Autore: Marco Marini

Aggirandosi tra gli stand di Pitti Uomo, giunto quest’anno alla 104esima edizione, riservata alle collezioni primavera/estate 2024, si ha la conferma del fatto che il punto di forza della fiera, oggi come non mai, sia rappresentato dal mix ottimamente calibrato delle proposte, che coprono l’intera gamma del menswear, tanto nelle sue declinazioni più formali, afferibili alla categoria del classico, che in quelle più casual e sperimentali, così da intercettare ogni variazione – grande o piccola che sia – di un settore, quello dell’abbigliamento maschile, ben più dinamico di quanto non appaia.

Da Herno a KNT, le novità dei brand simbolo del made in Italy

La conferma arriva innanzitutto dai big del made in Italy che, lungi dal dormire sugli allori, riproponendo con minime variazioni i best-seller che gli hanno consentito di farsi conoscere – e apprezzare – in tutto il mondo, continuano a battere sul tasto dell’innovazione, ampliando ulteriormente guardaroba già ricchi e strutturati.
Herno, ad esempio, porta al Teatrino Lorenese, in Fortezza da Basso, la summa dei valori che persegue da sempre, ossia qualità ineccepibile, eleganza effortless, materiali pregevoli, trasversalità e un quid tecnologico necessario affinché gli abiti siano performanti e sostenibili; sugli scudi il capospalla, pilastro dell’offerta del brand sin dalle origini, accompagnato da maglieria, polo, t-shirt, camicie, pants e bermuda in diversi tagli e filati, dal cotone in differenti grammature al nylon tecnico, oltre che da un’ampia varietà di accessori coordinati.

Guarda (come anticipato a MANINTOWN da Walter De Matteis, founder e direttore creativo dell’etichetta insieme al fratello Mariano) a Procida, ai colori e al lifestyle rilassato di un’isola che è un concentrato di mediterraneità, la proposta per la prossima stagione calda di KNT, marchio che combina l’impareggiabile know-how artigianale di Kiton con la visione contemporanea dei gemelli De Matteis, terza generazione di una famiglia divenuta sinonimo di tailoring italiano. Il viaggio della label, stavolta, parte dal golfo di Napoli e arriva oltreoceano, precisamente a Los Angeles, simbolo della coolness californiana, mantenendosi in equilibrio fra tradizione e contemporaneità, formale e informale, materiali tecnici (ma lavorati a regola d’arte) e tessuti naturali, dalla seta al fresco di lana leggerissimo, al cotone (crispy, garzato, lavato e dalla mano vellutata…).

“Un abbigliamento che non rinuncia allo stile streetwear ma riscopre la bellezza dell’abito, il piacere di indossarlo”

Cromie sature quali turchese, rosa e giallo sono affiancate da tonalità must (nero, bianco, grigio, blu navy); tingono abiti dall’aria nonchalant, che pure rispettano tutti i crismi della sartorialità cara all’azienda: le vestibilità risultano ammorbidite, relaxed, come nei completi destrutturati e fluidi, negli smoking ultralight percorsi da minute fantasie ton sur ton, nei blazer mono e doppiopetto in seta canneté, con bottoni ricoperti.
Per quanto riguarda i pantaloni, atout del brand, i pantalaccio con coulisse in vita vengono affiancati dal nuovo modello “WD”, classico sul davanti, con gamba ampia e soffice sul retro, mentre il denim integra tre new entry dai volumi affusolati, carrot, multitasche e skinny fit. Non mancano accenti sportivi e urban (felpe e bomber oversize, trench, shirt con coulisse applicata e gilet, indumento trasversale par excellence), per un ready-to-wear che – chiosa Walter De Matteis – «non rinuncia allo stile streetwear ma riscopre la bellezza dell’abito, il piacere di indossarlo».

La maglieria deluxe di Piacenza 1733

Piacenza 1733, eccellenza italiana del knitwear, per la prossima primavera/estate rilegge l’heritage che solo un’azienda ultracentenaria qual è il lanificio biellese può vantare, conciliando un’allure giocosamente nostalgica, rètro e una ricerca stilistica proiettata al futuro. Si alternano così pezzi che simboleggiano al meglio la nozione di classico senza tempo, in lana merinos dalla finezza extra o mischie impalpabili di seta e cashmere, essentials che non possono mancare nel guardaroba dei globetrotter più esigenti.

E ancora, maglie ultra-contemporanee dalle vivaci lavorazioni tridimensionali, evergreen dell’armadio maschile (polo, camicie e pullover in svariate versioni, in maglia rasata, con microstrutture bicolori e finiture rigate, ornati da fantasie di marca vintage o effetti geometrici a rilievo, in mouliné a coste zig-zag, a costa inglese traforata, a punto losanga…) e capi versatili come la overshirt patchwork o il cardigan in spugna, il tutto in una palette sensoriale, legata ai colori naturali della terra, in contrasto con tinte che appaiono sbiadite dal sole e luminosi pastello.

Fiorio Milano, savoir-faire e artigianalità declinate (anche) nel beachwear

Altre storiche realtà tricolori, pur mantenendo salde le proprie radici, trasferiscono il proprio saper fare artigiano (anche) nella categoria estiva per definizione, il beachwear. È il caso di Fiorio Milano, celebre per le cravatte, disponibili in un’infinità di misure e motivi, dai regimental ai paisley.
I costumi del brand si distinguono per le stesse qualità che contraddistinguono la cravatteria, vale a dire raffinatezza, artigianalità, attenzione meticolosa ai dettagli; sono espressione di una qualità superiore, tailor made, riscontrabile in ogni particolare, interno o esterno, dalle asole alle cuciture di assoluta precisione, dalle comode coulisse in vita al taschino posteriore, per non parlare dei materiali, che spaziano tra filati manopesca, assai gradevoli al tatto, ai nylon e poliesteri ad asciugatura rapida, rifiniti con cura e resistenti, sostenibili in quanto, ad eccezione delle parti in metallo, sono biodegradabili.

I boxer da mare stagione p/e 2024 si accendono in un tripudio di cromatismi energici, bold, movimentati da allegri pattern floreali o folk: si va dalle stampe di ibiscus, su fondi che ricordano i muri scrostati delle case della Costa Azzurra, a quelli marmorizzati in grigio dégradé nei toni del verde, azzurro, giallo, rosé, con disegni che tracciano piume d’uccello d’ispirazione gypsy, passando per quadretti vichy e righe (che evocano lo stile da spiaggia della Saint Tropez anni ‘60), fantasie otpical, pois irregolari, riproduzioni di conchiglie, coralli o stelle marine, grandi fiori stilizzati.

Un estro decorativo allargato al fiore all’occhiello di Fiorio Milano, le succitate cravatte, confezionate in garza e mogador come pure in tricot, seta stampata, jacquard, cotone egiziano, lino mélange. Un’offerta in linea con l’obiettivo prefissosi dalla griffe, cioè parlare alle nuove generazioni che hanno (ri)scoperto il formale ma in modo inaspettato, rivisitato attraverso codici e contaminazioni che lo rendono accattivante e moderno.

La filosofia “Saving the Ocean” di Keeling, il debutto dello shoemaker Dario Zanco Milano

Sempre in tema sostenibilità, va menzionato il debutto di un’impresa che si propone di salvaguardare l’ambiente, quello marittimo in particolare, ergendosi idealmente a portavoce ed espressione vestimentaria delle meraviglie degli oceani, popolati da un’incredibile varietà di fauna e flora. Keeling, questo il nome dell’etichetta (dal nome delle isole Cocos o – appunto – Keeling, atolli situati a circa 1300 km a sud-ovest di Giava), esordisce sul mercato italiano con la collezione p/e 2024, un total look dal design distintivo pensato espressamente per gli amanti del mare, realizzato con materiali green e ricorrendo a tecniche come la rivoluzionaria Clean Color, procedimento brevettato di tintura tessile che riduce fino al 98,9% l’impiego dell’acqua, permettendo oltretutto alle molecole del colore di penetrare in maniera irregolare nelle fibre, così da conferire un aspetto irregolare, one of a kind alle texture.

Tra gli esordienti alla kermesse anche Dario Zanco Milano, brand di calzature luxury che affonda le radici nel sogno dell’omonimo fondatore, estasiato fin bambino dal lavoro artigianale svolto dal nonno nel laboratorio meneghino. Allontanatosi per scelte lavorative dallo shoemaking, decide infine di abbracciare in toto la sua passione lanciando una collezione dedicata al golf e la linea Reptile, scarpe in cuoio pregiato e suola XXX flessibile.

Dopo il Covid, Zanco, forte della continua interazione con la propria clientela, che gli ha permesso di verificare le esigenze del mercato, rilancia il marchio, fautore di uno stile classico che rifugge mode e stagionalità, imperniato su cult quali derby, mocassini, Oxford, polacchine e, da ultime, le sneakers, completamente made in Italy, dal disegno originario alle finiture, e in pellami sontuosi, dal coccodrillo allo struzzo, al rettile.

La capsule a tutela degli animali di Calabrese 1924, l’evento dedicato all’alta sartoria partenopea di Le Mani di Napoli

È animata da intenti ammirevoli la speciale capsule di Calabrese 1924, prestigiosa manifattura partenopa specializzata in cravatte ed eleganti accessori pour homme, realizzata per la non profit Humane Society International (HSI)/ Europe, dedita alla tutela di tutti gli animali. Denominata Calabrese 4PETS, consta di fazzoletti in cotone, da collo e da taschino, popolati da simpatici cani e gatti, stilizzati e dal flair vintage, tra dolci bassotti contornati da fiori dalle sfumature flou e felini dandy in papillon. La collezione sarà in vendita esclusivamente sul sito dell’organizzazione, per contribuire alla raccolta fondi a favore della mission che porta avanti dal 1991.

A proposito di artigianalità made in Napoli, da segnalare la presenza, in Fortezza da Basso, dell’associazione Le Mani di Napoli, per una conferenza o meglio, una tavola rotonda sul tema Napoli dentro. Napoli addosso, animata da personalità quali il sindaco del capoluogo campano, Gaetano Manfredi, il rettore dell’università Federico II Matteo Lorito, il neopresidente di Pitti Immagine Antonio De Matteis, il sindaco di Firenze Dario Nardella, lo chef Gennarino Esposito, un «appuntamento imperdibile per raccontare la città e il suo talento nel campo sartoriale e degli accessori», nelle parole del primo cittadino napoletano.
Per l’occasione, viene inoltre esposto il Disciplinare della Sartoria Napoletana, un documento destinato a rivoluzionare il settore, con Le Mani di Napoli che si fa carico di codificare e rispettare i processi tradizionali che interpretano al meglio lo spirito della scuola partenopea.

Antony Morato tra stile timeless e pop culture

Eclettismo e versatilità sono le parole d’ordine per gli attori del mondo contemporary e sport presenti alla kermesse. Antony Morato, ormai habitué della manifestazione, lancia a Pitti una collezione che, al solito, viaggia nel tempo e nello spazio, prendendo a modello tre specifici decenni (gli anni ‘70, ‘80 e ’90) e altrettante città, Osaka, Seattle, Malibù; un blend di influenze disparate che trovano un denominatore comune nel gusto tipicamente italiano degli abiti, che rimane la stella polare della label. Nella p/e 2024 confluiscono, quindi, i caratteri distintivi dei periodi storici e contesti urbani menzionati, un brassage di tonalità brillanti, print astratti, floreali e geometrici, tocchi neon, tessuti naturali che si accompagnano a quelli dal sapore utilitarian.
Vengono aggiornati i must dell’armadio maschile, ossia camicie a righe, overshirt, pezzi in lino dai tagli lineari, sofisticati, mentre il grunge dei Nineties informa look mutuati dal workwear, con cargo pants sotto bomber leggeri. Le superfici, sovente grezze, materiche, donano un tocco edgy a capi e accessori di stampo minimal, facilmente adattabili a qualsiasi outfit. Non mancano colorazioni e grafismi d’impatto, che confermano la predilezione di Antony Morato per i pilastri della cultura pop, richiamati da tre capsule collection, omaggi ai Rolling Stones (con l’irriverente linguaccia della band), ai mitici Simpson e al logo Chupa Chups, dietro cui si cela il genio di Salvador Dalí, pubblicitario ante litteram di razza.

U. S. Polo Assn., uno show nel segno dell’unione tra moda, sport, arte e musica

Fa le cose in grande stile U. S. Polo Assn.: oltre a svelare una collezione grintosa, esplicitamente sporty, che riprende nuance e atmosfere delle vacanze nel Mar Mediterraneo (perciò infinite gradazioni di blu, forme casual, fibre leggere, nobili quali lino o cotone seersucker, per una reinterpretazione sensibile ai trend dei capisaldi della casa, dagli elementi vintage inspired alle rigature, dal color block alle classiche polo), il brand ufficiale della United States Polo Association allestisce, infatti, uno spettacolo nel segno dell’unione tra moda, sport, arte e musica in una cornice magica, il Giardino Torriggiani, gioiello naturalistico nel cuore di Firenze.

Lo show si conclude con una cena esclusiva, allietata prima dalla performance di Antonio Signorini, scultore di fama mondiale che, per l’occasione, espone le sue opere con cavalli volanti in bronzo in tre piazze del centro (piazza del Carmine, San FirenzeA Firenze il laboratorio green di Cassetti per gli orologi di lusso e del Grano), poi da quella di Santi Serra, artista equestre capace di stabilire un’assoluta simbiosi con i cavalli, quindi – dulcis in fundo – dall’esibizione live dei mitici Planet Funk.

The Pineider’s Timeless Passions

Non si può non menzionare, infine, l’evento organizzato da Pineider nella boutique di Lungarno degli Acciaiuoli, dunque fuori dai confini fieristici strettamente intesi, e che però ricalca alla perfezione il tema dell’edizione numero 104, Pitti Games, il gioco concepito come dimensione ludica, sfidante ma – soprattutto – creativa.

Aspetti condivisi in toto dalla maison toscana, i cui prodotti artigianali sono espressione di un lifestyle dinamico, energico, in costante movimento, tanto che oltre agli articoli di scrittura per cui è rinomata, ha da tempo in catalogo linee di pelletteria e valigeria ugualmente preziose, raffinate, completate adesso da borse da viaggio bicolor in sfumature (zafferano, sabbia, color cuoio naturale) e materiali (pelle martellata, bottalata, liscia, Mini Franzi, scamosciata) inediti, nonché dai nécessaire per arricchire il tempo libero e gli interessi personali degli intenditori, tra watch, jewelry e game holder e porta-racchette; novità salutate dalla griffe, mercoledì 14 giugno, con la serata The Pineider’s Timeless Passions, he ha avuto un anfitrione d’eccezione, Pierfrancesco Favino, ambassador del marchio.

Per l’immagine in apertura, Pierfrancesco Favino all’evento The Pineider’s Timeless Passions (ph. Nicola Muro)

Tracciabilità, filati riciclati (e riciclabili), tessuti di recupero o upcycled, uso della tecnologia per contrastare gli sprechi che, per una delle industrie in assoluto più inquinanti qual è la moda, costituiscono un gigantesco problema; sono alcune delle parole d’ordine adottate dai brand di S|Style, area di Pitti Immagine Uomo che, da tre anni a questa parte, porta avanti uno scouting dall’impronta fortemente inclusiva e internazionale, promuovendo il lavoro di designer emergenti che, nel realizzare le proprie collezioni, ricorrono a pratiche virtuose sotto il profilo etico e ambientale, unendo eco-responsabilità e desiderabilità dei capi.
A illustrarci le peculiarità dei marchi protagonisti quest’anno nella Sala delle Nazioni, in Fortezza da Basso (nello specifico, Ksenia Schnaider, Dalpaos, Permu, Cavia, Dhruv Kapoor, Isnurh, Steven Passaro, Jeanne Friot, Olooh Concept, Young n Sang), soffermandosi anche su credenze più o meno infondate ed esempi lodevoli, da imitare, è la giornalista e stylist Giorgia Cantarini, curatrice e ideatrice del progetto.

“La soddisfazione maggiore è l’arrivo negli store, vedere che i brand di S|Style hanno riscontri commerciali e riscuotono il gradimento sia della stampa sia del pubblico”

S|Style è giunto alla settima edizione, a tre anni dal varo qual è il bilancio di quest’iniziativa, gli obiettivi già centrati e quelli a cui puntare negli anni a venire?

Sicuramente tra quelli già raggiunti il fatto che buona parte dei designer passati da S|Style abbiano fatta molta strada; sono approdati nei negozi più importanti e, in diversi casi, sono state offerte loro collaborazioni prestigiose o riconoscimenti. Steven Stokey-Daley (fondatore e creative director del brand S.S. Daley, ndr), ad esempio, che ha presentato con noi la prima collezione, ha vinto l’LVMH Prize 2022, Phipps ha firmato una collab con Boss, Uniforme è stato selezionato per la finale dell’Andam Fashion Award, Vitelli ha iniziato a lavorare con Collina Strada… Insomma, parecchi di loro si sono fatti notare e stanno portando avanti il proprio percorso. Personalmente, la soddisfazione maggiore è però l’arrivo negli store, vedere che hanno riscontri commerciali e riscuotono il gradimento sia della stampa sia del pubblico, cominciano ad essere nomi su cui puntare nel contesto del menswear. 

Nell’immediato, invece, ci attende la partnership con Kering, uno step ulteriore, perché potremo offrire una fase di formazione, avviando una mentorship col Material Innovation Lab, il centro di ricerca del gruppo che si occupa di tutto ciò che concerne la sostenibilità. Questo darà l’opportunità ai creativi selezionati di accedere a risorse difficili da ottenere per le rispettive griffe, di dimensioni ridotte; sicuramente potranno acquisire un know-how unico nel suo genere e saranno legati a una multinazionale che garantisce enorme visibilità. L’auspicio è che i più dotati vengano notati anche da altre maison e, di nuovo, riescano a entrare nelle boutique di riferimento in tutto il mondo. 

“La sostenibilità è un percorso estremamente lungo e tortuoso, che interessa il business a 360 gradi”

Da Cavia a Dalpaos, sono dieci i marchi selezionati per la 104esima edizione di Pitti Uomo, potresti fornirci una panoramica, illustrare brevemente le caratteristiche precipue di ciascuno?

Sono marchi piccoli, perciò si avvalgono tutti di materiali “fine pezza”, cioè le giacenze che si accumulano nei magazzini delle aziende manifatturiere. Alcuni hanno attive delle partnership con altre realtà del settore, si possono citare tra gli altri Permu e Steven Passaro, che fanno ricorso alla prototipia 3D, evitando di realizzare un numero eccessivo di pezzi di campionario e modellando tutto prima, per gestire al meglio l’intero ciclo produttivo; Ksenia Schnaider, che collabora col produttore di denim sostenibile ISKO; i danesi di Isnurh, coi loro capi in cotone organico certificato Oeko-Tex, che hanno trovato il modo di stampare senz’acqua, inoltre una parte della linea di ready-to-wear è artigianale, lavorata a mano (come avviene anche da Cavia), un’altra ancora viene ottenuta da tessuti certificati o vintage (e lo stesso vale per Dalpaos). 

“Sono esempi di best practice le imprese che mettono tutto in piazza, comunicando in maniera onesta e chiara, fornendo un quadro d’insieme che sia verificabile”

La sostenibilità è un argomento ormai all’ordine del giorno, eppure la confusione in materia è ancora tanta, basti pensare che un recente studio della Commissione europea ha evidenziato come oltre la metà delle indicazioni fornite dai brand siano vaghe, fuorvianti o del tutto infondate, mentre quasi la metà dei 230 che si professano “eco” non può fregiarsi di adeguate procedure di verifica. Puoi indicarci alcuni falsi miti da sfatare sull’argomento e, all’opposto, le best practice?

La sostenibilità è un obiettivo ad oggi irraggiungibile, non a caso la denominazione S|Style sta per sustainable style, quello perseguito dalle nostre label, responsabili e con un’attitudine – sul lungo termine – sostenibile; ci mettono il massimo impegno, però non possono definirsi pienamente tali, perché a monte c’è un percorso estremamente lungo e tortuoso, che interessa il business a 360 gradi, non riguarda solo la produzione dei capi, ma anche la tipologia dei materiali, la catena del valore, i fornitori, gli standard da adottare…
Nessuna griffe, a parte eccezioni virtuose alla Patagonia, può dirsi sostenibile al 100%, quelle della sezione sono però un esempio di cosa voglia dire essere coscienziosi, avere a cuore certe tematiche fin dal principio…

Tra i falsi miti, innanzitutto la pelle vegana, che purtroppo in termini di sostenibilità è peggio di quella naturale, infatti si stanno sviluppando alternative bio-based o rigenerative; bisogna comunque ammettere che, fintanto che continueremo a consumare carne, perlomeno con la concia dei pellami si evitano sprechi, reimpiegando gli scarti alimentari.
Si può fare un discorso simile per la finta pelliccia: i trattamenti e coloranti usati per riprodurre l’effetto del pelo animale la rendono più inquinante delle pellicce classiche, per quanto siano allo studio soluzioni meno impattanti. Si parla tanto, poi, di tessuti riciclati, ma il nodo riguarda la riciclabilità degli stessi, altrimenti rimane il problema di dover reimmettere sul mercato prodotti nuovi.
Sono esempi di best practice, al contrario, le imprese che mettono tutto in piazza, comunicando in maniera onesta e chiara se e come si stiano muovendo in tale direzione, fornendo un quadro d’insieme che sia verificabile. Rientra tra le best pratice anche il tenersi aggiornati sulle innovazioni e migliorie tecniche introdotte man mano (in particolare sulle lavorazioni che consentono di sprecare meno acqua o prevedono un limitato consumo di suolo, mi viene in mente l’agricoltura rigenerativa), come pure seguire gli aggiornamenti a livello legislativo e di certificazioni; sotto quest’aspetto, l’azienda migliore, trasparente in tutto e per tutto, è – ancora – Patagonia, che arriva a dire esplicitamente ai consumatori “se non vi serve, non compratelo”.

“Il focus di S|Style è la selezione, con marchi scelti non solo per l’approccio sostenibile, ma anche per l’effettiva vendibilità, per il valore intrinseco delle proposte”

Come vorresti evolvesse il progetto da qui ai prossimi anni?

Certamente sarebbe bello aprirsi anche alle realtà femminili, sebbene al momento non credo avremmo la capacità di gestire più di dieci label per volta; voglio che il focus di S|Style resti la selezione, i marchi devono essere scelti non solo per l’approccio sostenibile, ma anche per l’effettiva vendibilità, per il valore intrinseco delle proposte.
Di brand ce ne sono tanti, fin troppi, spesso si dà grande rilievo alla sostenibilità mentre la creatività passa in secondo piano, eppure le maggiori resistenze dei potenziali clienti sono dovute proprio al fatto che non vogliono mettersi addosso abiti esteticamente poco validi, non desiderabili. Non possiamo farci illusioni, nessuno acquista – o meno – un prodotto solo perché “buono”, comprare un vestito è un gesto emozionale, è nella natura umana essere attratti da ciò che ci piace, trasmettendoci sensazioni gradevoli. 

Nell’immagine d’apertura, Giorgia Cantarini, curatrice del progetto S|Style di Pitti Immagine Uomo

Definire fashion designer Eli Russell Linnetz (ospite d’eccezione, col suo ERL, di Pitti Uomo 104) è quantomeno riduttivo, dato che questo 32enne californiano dall’aria scanzonata è un creativo poliedrico dalle mille virtù, che si diletta volentieri anche di regia (ha diretto videoclip per Kanye West, Shawn Mendes e Tyga), fotografia (ha all’attivo servizi per brand – Yeezy, Skims – e testate quali Interview, GQ o Vogue), produzione musicale et similia, collaborando a vario titolo con titani dello show business odierno come il citato Ye, Lady Gaga, Kim Kardashian, Kid Cudi.

Tuttavia è col marchio che porta le sue iniziali, in cui ha trasfuso le vibe e la rilassatezza nel vestire tipiche della metropoli dov’è nato e cresciuto, Los Angeles, e in particolare del quartiere di Venice Beach, col suo crogiolo di etnie, culture e tipi umani, dai graffitari ai surfisti perennemente in shorts sbiaditi dal sole, agli skater coi loro abiti baggy, che si è fatto un nome nel circuito degli iniziati alle cose di moda (l’etichetta, non per niente, è distribuita da Dover Street Market, eldorado del fashion di nicchia), fino all’esplosione mediatica garantitagli dalla collaborazione con Dior.

Esattamente un anno fa, infatti, ha co-firmato la collezione Men Resort 2023 California Couture, un cortocircuito tra la sofisticatezza estrema della griffe parigina e l’immaginario edonistico della West Coast, tra suit rivoltati, tonalità zuccherine contrappuntate da fiammate di colore saturo, fitte incrostazioni di perle e paillettes.
A seguire, la vittoria del premio Karl Lagerfeld nell’edizione 2022 del LVMH Prize e, ora, la chiamata della kermesse di riferimento, a livello internazionale, per il menswear, dove porterà un’installazione speciale dal sapore hollywoodiano, che promette di fare faville.
Nulla di così strano per chi, come lui, parte «sempre dalla storia, prima ancora di sapere come sarà la collezione».

“ERL è casual, senza pretese, spensierato. Contempla tutta una serie di prodotti e personaggi, così da potersi adattare a tante situazioni diverse”

Sei il guest designer della 104esima edizione di Pitti Uomo. Come ti senti alla vigilia di un appuntamento tanto importante, che ti vedrà protagonista nella principale vetrina internazionale dell’abbigliamento maschile?

È un vero onore sfilare a Pitti Uomo, a Firenze, nella culla del Rinascimento; un sogno che ha del magico.

Cosa possiamo aspettarci dalla collezione Spring/Summer 2024 che presenterai nel capoluogo toscano? Puoi svelarci qualcosa in anteprima?

Ho studiato sceneggiatura alla USC (University of Southern California, ndr), perciò parto sempre dalla storia, prima ancora di sapere come sarà la collezione.
In questo caso, ad emergere è stato il tema del make believe (“fare finta” in inglese, ndr), con innumerevoli richiami ai film, universi di pura finzione, dalle scenografie ai costumi di scena, alle composizioni sonore; stavolta, dunque, era fondamentale che la sfilata includesse ogni possibile particolarità del cinema.

Hai fondato ERL cinque anni fa, i traguardi più significativi raggiunti finora? E quelli cui ambire in futuro?

Sicuramente è stato un onore vincere il premio Karl Lagerfeld nell’ambito del LVMH Prize 2022, e lo stesso vale per la collaborazione con Kim Jones da Dior Men.
Cito anche l’outfit di A$ap Rocky per il Met Gala 2021, dove si è presentato con Rihanna, e l’apertura del primo spazio retail ERL a Kyoto, in Giappone.

Come descriveresti l’estetica di ERL, quali sono le peculiarità del brand, cosa lo rende unico?

ERL è casual, senza pretese, spensierato. Contempla tutta una serie di prodotti e personaggi, così da potersi adattare a tante situazioni diverse, dipende dalla singola persona, dal modo in cui indossa i propri abiti.

“I miei lavori sono sempre provocatori, ma la provocazione può essere usata in modi diversi”

L’anno scorso hai co-firmato la collezione Dior Men Resort 2023California Couture, primo guest designer in assoluto nella storia della gloriosa maison francese. Come valuti a posteriori il tutto, cosa ti è rimasto più impresso di quell’esperienza?

Si è trattato di un processo completamente effortless, guidato solo da intuito e fiducia reciproca. Kim Jones e il suo team sono meravigliosi, a volte ci siamo trovati ad operare in silenzio, non c’era bisogno di parole che spiegassero ciò che stavamo facendo. Non ci sono state forzature né momenti in cui mettersi in discussione a vicenda, una pura gioia, sono davvero grato di aver avuto l’opportunità di collaborare con lui.

L’etichetta di stilista ti sta decisamente stretta, visto che sei anche fotografo, regista, produttore, scenografo, attività che ti hanno permesso di collaborare con il non plus ultra dello showbiz e grandi nomi dell’industria fashion ed editoriale. Qual è il minimo comun denominatore, il collante che tiene insieme le varie sfaccettature della tua creatività?

I miei lavori sono sempre provocatori, ma la provocazione può essere usata in modi diversi, ad esempio incanalandola in soluzioni giocose che sfidano chi guarda, oppure gli fanno vedere con occhi nuovi qualcosa di quotidiano.

“Il brand cresce e si evolve di continuo, come me del resto”

Il menswear non è mai stato tanto dinamico, secondo Euromonitor International crescerà a un ritmo medio annuo maggiore del womenswear, inoltre la pandemia ha ulteriormente scombinato le carte, prima con la casualizzazione dettata dai lockdown, poi col ritorno generalizzato a un’eleganza old-fashioned, rigorosa e misurata. In qualità di fondatore e direttore creativo di una delle label più “hot”, godi di un punto di vista privilegiato sulla moda maschile, qual è la tua impressione in merito?

Per quanto mi riguarda, non bado alle tendenze, non mi approccio alla moda in maniera tradizionale, lo spirito è piuttosto quello del costumista, gioco a vestirmi e immagino nuovi personaggi.

Come immagini ERL tra 10 anni? 

Il brand cresce e si evolve di continuo, come me del resto.

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Eli Russell Linnetz, founder e direttore creativo di ERL

Il ruolo di designer e stylist, nel fashion system contemporaneo, è imprescindibile. Il loro lavoro, poi, è strettamente correlato, perché se i primi plasmano l’estetica dei marchi che dirigono, i secondi provvedono a veicolarla attraverso lo styling, che si tratti di outfit da passerella, shooting o look della celebrità di turno.

MANINTOWN ha selezionato dodici figure di spicco nei rispettivi ambiti che, oltre a posare per l’obiettivo del fotografo Filippo Thiella, ci forniscono un prezioso insight sulla creatività che alimenta il loro operato.

Walter Chiapponi

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici del “tuo” Tod’s?

Mi piace che le collezioni siano l’espressione moderna dei segni iconici del brand, ovvero la sartorialità e il concetto di selleria, filtrati anche attraverso l’ottica del tipico lifestyle italiano.

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

Guardo molto ai grandi personaggi del passato, come Gianni Agnelli, Marcello Mastroianni o John John Kennedy, che riuscivano a definire un’estetica con pochi elementi, ma giusti. Sono convinto che la nonchalance del loro stile, la capacità di sentirsi a proprio agio con tutto ne sottolineassero già all’epoca la contemporaneità.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui magari torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

Il capospalla non manca mai, sia nelle collezioni invernali che in quelle estive, perché in qualche modo chiude il look. Un altro must è rappresentato dalla giacca in pelle, nella versione leggera come una overshirt o a mo’ di Valstar, oppure in versione più pesante, tipo biker jacket; in ogni caso, un capo in pelle esprime carattere.

Andrea Adamo

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici del brand che porta il tuo nome?

L’elemento centrale dell’estetica AndreĀdamo è la nudità intesa come verità. A volte essere nudi spaventa o intimidisce, nella visione del marchio, invece, il corpo e la nudità sono essenziali, così come l’approccio positivo alla propria fisicità, alla percezione di sé. Il colore nudo, in questa filosofia, è universale, per questo non abbiamo voluto dare nomi alle cromie utilizzate, denominandole tutte semplicemente “nudo”, come a significare che si tratta di una diversità visibile solo agli occhi, che bisogna andare oltre qualsiasi etichetta. AndreĀdamo è pensato per esprimere se stessi, i capi prendono vita e diventano unici, seguendo la forma specifica del corpo.

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

Sono ispirato dalla vita quotidiana, dagli amici, dalle persone che conosco o da quelle in cui m’imbatto per caso. Tutte le esperienze che vivo nella quotidianità si traducono in suggestioni che elaboro negli abiti, capita che si declinino in un particolare, una silhouette, un taglio o che, più semplicemente, definiscano un mood, un’attitude.
Un’altra grande ispirazione è rappresentata da tutti quei luoghi, persone, culture ed energie che accumulo durante i miei viaggi; per me viaggiare significa libertà completa, immersione nella quotidianità di un posto sconosciuto.
Mi piace perdermi per le strade di una città dove non ero mai stato, sedermi in un bar di quartiere, entrare in contatto con persone che hanno una cultura diversa dalla mia. Esperienze simili sono un’inesauribile fonte d’idee per il mio lavoro, sotto forma di sfumature che, magari, non sono direttamente leggibili per chi vede o indossa un outfit ma, nella mia sensibilità, innescano un ricordo diretto e immediato dell’esperienza vissuta.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

In tutte le collezioni AndreĀdamo non mancano capi che originano o si rifanno alla lingerie, dato che parto sempre dal corpo umano, la mia principale fonte d’ispirazione. L’underwear si evolve e modifica, diventando di volta in volta il punto di partenza per un capospalla, il dettaglio di un top o la caratteristica peculiare di un pantalone. Per me è una costante, mi riporta all’idea centrale della mia estetica, all’ispirazione primaria: esaltare le forme naturali, con naturalezza e un pizzico di provocazione.

Christian Boaro

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici del brand che porta il tuo nome?

Le proposte firmate CHB-Christian Boaro nascono dai contrasti: bianco e nero, maschile e femminile, forza e fragilità. Ho sempre trovato affascinante osservare come il guardaroba dell’uomo e quello della donna potessero dialogare, influendosi a vicenda, così ho scelto di progettare dei capi che si allontanassero il più possibile dalla distinzione binaria di genere. Il messaggio è, semplicemente, di totale libertà.

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

Mi ispira la gente comune, la strada, il cinema, la musica, l’arte e qualsiasi cosa catturi la mia attenzione. In ogni collezione ci sono molteplici ispirazioni e riferimenti, tratti da mondi completamente diversi tra loro.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

Sicuramente i capi sartoriali, quelli che provengono dal guardaroba maschile; il pizzo, un tessuto sensuale che mi piace utilizzare in modo inusuale; e poi, immancabili, i rimandi allo streetwear e alla couture, tutti elementi che convivono in una “perfetta” dicotomia

Andrea Pompilio

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici del brand che porta il tuo nome?

Parto dalla storia della sartoria maschile italiana, per rivisitarne le proporzioni, e dalle nuance, per ottenere un look finale molto contemporaneo, in linea con i tempi e gli orientamenti culturali del momento. Colore e abbinamenti cromatici hanno sempre avuto una grande importanza nel mio lavoro. 

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

Prendo spunto da tutto, ogni cosa può essere fonte d’ispirazione, la mia mente non sta mai ferma purtroppo, a volte mi sveglio nel cuore della notte con un’idea, un ricordo che risale a uno dei miei tanti viaggi, e sono costretto ad alzarmi per farne uno schizzo. Può trattarsi di un frammento della mia vita frenetica, di un’immagine rubata in aeroporto, del frame di un bel film visto nel fine settimana… Assorbo e colgo continuamente sfumature, che poi si tramutano in idee.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

Amo follemente i capispalla e in particolare le giacche, parto sempre da loro per realizzare una collezione; un’ossessione acquisita probabilmente quand’ero piccolo, da mio nonno. Altro mio “feticcio” sono i boxer maschili e la classica t-shirt bianca, sembrano tutte uguali ma in realtà non lo sono affatto!

Alessandro Vigilante

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici del brand che porta il tuo nome?

Il marchio si esprime attraverso il sottile balance tra erotismo e rigore, tagli iperfemminili e sartorialità maschile, fibre seconda pelle e tessuti scultorei, cut-out grafici e volumi over, colori neutri e tonalità inaspettate (acide, shocking, fluo).

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

La danza contemporanea è la mia fonte d’ispirazione primaria; nelle collezioni, la prospettiva e l’estetica di Merce Cunningham si fondono alla carica emotiva di Pina Bausch. Da un lato, la mia attrazione per i cut-out viene sicuramente dall’abbigliamento indossato dai ballerini durante le ore di lezione e prova, o dai loro costumi di scena; dall’altro, è riconducibile alla voglia di lavorare all’essenza dei capi, di togliere piuttosto che aggiungere, scartando e riducendo il tessuto al minimo, incorniciando le parti del corpo che trovo espressive, in particolar modo la schiena.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

I miei pezzi iconici – e best-seller – sono il blazer maschile, la gonna midi con spacco stondato, il pantalone dal fit rilassato, il body con dettagli cut-out. La giacca sartoriale tailored in neoprene, con la schiena nuda, è un omaggio a Carolyn Carlson (di cui porta il nome), coreografa e danzatrice americana di fama mondiale; quella oversize con revers lunghi fino al fondo, invece, si chiama Pina Bausch: l’iconica danzatrice e coreografa tedesca, infatti, portava ampi suit di taglio mannish, modellati appositamente per lei da Yohji Yamamoto, suo amico. Per quanto riguarda i tessuti, la natural vegan rubber è immancabile, subisco da sempre una grande fascinazione per questo materiale, la cui lavorazione richiede una tecnica artigianale che non fa che aumentarne il valore.

Salvo Rizza

Quali sono i tratti distintivi, i capisaldi stilistici di Des Phemmes?

Il brand trae ispirazione da ogni forma d’arte, focalizzandosi in particolare sull’immaginario fotografico dei Nineties, legato all’idea di giovinezza e sovversiva femminilità sublimato, all’epoca, da Kate Moss.
Sono affascinato dal rapporto tra luce e corpo, e utilizzo le superfici decorate per accentuare e sottolineare ulteriormente quest’opposizione.
Nel mio lavoro c’è un concetto di “tensione”, originato da antinomie quali uomo e donna, minimalismo e massimalismo; in quello spazio di mezzo, c’è un mondo nuovo che rende interessante il progetto. Nelle collezioni prevalgono dunque capi semplici, arricchiti però da contrasti, dettagli, sproporzioni che li rendono subito più interessanti. È proprio la tensione a generare un elemento di novità, facendo sì che il “difetto” venga valorizzato, diventando un segno di unicità.
L’approccio stilistico di Des Phemmes è a suo modo istintivo, con pezzi ricamati e speciali, dalla matrice quasi couture, mescolati a proposte daywear e street. Ogni capo, da quello più speciale all’ultrabasic, ha lo stesso valore, ma è proprio dalla fusione, dalla costante tensione tra universi opposti che nasce il marchio.

Cosa ti ispira maggiormente, da dove prendi spunto per disegnare capi e accessori?

La mia principale fonte d’ispirazione è la vita stessa, le persone che la costellano. Des Phemmes è una lettera d’amore a tutte le donne che fanno parte del mio percorso, o lo hanno fatto, spesso vengo ispirato da ricordi o indumenti che vedo addosso a chi mi circonda, portati magari con una particolare attitudine, che diventano il punto di partenza per sviluppare un’intera collezione. E poi i richiami fotografici agli anni ‘90, gli scatti di Corinne Day e Juergen Teller, che hanno plasmato la mia estetica personale.
A mio avviso il miglior modo per essere autentici è parlare di se stessi e del proprio vissuto, che per definizione è e resterà unico, differente da quello di chiunque altro.

I must assoluti del guardaroba, quelli su cui torni con regolarità nelle collezioni del marchio.

La camicia mannish in popeline, sempre presente nelle mie collezioni, declinata ogni volta in chiave diversa. L’idea del capo da uomo, oversize, sul corpo della donna è parte integrante dello stile Des Phemmes, la dualità continua tra maschile e femminile è un pò l’emblema di tutto il mio percorso. La camicia, ad esempio, può essere abbinata indifferentemente a longuette ricamate o cargo pants in denim. 

Mauro Biasiotto

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Una delle principali caratteristiche è l’uso del colore, potrei dire che ricerco delle cromie forti in un mondo minimal, ispirato principalmente all’estetica di fine anni ‘90/inizio anni 2000. Cerco di realizzare degli styling che non si distacchino troppo dalla realtà ma, allo stesso tempo, abbiano un minimo di azzardo e follia, attraverso una ricerca a livello di forme o materiali.

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

Sono cresciuto con Mtv, che ha rappresentato anche il mio primo lavoro come stylist, tanti anni fa, dunque musica e vecchi video sono la mia più grande fonte d’ispirazione, in particolare quelli degli autori che si distinguevano per l’uso minimalista dei colori, da Michel Gondry a Chris Cunningham. Negli ultimi anni, invece, a influenzarmi sono stati soprattutto i fotografi che si sono spinti “oltre”, nella moda o nei reportage, come Viviane Sassen o Pieter Hugo.

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva?

Credo che la cosa più importante sia sempre non smettere di crederci, seguire il proprio cuore e istinto. Non bisogna avere paura di rischiare, andando avanti per la propria strada senza farsi troppo condizionare né scalfire dalla superficialità della moda (un aspetto, questo, cui contribuiscono anche i media), proseguendo con la propria ricerca personale e restando fedeli al proprio credo.

Leonardo Caligiuri

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Le mie scelte sono sempre basate sul mio istinto, preferisco non farmi fuorviare da mode a me non consone. Amo l’eleganza, la femminilità e tutto ciò che può definirsi timeless. Per la mia donna, lo styling non ha tempo, risulta sempre contemporaneo, sussurra sensualità e giocosa innocenza .

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

La mia più grande fonte di ispirazione, fin da bambino, è mia madre; la mia visione della moda nasce dalla sua forte influenza, in termini di stile, carattere, esuberanza. Amavo guardarla quando si vestiva o si muoveva, era bellissima, sempre alla moda pur senza mai rinunciare alla sua femminilità.
Per anni, la mia unica fonte di ispirazione, a livello editoriale, è stata Vogue Paris, amavo quel tipo di estetica e quella tipologia di femminilità per veicolare uno styling. In termini fotografici e iconografici, invece, mi sono sempre piaciuti autori del calibro di Helmut Newton, Guy Bourdin, Mario Testino e David Sims.

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva? 

Stiamo vivendo un momento storico “schizofrenico”, nel quale tutto è possibile. La figura dello stylist è certamente cambiata, ma non sempre o per forza in senso migliorativo. La differenza, nel nostro lavoro, la faranno sempre la professionalità, l’esperienza, la cultura. Mai cambiare il proprio modo di essere per adeguarsi a tendenze passeggere, è fondamentale rimanere fedeli a se stessi.

Christian Stemmler

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Ho un approccio piuttosto realistico, indossabile, che il più delle volte presenta un legame con le subculture degli anni ‘90/primi anni 2000, ma anche con il glam e il punk degli anni ‘70.
Nei mie styling sono predominanti elementi grunge, techno, denim, pelle, come pure lo sportswear e i codici street. I modelli che vesto indossano boots o sneakers tecniche, spesso anche occhiali da sole; sono visioni di creature divine, che si dirigono in un club chiuso ormai da tempo.

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

Sono le persone la mia eterna fonte d’ispirazione, le guardo e parlo con loro, ovunque, per strada, nei bar, sulla metropolitana, nelle discoteche, in palestra, nelle stazioni…

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva?

Sicuramente essere un buon ascoltatore e un acuto osservatore, nonché dimostrarsi capaci di creare una narrazione e un’atmosfera, un mondo intorno agli abiti che dia loro vita.

Francesco Casarotto

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Credo che la cosa che mi contraddistingue maggiormente sia, con ogni probabilità, la manualità. Trovo piacevole, spesso e volentieri, lavorare con materiali e accessori per creare qualcosa ad hoc per lo shooting. Adoro la personalizzazione, un elemento, questo, che deriva forse dal mio background in fashion design. Cerco di aggiungere a ogni look un twist, un tocco speciale. La maggior parte delle volte è anche una necessità personale, uno sfogo, motivo per il quale è nato il progetto Agglomerati.

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

Le reference sono le più disparate, penso che ogni creativo sia come una spugna, che assorbe tutto ciò che vede, sente o immagina, per poi filtrarlo e restituirlo in una forma nuova. Un processo che può riguardare un film, una canzone, un’opera d’arte, persino un sentimento.

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva?

Secondo me è importante fare una distinzione tra lavoro editoriale e commerciale. Il secondo, svolto per un brand o un’azienda, è assai più complicato. In questo senso la nostra figura è di supporto, perché l’obiettivo di uno stylist non è proporre un’immagine straordinaria in senso assoluto, bensì una che si adatti perfettamente al Dna del marchio, soddisfacendo le richieste sia del marketing che del mercato. Spesso molti stylist si sentono incompresi, creativamente limitati, ma per me creatività significa trovare soluzioni, è una qualità che appartiene a ogni persona che, di fronte un problema o una richiesta specifica, usa la propria testa e i propri strumenti per fornire una risposta, a prescindere dal settore in cui opera.

Lorenzo Oddo

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Quando inizio a pensare a uno styling, parto ogni volta dal personaggio o dall’estetica che vorrei venisse fuori. Non ho reference precise, mi piace spaziare, essere trasversale. Attingo dalla musica e dal cinema, come pure dall’arte in generale. Credo che nei miei lavori ci sia sempre qualcosa di stridente, quello che io definisco un “errore”, l’elemento “sbagliato”, di distrubo, che poi è la mia ossessione.
Se dovessi scegliere un accessorio cui riservo molta importanza direi le scarpe, ma sono attento anche ai gioielli.

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

Traggo ispirazione da tutto, davvero, film, mostre, fotografie e, più di ogni altra cosa, da videoclip musicali e grandi fotografi, passati e presenti. Se dovessi citare una sola persona, sarebbe di sicuro Manuela Pavesi.

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva?

Dietro un lavoro all’apparenza semplice, spesso banalizzato, penso che la differenza possano farla solo dedizione e cultura. Sono avido di cultura, a 360 gradi, cerco sempre di approfondire ciò che conosco meno, spesso vengono fuori proprio da lì idee e cortocircuiti mentali utili, poi, all’ideazione e realizzazione dello styling.

Giovanni Beda Folco

Quali sono le peculiarità dei tuoi styling, a livello di reference, estetica, scelta di capi/accessori…?

Credo risiedano nell’equilibro tra severità, delicatezza e sensualità. Cerco di mischiare ambiti estremamente diversi tra loro, sono ad esempio affascinato tanto dalla sartoria quanto dal mondo degli sport estremi, oppure dalla pelletteria. Ogni mio progetto è definito anche da una rigorosa scelta degli accessori, ed è importante non smettere mai di fare ricerca, soprattutto tra i nuovi talenti.

Quali sono le principali fonti d’ispirazione dei tuoi lavori?

Principalmente navigo con la fantasia nell’immaginario che circonda il corpo maschile. Ho avuto modo di studiare come, negli anni, moda e fotografia abbiano favorito lo sdoganamento di una nuova concezione di “mascolinità”. In particolare, ho un’ammirazione per i codici queer definiti da Robert Mapplethorpe attraverso immagini sessualmente sfrontate, ma al tempo stesso armoniose.

Lo stylist, oggi, è tra le figure di spicco dell’industria fashion, ha assunto una centralità per molti versi inedita. Cosa può fare la differenza, in una scena sempre più affollata e competitiva? 

Lo stylist è una figura poliedrica, ricopre tanti ruoli che, nella definizione che va per la maggiore, vengono a volte dimenticati; per questo, personalmente, mi piace definirmi più un image curator. Nella scena contemporanea è fondamentale avere una visione propria, chiara e distintiva. L’identità personale deve spiccare attraverso il lavoro, è questo a fare la vera differenza.

In tutto il servizio, ph. by Filippo Thiella

Terminato il tour de force del cosiddetto fashion month, si può cercare di mettere ordine nella messe di show autunno/inverno 2023-24 succedutisi, dal 10 febbraio in poi, sull’asse New York-Londra-Milano-Parigi, soffermandosi in particolare sulle sfilate co-ed che, mostrando nello stesso contesto menswear e womenswear, permettono di cogliere la visione d’insieme di un determinato brand. A fare la parte del leone, in questo senso, sono state – ça va sans dire – la città lombarda e la capitale francese, diverse spanne sopra le altre capitali modaiole per quantità e qualità dei défilé misti nei rispettivi calendari; ad attestarlo sono (anche) le collezioni uomo e donna seguenti, opera di venerate maison come Valentino, Ferragamo, Alexander McQueen.

Diesel

Alimentando il poderoso repêchage che, dal suo arrivo alla corte del patron Renzo Rosso, ha riportato Diesel in cima ai desideri dei consumatori, con l’A/I 2023-24 della griffe Glenn Martens alza ancora l’asticella, dando fondo alla visionarietà irruenta che connota in profondità il suo lavoro; a testimoniarlo, plasticamente, la piramide rossa che svetta nell’enorme spazio del Superstudio Maxi, migliaia di scatole di profilattici Durex (con cui è in arrivo una capsule collection).
L’ode alla positività sessuale è servita, i look si adeguano al mood libertario, compiaciutamente edonistico della passerella, col designer belga che scatena la sua verve creativa. Non si può ridurre il tutto, però, al mero sensazionalismo, ad uso e consumo di chi assiste alla sfilata, perché le iperboli del direttore artistico s’intrecciano all’ottima manifattura dei capi, gli eccessi al fiuto commerciale per accessori che mandano in solluchero torme di fan, le sperimentazioni radicali alla perizia dei laboratori dell’azienda, abilissimi a trattare il denim; quest’ultimo è il materiale d’elezione della collezione, stressato in ogni modo possibile e immaginabile, fino ad assumere un’aria più che invecchiata, tra screpolature, graffi, candeggi, ombreggiature, chiazze, abrasioni ripetute che lo rendono tenue come carta velina, mostrando la pelle dell’indossatore (o indossatrice) di turno.

Sexiness, d’altro canto, è tra le parole chiave della stagione: i volumi sono ridotti e cascanti, tra maglie microscopiche, spacchi, pantaloni scesi sui fianchi, sottovesti tenute su alla meglio da graffe di metallo o catenelle; fanno eccezione i capispalla, autentiche tele bianche per il virtuosismo degli artigiani Diesel, che si sbriglia in ecopellicce ricondizionate, paletot in jersey lavorato per dare l’effetto della nappa craquelé, giubbotti dalle superfici plastificate o metallizzate, per non dire delle serigrafie che zoomano su volti sorridenti dal sapore posticcio, stampigliate nel finale sugli ensemble, ulteriore, sapido ingrediente del godibile pot-pourri di Martens.

Diesel A/I 2023 (ph. credits Diesel)

Ferragamo

A capo, dal marzo 2022, dell’ufficio stile Ferragamo, con lo show A/I Maximilian Davis seguita a perfezionare la sua idea di una label che, nell’anno domini 2023, deve necessariamente dotarsi di un’identità stilistica forte, distinta, complementare al retaggio di un nome conosciuto ovunque per la pregevolezza di borse, calzature e foulard. Il punto di partenza, dunque, è il periodo di massimo splendore della casa toscana, dagli anni ‘30 ai ‘50, che coincide coi trascorsi hollywoodiani del capostipite Salvatore, il «calzolaio dei sogni» (s’intitola così la sua autobiografia, trasposta sul grande schermo, due anni fa, da Luca Guadagnino) che, nella mecca del cinema, trovò la definitiva consacrazione, guadagnandosi il favore del jet set, attrici della caratura di Marilyn Monroe o Sophia Loren in testa.
Davis ammette di subire il fascino della loro bellezza, del glamour che vuol «rendere moderno», ancorato al qui ed ora, perciò s’immerge negli archivi, in cerca degli articoli o temi più rappresentativi della legacy della maison (tra gli altri i carré, la Wanda bag, le forme a campana o cocoon della couture novecentesca, l’esotismo dei print di metà secolo, i monili in bachelite…), attualizzati dal suo tratto svelto, grafico, perentorio, volto ad asciugare e slanciare la figura.

Il lavoro è minuzioso, coinvolge svariati aspetti, dalle sfalsature causate da asimmetrie e tagli di sbieco all’utilizzo di materiali lucidi (lamé, vernice, resina) o tecnici (lana stretch, nylon), dagli intagli attraverso cui rivelare cromie a contrasto alle costruzioni rubate all’abbigliamento da moto, dalle cerniere che restringono o dilatano le proporzioni dell’outfit alle scarpe che, in dettagli quali i tacchi a spillo dal profilo angolare o la corda tressé, riprendono il lessico dei modelli introdotti dal founder. L’intera collezione si risolve, alla fine, in una – suggestiva – polarizzazione tra soavità e rigore, da un lato la grandeur dell’età d’oro di Hollywood, dall’altro un afflato futuribile, entrambi centrali nel nuovo corso di Ferragamo.

Ferragamo A/I 2023 (ph. courtesy of Ferragamo)

Off-White

Dallo scorso maggio art and image director di Off-White, Ib Kamara, stylist di successo, amico e collaboratore di lunga data di Virgil Abloh, è stato chiamato al compito – per nulla agevole – di garantire continuità al prolifico opus del fondatore, scomparso prematuramente nel 2021, figura titanica del fashion contemporaneo, che ha cambiato in profondità abbattendo gli steccati tra lusso e streetwear, boutique e marciapiede, preziosità da atelier e subculture metropolitane.
Una sfida immane, eppure il creativo sierraleonese, dopo le incertezze del debutto, in cui si era limitato a perpetuare gli assiomi di stile del brand, mostra di poterla affrontare nel migliore dei modi, rinvigorendo la primigenia vena artisticheggiante dell’etichetta, in un détour ardimentoso tra effettismo e giocosità, linearità e guizzi visivamente accattivanti.

L’atmosfera al Tennis Club de Paris è lunare, nel vero senso del termine, perché, come a segnare idealmente un nuovo inizio, il direttore artistico immagina un viaggio sul nostro satellite, evocato dai cumuli di terra rossiccia che attorniano la sfera riflettente al centro del setting, da cui sbucano modelle e modelli bardati con tenute parecchio elaborate, in bilico tra sci-fi e utilitarismo.
Le silhouette, tese e puntute, si smussano via via; a strutturarle provvedono zip (che corrono sui pantaloni, sostituiscono gli orli, fendono cargo e giacche), pannelli, cinghie, coulisse, imbracature reali (perfette per accogliere borse di ogni tipo e dimensione) o dissimulate dai trompe l’oiel, come pure le tracce degli pneumatici, usati anche a mo’ di ready made duchampiano per sagomare orecchini o bracciali fuori scala. Richiama la luna, il suo paesaggio colmo di crateri e asperità, pure l’infilzata di oblò, squarci, forature distribuita nelle 56 uscite, per non dire delle file di occhielli metallici, dispiegati in lungo e in largo sulle superfici.
L’ispirazione spaziale trova degna espressione nella tavolozza cromatica, che passa dai toni baluginanti dell’argento, ghiaccio e celeste alle sfumature pastose del sabbia, ocra, beige, khaki; queste ultime, in realtà, evocano i colori caldi, arsi dal sole, dell’Africa occidentale in cui è nato e cresciuto Kamara, che, pur conscio della statura ineguagliabile di Abloh («poteva esserci un solo Virgil», riconosce), sembra determinato a dare il suo contributo alla crescita di una griffe che, ne è certo, saprà «reinventarsi e resistere alla prova del tempo».

Off-White A/I 2023 (ph. credits Off-White™)

Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood

Data la scomparsa, neppure tre mesi fa, di Vivienne Westwood, tra i défilé più attesi della fashion week parigina non poteva non esserci quello del marchio eponimo, disegnato già dal 2016 da Andreas Kronthaler. Il marito, suo ex allievo e delfino, ha preparato per Dame Viv un tributo toccante, sotto forma di una struggente lettera, lasciata sulle sedute degli ospiti, in cui versi d’amore («sei stata la mia ragione, tutto ciò che ho fatto l’ho fatto per te», scrive) si confondono con la lode alla sua immensa eredità creativa; e poi, in pedana, di un compendio ragionato – e aggiornato – dei leitmotiv che hanno garantito gloria imperitura al brand, frammisti in una panoplia di ensemble dai mille colori e riferimenti, che annulla le differenze di genere, vestendo le donne da uomini e viceversa.

Ci sono dunque leggings dai motivi pittorici, sovrapposizioni e drappeggi intricati, gonnelloni a campana, stampe tappezzeria, rigidi tweed so british, tartan a non finire, mashup di fantasie e tonalità, accumuli di stoffe finemente lavorate («tessuti antichi, raccolti per dar loro nuova vita», recita il comunicato); ancora, giubbe, fiocchi, jabot e altri vessilli dell’estetica new romantic (saccheggiata varie volte dalla stilista inglese, in particolare per le memorabili collezioni degli Eighties) come pure corsetti, pizzi, balze, panier e tutto l’armamentario della femminilità più svenevole, passé, che lei seppe prodigiosamente tramutare in pezzi statement, assertivi e desiderabili, alla stessa maniera delle gigantesche platform, al limite della calzabilità, che fecero soccombere sul catwalk persino Naomi Campbell, o delle zeppe Rocking Horse, entrambe riproposte in varianti inedite. Fino al gran finale, con la nipote di Westwood, Cora Corré, avvolta in un robe-bustier di pizzo operato, virginale e impudente in egual misura. Abbraccia Kronthaler, visibilmente commosso, applaudito da un parterre all star che vede in prima fila Jared Leto, Halsey, Jean-Paul Gaultier, Julia Fox, accorsi al magniloquente Hôtel de la Marine, affacciato su Place de la Concorde, per un ultimo, sentito omaggio alla signora del punk.

Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood (ph. courtesy of Vivienne Westwood)

Alexander McQueen

Al rientro nella ville lumière dopo le sortite a Londra e New York dell’ultimo triennio, per l’A/I di Alexander McQueen Sarah Burton decide di tornare ai fondamentali, a una parte forse meno nota, ma basilare, dell’operato del suo mentore e predecessore, che mosse i primi passi come apprendista a Savile Row, tempio dell’eleganza maschile made to measure. Già il titolo della sfilata, Anatomy, è una dichiarazione d’intenti, lascia supporre che a dominare la passerella sarà uno studio approfondito del vestire, dei suoi rudimenti (ovvero «sartoria, tessuti sartoriali, attenzione al taglio, alle proporzioni e alla figura», puntualizza lei), ed è effettivamente così. Non vi è traccia, tuttavia, di conservatorismo, né volontà di indottrinare chi guarda sui principi aurei del tailoring, l’obiettivo è invece «upside down», sovvertire il classico. Vaste programme, ma Burton è stata l’ombra del compianto Lee, ne ha assorbito le tecniche, il metodo, la tensione costante all’eccellenza, da raggiungere attraverso la confezione a regola d’arte del capo, può quindi permettersi una lectio magistralis sulle infinite potenzialità della sartoria.
Sulla passerella si materializzano silhouette verticalizzate, un secco tratto di matita ispessito dai volumi potenti, affilati, che di look in look si fanno più scolpiti, tra la solidità delle spalle, affilate come rasoi, e la robustezza delle calzature, che fa il paio con quella dei preziosi bold, pendenti, anelli e collane dai riflessi argentei o dorati.

Nel menswear, le linee filanti di jumpsuit, soprabiti e completi sagomati dialogano con le svasature dei pants, mai troppo aderenti, il cappottone tagliato a uovo con l’appiombo perfetto della giacca, l’opacità di filati quali lana, cotone, gabardine e maglia con la lucentezza della nappa, usata in abbondanza, i pattern della tradizione brit, su tutti gessato e pied-de-poule, coi top filamentosi simil-corazza, rifulgenti di paillettes. A disturbare l’imperio cromatico di nero e bianco, qualche stampa dégradé (ingrandimenti di orchidee) e le nuance sature del rosso e viola, anch’esse funzionali a un racconto che, per proiettare il marchio nel futuro, ne rinverdisce con acribia il passato.

Alexander McQueen A/I 2023 (ph. credits Alexander McQueen)

Valentino

Saldo come non mai al timone creativo di Valentino, Pierpaolo Piccioli prosegue, con la destrezza e l’acume propri del couturier di razza, il percorso di risignificazione dei codici della maison avviato qualche stagione or sono, che gli ha permesso di conferire loro valori inediti, oltremodo attuali.
L’ennesima prova d’autore del designer romano, ospitata dai saloni ovattati, tutti stucchi e dorature, dell’hôtel particulier Salomon de Rothschild, si foggia sul Black Tie del titolo, da intendersi non solo nell’accezione letterale di “cravatta nera”, ma anche in quella di dress code massimamente elegante, richiesto per cene di gala, premiazioni, eventi in odore di “solennità”. Bisogna poi dire che, nel generale laissez faire che attanaglia l’abbigliamento formale, legare al collo una striscia di stoffa può risultare paradossalmente un gesto di rottura, anziché il cedimento a una leziosaggine superflua, antidiluviana, com’è ritenuta da un numero sempre maggiore di uomini.
Terreno fertile, comunque, per la sensibilità in materia di Piccioli, specializzatosi da tempo nell’attribuire nuovi, (potenzialmente) dirompenti contenuti semantici a indumenti, categorie, perfino colori (vedasi alla voce Pink PP). Il filo rosso che attraversa il guardaroba stagionale (intercambiabile, le mise di lei e lui sono sostanzialmente identiche), una teoria di coat, camicie, pullover, blouson & Co., è rappresentato pertanto dalle cravatte, onnipresenti, punto focale di outfit dall’esattezza adamantina, con shape in teoria antitetiche (soprabiti extra-lunghi e shorts esigui, caban dalla linea boxy e pantaloni smilzi, orli che lambiscono il pavimento e blazer sforbiciati sull’addome…) bilanciate alla perfezione.
A scalfire la precisione euclidea dell’insieme, col tocco punkish associato ormai indelebilmente a Valentino, le borchie coniche, che listano gli accessori, dalle suole dei boots lucidi ai manici delle borse, e i gioielli per il viso, piercing, ear cuff, cerchietti da apporre su labbra o naso, mentre la palette si riduce a poche, simboliche cromie, oltre alla combo black & white lo speciale rouge del marchio, il giallo, l’azzurro, il verde vivo.

Per ribadire l’assenza di qualsivoglia formalità, saltano tutte le distinzioni, comprese quelle tra maschile e femminile, daywear ed eveningwear; lo scopo, mette in chiaro il creative director, è «arrivare a un’uniforme che evidenzia le differenze, pronta per essere trasformata in un look personale. Anche perché credo sia necessario che il fashion crei delle ossessioni»; come quella, magnifica, di Piccioli per la moda, con la M rigorosamente maiuscola.

Valentino A/I 2023 (ph. credits Valentino)

Nell’immagine in apertura, il finale della sfilata Valentino A/I 2023-24 (ph. dal sito valentino.com)

Il countdown per Sanremo 2023 sta per terminare e, parallelamente, monta la curiosità per gli abiti che sfoggeranno i big in gara alla 73esima edizione del Festival. Da quando, in maniera un po’ inaspettata, il Teatro Ariston si è trasformato in una poderosa ribalta modaiola, con i look dei cantanti passati ai raggi X, in presa diretta, sui social, il “chi veste cosa” è infatti un genere a sé, dominato dagli stylist, autentici deus ex machina dai quali dipende la riuscita – o meno – della tenuta festivaliera di turno. A loro si affidano tutti, titani della canzone italica e giovani promesse in cerca del riconoscimento definitivo, ed è perciò naturale che siano figure come Lorenzo Posocco, Nick Cerioni o Simone Furlan a fornire indicazioni o, semplicemente, indizi sulle mise che, da martedì 7 a sabato 11 febbraio, alimenteranno il buzz mediatico intorno alla kermesse nazionalpopolare par définition.

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La parola agli stylist, dominus dell’estetica sanremese

Il primo, ad esempio, già artefice degli outfit ad alto tasso di spettacolarità di Dua Lipa, incoronato dall’Hollywood Reporter nel 2019 «stylist più influente della musica», seguirà quest’anno Elodie, Marco Mengoni e Ariete. Nessuna certezza sui brand scelti per l’autrice di Tribale e il superfavorito della vigilia, né per quelli della 20enne cantante romana, sebbene siano gettonate, per Elodie e Mengoni, le ipotesi Versace (entrambi, alla finale di Sanremo Giovani dello scorso dicembre, hanno sfoderato capi della Medusa) e Valentino, per Ariete The Attico.

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Cerioni, tra gli antesignani della professione, responsabile dello stile on stage di svariate celebrità musicali, da Jovanotti a Laura Pausini, curerà gli ensemble di Paola & Chiara (le indiscrezioni le vogliono in Dolce&Gabbana) e Tananai. Fa invece dei nomi Furlan, in quest’occasione al fianco di Mara Sattei (che, rivela in un’intervista a Fanpage, «indosserà un brand di alta moda per tutte le serate, sul palco vedremo momenti di sartorialità assoluta, un lavoro molto elegante e sofisticato»), Lazza (vestirà Missoni, con abiti disegnati appositamente per lui dal creative director Filippo Grazioli, «un mix tra l’identità di questo storico marchio e la sua, più street, hip hop, trap, legata a un certo tipo di immaginario») e Madame, che attraverso gli abbinamenti «concettuali» di Off-White «racconterà la storia di un personaggio che trova la forza in sé e diventa qualcos’altro».

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Il mix sul palco dell’Ariston, tra suggestioni punk, simboli del made in Italy, label di nicchia

Giorgia Cantarini, mente creativa dietro i look sanremesi dei Coma_Cose, anticipa che il duo si presenterà sul palco dell’Ariston in Vivienne Westwood, con pezzi sartoriali dal gusto punk e british, tipici della griffe. La collaborazione è nata dal desiderio di omaggiare la leggendaria stilista britannica, recentemente scomparsa, «un mito senza tempo» secondo Fausto Zanardelli e Francesca Mesiano, che si dicono «onorati di andare a Sanremo con la sua moda. Oltre alla bellezza dei suoi abiti, ci ha sempre affascinato il suo essere anti-establishment e controcorrente, i messaggi sociali e culturali che ha voluto diffondere con il suo lavoro».

Rosa Chemical, seguito da Simone Folli, in Moschino sia sul red carpet iniziale che nelle serate successive, manterrà anche nel vestiario l’approccio dissacratorio che lo caratterizza musicalmente. Jeremy Scott, direttore artistico della maison, ha curato ogni dettaglio, con l’obiettivo di creare una sinergia tra i singoli capi e il brano Made in Italy, un inno alla libertà e all’accettazione, destrutturando i classici della sartoria maschile per infondergli un’allure inedita, distintiva, di forte impatto visivo e simbolico.
Non solo grandi maison sugli schermi Rai, però, gli esordienti Olly e Sethu, ad esempio, si affideranno alla creatività irruenta, scevra da schemi e preconcetti, di – rispettivamente – Çanaku e JordanLuca.

Le scelte dei big, da Blanco a Giorgia

La rentrée di Anna Oxa, al suo 15esimo Sanremo, dovrebbe – il condizionale è d’obbligo – essere accompagnata dalle creazioni di Dolce&Gabbana, che grifferà le mise di un altro pezzo da novanta, Blanco, tra gli ospiti d’onore dopo l’exploit del 2022 con Brividi. Nessuna certezza neppure per Giorgia, che stando ai rumor dovrebbe optare per Dior.
Sebbene non ci siano conferme ufficiali, si dà tuttavia per scontato, vista l’intesa duratura tra i due, che a vestire per il Festival Levante sarà l’amico Marco De Vincenzo, oggi al timone di Etro.

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Gianluca Grignani, altro frequentatore abituale della manifestazione, fedele alla tempra da irregolare che ne ha segnato ascese e cadute, sfoggerà i completi dal flavour rockeggiante di John Richmond. Non sarebbe Sanremo, poi, senza re Giorgio: ad indossare le ultime proposte della sua Emporio Armani saranno Leo Gassmann, gIANMARIA e, a quanto pare, Ultimo.

Meritano un cenno, infine, gli outfit dei conduttori: Amadeus, al solito, ricorrerà agli smoking di Gai Mattiolo, amico di famiglia, Gianni Morandi, con tutta probabilità, a quelli di un nome simbolo della moda tricolore (Armani?), la co-host più attesa, Chiara Ferragni, come abbondantemente preannunciato a mezzo Instagram, alternerà Dior e Schiaparelli. La gara (anche) vestimentaria può cominciare.

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Nell’immagine in apertura, i Coma_Cose in Vivienne Westwood (foto Attilio Cusani, styling Giorgia Cantarini, grooming Greta Ceccotti, ph. courtesy of Vivienne Westwood)

A prescindere da durata (sei giorni scarsi) e numeri relativamente modesti, se paragonati a quelli della manifestazione gemella riservata al prêt-à-porter donna, la Paris Fashion Week Men’s è pur sempre un formidabile barometro, un indicatore delle direzioni che prenderà la moda pour homme da qui ai prossimi mesi. Tanto più che l’edizione Autunno/Inverno 2023-24, chiusa il 22 gennaio da Maison Margiela, ha registrato il rientro all’ovile di alcuni nomi eccellenti, dalla label belga (guidata da quel geniaccio di John Galliano), appunto, al menswear di Saint Laurent, nuovamente nella Ville Lumière dopo un lustro di peregrinazioni ai quattro angoli del pianeta, dal comeback – col format della presentazione – di Berluti, Ziggy Chen e Uniforme, a quello in passerella di brand come White Mountaineering, Sacai, Wales Bonner o Bode, che negli ultimi tempi avevano optato per show digitali.
Poi si sa, la capitale transalpina è la mecca del fashion, suona dunque persino ovvio ribadire, adattando la nota massima di Enrico IV di Francia, che Parigi val bene una gallery dei défilé, magari quelli seguenti.

Issey Miyake

Inverando, per l’ennesima volta, il pensiero fondante del lavoro di Issey Miyake, modellato sulla pregnanza assoluta del design («è per la vita», ricordava lui), l’ufficio stile dell’etichetta Homme Plissé fa di un mirabile ossimoro, quello della semplicità complessa, l’asse portante della sfilata A/I 2023. Triangoli, cerchi, rettangoli e altre figure geometriche basilari costituiscono, infatti, le fondamenta sulle quali edificare silhouette diversificate, a raggio, dritte, arcuate e longilinee e cilindriche, mai banali, quasi sempre, per giunta, modificabili ad libitum grazie alla presenza di accorgimenti come bottoni a pressione, cordini regolabili, cinghie.

Backstage, ph. by Anthony Pomes (skin prep and make-up: Shiseido)

Nel Palais de Tokyo, trasfigurato dalla videoinstallazione della compagnia Adrien M & Claire B in un ambiente dove le percezioni risultano sfocate, s’incalzano le linee di cui consta l’offerta complessiva della griffe, come tante collezioni nella collezione, a cominciare dalla Monthly Color July, abiti in colori pieni, carichi, associati a toni smorzati (verde prato col panna, viola col bianco, arancione col senape…), e dai tagli smussati, con le plissettature che s’irradiano dal collo alle spalle, tracciando shape tubolari. Quindi gli Edge Coat, capispalla grafici; Skew Grid, outerwear, gilet e pants solcati da griglie in nuance chiare adagiate su fondi scuri, che ingannano l’occhio; le sovrapposizioni, personalizzabili tramite le abbottonature, di Unfold; infine, le formazioni esagonali di Three by Six e le fantasie optical di Triangular Grid, ispirate all’architettura di Richard Buckminster Fuller, sequenze di triangoli stampati dalle dimensioni scalari, per conferire tridimensionalità alle texture.
Un amalgama di geometrie indossabili, che riunisce nella stessa cornice, aggiornandoli, gli insegnamenti più preziosi del maestro giapponese, scomparso nell’agosto del 2022. Le immagini del fotografo Anthony Pomes consentono di apprezzarle al meglio.

Homme Plissé Issey Miyake A/I 2023, ph. by Anthony Pomes

Juun.J

Dopo tre anni di presentazioni digitali, lo stilista sudcoreano Jung Wook Jun, mente creativa di Juun.J, sfila in modalità co-ed all’Institut du Monde Arabe, nel V arrondissement. Il titolo – programmatico – della collezione A/I 2023 è Broken, una trasposizione nel prêt-à-porter dei tropi punk-rock, mirando a insufflare un che di nuovo, di – atipicamente – lussuoso in vestiti vecchi, malconci, afferibili al mondo militare, biker o workwear.
I modelli marciano spediti nella venue parzialmente illuminata, sorretta da alti pilastri; sono infagottati in mise corpulente, tutte cerniere e fibbie penzole, dai volumi sotto steroidi, strascicati, estesi a dismisura, oppure ridotti all’osso (esemplari, in tal senso, i top femminili, esili triangoli che coprono a malapena il seno). I fondamentali dell’estetica da motociclista, utilitaristica o army ci sono tutti, dal chiodo di pelle (opaca, dall’aria vissuta) ai giubbotti aviator in montone rovesciato, dalla maxi felpa col cappuccio al jeans, e assumono sovente conformazioni inaspettate, vedi il perfecto o la shearling jacket che si allungano fino a diventare abiti con la coda.
Lo styling deraglia volentieri in stratificazioni selvagge, per cui il cappottone va sul total denim (pieno di squarci, ovviamente), il bomber foderato sul completo délabré, la giacca tuxedo sulla minigonna in nappa. La tavolozza parca, notturna di neri, blu, marroni e verdi, come gli accessori (sacche, collari e bracciali irti di spuntoni metallici), si accordano al tono duro, spilogoso che ammanta lo show, una silloge di twist inaspettati per «superare i confini dei nostri capi signature», chiosa il direttore artistico.

Juun.J A/I 2023 (ph. courtesy of Juun.J)

Dior Men

Saldamente al timone del menswear della casa, Kim Jones ha acquisito piena padronanza dell’heritage maestoso, ma talvolta ingombrante, di quel potentato della moda che è Dior. Può permettersi perfino di scomodare l’allievo più eminente del fondatore, Yves Saint Laurent, che gli succedette appena 21enne nel 1957 e subito ringiovanì il figurino principesco, ultra-bourgeois che aveva consacrato la griffe.
La parola chiave è dinamismo, lo stesso che marcò le passerelle del giovane Saint Laurent, e qui fa rima con fluidità, movimento, facilità. Le correnti, citate nelle note stampa, del Tamigi e della Senna (il designer, londinese doc, fa la spola tra la sua città e Parigi) si prestano al parallelismo col concetto di scioltezza, di suprema noncuranza intrinseca al je ne sais quoi, assunto fondativo dello stile parigino; viene adeguatamente distillato nei 60 look dell’A/I 2023, nelle forme dei calzoni, illiquidite, nei nastri, che oscillano a ogni passo, nella soavità degli ornamenti, coi filati irrorati di trapuntature, embroderies, perle che tradiscono la sbalorditiva abilità degli atelier.

Un’uscita dopo l’altra, prende corpo una miscela equilibrata di abbigliamento sportivo (parka, smanicati, cappelli a secchiello, bermuda, stivali glossy al polpaccio) ed estrema sofisticazione, affettazioni da dandy uso al bespoke e volumi svelti, grisaglie e nylon. Tutto, comunque, parla di Monsieur Christian e di chi ne ha proseguito l’operato nei decenni: i mughetti (fiore che lui considerava un portafortuna) ricamati sul golf, il monogramma Dior Oblique, le maglie a righe marinare, i revers delle giacche ripiegati verso l’interno, le cromie neutre, pastose. Una sintesi appropriata della collezione la fornisce lo stesso Jones, parlando di «idea della semplicità che si sente ovunque, dietro la precisione e la complessità di queste creazioni». Massima immediatezza, dunque, pur nella laboriosità dell’esecuzione: what else?

Dior Men A/I 2023 (ph. ©Morgan O’Donovan)

Sankuanz

Una sinfonia in nero, notturna, minacciosa, battezza il catwalk Sankuanz, brand del creativo cinese Shangguan Zhe che, già nel 2013, si è dato la missione di provare come moda “alta” e street style possano e anzi, debbano coesistere, arricchendosi reciprocamente. Poi irrompono i baluginii dell’argento, il rosso torbido delle clutch, i drappeggi tortuosi dei dress aderenti da femme fatale, i profili acuminati di borchie coniche e pugnali (questi ultimi una sorta di trademark del marchio), a decorare cinture, tracolle delle borse, tacchi dei boots a punta. L’ispirazione è dichiaratamente noir: il creative director raggruppa una banda di vedove nere e assassini dallo sguardo torvo, minacciosi, sinistri eppure, in qualche modo, branché.
Shangguan calca sull’accrochage tra ready-to-wear ed estetica stradaiola di cui sopra, assemblando senza soluzione di continuità sneakers massicce e rielaborazioni delle vesti tibetane, camouflage e scollature da vamp, tutoni e orli frastagliati, l’allure sostenuta delle spalle da power suit e il caos cromatico dei graffiti che, a un certo punto, inondano gli outfit, alla ricerca di un equilibrio – precario, inevitabilmente – tra gli opposti.

Sankuanz A/I 2023 (ph. courtesy of Sankuanz)

At.Kollektive

La PFW, storicamente, dà spazio anche ai nuovi attori del settore, garantendo loro una visibilità che non teme confronti. È il caso di At.Kollektive, progetto voluto da ECCO Leather, azienda all’avanguardia nella lavorazione dei pellami: una – virtuosa – piattaforma di scambio tra artigiani e designer, con il know-how dei primi, esperti nei trattamenti più innovativi della pelle, messo a disposizione dell’inventiva dei secondi. I capi della Season 2, presentata durante la fashion week e raccontata visivamente dagli scatti di Drew Vickers, portano la firma di un quartetto d’assi, Natacha Ramsay-Levi, Isaac Reina, Kostas Murkudis e Bianca Saunders.
L’ex direttrice artistica di Chloé ripensa articoli quali stivali, trainers, borse, top e camicie, in un pastiche sintetizzato in maniera incisiva dalle stampe accese di Tchane Okuyan. Reina, da parte sua, sfida le capacità dei laboratori aziendali, rinuncia per quanto possibile alle cuciture e lavora sulle singole pezze, discostandosi dalle silhouette pure, lineari per cui è noto. Nasce dall’affastellarsi di forme curve e spinte contrapposte (Borromini, il punk, scorci della Repubblica Democratica Tedesca, car design), invece, la collezione di Murkudis, estremamente personale pure nella colour palette di grigi, rosa e blu “industriali”.
Chiude il cerchio Bianca Saunders, wunderkind della moda britannica, che sceglie di valorizzare le qualità naturali del materiale, in primis malleabilità e resistenza, per «esplorare tutte le sfaccettature della morbidezza, della bellezza e del movimento della pelle».

Nell’immagine in apertura, il finale della sfilata Dior Men A/I 2023-24 (ph. ©Adrien Dirand, courtesy of Dior)

Inossidabili del made in Italy, “outsider” pronti a raccogliere il testimone dai big storici, orde di fan adoranti davanti alla Fondazione Prada, in visibilio per gli Enhypen, i magnifici sette – a quanto pare – del K-pop. Ristretta nei tempi (quattro giornate effettive di défilé/presentazioni, con gli show digitali a chiudere il calendario) ma intensa, la fashion week meneghina, appena terminata, ci consegna una discreta quantità di insight sulla moda uomo Autunno/Inverno 2023-24; da esaminare singolarmente, caso per caso, anche attraverso i disegni di Jacopo Ascari, che ha interpretato per MANINTOWN gli outfit di alcune delle principali maison.

Gucci 

Dopo il terremoto dello scorso novembre, col divorzio tra Gucci e Alessandro Michele, era scontato che la sfilata più attesa fosse quella del marchio fiorentino, orfano del demiurgo che ne ha (ri)plasmato l’identità a suo piacimento, dando fondo a una visionarietà randomica, pantagruelica, capace di unire Rinascimento e cyberpunk, pomposità da vecchia Hollywood e hippismo, trine e BDSM.

Un esercizio di sintesi complicato, che rasenta l’impossibile, infatti il team interno che per ora lo sostituisce se ne tiene alla larga, mantenendo sì qualche cardine della sua estetica passatista (le forme liquide di blazer, pantaloni con la piega e capispalla di derivazione ‘70s, la predilezione per le tonalità pastello, versioni rivedute e corrette dei tormentoni introdotti dallo stilista romano, come la borsa Dionysus, qui ampia e destrutturata, o le slipper Princetown, l’utilizzo – contenuto – del monogramma, che infittisce il canvas d’archivio Crystal GG), mescolato a lessemi del vocabolario gucciano desunti dal passato (ad esempio le chiusure a pistone della valigeria, volute da Tom Ford, o l’abbigliamento biker e il denim delavé, tra i bestseller dell’azienda all’inizio del millennio), ma asciugando sensibilmente uno styling che, da otto anni, procedeva per accumulo, per stratificazioni.
La prova, nel complesso, risente della mancanza di una direzione univoca, aggregatrice, trattandosi però di una collezione di transizione è giusto sospendere il giudizio, in attesa della nomina del successore di Michele.

Gucci A/I 2023-24 (ph. courtesy of Gucci)

Dolce&Gabbana

Archiviato il more is more che aveva caratterizzato le ultime passerelle del brand, con l’A/I 2023-24 Dolce&Gabbana cambia drasticamente rotta, centrandosi sull’essenziale o meglio, sull’Essenza (titolo della show) del menswear poiché, argomentano Domenico Dolce e Stefano Gabbana, «avevamo voglia di tornare al Dna, abbiamo tutti gli occhi così pieni di immagini che ci siam detti “facciamo ciò che siamo, togliendo tutto”». Il duo, perciò, sfronda il guardaroba stagionale di barocchismi e orpelli vari, disegnando figure nette, chirurgiche nella loro precisione, costruite sugli evergreen dell’etichetta (inappuntabili completi di sartoria, coat lunghi, avvolgenti, camicie immacolate, maglioni handmade, stringate…), cui il nero profondo che domina in pedana (sostituto, occasionalmente, da toni di grigio – perla, ardesia, ghiaccio – e bianco), dona un gradiente ulteriore di compostezza.

Nella linearità rassicurante dell’insieme, ci si concede però qualche guizzo alla D&G, ad esempio nell’uso di panciere e fusciacche per sagomare la vita, configurando silhouette a clessidra (le stesse che vengono ottenute da lievi imbottiture sui fianchi della giacca), oppure nell’abbondanza di ricami in cristalli, en pendant col total black prevalente, un rimando, puntualizzano i direttori creativi, «alla roccia vulcanica bagnata dell’Etna e dello Stromboli». Strizzando l’occhio alla Gen Z, ossessionata dalle tendenze dei primi anni 2000, vengono poi riproposti i baluardi di quella (non più) vituperata decade, dunque jeans generosamente strappati, underwear da ostentare con fierezza, targhette in metallo con logo apposte un po’ ovunque, per parlare a una clientela che «usa la felpa perché è a portata di mano, ma ha la sensibilità per capire il valore del sartoriale».

Dolce&Gabbana A/I 2023-24 (ph. courtesy of Dolce&Gabbana)

Fendi

Inventiva, solidità, comfort, raffinatezza: si muove lungo simili direttrici l’uomo immaginato da Silvia Venturini Fendi per la griffe eponima, facendo collimare dimensioni in teoria oppositive («la moda – nota – cerca qualcosa che sembra non esistere, formale ma casual, sportivo ma sexy, elegante ma rilassato, ho voluto condensare tutto») in maniera esemplare, senza mai prendersi troppo sul serio, ché nel suo ready-to-wear leggerezza calviniana ed eccelsa artigianalità vanno a braccetto. Ci riesce puntando sui tratti caratterizzanti della casa, ovvero proporzioni calibrate, armoniche, accessori funny (categoria nella quale grandeggia, potendo rivendicare la paternità della Baguette, it bag primigenia, che stavolta si porta all’altezza della cintola, come un lussuoso marsupio extra size, nonché della Peekaboo, ora arricchita da imbracature e tracolle), preziosità dei filati, lavorati a regola d’arte; l’elenco di questi ultimi è corposo, include cachemire reversibile, sete jacquard, pellami bruniti, shearling sottoposto a complessi trattamenti, dall’intarsio alla ceratura.

Materiali che, solo a vederli, trasmettono un senso di calore, impiegati nell’outerwear (variegato, preferibilmente cocoon, tra overcoat, caban, piumini, mantelle…) ma anche in top monospalla, borse, berretti, coperte frangiate, enormi sciarpe su cui s’imprimono, cubitali, le FF, che di quando in quando si estendono pure su golf in mohair e, in modo più discreto, sulle calzature, stivaletti o mocassini.
In ossequio al mood disco dello show (la soundtrack è opera di Giorgio Moroder, nientemeno), nel finale si largheggia in decori e appariscenza delle mise, con spruzzate generose di dischetti in metallo, per riflettere le luci della scenografia.

Fendi A/I 2023-24 (ph. courtesy of Fendi)

Neil Barrett

Nello showroom del quartier generale di Neil Barrett dove si tiene la presentazione, volutamente disadorno, tra cemento a vista, canaline e teloni di plastica, non c’è distinzione tra backstage e passerella. I modelli posano per i fotografi, a poca distanza da moodboard, relle, polaroid di ogni uscita; sfoggiano subculture uniforms, così le definisce il creativo britannico, che in – apparente – contraddizione col significato letterale della parola («abito uguale per tutti coloro che fanno parte di determinati corpi, associazioni, categorie», recita il dizionario Garzanti), sono concepite per distinguersi, per valorizzare l’individualità, aprendosi a infinite variazioni attraverso la scelta di specifiche cromie, accostamenti, modi d’indossare il singolo capo, che spetta sempre a chi lo acquista. Le uniformi cui si fa riferimento, peraltro, sono quelle di gruppi e sottoculture musicali seminali, che hanno contribuito a scrivere pagine fondamentali nella storia del menswear: punk, post-punk, rocker, casual, new wave.

Giubbini, paletot, pull d’ascendenza grunge, intessuti con motivi nordici distorti, quasi optical, pants dai tagli affilati, anfibi e altri pièce de résistance del marchio rappresentano, quindi, addendi di stile il cui risultato, contravvenendo alla proprietà commutativa, cambia a seconda dell’ordine in cui sono disposti. Il padrone di casa, in questo senso, suggerisce delle possibilità, giustapponendo volumi asciutti e rilassati, tracksuit e smoking, maglieria a rombi e cinquetasche metallizzati, tonalità sobrie e punte acide di azzurro, rosa, viola, senza mai derogare da una certa compostezza, dal minimalismo che, a cavallo tra gli anni ‘90 e 2000, permeava le collezioni della label, come provano gli occhiali da sole Metropolis, realizzati in collaborazione con Siens, compendio perfetto del menswear Neil Barrett.

Neil Barrett A/I 2023-24 (ph. courtesy of Neil Barrett)

Shanghai Tang

Le sale affrescate di Palazzo Serbelloni, gioiello neoclassico nel cuore della città, accolgono il défilé A/I 2023 Shanghai Tang, luxury brand di Hong Kong che si propone, fondendo armoniosamente cultura orientale e modernità occidentale, heritage e avanguardia, mestieri d’arte del Regno di Mezzo e sensibilità stilistica ultracontemporanea, di sradicare i tanti, coriacei preconcetti sul made in China.
L’intento è ambizioso, la griffe ha però dalla sua un patrimonio impressionante per quantità e qualità dei mezzi espressivi, pratiche millenarie tramandate da generazioni (pittura a inchiostro, calligrafia, tessitura della seta, ceramica, tra le altre).

In passerella, il clash tra un tale bagaglio di tecniche artigianali dell’Estremo Oriente e modellistica europea è potente. Il rischio di scadere nel folcloristico viene subito eluso, poiché silhouette ed elementi tipici del costume cinese s’integrano bene con i codici classici del prêt-à-porter. Così il tradizionale abito Tang, se guardato di lato, sorprende per il profilo leggermente architettonico delle maniche, mentre fitti ricami manuali (leitmotiv della maison, prendono spesso la forma della stella policroma, inscritta nel logo ufficiale) e stampe rigogliose istoriano ensemble basici, svelti, dalle linee sciolte, che restano leggiadri anche quando la figura si assottiglia, con giacche segnate sul punto vita dalla cintura. 

Ricorre il nastro, emblema dello spirito celebrativo infuso nella collezione (intitolata Tuanyuan: una riunione di famiglia, da intendersi come momento di condivisione e vicinanza), presente su cravatte, sciarpe, maglioni; alamari e colletti stondati vanno ad inserirsi, con delicatezza, su casacche di lana che imitano il denim, bluse, soprabiti, jeans dall’aplomb sartoriale.
A rimarcare il tono allegro, sfaccettato di «un mondo pieno di contraddizioni giocose» (così viene descritto nel comunicato), la ricchezza della palette colori, accesa dalle nuance corroboranti del verde fluo, fucsia, vermiglio, blu elettrico. 

Shanghai Tang A/I 2023-24 (ph. SGP/courtesy of Shanghai Tang)

Magliano

Ormai habitué della MFW Men’s, Luca Magliano, con l’ultima collezione della linea che porta il suo cognome, si conferma tra gli autori più maturi dell’orizzonte creativo italiano. Nonostante debba ancora compiere 36 anni, infatti, ha una visione nitida, personalissima della moda e, in generale, della mascolinità odierna, tarata su contenuti e voci relegate generalmente ai margini dall’industria fashion, cioè l’umanità varia che popola la provincia del Belpaese (operai, viveur, giovani ansiosi di farsi notare attraverso i vestiti, discotecari…).
Un discorso di nobilitazione delle figure “periferiche”, delle loro abitudini e tic vestimentari, che in quest’occasione prosegue al ritmo indolente, rallentato dei modelli (la maggior parte non professionisti), che sostano di fronte a una parete di sedie ammassate; oggetti che evocano mancanza, introspezione, precarietà, le medesime qualità riscontrabili nei look in pedana, dall’aria – ingannevolmente – rabberciata, dissonante, tra superfici contorte dall’(ab)uso di coulisse, asole e tasche modulabili, drappeggi sconnessi aggrovigliati sul torso, indumenti puramente utilitaristici, nodi sbagliati, pantaloni cadenti, fibre soffici (mohair, tulle, jersey, pile) intersecate da tessuti tecnici, spessi, compatti.
Un assemblage in apparenza confusionario, che assorbe persino vecchie coperte militari, tele macchiate, scarpe antinfortunistiche fornite da U-Power, leader nel settore dell’abbigliamento da lavoro, epperò del tutto coerente con la poetica dell’imperfezione di Magliano.

Magliano A/I 2023-24 (ph. courtesy of Magliano)

Dhruv Kapoor

Alla seconda sfilata nel calendario meneghino, Dhruv Kapoor (promotore di un approccio circolare al ready-to-wear, incardinato su materie prime di scarto, inclusione, valorizzazione dell’artigianato tessile indiano, con progetti che coinvolgono villaggi e comunità di tutto il paese) vuole dimostrare il potenziale insito nei paradossi di un’epoca contrassegnata da percezioni divergenti; secondo lui, sono sinonimo delle innumerevoli sfaccettature dell’animo umano, da vagliare per portare alla luce il nostro io migliore, propositivo, curioso, aperto al nuovo, lasciando nell’ombra i lati più ostili, problematici.
Date le premesse, è ovvio che l’A/I del designer viva di polarità, di costanti rimodulazioni e cambiamenti, nel segno dell’inusualità, dell’abbinamento stridente, della mise alternativa (nell’accezione più positiva del termine). Sfilano outfit investiti da colate materiche di colore, che paiono liquefarsi sulla stoffa, completi percorsi da zip o bottoni a pressione, tute oversize, denim orlato da copiose sdruciture, per enfatizzarne i profili, capi dai ricami articolati, su cui vibrano paillettes, cristalli e filamenti, che delineano fiori, volti, cuori arsi dalle fiamme.

Quattro le collab stagionali: Marsèll firma le calzature, Huma Eyewear gli occhiali, Bijules i gioielli. Merita un capitolo a parte la capsule con la casa di produzione nipponica Toho, quella della saga di Godzilla, riprodotto con dovizia di particolari in illustrazioni iperrealistiche, strisce a fumetti, disegni tipo anime. Kapoor traccia un parallelo tra la mostruosità del lucertolone creato, negli anni ‘50, da Ishiro Honda e gli alter ego “oscuri” di cui sopra, immaginando che anche i suoi poteri straordinari siano «un modo per accogliere, proteggere e rinnovare la nostra essenza».

Dhruv Kapoor A/I 2023-24 (ph. courtesy of Dhruv Kapoor)

Nell’immagine in apertura, il finale della sfilata A/I 2023-24 di Dolce&Gabbana (ph. courtesy of Dolce&Gabbana)

Scompare a 81 anni, «serenamente, circondata dalla sua famiglia, a Clapham, nel sud di Londra» (recita il comunicato del marchio eponimo, che nella serata di ieri ha dato la notizia sui propri canali social) Vivienne Westwood, figura monumentale della moda inglese (e non solo), un personaggio larger than life, come direbbero gli americani. Ribelle, anticonformista, irriverente, Dame Viv, com’era soprannominata (ché dama dell’Impero britannico, in fondo, lo era davvero, a nominarla tale fu, nel 2006, l’allora principe Carlo), in oltre mezzo secolo di onorata carriera ha saputo conferire piena dignità estetica a un movimento, il punk, per sua natura elusivo, magmatico, fino a renderlo un vero e proprio vessillo ideologico, una filosofia di vita, oltreché professionale.

Gli inizi con Malcolm McLaren

Nata Vivienne Isabel Swire (Westwood è il cognome del primo marito, Derek, sposato nel 1962, da cui si separa nel 1965, dopo la nascita del figlio Ben) nel 1941, in un paesino del Derbyshire, da adolescente si trasferisce nei sobborghi della capitale dove, per sbarcare il lunario, lavora come insegnante. Sono gli anni della Swinging London, di una città ombelico del mondo tra cultura pop e minigonne, Beatles e prodromi della liberazione sessuale, per lei è però fondamentale l’incontro con un’altra personalità a dir poco carismatica, Malcom McLaren – futuro pigmalione e manager dei Sex Pistols, nientedimeno, cui si lega sentimentalmente e professionalmente.

Lo store di King’s Road, tempio dei freak londinesi

Insieme, nel 1971, aprono un negozio al civico 430 di King’s Road, che diventa in breve il sancta sanctorum della controcultura londinese, frequentato da giovani “alternativi” che vengono ad acquistarvi le creazioni outré dell’eclettica proprietaria. Inaugurato sotto l’insegna Let it Rock, lo spazio viene rinominato più volte (Too Fast to Live, too Young to Die, Sex, Seditionaries, Worlds End), rispecchiando i vorticosi cambi di registro stilistico della Westwood, che lo riempie, volta per volta, di maglie ricoperte di ossa animali, allineate a formare la parola “rock”, t-shirt perforate da spille e catene, indumenti borchiati, accessori in lattice dal sottotesto peccaminoso, bric-à-brac in metallo.

Pezzi al limite dell’oltraggioso per la rigida morale vigente all’epoca, non a caso la polizia la costringe in diverse occasioni a chiudere i battenti, ma lei non si lascia certo intimidire, anzi, incoraggiata dal clamore suscitato dai primi, scandalosi articoli, si decide a compiere il grande passo, varando l’etichetta che porta il suo nome.

Il debutto in passerella di Vivienne Westwood

Il défilé d’esordio del 1981, Pirate, assurge ad autentico manifesto programmatico della designer (lo scopo, dichiara, è “distruggere il termine conformismo”), dando il via a una stagione che trasla sulle passerelle i codici musicali del new romantic. L’ispirazione, come si può supporre dal titolo, rimanda ai corsari, a modelli e modelle viene lasciata la libertà di scegliersi i propri outfit, e loro si presentano in pedana agghindati con marsine, cappelli a tricorno, gilet, stivali al ginocchio, tuniche guarnite di merletti, camicie pittate di rosso, giallo oro e blu, tra arabeschi ondulati e motivi wax.

Seguono collezioni consegnate da tempo al mito: Buffalo Girls (autunno/inverno 1982-83), col suo campionario carnascialesco di gonnelloni a ruota, reggiseni indossati sul top e stampe folk, modellato sull’abbigliamento tradizionale delle donne peruviane; Punkature (primavera/estate 1983), distopia in forma di prêt-à-porter che vagheggia il ritorno all’età della pietra, conseguente a una guerra nucleare, tra materiali sbrillentati, tele rustiche dipinte a mano, vestiti che, pur sostenuti dalle bretelle, appaiono sul punto di disfarsi; Witches (A/I 1983-84), con le superfici dei capi brulicanti di vivaci grafismi, mutuati – per ammissione della diretta interessata – dai celebri omini di Keith Haring, enfant prodige della graffiti art d’oltreoceano; Mini-Crini (P/E 1985), uno sberleffo alla pomposità delle crinoline settecentesche, qui riconfigurate in dress più che succinti.

Lo stile iconoclasta di Dame Viv

Inarrestabile, refrattaria alle convenzioni, nel 1985 lascia McLaren, ormai lanciata nell’empireo della creatività internazionale, affascinato dalla verve iconoclasta con cui la stilista dalla chioma rossa fa strame degli archetipi, passati e presenti, dell’eleganza comunemente intesa.

Sconquassa, a ogni piè sospinto, lo status quo fashionista, saccheggiando epoche storiche  e correnti artistiche, iniettando una grinta sfrontata nel vestiario della buona società inglese (i completi in tweed, l’impermeabile, il tartan, il girocollo di perle, trasformato in un choker sul quale, al centro, è effigiato the Orb, il logo del brand, un globo ripreso dallo stemma della Corona, circondato dagli anelli di Saturno e sormontato da una croce) oppure recuperando, in chiave dissacrante, l’armamentario femminile d’antan, dalla tournure ai falpalà, dagli strascichi alle trine, fino ai corsetti che, nelle sue mani, da simbolo di una sessualità castigata, quasi negletta, diventano un capo da esibire con orgoglio, decorato ad esempio, per l’A/I 1990-91, dai soggetti classici dei quadri di François Boucher, che stridono assai con la scollatura abissale dello styling di sfilata.

O, ancora, estremizzando l’ossessione della moda per i tacchi a stiletto con plateau “impossibili” (memorabile, in questo senso, il capitombolo di una certa Naomi Campbell durante uno show della griffe, nel 1993, causato dall’altezza stratosferica – superiore ai 30 centimetri – delle pumps calzate dalla top model).

Dallo sberleffo alla Thatcher all’OBE, le provocazioni della stilista

La comunicazione dell’azienda non è da meno, trainata dalla sua esuberante fondatrice che, nel 1989, arriva a schernire la premier Margaret Thatcher, di cui avversa in toto la politica conservatrice, posando per la copertina del magazine Tatler con un look che ricalca esattamente quello della Lady di ferro, trucco e parrucco compresi, corredato dalla scritta ironica “this woman was once a punk”. Westwood non rinuncia alla provocazione neppure in un contesto solenne come la nomina a Officer of the Order of the British Empire, onorificenza concessale nel 1992 dalla regina Elisabetta: terminata la cerimonia d’investitura, solleva la gonna davanti ai fotografi, svelando così l’assenza dell’underwear nella mise scelta per l’occasione.

Le battaglie ambientali e civili della creativa inglese

Negli anni Novanta, per dare stabilità finanziaria al marchio, moltiplica le linee (Red e Gold Label, Anglomania), affiancata dal fido braccio destro Andreas Kronthaler, sposato nel 1993; quando quest’ultimo, nel 2016, assume la direzione creativa della maison, Queen Viv può spendere tutto il suo carisma ed energie per le battaglie che l’appassionano maggiormente, moltiplicatesi esponenzialmente nel corso del tempo.

Sposa senza remore la causa della sostenibilità (oltre il 90% della collezione A/I 2021-22, per dire, è stato realizzato con materiali dal ridotto impatto ambientale, tra cotoni e sete organiche, nylon riciclati, viscosa certificata Fsc), si batte caparbiamente per la pace, i diritti civili, la liberazione del fondatore di WikiLeaks Julian Assange, inscena proteste spettacolari nelle strade del Regno Unito, manifestando contro la Brexit, le armi nucleari, lo sfruttamento dei lavoratori, si spinge fino a guidare un (finto) carro armato davanti all’abitazione del primo ministro David Cameron, richiamando l’attenzione sulla controversa tecnica estrattiva del fracking.

Merita un capitolo a sé, poi, l’impegno ambientalista, abbracciato in tempi non sospetti e declinato in innumerevoli iniziative, dal supporto alle principali Ong (Greenpeace su tutte) a slogan d’impatto quali “Make Love, not Fashion” o l’attualissimo “Buy less, choose well, make it last” (cioè “compra meno e meglio, fallo durare”), convogliate da ultimo nella Vivienne Foundation, società senza scopo di lucro che sarà operativa dal prossimo anno; l’attività della fondazione, spiegano i vertici, verterà su quattro pilastri, «cambiamento climatico, stop alla guerra, difesa dei diritti umani e protesta contro il capitalismo». Difficile immaginare un lascito migliore per la stilista brit, che (anche e soprattutto) su certi temi non è mai scesa a compromessi.

Nell’immagine in apertura, Vivienne Westwood a una manifestazione in supporto di Julian Assange (ph. © PA Archive)