tener conto.

La sfilata di IUAD Accademia della Moda all’edizione 2022 di Fashion Graduate

In questo senso, iniziative come Fashion Graduate (fashion week gratuita e aperta alla città, riservata esclusivamente ai newcomers del settore), organizzata da Piattaforma Sistema Formativo Moda Ente del Terzo Settore (ETS), hub che riunisce numerose istituzioni e accademie formative italiane, diventano cruciali, perché convogliano a Milano ragazzi e ragazze di talento, destinati a occupare posizioni di rilievo nell’industria modaiola, ponendosi come un ponte che, dalla metropoli lombarda, raggiunge e coinvolge appassionati e addetti ai lavori di ogni dove. Protagonista assoluta della rassegna, svoltasi quest’anno dal 3 al 5 novembre, la creatività dei migliori diplomandi e laureandi di accademie, istituti e scuole specializzate italiane.

L’edizione 2022 ha visto la partecipazione, tra le altre, di IUAD Accademia della Moda (storica realtà formativa che opera nell’ambito del fashion e del design, e conta oggi due sedi, a Napoli e Milano), che nella giornata del 3 novembre ha portato in scena, negli spazi del BASE, lo show collettivo BODY-ISM. Il filo conduttore della passerella era rappresentato – nomen est omen – dal corpo, o meglio, dalla concezione del corpo come potenziale veicolo di libertà e autorappresentazione.

Nonostante la fisicità sia infatti spesso considerata un qualcosa di dato e, nei suoi attributi fondamentali, immutabile, in realtà le idee su cosa incarni, sui valori di cui potrebbe farsi portatrice, sono assai varie, non di rado contrastanti. Ecco dunque che gli “input” sul tema, alla base della ricerca creativa condotta dagli studenti di IUAD (nove quelli coinvolti nel défilé, Aurora Platone, Pia Francesca Affinito, Giordana Bellucci, Mirko Cavaliere, Alessia Peruzzi, Valentina Turri, Francesca Calini, Arianna Frison, Riccardo Meazza), vengono declinati da ciascuno in maniera diversa: corpi in pericolo, corpi fragili, corpi riottosi…

BODY-ISM, gli studenti di IUAD Accademia della moda rileggono in chiave fashion il tema della corporalità

Aurora Platone (ph. by Daniele Venturelli)

Si passa infatti dai volumi estremamente strutturati, scultorei, di Aurora Platone (che ricorre alla nappa scura per plasmare outfit assertivi, una sequela di jumpsuit, chiodi, trench e minidress dalle proporzioni bold) alla Fashion Anatomy di Alessia Peruzzi, che – come suggerisce il titolo – reinterpreta in chiave decorativa i fondamenti dell’anatomia, trasformando filamenti del Dna, arterie, gli stessi organi in costruzioni intricate, tra fibbie, catene e stampe elaborate.

Alessia Peruzzi (ph. by Daniele Venturelli)

E ancora, dai patchwork e dalle texture logore (frutto di un attento lavoro di upcycling di pellicce usate e pellami dismessi) di Riccardo Meazza, che svelano ed enfatizzano la fisicità dei modelli, alle “bambole” ultraglam di Like a Doll… In the contemporary Victorian Age, collezione di Pia Francesca Affinito che gioca con gli stilemi dell’abbigliamento vittoriano, esasperandone forme e caratteristiche in un tripudio di ruches, volant, frange, lacci e drappeggi. Esercizi di creatività che i diretti interessati, con ogni probabilità, avranno la possibilità di affinare in un futuro molto prossimo, nel quale le voci come le loro sono destinate a farsi sentire sempre di più.

Riccardo Meazza (ph. by Daniele Venturelli)

Pia Francesca Affinito (ph. by Daniele Venturelli)

Nell’immagine in apertura, gli studenti di IUAD Accademia della Moda al termine della sfilata BODY-ISM (ph. by Daniele Venturelli)

Ormai è persino banale sottolineare l’importante di un’alimentazione che coniughi gusto e principi healthy, soddisfacendo tanto il palato quanto il proprio benessere; eppure, soprattutto in città a vocazione eminentemente turistica come Roma, dove si tende a privilegiare la quantità rispetto alla qualità, oppure a uniformare le proposte culinarie a trend del momento o, all’opposto, a immarcescibili canoni gastronomici, per incontrare il favore di quante più persone possibili, è meno semplice di quanto si possa pensare individuare un locale che soddisfi le caratteristiche sopracitate.

Verdefresco, in questo senso, è un nome di sicuro affidamento nel panorama della ristorazione capitolina; all’interno dei suoi due locali (uno in pieno centro, a via Spaventa, l’altro a via Usodimare, nel cuore dello storico quartiere romano della Garbatella) sapore e wellness vanno a braccetto. I piatti vengono realizzati esclusivamente con prodotti freschi e di stagione – a chilometro zero perché direttamente coltivati o selezionati, con la massima cura, da fornitori locali, e arricchiti poi da nutrienti scelti espressamente per le loro proprietà benefiche. L’assortimento è oltremodo eterogeneo, tra insalate, wrap, zuppe, bowl, starter, drink e dessert, così da soddisfare le esigenze più diverse, comprese quelle della clientela vegetariana o vegana.

I capisaldi di Verdefresco: sostenibilità, stagionalità, prodotti a chilometro zero, genuinità

Le portate del menù sono pensate per trasformare ogni occasione in una parentesi a tutto gusto, tenendo fede a quelli che sono degli autentici comandamenti per l’insegna; in primis quello della sostenibilità, un concetto qui esteso all’intero ciclo alimentare dei prodotti usati, dal concepito del singolo piatto alla gestione dei rifiuti dei locali. Quindi, il ricorso ai suddetti fornitori locali, coltivatori e allevatori di fiducia, dislocati tra Roma e provincia, scelti per la loro serietà ed impegno.

Non si può ovviamente derogare ai precetti relativi a gusto e genuinità dell’offerta, con materie prime rigorosamente fresche e portate preparate ogni giorno, in base alla disponibilità della materia prima. Last but not least, la stagionalità dei prodotti: i proprietari di Verdefresco lasciano che a dettare il menù sia, di volta in volta, il corso delle stagioni e le specificità del raccolto, dando il proprio contributo a un’agricoltura che sposi qualità e attenzione all’ambiente.

Nell’immagine in apertura, una delle proposte gourmet di Verdefresco

Mercoledì 19 ottobre, durante la Festa del Cinema di Roma, Manintown ha svelato una preview del nuovo issue del magazine; nello specifico, le cover story del numero, con protagonisti quattro attori italiani in decisa ascesa, già protagonisti all’ultima Mostra del Cinema di Venezia dell’evento dedicato ai Next Generation Awards (organizzati dal magazine insieme a MI HUB Agency), durante il quale erano stati consegnati loro i premi di miglior attore, miglior attrice e un doppio riconoscimento speciale.

Parliamo di Nicolas Maupas (nome lanciatissimo della serialità nostrana grazie ai successi di Un professore e Mare fuori, ora su Rai1 con Sopravvissuti); di Carolina Sala (distintasi tra grande e piccolo schermo in ruoli eterogenei, dalla protagonista del thriller Vetro al personaggio interpretato in Fedeltà – su Netflix); di Amanda Campana e Matteo Oscar Giuggioli, che hanno condiviso di recente il set di Suspicious Minds di Emiliano Corapi, film di prossima uscita. Per l’occasione, le quattro rising star del cinema tricolore erano state (mirabilmente) ritratte dall’illustratore Jacopo Ascari, artista dal tratto vibrante e poetico in egual misura.

Una serata speciale al Vinificio di Testaccio

La serata si è svolta al Vinificio di piazza dell’Emporio, nel cuore del quartiere Testaccio, nuovo place to be della scena food & wine capitolina, che vanta una delle selezioni di vini naturali più ampie ed eclettiche d’Italia, composta da oltre 500 etichette provenienti da tutto il mondo, con particolare attenzione per quelle italiane e francesi. Uno speciale allestimento del locale ha dato particolare risalto alle quattro cover del numero, scattate da Davide Musto e Marco D’Amico, presentate in versione “XL”. Ad animare l’atmosfera, inoltre, un dj set d’eccezione curato da Anna Lou Castoldi, in arte Normvl.

Tanti gli ospiti che hanno presto parte all’evento, volti noti della scena televisiva e attoriale del Belpaese: si possono citare, tra gli altri, oltre agli stessi Matteo Oscar Giuggioli e Amanda Campana, Alessio Praticò, Haroun Fall, Coco Rebecca Edogamhe, Jane Alexander, Niccolò Ferrero, Jozef Gjura, Francesca Valtorta, Barbara Foria, Sara Lazzaro, Roberto Oliveri, Lorenzo Adorni, Joseph Altamura, Giovanni Alfieri, Francesco Russo, Stella Mastrantonio, Giulio Greco, Guglielmo Poggi, Simone Di Scioscio, Anna Cavallo, Roberto Riccardi.

Alessio Praticò; Haroun Fall e Coco Rebecca Edogamhe; Roberto Oliveri; Barbara Foria (ph. by Alessandra Trucillo)

Sara Lazzaro; Joseph Altamura; Guglielmo Poggi; Anna Cavallo; Jozef Gjura (ph. by Alessandra Trucillo)

Nell’immagine in apertura, Matteo Oscar Giuggioli posa davanti alla cover del nuovo issue di Manintown (ph. by Alessandra Trucillo)

Un ottobre decisamente speciale quello di Elisa Coclite alias Casadilego, cantautrice 19enne che, dopo la vittoria a X Factor nel 2020, ha intrapreso un fruttuoso percorso artistico, che l’ha vista – tra le altre cose – pubblicare il primo EP (eponimo), ottenere un disco d’oro per uno dei suoi singoli di maggior successo, Vittoria, collaborare con Nitro, duettare sul palco del 71esimo Festival di Sanremo nientemeno che con Francesco Renga, che l’ha voluta al suo fianco durante la serata dedicata alle cover per eseguire Una ragione di più della Vanoni.

Questo mese, infatti, è scandito per lei da due novità legate a doppio filo: da una parte, la doppia release Oceano di cose perse (Columbia Records Italy/Sony Music Italy), dall’altra l’esordio da protagonista sul grande schermo in My Soul Summer di Fabio Mollo (che, dopo l’anteprima alla Festa del Cinema di Roma, sarà nelle sale con Europictures per tre giorni, dal 24 al 26 ottobre), film in cui interpreta (rigorosamente dal vivo) proprio i due brani, ossia Oceano di cose perse – scritto da Mara Sattei, prodotto da Enrico Brun – ed Edinburgh attempt no. 2, che compongono i due lati del 45 giri digitale, disponibile per l’ascolto da oggi.

Oceano di cose perse, doppia release dei brani inseriti anche nella colonna sonora del primo film della cantante

Un progetto musicale le cui parole, lievi, crescono perché inserite in un percorso di evoluzione sia sonora che di significati, nel quale «tutto è giovane» – come precisa l’autrice, in modo da «racchiudere e descrivere la delicatezza di una lotta interiore e col mondo, per sfuggire a quello che ci cambia ed essere noi stessi». Oceano di cose perse, secondo Sattei – che ne ha curato il testo – è contraddistinto da «sonorità spensierate, leggere ma comunque introspettive, [che] mi ricordano molto ciò che ero io alla sua età»; e poi aggiunge: «Dentro un oceano di cose perse a volte riusciamo a ritrovarci, e altre volte a lasciare andare ciò che non ci appartiene più. Questo è quello che è successo con questo brano e spero arrivi anche a tutti voi».

My Soul Summer,  «un racconto di formazione puro e semplice»

Per quanto riguarda la pellicola (che verrà proiettata durante la kermesse capitolina, domenica 16 ottobre), può vantare un cast di prim’ordine, che comprende Tommaso Ragno, Anna Ferzetti e Lunetta Savino; rilegge il classico filone del coming of age, nel caso specifico quello della 17enne Anita (Casadilego), adolescente timida e insicura destinata, attraverso l’incontro con Vins (Ragno), famoso cantante dai trascorsi burrascosi, a vivere un’estate indimenticabile, in cui riuscirà a scoprire – e apprezzare – un modo del tutto peculiare di vivere la musica, sviluppando appieno il proprio talento.

Il regista definisce My Soul Summer «un racconto di formazione puro e semplice», in cui tutto ruota intorno alla musica, al punto che «le scene musicali, sia quelle di musica classica al pianoforte che quelle cantate, sono in presa diretta». Mollo, poi, elogia la protagonista, «un talento vero e puro, un’artista che attraverso la musica racconta la vita».

Il film è una produzione Bartleby Film e Fidelio con Rai Cinema, ed è prodotto da Massimo Di Rocco, Luigi Napoleone per Bartleby Film, Silvio Maselli e Daniele Basilio per Fidelio.

Nell’immagine in apertura, Anita/Casadilego in una scena di My Soul Summer

Una collezione di lusso ad alte prestazioni in edizione limitata, con un tessuto raffinato e una nuova palette di colori per la stagione FW22

Canada Goose e October’s Very Own hanno deciso di rinnovare la propria iconica collaborazione per questa stagione con una capsule collection che fonde gli stili tradizionali con materiali e lavorazioni di altissima qualità. I marchi, entrambi nati a Toronto, hanno attinto agli archivi di Canada Goose, che risalgono a oltre 60 anni fa, per re-immaginare due capi storici e cercare ispirazione per un nuovo berretto. Realizzata in lana Loro Piana in una serie di ricche tonalità autunnali, la capsule porta lusso “prestazionale” e street style a un nuovo livello. Interpretazione aggiornata di un classico capospalla d’archivio, il Banff Parka per OVO® abbina un sofisticato streetwear all’estrema funzionalità e al massimo calore di Canada Goose.

Le specifiche tecniche della nuova collezione

Il parka, con un Thermal Experience Index (TEI) pari a 4, può resistere a temperature fino a -25°C, offrendo protezione, versatilità stilistica e comfort. Compagno ideale per le fresche serate autunnali, il gilet Freestyle con cappuccio per OVO® rivisita lo stile intramontabile del brand e celebra la partnership pluriennale. Entrambi, dotati di un patch OVO® e rifiniti con un logo Canada Goose ricamato, sono realizzati nella lussuosa lana Loro Piana Storm System®GX; si tratta di un tessuto di alta qualità, che combina le proprietà isolanti e termiche della lana per fornire calore e protezione dagli elementi, mentre Storm System® GX è trattato con Rain System® per ottenere un tessuto traspirante, idrorepellente e resistente al vento.

Il Wool Cap perOVO® è stato progettato con una silhouette a basso profilo e uno snapback regolabile per una calzata confortevole. Il cappello, completato dai loghi ricamati delle due griffe, è un capo essenziale per tutti i giorni, adatto alle escursioni autunnali e alle cene all’aperto. Tutti i modelli saranno disponibili nei colori Sierra, Midnight e Limestone.

La collezione Canada Goose x OVO® Autunno/Inverno 2022 sarà disponibile dal 7 ottobre 2022 presso selezionati negozi Canada Goose e OVO®, su canadagoose.com e octobersveryown.com.

Coniugare sofisticatezza vestimentaria e tutela dell’ambiente, ormai è assodato, costituisce una delle principali sfide per il fashion system contemporaneo, un tema cruciale per il futuro di qualsivoglia griffe (e, a livello macro, per quello della Terra). Lo ha ben compreso Dsquared2, che presenta oggi il secondo capitolo di One Life One Planet, summa della ricerca intrapresa dal brand per ridurre il più possibile il proprio impatto ambientale, tenendo fede, al tempo stesso, ai capisaldi che ne hanno plasmato l’identità stilistica. Non si tratta “solo” di abbigliamento eco-friendly: l’iniziativa, infatti, coinvolge anche la cultura aziendale del marchio di Dean e Dan Caten, con i diversi reparti che, dallo scorso febbraio, portano avanti un apposito percorso formativo, così da precisare al massimo il significato di sostenibilità e definire le linee guida per i prossimi step in questa direzione.

Look della collezione One Life One Planet F/W 2022 (ph. courtesy Dsquared2)

Una capsule da (stiloso) esploratore urbano, con capi realizzati in materiali eco

La proposta One Life One Planet per la stagione Fall/Winter 2022, nello specifico, si distingue per il carattere positivo, curioso e vivace dei pezzi, in linea con l’attitude energica dei gemelli Caten (che, a proposito della capsule, dichiarano: «Dal punto di vista creativo è stimolante esplorare nuove strade, mettersi costantemente in discussione per evolvere e proiettarci con entusiasmo nel futuro»).

Ph. courtesy Dsquared2

Gli outfit compongono l’uniforme ideale di un esploratore urbano vestito di tutto punto, il cui guardaroba ruota intorno a capispalla di matrice tecnica (duvet – anche in versione smanicata, aviator jacket, blouson zippati…), borse con ganci e grintosi scarponi; non possono però mancare gli essentials del prêt-à-porter griffato D2, dunque denim pants dalla vestibilità asciutta o più rilassata, giacche di jeans, sneakers, felpe, copricapi in fogge diverse, dal beanie in lana al cappello da baseball.

La palette cromatica è sferzata da tonalità vivide di giallo, arancio e viola, equilibrate da note intense di blu e ottanio, a ribadire con i colori la positività e il dinamismo tipici di chi ha a cuore la salvaguardia del pianeta, e manifesta quest’interesse anche nelle sue mise quotidiane. Il messaggio della collezione viene ulteriormente amplificato dalla stampa che arricchisce i capi, una rielaborazione del motivo grafico che simboleggia la circolarità delle pratiche eco-conscious, con le tre frecce che si rincorrono.

I materiali impiegati sposano appieno l’etica green del progetto: nylon riciclato, cotone biologico, cachemire recycled sono la diretta espressione delle tecniche produttive che meno impattano su ambiente e società. One Life One Planet, che si pone come un percorso in continua evoluzione, coinvolgerà in misura sempre maggiore diversi partner Dsquared2, produttivi e commerciali.
Gli articoli saranno disponibili da questo mese in tutte le boutique del brand, sull’e-store e in selezionati retailer internazionali.

Difficile pensare, oggi, a un prodotto più diffuso, trasversale, discusso, in alcuni casi letteralmente idolatrato della sneaker, assurta da tempo a uno status che ne trascende le caratteristiche specifiche, rendendola un connettore di ambiti più o meno affini quali moda, design, sport, sottoculture varie. In cima ai desiderata di cultori della materia, fashionisti perennemente a caccia della novità du moment, “semplici” consumatori – che siano millennials o Gen Z – che apprezzano la versatilità di una calzatura adatta a qualsiasi contesto, è il capo che riesce a mettere d’accordo tutti, declinabile in infinite modalità, dai modelli frutto di ricercate collaborazioni a quelli basic, dalle limited edition numerate a rari esemplari vintage.

Sneakerness, primo e più importante evento itinerante dedicato ai kicks (come sono note tra gli appassionati) di ogni ordine e grado, dai cimeli pressoché introvabili alle versioni digitali che iniziano a comparire nel metaverso, è nato proprio per soddisfare le richieste della variegata platea che ruota intorno a queste calzature (ormai è persino riduttivo definirle tali).
Anche quest’anno il festival farà tappa in Italia, precisamente agli East End Studios di Milano per due giorni (8-9 ottobre), col suo carico di iniziative speciali e novità, a partire dalle diverse collezioni di NFT con i pezzi più hype, bramatissimi dai collezionisti.

Una due giorni che celebra la sneaker culture, tra shopping, tornei sportivi e svariate iniziative

Nell’edizione 2022, poi, particolare rilevanza verrà data allo sport, specialmente alla due discipline che hanno maggiormente contributo alla nascita e allo sviluppo della sneaker culture, ossia tennis e basket. Nella due giorni meneghina si svolgeranno perciò dei tornei ad hoc, con Sata Court Club che allestirà un campo dove testare le proprie skills sportive, tra smash e volé.

Da segnalare, infine, la presenza del Food Market, dove assaporare le migliori proposte food & beverage, italiane e non, concedendosi una pausa di gusto dalla frenesia di cui è pervasa la kermesse. Nata a Berna nel 2008 e diffusasi rapidamente nelle principali metropoli d’Europa, da Parigi ad Amsterdam passando per Berlino, Londra, Rotterdam e Zurigo, Sneakerness è riuscita infatti a imporsi sulla scena internazionale grazie al mix vincente della formula, unica nel suo genere, un mix di streetwear, ricerca, collezionismo, shopping, cultura e divertimento.

Per i biglietti e maggiori info, si può consultare l’apposito link.

L’autunno è per eccellenza la stagione in cui ripartono pienamente le nostre attività e torniamo alla routine, non solo nel lavoro ma anche nella cura della nostra pelle. Se non l’abbiamo mai curata invece, è il momento giusto per farlo! Le giornate si sono accorciate e sono caratterizzate da forti escursioni termiche e condizioni meteorologiche mutevoli che sono causa di diversi e importanti inestetismi per la pelle di viso e corpo.

Inoltre le continue esposizioni al sole maturate durante l’estate hanno favorito la disidratazione della pelle e alterato l’omogeneità del colorito cutaneo,  comportando anche un’azione nociva di fotoinvecchiamento. I rituali tradizionali come maschere, pulizie viso e percorsi anti age sono in continua evoluzione e noi ne abbiamo scoperti alcuni presso La Clinica Milano Skin lab, un luogo dedicato alla persona e specializzato in trattamenti di medicina e chirurgia estetica, situato nel centro di Milano.

ESFOLIARE LA PELLE: IL PEELING PRX-T33

Si tratta di un peeling che favorisce la rigenerazione cutanea e rende la pelle più liscia, compatta e luminosa senza utilizzo di aghi né bisturi. L’autunno è il periodo perfetto per programmare un trattamento di rinnovamento cutaneo che esfoli la pelle dopo l’estate. Il trattamento PRX – T33 rendenderà la pelle più luminosa, liscia e soda, producendo un “effetto lifting” senza dolore.

PREVENIRE L’INVECCHIAMENTO CON UNA BIORIVITALIZZAZIONE

La Biorivitalizzazione è una procedura di medicina estetica mini invasiva che permette di reidratare a fondo la pelle e migliorare la texture cutanea, risollevare e distendere i tessuti di viso e collo, restituendo un aspetto immediatamente più giovane. Questo trattamento favorisce il riequilibrio della normale fisiologia della cute, restituendo turgore e compattezza alla pelle invecchiata del viso ed attenuando le rughe.

LA NUOVA FRONTIERA DELLA PULIZIA VISO

Si chiama Derma Clear ed è una soluzione di idrodermoabrasione incredibilmente potente che consente di pulire, idratare e nutrire a fondo la pelle. Forte degli standard di alta qualità e dell’approccio innovativo del brand Alma. DermaClear lavora delicatamente in profondità per detergere e ringiovanire la pelle, lasciandola fresca, pulita e magnificamente idratata. il trattamento è diviso in 3 fasi: detersione, purificazione e nutrimento. L’esclusiva punta rotante della piattaforma e la potente azione di aspirazione consentono un processo di pulizia profonda ed estrazione delle impurità, garantendo al contempo un’efficace penetrazione della skincare nella pelle.

Si è appena conclusa Méditerranée – Taranto e la Dolce vita, una due giorni all’insegna di arte, moda, storia, cultura e tradizioni ospitata, appunto, dal capoluogo ionico. Ospite d’eccezione della prima edizione, Gianluca Saitto, stilista eclettico che, con le sue creazioni su misura, in equilibrio tra ricercatezza e sartorialità impeccabile, ha conquistato fan del livello di Loredana Bertè, Patty Pravo, Renato Zero e Gianna Nannini.

Il couturier ha portato in piazza Castello, nel cuore della città, 30 look della sua ultima collezione, Couture in fieri; una summa dei capisaldi di stile della griffe eponima, a cominciare dalla profusione, su lunghi abiti scivolati, blazer affilati, minidress e gonne sinuose, di ricami e applicazioni rigorosamente handmade. Altro atout del marchio, la nobilitazione della figura femminile attraverso tagli dalla precisione chirurgica, effetti see-through, texture ricercate, tessuti shiny e dall’aspetto metallico, un richiamo agli outfit brillanti – letteralmente – delle icone del rock anni ‘70, eterna fonte d’ispirazione del designer. Alcune mise, inoltre, sono state completate per l’occasione dai copricapi di alta moda firmati Pasquale Bonfilio, autentico artista della modisteria artigianale.

Alcuni look dello show Couture in fieri di Gianluca Saitto

Sfilano nel cuore della città antica 30 outfit che compendiano il percorso creativo del marchio

A margine della sfilata, Gianluca Saitto ha dichiarato di aver «accettato con grande entusiasmo l’invito di Mario Rigo e Angelo Labriola, ideatori del format Méditerranée, che vogliono dare un contributo concreto alla rinascita di Taranto. Sono rimasto subito affascinato dalla bellezza nascosta del luogo, culla della Magna Grecia, un luogo ricco di tradizioni che, partendo un glorioso passato, guarda alle sfide del futuro. Nella mia ricerca, in maniera analoga, attingo alle migliori tradizioni artigianali, come il ricamo, per trasformarle in qualcosa di contemporaneo. Nel cuore della città antica ho così presentato 30 uscite che riassumono il percorso di questi dieci anni di attività, in cui sono protagonisti abiti dalle nuance dell’oro e dell’argento, look che giocano su una luminosità eccezionale, accentuata dalle preziose broderies e dai cristalli applicati a mano. Un vero omaggio al saper fare italiano».

La collezione, secondo Mario Rigo, «rappresenta un compendio delle creazioni più spettacolari di Gianluca Saitto, della sua visione di una moda in perenne evoluzione (in fieri, ovvero in divenire), in cui le tradizioni del ricamo sono rilette in un’ottica contemporanea, valorizzando gli abiti da sera e i completi con le giacche strutturate. È proprio il tipo di lavorazione sartoriale che si potrebbe realizzare nella nostra Taranto».

Uno show d’eccezione per suggellare una kermesse che intende promuovere le eccellenze tarantine

Lo show ha chiuso in bellezza una kermesse che ha trasformato il centro della città dei due mari in un laboratorio a cielo aperto che, coinvolgendo le istituzioni e l’imprenditoria locale, ha immaginato soluzioni per rendere più vivibile questo scrigno di storia millenaria affacciato sullo Ionio. Tirando le somme, Rigo e Labriola hanno posto l’accento sull’importanza «di organizzare un primo grande evento di haute couture a Taranto, l’inizio di una lunga serie di eventi nati per valorizzare la nostra città e il fatto a mano. L’obiettivo è far riscoprire i valori del nostro territorio, le sue radici, la sua arte e cultura con atteggiamento costruttivo. Per questo abbiamo innescato, tramite una tavola rotonda e la sfilata di Saitto, alcune progettualità per recuperare antichi mestieri e botteghe artigiane nei palazzi nobiliari in fase di restauro.

Vogliamo ad esempio rilanciare la tradizione locale del bisso, tecnica dell’alta moda che può rinascere grazie ai giovani. E creare un ponte con Milano, visto che la Puglia è un polo produttivo importante il settore fashion. Taranto potrebbe formare le nuove generazioni nel recupero di questi mestieri in via di estinzione, dando loro un’opportunità per restare attivamente in loco. Insieme all’amministrazione comunale e a numerosi imprenditori, faremo risaltare la bellezza spesso nascosta di questo territorio. Ringraziamo Gianluca Saitto che, per primo, ha messo a disposizione la sua arte sartoriale per far conoscere in modo inedito la città antica».

Nell’immagine in apertura, il finale della sfilata di Gianluca Saitto a Taranto

Dal 17 settembre al 3 ottobre l’Oktoberfest 2022, l’attesissimo appuntamento per gli amanti della birra torna in scena al Theresienwiese di Monaco. Birra bavarese, o Bayerisches Bier, scorrerà a fiumi e rappresenterà, come ogni anni, il fil rouge della manifestazione. Ma la bevanda al luppolo non sarà l’unica attrazione della festa ottobrina: parate, attrazioni e spettacoli intratterranno i visitatori tra un boccale e l’altro. E per i buongustai, l’esperienza birraia nella città tedesca non si limita ai confini del parco sede dell’Oktoberfest. A Monaco infatti, si trovano Brauereien e locali storici che sono tappe obbligate per gli appassionati e gli intenditori della birra. Ecco allora le 5 migliori birrerie selezionate da Civitatis, azienda leader nella vendita di visite guidate, escursioni e tour gratuiti.

Hofbräuhaus, la birreria per eccellenza di Monaco di Baviera

La Hofbräuhaus non è solo la birreria più famosa di Monaco, ma è considerata da molti la migliore della Germania. Fu fondata nel XVI secolo, quando il duca Guglielmo V di Baviera ne fece il principale fornitore di birra Weissbier per la famiglia Wittelsbach. Oggi il locale, noto anche come HB, è di proprietà del governo bavarese.

Nelle sue sale a volta policroma si può assistere spesso spettacoli dal vivo di musica tradizionale sorseggiando un boccale di birra in un ambiente in cui respirare un’atmosfera autentica bavarese.

Biergarten Viktualienmarkt, il luogo perfetto per una birra all’aria aperta

Questo biergarten (o giardino della birra) è un luogo ideale per gustare una birra ghiacciata all’aria aperta nella suggestiva città di Monaco, immersi nel verde. Comodamente seduti sulle panchine di legno circostanti, è possibile accompagnare alla bionda (o scura che sia) con lo street food locale, acquistato nei chioschi del parco.

L’offerta del Viktualienmarkt inoltre cambia continuamente, alternando varietà provenienti dai principali birrifici della capitale, per un’esperienza en plein air ogni volta diversa.

Biervana, il paradiso dei birrai

Biervana non è né un birrificio né un pub, ma è un paradiso terrestre per chi ama la birra sopra ogni altra cosa. Tra lattine e bottiglie, più di seicento varietà e gusti provenienti dalla Baviera e da tutto il mondo sono esposti sugli scaffali del locale: un vero spettacolo per gli occhi ma soprattutto per la gola. Biervana è quindi la meta per gustare una vera birra artigianale scegliendo tra varietà provenienti da Austria, Nuova Zelanda, Belgio, Regno Unito, Germania e moltissimi altri luoghi che della birra hanno fatto una vera arte.

Agustiner Stammhaus, la Baviera in un boccale di birra

Il birrificio che dà il nome a questo e a molti altri locali della città è l’Augustiner-Bräu Wagner KG, il più antico birrificio di Monaco. L’ambiente interno si caratterizza per i dettagli art nouveau e neobarocchi che contribuiscono a ricreare un’atmosfera rétro. Inoltre, la birra è prodotta qui secondo la legge di purezza del 1516, che obbliga i birrai a produrre la loro birra con solo tre ingredienti: orzo, luppolo e acqua.

Paulaner Bräuhaus, dai birrai per i birrai

Non c’è dubbio: la taverna Paulaner Bräuhaus è uno dei luoghi da visitare in qualsiasi viaggio a Monaco. Un luogo con un obiettivo molto chiaro: creare un’esperienza autentica attraverso uno dei marchi di birra più importanti del paese. Oltre a degustare alcuni piatti a base di maiale, manzo o oca, in questo birrificio è possibile vedere da vicino la preparazione degli ingredienti della birra artigianale e conoscerne alcuni segreti (non tutti sanno ad esempio che questa bevanda è stata prodotta dai monaci dell’Ordine dei Minimi nel 1634). Oggi i birrifici Paulaner hanno conservato quasi intatti i metodi di produzione e il gusto di un tempo. 

La Milano Fashion Week dedicata alle collezioni donna Spring/Summer 2023 si è aperta, martedì 20 settembre, con la 22esima edizione dei Chi è Chi Awards, ideati e organizzati da Cristiana Schieppati, direttrice dell’omonimo quotidiano digitale, annuario e newsletter della casa editrice Crisalide Press (www.crisalidepress.it). Tenutasi nella sala Alessi di Palazzo Marino, sede del Comune di Milano (che, insieme alla Camera Nazionale della Moda Italiana, la patrocina), la cerimonia ha visto assegnare diversi riconoscimenti, rinominati a partire da quest’edizione Fashion Community Awards – Chi è Chi Awards, così da sottolineare ulteriormente il senso di appartenenza di un’industria fondamentale per il Belpaese; un appuntamento autorevole, che ogni anno chiama a raccolta – e celebra – l’intero fashion system, dai designer agli ambassador dei principali brand, passando per imprenditori, press office, manager, stampa di settore…

The Human Touch, il tocco umano scelto come filo conduttore della 22esima edizione

I premi sono stati decisi da una giuria formata da nomi di spicco del panorama modaiolo nostrano, che comprende come membro onorario il Cavalier Mario Boselli – presidente della Fondazione Italia Cina, dell’Istituto Italo Cinese e presidente onorario della Camera Nazionale della Moda, il critico e fashion feature deputy editor di Style Magazine Corriere della Sera Michele Ciavarella, Luca Dini (direttore di F e Natural Style).

E ancora, il direttore responsabile content hub moda e beauty e direttore di d Emanuele Farneti; la direttrice di Grazia Silvia Grilli; il Vanity Fair european editorial director Simone Marchetti; Francesca Ragazzi (head of editorial content di Vogue Italia); Nicoletta Polla-Mattiot, direttrice del supplemento del Sole 24 Ore How To Spend It; la caposervizio e fashion editor del Corriere Paola Pollo; Danda Santini (che dirige Io Donna e Amica); la direttrice di Donna Moderna Maria Elena Viola. A guidare il loro operato, il tema guida della XXII edizione, ossia The Human Touch, quel tocco umano che ha motivato – e continua a farlo – la straordinaria resilienza dimostrata negli ultimi anni dal settore fashion, le strategie da esso adottate per affrontare al meglio le nuove, enormi sfide che si profilano all’orizzonte, inclusione, sostenibilità, metaverso, ricerca, il rapporto sempre più stretto col mondo dell’arte.

Per la prima volta, inoltre, è stato assegnato da Comune di Milano e Chi è Chi il premio Fashion & The City, pensato per valorizzare i progetti in grado di rafforzare ancor di più il legame tra moda e città meneghina. L’assessora allo Sviluppo Economico e alle Politiche per il Lavoro con delega alla Moda e al Design, Alessia Cappello, ha consegnato il riconoscimento a Piattaforma Sistema Formativo Moda ETS, rappresentata da Matteo Secoli.

Tutti i vincitori dei Chi è Chi Awards 2022

Alberto Cavalli (al centro) tra Silvano Brescianini e Nicoletta Polla-Mattiot; Giorgia Rapezzi con Michele Ciavarella; Malika El Maslouhi; Tananai con Silvia Grilli

Di seguito, l’elenco completo dei premiati.

Premio per il sociale: Alberto Cavalli – direttore generale Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte 

Premio per l’imprenditoria: Giorgia Rapezzi – direttore creativo e co-fondatrice di Jato

Premio Elio Fiorucci Designer of the Year: Alessandro Michele – direttore creativo di Gucci 

Premio Community Touch: Michelle Francine Ngonmo – presidente Afro Fashion Association

Premio Top model of the year: Malika El Maslouhi – modella

Premio alla Carriera: Brunello Cucinelli – presidente esecutivo e direttore creativo della Brunello Cucinelli Spa

Premio Generazione Z: Tananai – cantautore e produttore 

Premio Ambassador Italian Touch: Antonio Marras – direttore creativo e costumista 

Premio Golden Couple: Gea Politi e Cristiano Seganfreddo – editori di Flash Art

Premio arte e fotografia: Brigitte Niedermair – fotografa

Premio stylist of the year: Nick Cerioni – Rock Star stylist 

Premio young designer: Marco Rambaldi – stilista

Anche Paolo Stella, scrittore e influencer, è stato premiato attraverso una votazione della community del Chi è Chi, ricevendo il Digital Creator Award; mentre Alessio Vannetti – chief brand officer di Valentino – e la pr manager Italia di Guerlain, Cristiana Villani, hanno ricevuto i Premi Barbara Vitti per il miglior ufficio stampa moda e bellezza.

Antonio Marras con Luca Dini; Brigitte Niedermair con Emanuele Farneti; Gea Politi e Cristiano Seganfreddo con Mario Boselli

Nell’immagine in apertura, tutti i vincitori dei Chi è Chi Awards 2022

È stata inaugurata a Venezia lo scorso 7 settembre, nei giorni della 76esima Mostra internazionale d’arte cinematografica, una exhibition decisamente sui generis, innanzitutto per la location galleggiante. Si tratta, nello specifico, di Lycian Princess, caicco turco di 28 metri in legno a due alberi, ormeggiato presso la Marina di Sant’Elena, proprio alle spalle dei Giardini della Biennale. L’imbarcazione ospita per tutto il mese di settembre Vedere oltre la vista, installazione itinerante di Felice Tagliaferri, scultore non vedente che vanta collaborazioni con università e istituzioni di tutto il mondo (Musei Vaticani, Accademia di Brera, MACRO, la Peggy Guggenheim Collection di Venezia, solo per fare qualche nome).

In mostra – sull’acqua – le sculture di Felice Tagliaferri, frutto del suo lavoro tattile-visivo

La produzione dell’artista si distingue per la forte componente tattile delle sculture (realizzate nei materiali più disparati, dalla creta al marmo, dalla pietra al legno, trattati sapientemente e plasmati con tecniche diverse), in linea con la sua volontà di promuovere una fruizione più democratica dell’arte, educando lo spettatore a un nuovo approccio alle opere, che non preveda l’uso esclusivo della vista. Aspetto peculiare del progetto in questione è proprio il fatto di essere accessibile alle persone non vedenti; lo stesso Tagliaferri guida personalmente gli ospiti, per mano e con la voce, in un percorso sensoriale ad hoc.

“L’esplorazione tattile di ogni mia opera rivela dettagli non percepibili con il solo uso della vista”, spiega lui, che nel 2006 ha fondato la scuola Chiesa dell’Arte, in cui si fa ricorso a un metodo di lavoro definito tattile-visivo, per cui “si guarda con le mani e si tocca con gli occhi”, per usare le sue parole. L’obiettivo, perseguito costantemente dallo scultore, è quello di abbattere ogni barriera, sia fisica che mentale, educando le persone a percepire la disabilità non come un limite ma, al contrario, come un modo differente di interpretare la vita.

Carta dei diritti delle persone con disabilità, l’opera dello scultore sul Lycian Princess per la Barcolana di Trieste

La mostra itinerante sul caicco si concluderà il 9 ottobre a Trieste, in occasione della Barcolana, storica regata velica che si tiene ogni anno nel golfo del capoluogo friulano. il Lycian Princess parteciperà, portando a bordo l’artwork Carta dei diritti delle persone con disabilità, sulla quale Tagliaferri intende far incidere le proprie iniziali a tutti i capi di stato del mondo, così da togliere dalla superficie marmorea dell’opera qualche granello e farle assumere un peso leggermente minore, veicolando un messaggio di pace e sostenibilità.

Artista a bordo, un format tailor-made che permette di fruire delle opere in modo inedito

L’exhibition si inserisce nel contesto di Artista a bordo, pensato dal curatore e art dealer Riccardo Benedini in collaborazione con l’armatrice veneziana Marina Rossi. Il format, che quest’anno vede il coinvolgimento della Onlus “Lo Spirito di Stella” del velista Andrea Stella, è inedito, un’esperienza tailor-made che offre ad artisti e designer l’opportunità di raccontarsi attraverso brevi interviste nel Mediterraneo, su un’imbarcazione già ribattezzata “prima galleria galleggiante d’Italia”. I due ideatori del progetto, infatti, hanno scelto di trasformare Lycian Princess in un luogo d’incontro, aperto ai creativi di ogni dove e alle loro idee.

Un vero e proprio salotto culturale su acqua, dunque, animato di volta in volta da installazioni d’arte, oggetti di design o mostre itineranti, per offrire al pubblico un’esperienza coinvolgente e suggestiva, seguendo la convinzione di Benedini per cui “l’arte e la cultura necessitano, in questo delicato momento storico, di riavvicinarsi alle persone attraverso un modo di comunicare più semplice, spontaneo e – sopratutto – su misura di chi ascolta”.

È possibile seguire il viaggio in mare di Felice Tagliaferri sul profilo Instagram del curatore, @riccardobenedini_. La mostra sarà visitabile, previo appuntamento, per tutto il mese di settembre (per maggiori informazioni: [email protected], +39 3200664393). Lycian Princess, inoltre, organizza tutto l’anno charter privati ed eventi; chi volesse pernottare a bordo può contattare [email protected].

Nell’immagine in apertura, una scultura di Felice Tagliaferri a bordo del Lycian Princess

Ad agosto ha compiuto 75 anni Bob Lutz, tennista americano dal palmarès stellare, che comprende cinque coppe Davis, altrettante vittorie nelle finali di doppio agli US Open, 43 titoli complessivi nel doppio (spesso in tandem con un altro mostro sacro della racchetta, Stan Smith) e 11 in solitaria. Per omaggiare uno dei campioni di tennis più famosi e vincenti degli Stati Uniti, il marchio di calzature sportive Autry presenta un video ad hoc e una versione aggiornata delle sneakers di punta della casa, che prendono appunto il suo nome.

Una doppia iniziativa per omaggiare il 75esimo compleanno del tennista

Lanciato appena prima del weekend che ha visto disputarsi le finali degli US Open, il cortometraggio, dal sapore “old school”, condensa in poche decine di secondi le prodezze di Lutz sul campo, ripercorrendole attraverso immagini d’epoca degli anni Settanta e Ottanta, quelli in cui dominò la scena agonistica. In chiusura del filmato, la telecamera indugia proprio sulle nuove trainers Autry, anch’esse dall’appeal squisitamente vintage, con tomaia candida dalla punta stondata color burro, identica tonalità della spessa para in gomma; sul lato, il sigillo del brand, col nome affiancato dalla bandiera a stelle e strisce. Retromania in piena regola dunque, per celebrare a un tempo le gesta di una figura d’eccezione del tennis, troppo spesso dimenticata, e le ginniche della label, simbolo dell’eleganza imperitura della disciplina in questione.

“Bob Lutz – dichiara Autry in un comunicato – è un campione iconico degli anni Settanta e Ottanta. Siamo orgogliosi di rendere immortali i suoi successi con una sneaker rappresentativa di un’epoca d’oro del tennis, che continua ad avere un’influenza stilistica anche al di fuori di questo sport”.
Il diretto interessato, da parte sua, dichiara: “Tutti sembrano conoscere il mio compagno di doppio per una sneaker bianca (parla del suddetto Stan Smith, ndr), mi sembra giusto avere finalmente la mia. Voglio ringraziare Autry per aver realizzato una scarpa bellissima e una campagna che ricorda al mondo del tennis la mia eredità”.

Le nuove ginniche Bob Lutz sono disponibili sul sito autry-usa.com e nei migliori rivenditori internazionali, on e offline, un elenco nutrito che comprende, tra gli altri, LuisaViaRoma, Farfetch, Saks Fifth Avenue e House of Fraser.

Nell’immagine in apertura, le nuove sneakers Bob Lutz di Autry (ph. courtesy Autry Shoes)

Si è svolta mercoledì 14 settembre, nella sala della Promoteca in Campidoglio, la cerimonia di premiazione della seconda edizione di Facce da Spot. Realizzato da Idal Group, ideato da Graziano Scarabicchi e Maximiliano Gigliucci, organizzato e prodotto da BUUUBALL OFF COLORS, l’award è dedicato ai testimonial delle campagne pubblicitarie, istituzionali e sociali più diffuse ed efficaci, incarnati (sempre più) spesso e volentieri da personalità di prim’ordine dello showbiz. Ad assegnarlo, una giuria composta da nomi di rilievo dell’industria dello spettacolo, presieduta da Maurizio Costanzo; al suo fianco, Luca Argentero, il produttore della Ballandi Multimedia Andrea Mazzoni e Lorella Ridenti.

Premiati e ospiti dell’edizione 2022

Tra i premiati, volti assai noti – e amati -dell’intrattenimento nostrano, da Simona Ventura a Ricky Tognazzi passando per Neri Marcorè, Serena Autieri, Anna Falchi; e ancora, Massimo Lopez, Marisa Laurito, Emanuela Folliero, Stefania Orlando, il regista dei cult Lo chiamavano Jeeg Robot e Freaks Out Gabriele Mainetti, Paolo Conticini, Rossella Brescia, Ascanio Pacelli, Ciro Priello e Fabio Balsamo dei The Jackal.

Simona Ventura, Emanuela Folliero, Gabriele Mainetti, Anna Falchi (con Graziano Scarabicchi), Rossella Brescia (ph. by Daniele Butera)

Per la categoria talent, il premio Facce da Spot 2022 è andato a Giovanna Goglino e Simone Finotti, interpreti eclettici di numerosi spot televisivi. Come miglior direttore della fotografia è stato scelto Daniele Ciprì, per il make-up Simone Belli, vera star del settore. Altri riconoscimenti sono andati a – per fare qualche nome – Paolo Bonolis, Flavio Insinna, Bruno Pizzul e Filippo Magnini, che hanno ringraziato pubblico, giuria e organizzatori attraverso la proiezione di contributi audiovisivi.
L’evento, condotto dai giornalisti Monica Marangoni e Pino Strabioli, è patrocinato da MIC, Regione Lazio, Roma Capitale, Roma Lazio Film Commission e SIAE.