Nuovo cinema purgatorio

C’era una volta il cinema italiano, quel mix di arte, impegno, tecnologia, business: un crogiuolo di letterati, intellettuali, illuminati finanziatori, registi che rischiavano maestranze di grande ingegno, che ha nutrito con le sue opere l’immaginario universale per quasi un secolo intero: il Novecento. È al cinema italiano che si deve infatti la codificazione della forma filmica classica con Cabiria nel 1914; è con il Neorealismo che nasce quel modo di raccontare la realtà che Gilles Deleuze ha chiamato “modernità cinematografica” e che continua a ispirare registi di tutto il mondo; è in Italia che si può rintracciare l’unico esempio di commedia – all’italiana, appunto – dove alla fine si piange e si muore; è solo nei film italiani che si sviluppa una ricerca così organica per pensare il carattere politico della realtà e delle immagini che la rappresentano.

È qui, in definitiva, che si trova nella misura più coerente e continuativa la riflessione sui caratteri specifici di un pensiero filmico e di un pensiero nazionale, sui loro intrecci e sulle loro influenze reciproche, lungo quel crinale increspato che definisce un sistema culturale tanto nelle sue relazioni con il fuori quanto nelle sue componenti interne. E adesso? Insidiato dalle piattaforme in streaming planetarie, poco o nulla aiutato dal sistema politico, è distribuito poco all’estero se non nel caso di rari, grandi nomi che assicurino un sicuro ritorno economico – Nanni Moretti, Paolo Sorrentino, Matteo Garrone, Giuseppe Tornatore, Mario Martone, Paolo Virzì e pochissimi altri – che ci fanno temere per la sua capacità incisiva sulla contemporaneità come invece era successo per la generazione degli autori del secolo (ma è anche trascorso un Millennio) scorso.


Il punto è che lamentarsi non ha senso, né tantomeno crogiolarsi in una nostalgia di sale fumose dove il fascio di luce faceva vivere sullo schermo storie fantastiche o iperreali, secondo la solita narrazione di «era meglio prima», quando è invecchiato anche il Nuovo Cinema Paradiso. Puntualmente, ogni cinque anni circa, qualche critico recupera l’idea che il cinema italiano stia vivendo una nouvelle vague: si parla allora di una particolare visibilità italiana e internazionale delle nuove generazioni di autori, di un recupero delle quote di incassi del cinema italiano rispetto a quello straniero, di un’improvvisa notorietà dei divi nostrani, ecc. L’ultima di queste fiammate di entusiasmo si è avuta nel 2013 con il successo di La Grande Bellezza di Sorrentino e l’apparizione di nuovi film di Ozpetek, Bellocchio e Muccino.  Purtroppo, altrettanto puntualmente, in una stagione il cinema italiano ritorna poco visibile e poco appetibile, con una forbice sempre più larga tra piccole produzioni autoriali semiclandestine da un lato, grandi circuiti di distribuzione dall’altro.

Però è interessante, parlando con attori molto giovani dalla solida preparazione professionale come Jozef Gjura, arrivato in Piemonte a sei anni – ora ne ha 26 ed è uno dei protagonisti della trilogia Sul più bello, Ancora più bello e Sempre più bello, il primo con la regia di Alice Filippi, il secondo e il terzo diretti da Claudio Norza – che «essere cresciuti con il cinema italiano del trentennio Cinquanta-Settanta è un dovere, oltre che un privilegio, per essere non attori, ma artisti che devono immettere la loro verità nella parte che gli viene assegnata. Se non avessi cercato i primi film di Antonio, essermi innamorato di Gian Maria Volonté, avere amato Mario Monicelli e molti altri registi allora considerati di puro intrattenimento, probabilmente non avrei intrapreso questa strada». Resiste il mito del cinema italico come grande palestra di attori indimenticabili e di autori visionari ma ormai, attori e registi, tutti defunti, mentre fa fatica a diventare significativo l’apporto valoriale – estetico, etico, narrativo – del cinema italiano contemporaneo, che pure può contare su nomi nuovi sia per le sceneggiature, sia per la direzione: penso ai gemelli Damiano e Fabio D’Innocenzo, ad Alice Rohrwacher, a Giorgio Diritti, ad Alessandro Aronadio, a Michelangelo Frammartino, a Valeria Golino, Sergio Rubini, o a Valeria Bruni Tedeschi, attori  passati dall’altra parte della macchina da presa.

Sono loro che, negli ultimi anni, stanno in qualche modo ridisegnando la cartografia di una cinematografia nazionale ma non nostrana, in grado di sostenere anche trame che non siano solo e semplici riferimenti a questioni locali, ma abbiano un respiro e una qualità creativa internazionale. Il problema è che, come ha notato lo scrittore e saggista Gianfranco Marrone su Doppiozero, cambiando profondamente il cinema come macchina produttiva dominante dell’immaginario mediatico, sono cambiate, a traino, anche le teorie che cercano di spiegarne ragioni e meccanismi, percorsi qualitativi e sistemi di funzionamento. Una volta c’erano il grande e il piccolo schermo le cui dimensioni distinguevano due media differenti – il cinema e la televisione –, con linguaggi differenti, pubblici differenti, contenuti differenti. Oggi è tutto intrecciato con tutto, con raffinatezze progettuali e ideative straordinarie, e ogni nuova piattaforma che si presta a veicolare immagini in movimento, video e audiovisivi deve reinventarsi quasi da zero una poetica e un’estetica, per non dire le forme della narrazione e della figurazione. La condizione è tale per cui l’avvento del digitale ha scompigliato le carte, di modo che l’imbuto del computer ridistribuisce di continuo non solo quello che una volta era il sistema delle belle arti, ma anche i media stessi, portati a ibridarsi euforicamente fra di loro.


Ma allora, questa decadenza perdura o no? «Se ci poniamo nella posizione di artisti, e non di semplici interpreti o registi o sceneggiatori, credo che sia possibile uscirne: abbiamo ottimi scrittori, ispirati registi, una nuova generazione di attori che, come me, sono sfuggiti alla trappola del “non studiare, così la tua recitazione sembrerà più naturale” che ancora adesso ammanniscono alcuni agenti. Più alta è la preparazione, al contrario, più naturale sembrerà la nostra interpretazione», continua Giura, sicuro di come l’Italia sia all’orlo di una profonda trasformazione di tipo migliorativo nel campo dello spettacolo, compreso il teatro, «ma è come se non si volesse rischiare, ci fosse la paura di fare un salto nel vuoto».

Ma non è solo questo, anche non abbiamo più i produttori coraggiosi e miliardari che scommettevano su registi “pericolosi” come Pasolini o Ferreri, quanto la matrice che caratterizza la storia del cinema italiano che ha visto all’opera quattro modelli produttivi, linguistici e di consumo: il realismo, l’apologo, il prodotto di consumo e il prodotto “artistico”. Nel perimetro definito dai quattro poli si giocano due tipi di movimenti: una vitale sovrapposizione e contaminazione tra i quattro modelli di cinema; un altrettanto vitale rielaborazione di modelli prelevati dall’esterno. Occorre anzitutto ricordare le coordinate di fondo dell’attuale sistema cinematografico italiano. A partire dagli anni Settanta il consumo di cinema entra in crisi a favore del mezzo televisivo; da tale crisi, il cinema esce alla fine degli anni Ottanta con uno scenario del tutto rinnovato: alle piccole sale locali sono ormai subentrati i Multiplex; il sistema delle prime, seconde e terze visioni è stato sostituito da un sistema in cui il successo di un film si gioca tutto nei primi giorni di programmazione. Si apre in tal modo una forbice tra film italiani prodotti e film italiani di successo (o semplicemente visti e visibili nei circuiti normali). Il sistema produttivo conferma il suo carattere frammentato: per la produzione di film diviene indispensabile l’aiuto dello Stato o dei due colossi televisivi, Rai e Mediaset. Tuttavia, sarebbe sbagliato sostenere che il nuovo scenario implica una frattura con la tradizione o una “rifondazione” del cinema italiano. Al contrario: proprio questa condizione di costante incertezza e vulnerabilità stimola il cinema italiano a cercare una propria identità e visibilità specifica; di qui una ferma intenzione di recuperare e gestire le risorse simboliche del proprio passato, risorse rappresentate appunto da quella matrice di caratteri delineati nei due paragrafi precedenti. Ne deriva un cinema al tempo stesso moderno e ‘antico’, consapevole della propria tarda modernità e radicato nel proprio passato. Le continue rinascite del cinema italiano confermano insomma che il cinema rappresenta una delle principali istituzioni di costruzione e ricostruzione della nostra identità. Attraverso magari dei linguaggi nuovi, stratificazione di letture, modalità di sovrapposizione che rifiutino i generi: del resto, quanto c’è di più amaro in alcuni film della commedia all’italiana e perfino nei cinepanettoni e quanto, invece, di fiabesco in un film di denuncia come Favolacce dei gemelli D’Innocenzo o Lazzaro felice della Rohrwacher? Solo uscendo dalle gabbie dei “caratteri” e ritrovando quella felice contaminazione tra umorismo e tragedia che è tipica della nostra modalità del raccontare storie, secondo noi, il cinema italiano tornerà ad avere un riflettore puntato addosso, per essere applaudito.

Testo di Antonio Mancinelli

Le novità di Pineider, marchio che celebra l’arte della scrittura a 360 gradi

Si può tranquillamente constatare, senza essere tacciati di luddismo, come la quotidianità ormai diretta da smartphone, pc, device vari ed eventuali abbia reso la scrittura manuale una pratica sporadica, sotto certi aspetti forse anacronistica, e però proprio per questo mai così affascinante, pregna di significati che vanno ben oltre il tracciare lettere su un foglio bianco. Lo confermano la diffusione – e i riscontri lusinghieri – di corsi e workshop di calligrafia in ogni dove (nel nostro Paese, quelli dell’Associazione Calligrafica Italiana registrano un boom), oppure il fatto che in templi del sapere quali Oxford o Harvard un numero non trascurabile di professori imponga agli studenti di prendere appunti manualmente.
Nell’ambito del fashion va registrata, invece, la rinnovata fortuna di biglietti d’invito e ringraziamenti vergati a mano, come pure la presenza di penne, matite, notebook et similia nelle proposte di numerosi brand: le rollerball Caran d’Ache vestite da Paul Smith, la papeterie extralusso di Hermès, la recente collezione Gucci Cartoleria, non ultimo il dinamismo di Pineider, marchio che ha dalla sua oltre 245 anni di storia (d’eccellenza) nel settore, cominciata in piazza della Signoria a Firenze, dove Francesco Pineider aprì, nel 1774, una bottega di carte intestate, realizzate curando dettagli infinitesimali e ricorrendo a tecniche d’avanguardia, che consentivano di perfezionare caratteri, rilievi, finiture così come di riprodurre stemmi elaborati o specifici monogrammi.



Nel corso del tempo vennero introdotti articoli di pelletteria lavorati a regola d’arte, avvalendosi della grande tradizione toscana, e quindi strumenti di scrittura altrettanto pregevoli. Una produzione nel segno del ben fatto artigianale insomma, che non tardò a conquistare case regnanti, artisti, intellettuali e appartenenti al beau monde coevo (Napoleone, i Savoia, Stendhal, Leopardi, D’Annunzio per citare solo i più illustri e, limitandosi al ‘900, star quali Marlene Dietrich, Liz Taylor e Luchino Visconti).
Di proprietà dal 2017 della famiglia Rovagnati, Pineider è tornata a far valere una legacy centenaria basata sul lusso discreto, sulla vera – e piuttosto rara – esclusività che, secondo l’azienda, poggia necessariamente sul connubio fra tradizione e innovazione, craftsmanship e raffinatezza, retaggio storico e contemporaneità.



Per tornare all’attivismo di cui sopra, nel solo mese di settembre il brand ha messo in fila novità di rilievo: il 15 è stato inaugurato il primo flagship store negli Stati Uniti all’interno del celebre Rockfeller Center, cuore nevralgico dello shopping newyorchese; una boutique pensata per esaltare i tratti distintivi di Pineider con ambienti dal gusto fin de siècle, scanditi da ferro, vetro, lampadari originali ed elementi cromati affiancati a librerie dai bordi in ottone e mobili in legno d’impronta retrò.
Il negozio di Manhattan va ad aggiungersi a quelli italiani di Firenze, Roma e Milano. Quest’ultimo ha preso il posto, nel 2020, della libreria Feltrinelli di via Manzoni 12, un autentico salotto letterario da cui sono passati, tra gli altri, numi tutelari della letteratura come Eco o Pennac, raccogliendone in qualche modo il testimone con uno spazio consacrato all’arte della scrittura, completo di area lounge denominata “il club degli scrittori”.


Pineider New York
Pineider New York
Pineider New York

Pineider New York

Nelle scorse settimane, ha ospitato due eventi indicativi della volontà di Pineider di consolidare il legame con il mondo letterario e artistico in generale: il 16 settembre i fondatori della scuola di scrittura creativa Molly Bloom, Leonardo Colombati ed Emanuele Trevi, hanno presentato i corsi di narrativa e poesia frutto della collaborazione tra l’accademia e e il marchio, al via il 6 ottobre, che si articoleranno in undici appuntamenti presso lo store milanese, coinvolgendo alcuni dei migliori autori sulla piazza, tra cui gli stessi Colombati e Trevi, Sandro Veronesi, Alessandro Piperno e il premio Pulitzer Jhumpa Lahiri.
In piena fashion week, poi, la boutique è stata teatro dell’incontro tra la verve creativa di Antonio Marras, infusa di lirismo e rimandi all’arte in ogni sua forma, e le carte “upcylced” di Pineider, destinate al macero e invece effigiate dallo stilista con schizzi di volti e soggetti eterogenei, ottenuti intervenendo con sovrapposizioni, strappi, lacerazioni, parole, in un’operazione a metà tra pittura e scultura. Il designer sardo ha firmato inoltre 36 vasi in ceramica, manufatti che giocano con un’idea di imperfezione naturale e poetica, cara sia al designer sia alla griffe toscana, in vendita fino al 9 ottobre.



Oltre alle creazioni in edizione limitata di Marras, nello store nel Quadrilatero della moda trovano posto, naturalmente, i fiori all’occhiello della maison, ovvero stilografiche, quaderni rilegati, card in diversi formati e grammature e la pelletteria, un’offerta che si arricchirà presto dei prodotti della collezione Spring/Summer 2022, tra i quali eccelle l’eleganza assoluta del nero, in versione lucida o matte nelle penne Avatar in UltraResina (materiale esclusivo di Pineider, una combinazione di madreperla e resina), oppure traslato nei pellami soft e nei nylon tecnici delle new entry Metro, due tote bag strutturate dai manici importanti. Non mancano neppure borsoni, zaini, portadocumenti e cartelle nelle sfumature vivaci dello zenzero e del senape, in vitello bottalato o stampato con i motivi miny franzy obliquo e Empress (in quest’ultimo il profilo delle buste da lettera si ripete geometricamente sul corpo delle borse, sfumando dal blu al grigio). Accessori dalla qualità sopraffina, che ben si addicono alla voglia di distinguersi di chi, ancor oggi, preferisce indulgere nel piacere quasi meditativo dello scrivere a mano piuttosto che digitare l’ennesimo messaggio sul telefono.



Gli attori si riuniscono: alziamo la voce

Ci sono molti lavoratori, uomini e donne, che vivono numerose difficoltà dovute, come è noto, alla chiusura forzata durata ormai quasi due mesi e mezzo, e proprio in tale contesto, certe sensazioni di disagio e di isolamento vengono esasperate al punto che, spesso, capita che si crei un bivio che ti pone di fronte a due strade: la via dell’arresa o la via della lotta animata dalla propria passione, rinvigorita da quell’elemento dal quale non si può prescindere, la condivisione come forza comune. È questa la strada intrapresa da ‘Attrici e Attori Uniti’, una comunità di lavoratrici e lavoratori professionisti dello spettacolo in tutte le sue declinazioni che si riconoscono nella cultura etica del lavoro, nei suoi oneri e onori, nei suoi doveri e nei suoi diritti. Ad oggi conta più di 2000 membri. Essa agisce attraverso un confronto costante che è il fattore determinante di disparati tavoli di lavoro (comunicazione, azione, normative) che vedono fiorire tematiche importanti destinate ad uno spazio aperto in modo da poter cogliere delle proposte necessarie e concrete; il loro comunicato, rivolto al ministero, è espressione della volontà di non arrendersi, di affermare i diritti che vedono negati e di creare un movimento che ponga le basi per l’affermazione di tutele che non ci sono da troppo tempo.

Vedere con gli occhi della realtà la figura di chi ha la capacità di strapparci emozioni da sopra un palco appare cosa non semplice, infatti capita sovente di sottovalutare la vera dimensione all’interno della quale si muove l’attore. È doveroso andare oltre il palco, lo è per tutti noi, ma lo è ancor di più per chi ricopre un titolo politico, che ha, proprio nel termine della propria professione (politica), il significato di città, luogo di molti. Chi fa parte del mondo dello spettacolo vive di un’abnegazione quotidiana, continua che include uno sforzo psicologico e fisico estenuante, vi è una durezza riposta, dissimulata felicemente dalla gioia di fare della propria passione un mestiere.

Ci sono più di 10000 persone dello spettacolo che chiedono di istituire un dialogo con il governo, una maggiore vicinanza rispetto al contingente e difficile momento, ma soprattutto rispetto al futuro del sistema culturale del paese; una maggiore sensibilizzazione e presa di coscienza delle assenze di tutele porterebbe all’adozione di provvedimenti di sostegno emergenziale che, se in vigore, avrebbero evitato una serie di illeciti intercorsi da parte delle imprese per i quali ‘Attrici e attori uniti’ chiedono l’attivazione di un Osservatorio Nazionale. L’unione, si sa, fa la forza, e compatti la comunità chiede che si accendano i riflettori sui criteri di assegnazione di finanziamenti straordinari, con l’obbligo di onorare i contratti interrotti; non devono mancare, sottolineano, le garanzie sul versamento dei contributi e un sistema che si opponga totalmente a situazioni di sfruttamento che incredibilmente ancora esistono. 

Lo slancio di tale fenomeno ha posto le basi per l’idea di una campagna, chiamata ‘Tiriamo fuori la voce’, che ha l’intento di rinforzare le ambizioni culturali e artistiche e che, ora più che mai, necessita di un corpo normativo che valorizzi le loro prospettive. La comunità ‘Attrici e attori uniti’ risponde all’iniziativa del MiBACT di partecipare nella sezione ‘La cultura non si ferma’ con contributi e hashtag vari, attraverso la lettura senza voce dell’Infinito, la stessa opera cara al ministero che aveva voluto festeggiare il bicentenario della poesia Leopardiana facendola leggere a 22 cantanti di fama. La lettura senza voce allude chiaramente alla mancanza di voce appunto di cui è sprovvista tale categoria e che ha deciso di unirsi per segnare, con forza e grande impegno, un momento che può rappresentare una grande svolta per l’intero movimento. 

Ogni azione volta a sviluppare un legame con la cultura deve essere rispettata e se tale azione, come in questo caso, da semplice erudizione diventa parte integrante di una propria personalità morale allora merita davvero di essere vissuta. 

Earth Day 2020, 6 artisti raccontano la bellezza della Terra

[tdc_zone type=”tdc_content”][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Mother Earth Day

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

22 | aprile | 1970

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

FOTO

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

La “Giornata della Terra” compie oggi 50 anni, mezzo secolo di amore e di unione con lo scopo comune di salvarla.

Il “Mother Earth Day” nasce il 22 aprile del 1970 a seguito di un enorme disastro ambientale che provocò la morte di 10.000 animali: nel ’69 una piattaforma di trivellazione nel canale di Santa Barbara aveva provocato una fuoriuscita di petrolio, quasi 100.000 barili di greggio riversati nelle acque californiane. Si sentì così il dovere comune di chiamare a raccolta il mondo intero per risvegliare le coscienze e chiedere con urgenza riforme in ambito ambientale.

Tutti scesero in piazza a manifestare e le voci arrivarono all’attivista per la pace John McConnell, al senatore del Winsconsin Gaylord Nelson e allo studente universitario Denis Hayes, il trio che semino’ il terreno dell’Earth Day. In quel lontano 22 aprile 1970, ben 20 milioni di cittadini americani risposero all’appello del senatore democratico Nelson e si mobilitarono in una manifestazione a favore del pianeta; marce dal motto “green”, conferenze dedicate ai temi ambientali, messaggi educativi e formativi di responsabilizzazione; da allora fino ad oggi, il popolo sta dimostrandosi sensibile alla causa.
Ma non basta, ed ora più che mai, chiusi nelle nostre case per aver sfruttato l’ambiente e la natura a nostro unico ed egoista vantaggio (non è forse un monito questa pandemia?), dobbiamo dare dimostrazione di un serio cambiamento comportamentale, e festeggiare la Giornata della Terra in formato digitale.

Altri 192 Paesi nel mondo si coordineranno per l’evento, gli scienziati stanno dandoci degli ultimatum con l’avvertimento che avremo poco più di 10 anni per dimezzare le emissioni ed evitare gli effetti devastanti del cambiamento climatico.

Il nostro paese ha creato un palinsesto eccezionale per la giornata, da Earth Day Italia che andrà in onda su Ray Play dalle 8.00 alle 20.00 del 22 aprile 2020: 12 ore consecutive in cui scienziati, giornalisti, artisti, rappresentanti istituzionali e chiunque vorrà partecipare, si scambieranno consigli e messaggi di speranza e approfondimento in una diretta streaming.

Tutti gli spettatori potranno interagire tramite i social e la piattaforma web (https://onepeopleoneplanet.it) utilizzando gli hashtag della giornata #OnePeopleOnePlanet, #CosaHoImparato, #EarthDay2020, #iocitengo, #VillaggioperlaTerra, #focolaremedia.

In occasione di una così importante manifestazione, noi di Manintown, vicini e attenti al tema di sostenibilità, salvaguardia ambientale e amore per la Terra, abbiamo raccolto una serie di immagini scattate da fotografi e artisti di fama internazionale che hanno raccontato, ciascuno con il proprio stile unico e riconoscibile, il concetto di bellezza e di rapporto uomo/natura. Il progetto fotografico vuole essere uno spazio, una voce, un aiuto, in linea con l’evento mondiale, volto alla sensibilizzazione umana verso la Madre Terra, grembo da cui nasciamo e braccia dentro cui nuotiamo la nostra vita, dono unico, immenso, e prezioso.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Pietro Lucerni

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

“Io credo che dalle sofferenze e dalle tragedie umane e personali che il Coronavirus ha provocato, dovremmo trarre insegnamento. Dovremmo (ri)imparare ad ascoltare i segnali che la natura ci manda. Dovremmo prendere coscienza del fatto che siamo ospiti su questo pianeta e che non ne siamo i padroni e che, come dice Papa Bergoglio, “non possiamo stare bene su un pianeta che sta male.” Se coglieremo questa opportunità, allora avremo buone possibilità di ripartire verso un futuro migliore per noi e per il nostro pianeta.

I paesaggi innevati e ghiacciati di Pietro Lucerni sono distese silenziose in cui la natura agisce indisturbata, sono panorami desolati e freddi in attesa che arrivi luce a scaldarli.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Mariavittoria Backhaus

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

“La bellezza avrebbe dovuto salvare il mondo e invece il mondo si è fermato. Ma la natura no. Noi siamo immobili e lei va velocissima su una Terra che fiorisce e cresce senza sosta”.
Maria Vittoria Backhaus fa parlare le piante della terra, still life di gambi, boccioli e foglie in bianco e nero, un negativo bellissimo che attende di essere colorato dall’uomo e da esso, salvato.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Maurizio Galimberti

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

Fotografo noto per le sue scomposizioni paesaggistiche e di ritratto fatte di Polaroid, Maurizio Galimberti ci porta in città deserte, composte da silenzi e uomini senza testa, dove solo le lenzuola danzano libere. Sembrano i luoghi del Covid-19, desolati ambienti nostalgici frutto della nostra immaginazione, luoghi di ricordi resi ancora più malinconici dall’effetto vintage della fotografia; auto in fiamme che ci allertano del disastro ambientale, immagini sfocate come se stessero per svanire da un momento all’altro.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Emilio Tini

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

“La vita e la bellezza non potranno mai prescindere da un reale ascolto sensibile e profondo del mondo che ci circonda”
così descrive le sue immagini Emilio Tini, fotografo di moda che con la figura umana ci lavora quotidianamente.
In questa serie mette in rapporto l’uomo e la natura, in una convivenza armonica e complementare, la natura si mescola al corpo e diventa un prolungamento di un braccio, di una mano. E’ sul volto di una donna che sbocciano i fiori, in un rapporto complesso, naturale e imprescindibile.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Piero Gemelli

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

Una linea continua che forma due mondi, quello dell’uomo e della donna, che si uniscono in un infinito bacio. E’ questo il mondo che vorrebbe Piero Gemelli; mondi conosciuti e sconosciuti che abbiano l’intento comune di amarsi e rispettarsi. Nell’immagine forte di un nudo di donna, il cuore di Piero Gemelli è fatto di terra, colei da cui proveniamo.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==” gap=”20px”][vc_column width=”1/3″ tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

​​

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

Giovanni Gastel

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column tdc_css=”eyJhbGwiOnsiYm9yZGVyLXRvcC13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIwIiwiYm9yZGVyLWJvdHRvbS13aWR0aCI6IjEiLCJib3JkZXItbGVmdC13aWR0aCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLXRvcCI6IjAiLCJwYWRkaW5nLWJvdHRvbSI6IjAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″ width=”1/3″][vc_column_text tdc_css=”eyJhbGwiOnsibWFyZ2luLXRvcCI6IjI1IiwibWFyZ2luLWJvdHRvbSI6IjAiLCJib3JkZXItcmlnaHQtd2lkdGgiOiIxIiwiYm9yZGVyLWxlZnQtd2lkdGgiOiIxIiwicGFkZGluZy1ib3R0b20iOiIwIiwiZGlzcGxheSI6IiJ9fQ==”]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content” tdc_css=”eyJhbGwiOnsicGFkZGluZy10b3AiOiI1MCIsInBhZGRpbmctYm90dG9tIjoiNTAiLCJkaXNwbGF5IjoiIn19″][vc_column][td_block_text_with_title f_post_font_family=”438″]

Sono ninfe nate da Madre Natura, sono donne che si vestono di fiori, di foglie, per metà umane e per metà eteree essenze impalpabili portatrici di nobili messaggi. Per Giovanni Gastel, poeta nell’uso dell’immagine, la bellezza è la fusione armonica tra uomo e natura, un sodalizio indissolubile portatore di armonia, forza, e grazia.

[/td_block_text_with_title][/vc_column][/vc_row][vc_row full_width=”stretch_row_1400 td-stretch-content”][vc_column][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][/tdc_zone]

A cura di Federico Poletti

Le migliori mostre attualmente o presto visitabili in tutto il mondo

Nonostante il Covid-19 alimenti in tutto il mondo terribili sensazioni sul nostro futuro (in realtà sembra di vivere in un romanzo distopico di Orwell), “Big Suprise!”, il mondo stesso non si ferma.

Molti musei, ad esempio, hanno organizzato tour online per visitarli, o in alcune aree non tanto colpite da questo terribile virus pandemico, è ancora possibile fare una bella visita per trascorrere il nostro amato tempo libero. Dalla musica all’arte e alla moda, ecco un elenco delle migliori mostre attualmente o presto visitabili in tutto il mondo.

Patrick Kelly: The Journey

Patrick Kelly, genio ribelle della moda, che seppe unire folk americano e le sue discendenze afroamericane nelle sue creazioni, viene omaggiato con una mostra. Precisamente allo Scad Fish di Savannah, negli States. Con la sua rivoluzione di stile a suon di bottoni, citazioni funky e virtuosismi pop incantò negli anni Ottanta le star.

E stiamo parlando di star con la S maiuscola: Paloma Picasso, Pat Cleveland, Madonna e Goldie Hawn, per menzionarne alcune.  La mostra dedicata al designer degli Stati Uniti, intitolata “Patrick Kelly: the Journey” è il risultato della lunga ricerca dell’artista Derrick Adams all’interno dell’archivio del designer scomparso nel 1990.  

Adams è un connesseur della black culture, anzi  gran parte della sua produzione sia come artista sia come curatore deriva dalla sua identità di colore. Specialmente ruota attorno ai modelli della cultura afro in America. Dunque il link tra queste due figure ha rappresentato la scelta più naturale per la curatrice del museo che ospita l’esibizione, Alexandra Sachs.  

L’artista e curatore contemporaneo Adams ha avuto così modo di compiere una full immersion tra le memorabilia, gli sketch e molti altri oggetti appartenuti al designer e che si trovano allo  Schomburg Center for Research in Black Culture di New York. Tra questi rari cimeli anche la proposta scritta su un foglio, una sorta di dedica scritta dalla poetessa Maya Angelou per  scrivere un libro sulla vita di Patrick Kelly.

Adams ha commentato sulla produzione di Kelly affermando che la sua produzione era influenzata fortemente dal contesto sociale della sua epoca e da un travolgente senso dell’umorismo. La mostra presenta dei collage astratti e delle sculture di Adams realizzate con pattern, ricami e altri materiali originali dagli archivi di Patrick Kelly. Questa esibizione è attualmente presente al museo americano sino al 19 luglio 2020.

The Clash: London Calling

Un inno per Londra e per il mondo intero, questa mostra mette in scena il dietro le quinte di un album epico: “London Calling” dei Clash. il Museum of London mette in mostra immagini, musica, ricordi e oggetti personali, della storia della band – alcuni mai visti prima – in una mostra gratuita.

London Calling, una pietra miliare della musica contemporanea, riguardava generalmente Londra, con narrazioni che presentavano personaggi sia immaginari che basati sulla vita reale.

Il giornalista Sal Ciolfi ha affermato una volta che “le canzoni comprendono un arrangiamento di narrazioni e personaggi urbani e toccano temi come il sesso, la depressione e la crisi d’identità”.

Un melting pot di stili musicali, guidato da una passione per l’azione e un forte desiderio di giustizia sociale. questa nuova mostra esclusiva al Museum of London esamina come la stessa Londra abbia influenzato i Clash quando sono diventati la band britannica più popolare del 20 ° secolo.

Jeff Koons: valore assoluto

Una mostra con oltre tre decenni di opere del famoso artista americano è ora aperta al Museo dell’arte di Tel Aviv. A cura di Donor Rabina. Absolute Value offre una full immersion nei diversi linguaggi di espressione e tecniche di Koon di diversi periodi di produzione.

La prima mostra personale di Koons in Israele mette in mostra dodici opere su larga scala degli ultimi tre decenni: Balloon Dog (Orange) (1994-2000), scultura in acciaio inossidabile lucidato a specchio e rifinito con un rivestimento arancione trasparente, Orso e poliziotto (1988) della serie Banality; Dolphin Taz Trashcan (2007-2011) della serie Popeye e Hulk (Rock) (2004-2013) della serie Hulk Elvis.

Ha anche messo in mostra una scultura a forma di palloncino delle preistoriche figure di Venere che raffigurano una figura stilizzata di una forma femminile: Balloon Venus Dolni Vestonice (Violet) (2013–17) dalla serie Antichità.

Una citazione dell’artista stesso rappresenta bene la sua produzione: “L’arte per me è un atto umanitario e credo che ci sia la responsabilità che l’arte debba in qualche modo essere in grado di influenzare l’umanità, di rendere il mondo un posto migliore (questo non è un cliché!)”.

®Riproduzione riservata

Coronavirus, 10 musei dal divano di casa

Coronavirus, 10 musei dal divano di casa

Se la cultura è un bene di tutti, ora più che mai i paesi si uniscono per dire che è anche accessibile a tutti. 

Causa emergenza COVID-19, anche i Musei e i luoghi di culto hanno chiuso le porte ma non l’accesso virtuale; la cosa bella è che comodamente sdraiati sul divano di casa, possiamo prendere un aereo immaginario e volare fino a New York o a San Pietroburgo per visitare il MOMA e l’Hermitage. Niente code, nessuna folla davanti ai quadri, niente commenti sciocchi alle vostre spalle: “Oh bello, Oh meraviglioso, Oh cos’è sta roba?!”… Potrete goderveli e studiarveli dimenticandovi del tempo, soffermarvi sui dettagli quanto vorrete, esplorare le opere d’arte ad alta definizione, camminare verso le stanze vuote. 

Qui alcuni tra i musei nazionali e internazionali che offrono il servizio online e altri su cui potrete finalmente dedicare il vostro tempo ad imparare l’arte, e a metterla da parte. 

1. MUSEO DEL PRADO 


Una delle opere più significative dell’arte figurativa europea è il “Saturno che divora i figli” di Francisco Goya (1821-23), conservato al Museo del Prado di Madrid
Secondo la mitologia greca Crono, il più giovane dei Titani, il protagonista del dipinto, sapeva che sarebbe stato privato del potere da uno dei suoi figli, cosicche’, preso dalla rabbia, iniziò a divorarli tutti uno ad uno. La foga, la pazzia, il cannibalismo di Crono è in netto contrasto con la debolezza del piccolo corpo deturpato e sanguinolento; il piccolo non può nulla contro l’esplosione cieca della violenza. E’ un’opera cruda di una ferocia che si legge sulle mani dure e nervose di Saturno che non allenta la preda di quel corpicino innocente. Immerso nel buio più nero, la scena potrebbe significare il conflitto tra vecchiaia e gioventù, oppure il ritorno di un assolutismo in Spagna che limitava ogni forma di libertà intellettuale. 

LINK

“Saturno che divora i figli”-Francisco Goya

2. PINACOTECA DI BRERA – MILANO

Mai quadro fu così adatto a dare speranza agli italiani come il famoso Bacio di Francesco Hayez. Un inno alla gioia, un simbolo di speranza e di patriottismo, il quadro icona della Pinacoteca di Brera
Il capolavoro più copiato e ristampato nella storia, è stato realizzato nel 1859 e ripercorre i fatti nel periodo in cui l’Italia venne suddivisa in tanti piccoli stati sotto il dominio degli Asburgo d’Austria. Periodo nel quale gli italiani, uniti nonostante la divisione, crearono dei gruppi, delle piccole società segrete che avevano lo scopo di restituire dignità al paese. Mi sembra ci sia una forte attinenza col periodo che stiamo vivendo. Un popolo che canta l’inno di Mameli in questi giorni di reclusione forzata, un popolo che si abbraccia da lontano, che col canto e con la musica regala speranza e la voglia di farcela, nonostante tutto. 

LINK

“Il Bacio” – Francesco Hayez

3. BRITISH MUSEUM – LONDRA

LINK

4. MUSEO ARCHEOLOGICO – ATENE

LINK

5. MUSEE D’ORSAY – PARIGI

Lo stagno delle ninfee” di Claude Monet riprende una serie di ponti che l’artista si accingeva a dipingere in diverse ore del giorno. La luce, questa era la migliore amica di un grande pittore, per conoscerla, per riconoscerla, bisognava studiarla notte e dì, quando era calda di Sole o fredda di Luna. Il ponte da lui stesso costruito nei giardini della sua abitazione, taglia a metà la ricca vegetazione che da un lato si erge verso il cielo e dall’altro si specchia nelle acque. Quei dolci e sussurranti fiorellini che sono ninfee dai toni pastello, ricordano tanto i giardini giapponesi e le sue rappresentazioni. In un morbido letto di verde, spuntano come piccole vite capaci di donare gioia e speranza. 

LINK

“Lo stagno delle ninfee” – Claude Monet

6. LOUVRE – PARIGI

LINK

7. LE GALLERIE DEGLI UFFIZI – GIARDINO DEI BOBOLI – FIRENZE

Chi ha avuto la fortuna di vagare attraverso il Giardino dei Boboli sa che un tour viruale non potrà regalare la stessa sensazione di immersione totale in un mondo astratto e ovattato.

Lo visitai per la prima volta dodici anni fa, di fronte a Palazzo Pitti esisteva ancora un Internet Point, dove mi recai per aggiornare il mio stato Facebook e raccontare del mio viaggio in solitaria a Firenze. Uno dei ragazzi del negozio mi si avvicinò e mi dette un consiglio molto prezioso, e cioè quello di non attraversare il percorso visibile dei Giardini, quello a linea retta tagliato al centro dai gradoni, ma di prendere le vie laterali e immergermi totalmente nel verde. Lo ascoltai e se potessi rintracciarlo lo ringrazierei perchè quella passeggiata nell’arte mi ha regalato non poche emozioni.

Il Viale dei Cipressi è un tunnel di arbusti fitto fitto che parte da terra e si riunisce sopra la tua testa; in piena estate creava un nido buio e silenzioso che mi proteggeva dal brusìo e dal cicaleccio dei turisti; ed erano tanti. D’improvviso, nel fruscìo delicato dalle foglie mosse da qualche animaletto indiscreto, vidi comparire dietro di me un gatto, nero, che mi fissava immobile. Non appena riprendevo a camminare, lui da dietro mi seguiva, in modo felpato, per poi rifermarsi quando dalle spalle gli mostravo il volto. Non ho mai capito cosa significasse quella strana presenza, in certi casi le domande non servono e le risposte non le vogliamo, ma so una cosa: so che quell’esperienza diede vita ad una lunga serie di viaggi in solitudine di cui rimangono un bellissimo diario, e una foto di me in lacrime con quel misterioso gatto dagli occhi gialli e il pelo nero.

LINK

“Giardino dei Boboli”- Firenze

8. NATIONAL GALLERY OF ART – WASHINGTON

LINK

9. NATIONAL GALLERY – LONDRA

LINK

10. MUSEO REALE DELLE BELLE ARTI DEL BELGIO

Su Google Arts & Culture esiste uno strambo video che rappresenta il quadro di Pieter Bruegell il Vecchio datato 1562, la “Caduta degli angeli ribelli”, una realtà aumentata che ci porta faccia a faccia con i mostri più mostri della storia della pittura. 
Il quadro racconta un episodio biblico, la caduta degli angeli che si sono ribellati a Dio per sete di potere, uno scivolone lento e indimenticabile in cui dall’alto vediamo gli angeli che suonano il trionfo, biondi come fanciulli, degli uccelli del Paradiso, dei putti vestiti e senza vizio. 
Al centro l’Arcangelo Michele che combatte il drago dell’Apocalisse a sette teste; e verso il basso delle diapositive precise e dettagliate dei mostri di fattura Boschiana. Sono metà pesci e metà volatili; hanno il ventre squarciato a mostrare uova già marce; sono giganteschi e sproporzionati insetti; gli orifizi in mostra e le bocce avide e dai denti appuntiti e radi. E’ una scena spaventosa che rappresenta la fede da una parte e l’avidità dall’altra.

Il quadro è custodito presso il Museo Reale delle Belle Arti del Belgio

LINK

Caduta degli angeli ribelli”-Pieter Bruegell il Vecchio

®Riproduzione riservata

Pari Ehsan: Present and Future of Social Media

«Mi considero una creatrice a tutto tondo, piuttosto che un’influencer». Inizia così la conversazione con Pari Ehsan, il volto dietro il fenomeno Instagram Pari Dust (@paridust, 200k followers). Metodica, perfezionista e uberchic Pari Ehsan, con un’esperienza alle spalle da architetto e interior designer, nel 2013 da vita al suo popolare account, individuando una nicchia esclusiva nel cross-over arte e moda. Oggi però – come ci spiega questa 34enne americana, nata nel Kentucky e che vive a New York – la definizione di influencer le va stretta: «La capacità di influenzare il gusto per me è una qualità multiforme e radicata nella creazione, nell’assimilazione e nell’attitudine creativa di contenuti e nella condivisione tale esperienza».

Come definiresti quindi il tuo processo creativo?
Continuo a educare me stessa attraverso un’immersione performativa in un ambiente, in un’estetica, in un contesto emozionale e ciò a cui aspiro è sintetizzare e condividere quello che mi colpisce e apporta valore alla mia community e a chiunque ne sia affascinato.

C’è qualche differenza nel modo in cui mostri la moda che ami e l’arte che ammiri?
Cerco di colmare il divario tra moda e arte, per sfumarne i contorni e alterarne la percezione, in modo tale che siano sempre meno chiari i confini dell’uno e dell’altra.

Le tre mostre più rilevanti che hai visitato, fino ad ora, in questo 2018?
Kaye Donachie, Silent as Glass, da Maureen Paley, a Londra. Le donne nei suoi dipinti si trasformano in natura, in parole per poi divenire di nuovo umane. Poi, Cyprien Gaillard, Nightlife, da Gladstone Gallery, a New York. Un’incantevole trance, video 3D di alberi danzanti, fuochi d’artificio cuciti nell’antichità: tutto ciò ha per me la capacità di arrestare l’attimo. Rick Owens, Subhuman Inhuman Superhuman, a La Triennale di Milano, un vero testamento delle infinite possibilità della moda.

Come definiresti la tua estetica in tre hashtag?
#zen #space #discovery.

Qualche consiglio per gli artisti emergenti che stanno iniziando con i loro account sui social media?
Direi di pensarlo come un moodboard della propria esistenza. Uno specchio che rifletta la propria immagine, la propria storia, le proprie intuizioni e le emozioni che si vogliono esprimere.

Come funzionerà il social del futuro?
In maniera cerebrale, visualizzando immagini e narrazioni direttamente nella propria mente e condividendole con le persone con cui siamo in sintonia o cercandole attraverso i propri pensieri.

L’ultimo posto fantastico che hai visitato durante i tuoi viaggi?
Torino, dove si respira ovunque Arte Povera, la natura e tutto ciò di cui il mondo ha bisogno.

Cinque luoghi da visitare nella tua città preferita?
Amo Berlino. Questi sono i miei luoghi imperdibili: la collezione Feurle, la raccolta d’arte privata che preferisco. Si tratta di un ex bunker riprogettato da John Pawson, che giustappone l’arte contemporanea con mobili cinesi Qing. The Bikini, un negozio che è esattamente l’opposto di quello che il nome potrebbe suggerire. Il parco dell’aeroporto di Tempelhof. Lo Schinkel Pavilion, dove l’architettura storica incontra un visionario programma sperimentale di arte contemporanea. I cigni sul canale Landwehr.

Hai recentemente visitato Milano: cosa ti ha affascinato di più?
I milanesi, che mi hanno catturano con i loro gesti, con il loro modo di porsi attraverso i loro vestiti, con il modo in cui coltivano l’arte dell’ospitalità, il rispetto  che è visibile e palpabile nel loro ambiente, e nel ricco contesto storico della città in generale.

Come immagini il tuo futuro: online o offline?
Vedo un connubio fra più elementi; mi piacerebbe progettare e avere una creatività più diretta, fare cose con le mie mani, ma anche trasmetterle attraverso il mio cervello digitale e la mia piattaforma.

®Riproduzione Riservata

MOLESKINE PRESENTA LA FONDAZIONE MOLESKINE

Moleskine presenta la Fondazione Moleskine: un’organizzazione no-profit, che basa il suo intero operato sulla convinzione che un’istruzione di qualità sia fondamentale per generare un cambiamento rivoluzionario e positivo nella società del futuro. Oggetto di speciale attenzione sono le comunità soggette a deprivazione socio-culturale, alle quali l’istituzione si impegna a fornire strumenti didattici ed esperienze educative non convenzionali. L’idea è quella di formare un pensiero critico e di dare sfogo alla creatività.

La Moleskine Foundation è presentata durante la Creating Change, una settimana dedicata alla creatività in quanto generatrice di cambiamenti positivi. Una 5 giorni – dal 24 al 29 ottobre – che si  articola in mostre, talk, conferenze e premiazioni di start-up ad alto contenuto creativo e si tiene presso la nuova sede di Viale Piceno a Milano.

Dal punto di vista organizzativo la Fondazione Moleskine è nata indipendente dalla società madre; godrà semplicemente di un contributo finanziario e potrà avvalersi dei valori e dei progetti di lettera27, un ente no-profit con la quale Moleskine collabora da 10 anni, ampliandone il raggio d’azione su tre aree fondamentali, ossia istruzione innovativa, arte e cultura a favore della trasformazione sociale, del sostegno, della sensibilizzazione interculturale e dell’istruzione di qualità.

®Riproduzione Riservata

x

x