Autore: Redazione MANINTOWN

Il varo globale della nuova Volvo EX30 nel quartiere di Porta Nuova, hot spot tra i più dinamici e green di Milano, permette di definire un parallelo tra il nuovo SUV compatto del marchio svedese, completamente elettrico e dall’impronta di carbonio più bassa di qualsiasi altra autovettura prodotta dalla casa, e il luogo che ne ha ospitato l’anteprima mondiale, primo quartiere metropolitano in assoluto con doppia certificazione di sostenibilità; un partner ideale, in grado di attrarre iniziative innovative ed “eco” a livello internazionale.

Il lancio della EX30 a Porta Nuova sottolinea poi, ancora una volta, la condivisione di valori in materia di impegno ambientale che unisce Volvo e COIMA, sviluppatore e gestore del quartiere, pensato – anche – in funzione della mobilità sostenibile.

Il nuovo SUV elettrico della casa, l’auto più sostenibile di sempre del marchio svedese

L’ultima arrivata in casa Volvo rappresenta un vero e proprio fiore all’occhiello per il brand che, intervenendo sulle emissioni nell’intero ciclo di produzione e vita dell’auto, ne ha ridotto l’impronta di carbonio complessiva, su 200.000 km di guida, a meno di 30 tonnellate, una riduzione pari al 25% rispetto ai precedenti modelli C40 e XC40 full electric.

Un risultato possibile grazie non solo all’elettrificazione, ma anche all’attenzione riservata alle singoli fasi produttive, all’approvvigionamento delle materie prime e alla supply chain, che ha consentito di ricorrere a minori quantità di alluminio e acciaio incrementando, per converso, l’impiego di materiali riciclati. Speculare l’approccio adottato per gli interni della EX30, con un’ampia gamma di soluzioni recycled e rinnovabili per sedili, portiere e cruscotto. Circa il 17% di tutte le componenti plastiche del SUV, ad esempio, risulta riciclato, una percentuale record per Volvo.

Bisogna infine evidenziare come il nuovo sport utility vehicle dell’azienda di Goterborg verrà assemblato in uno stabilimento alimentato, in larga parte, da energia neutrale sotto il profilo climatico, con l’utilizzo della tecnologia blockchain per tracciare le materie prime più importanti.

Porta Nuova, un distretto green all’avanguardia 

Porta Nuova, dal canto suo, può fregiarsi di un primato unico nel suo genere: è stato infatti il primo progetto di riqualificazione urbana a ottenere il prestigioso doppio riconoscimento LEED® e WELL® for Community da parte dell’US Green Building Council e dell’International WELL® Building Institute (IWBI); due certificazioni di rilievo, che prendono in esame gli aspetti sociali, ambientali ed economici dello sviluppo urbano. Proprio in virtù delle caratteristiche – virtuose – della zona, dove COIMA ha sviluppato un ambiente che fa dialogare al meglio natura e architettura, tra enormi spazi verdi, passerelle, aree ad hoc e progetti monumentali quali la Biblioteca degli Alberi, Milano è stata scelta per l’evento di reveal in anteprima mondiale della nuova Volvo.

L’impegno di Volvo e COIMA per la mobilità consapevole e sostenibile

«Siamo sempre stati convinti che il luogo ideale per mostrare al mondo la nostra nuova EX30 e le sue straordinarie valenze in chiave di sostenibilità fosse Milano e, in particolare, il quartiere di Porta Nuova», commenta il presidente di Volvo Car Italia Michele Crisci, che parla del quartiere meneghino come di un «esempio unico di sviluppo urbano avanzato e rispettoso dell’ambiente; da tempo, con gli amici di COIMA, collaboriamo a progetti congiunti che hanno come finalità la promozione della mobilità elettrica e la decarbonizzazione. Non è un caso che proprio in Porta Nuova sia collocato il Volvo Studio Milano».

Il manager preme su un altro aspetto: «Si dice sempre che la relazione fra auto in città è impossibile; noi vogliamo dimostrare che può essere vero il contrario. La nostra strategia legata alla mobilità elettrica favorisce l’integrazione fra auto e città. I servizi legati alla mobilità elettrica che proponiamo al pubblico costituiscono una risposta concreta valutabile in tonnellate di CO2 risparmiate. Sulla sostenibilità manteniamo le promesse e il nostro impegno incondizionato».

Da parte sua, Manfredi Catella, fondatore e CEO di COIMA, pone l’accento sulla «pianificazione di un sistema di mobilità sostenibile, prioritario sin dall’avvio del masterplan nel 2005», ed elenca le peculiarità “green” della zona, che risulta «priva di barriere architettoniche, con oltre il 75% degli edifici posto entro 800 metri da uno snodo principale dei trasporti pubblici; la disposizione del quartiere, interamente pedonalizzato, ha portato alla realizzazione di oltre 3,6 km di piste ciclabili, con completa separazione tra mobilità veicolare e “lenta”»; infine, precisa, «la scelta di Porta Nuova per presentare l’anteprima mondiale di Volvo rappresenta un passaggio importante nella sua transizione a luogo valoriale e d’impatto a cui si associano le best practice mondiali».

La decarbonizzazione di Porta Nuova, un progetto reale e tangibile

Volvo Car Italia e COIMA, del resto, hanno da tempo unito le forze per iniziative legate alla mobilità sostenibile; lo dimostrano due importanti progetti condivisi già realizzati, che mirano alla decarbonizzazione del distretto meneghino: l’installazione della prima stazione di ricarica elettrica veloce di Milano (2021) e il servizio di mobilità elettrica ELEC3City (2022).

Se il primo si inserisce in un percorso che prevede l’elettrificazione dell’intero quartiere, con conseguente riduzione delle emissioni di CO2, il secondo si configura come il primo esempio italiano di car-sharing elettrico legato a uno specifico distretto o area urbana, e promette di rendere facile e intuitivo l’utilizzo dell’auto in città – e non solo.

Nell’immagine in apertura, la nuova Volvo EX 30, svelata nell’avveniristico quartiere milanese di Porta Nuova

L’Eurovision Song Contest è, da tempo, la più attesa e seguita competizione musicale europea, capace di tenere incollati alla tv milioni di spettatori sparsi nel Vecchio Continente – e non solo. Eppure la kermesse (l’edizione 2023, la numero 57, ha preso il via il 9 maggio alla Liverpool Arena) non è popolare in tutta Europa allo stesso modo, come sanno bene gli italiani, che per anni l’hanno dominata, competendo per la vittoria finale (conquistata, prima dell’exploit dei Måneskin nel 2021, da Gigliola Cinquetti nel 1964 e da Toto Cutugno nel ‘90), per poi sostanzialmente disinteressarsene negli anni ‘90 e, infine, tornare ad appassionarsi alla gara negli ultimi dieci anni, un processo di “rinascita” che ha toccato il culmine nel trionfo della rock band romana, con la conseguente organizzazione dell’evento nel 2022, a Torino.

Ma quanto “tira”, oggi, l’Eurovision nel Belpaese? E negli altri stati? Holidu (portale dedicato alla prenotazione di case e appartamenti vacanza tra i più rilevanti d’Europa) si è occupato dell’argomento, stilando la classifica dei paesi in cui il contest è maggiormente popolare, considerando il numero di ricerche web in rapporto alla popolazione.

L’Eurovision, molto più di una semplice gara musicale…

Va innanzitutto precisato che, se nelle prime edizioni (quella d’esordio si tenne in Svizzera, nel 1956) l’obiettivo principale dell’Eurovision Song Contest era celebrare la pace e unire il continente dopo gli orrori della Seconda guerra mondiale, col passare del tempo tale proposito è divenuto una realtà consolidata, pur tra alti e bassi, e così la competizione canora si è tramutata in un autentico fenomeno di costume, un simbolo pop paneuropeo.
Poco importa, dunque, che il livello musicale generale – con le dovute, lodevoli eccezioni – sia tutto fuorché elevato, come del resto conta relativamente l’eterogeneità dell’offerta musicale, che spazia tra ballad drammatiche, brani pop, sonorità etniche folkloristiche e quant’altro: alla fine, tutti gli europei da decenni si ritrovano uniti davanti allo schermo, ascoltando per una settimana le stesse canzoni e celebrando, così, l’unicità di ciascuna cultura. Senza dimenticare che in ballo, per il paese vincitore, c’è una vetrina di visibilità annuale e l’opportunità di attrarre quantità considerevoli di turisti, con un indotto tutt’altro che trascurabile.

Il podio

A dominare la classifica delle nazioni più appassionate all’ESC è la Spagna, che secondo i dati raccolti da Holidu vanta un volume di ricerca complessivo di 625.000; nonostante l’ultimo successo risalga al lontano 1969, a ravvivare l’interesse dei fan iberici è stato probabilmente, l’anno passato, il terzo posto del brano SloMo di Chanel, miglior risultato dal 1995. Nel 2023, a gareggiare per la Spagna è Blanca Paloma con Eaea, tra i favoriti dei bookmakers; i suoi connazionali possono quindi aspettarsi un show di alto livello.

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In seconda posizione, la Svezia (volume di ricerca totale su 100.000 abitanti: 900), che d’altra parte ottenne la prima vittoria già nel 1974 con la hit Waterloo degli ABBA. Il paese scandinavo, inoltre, è il secondo più vincente nella storia del concorso, con due trionfi solo nell’ultimo decennio, che spera ora di replicare con Tattoo di Loreen (già vincitrice nel 2012 con Euphoria).
Chiude il podio la Grecia, in gara nel 2023 con What They Say (Victor Vernicos): L’Eurovision è parte integrante dell’identità nazionale ellenica, cui offre la chance di esprimere musicalmente un patrimonio culturale che non teme confronti.

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Le altre posizioni della classifica di Holidu

Al quarto posto, la Lituania, stato dallo ricca scena musicale tradizionale, riproposta spesso sui palchi della manifestazione; sebbene non l’abbia mai vinta, il volume di ricerca totale totale su 100.000 abitanti del paese baltico è pari a 839.
Segue il Regno Unito, che accoglie l’ESC dopo ben 25 anni al posto dell’Ucraina, vincitrice dell’edizione 2022 ma impossibilitata, per ovvi motivi, ad ospitare la finale; oltremanica i piazzamenti sono stati a lungo ben poco lusinghieri, ma un anno fa gli inglesi hanno conquistato un ottimo secondo posto, e adesso sperano di ottenere l’agognato trofeo di vetro con I Wrote a Song di Mae Muller.

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In sesta posizione troviamo la Finlandia, che negli anni si è distinta per le proposte spesso innovative dei suoi rappresentanti, tanto da vincere con una canzone metal dei Lordi nel 2006. A seguire, settima, l’Italia, che ha risalito rapidamente la china di questa particolare graduatoria sull’onda del successo di Zitti e buoni dei Måneskin, con conseguente finalissima 2022 al PalaOlimpico torinese: occhi puntati, stavolta, sul vincitore di Sanremo Marco Mengoni. Il cantante, originario di Ronciglione, a pochi mesi di distanza dal trionfo in Liguria si esibirà all’Eurovision con Due vite, a dieci anni esatti di distanza da L’essenziale.
Scorrendo ancora la “top 10”, ecco poi – nell’ordine – Norvegia, Irlanda e Paesi Bassi.

Fonte e classifica completa di tutte le posizioni, con volumi di ricerca e punteggio per ciascun paese, sono disponibili alla pagina www.holidu.it/casa-vacanze/europa#eurovision-mania.

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Nell’immagine in apertura, il palco dell’Eurovision Song Contest 2023, alla Liverpool Arena.

Dall’eleganza timeless della stilista Raffaella Curiel all’arte orafa del maestro Gerardo Sacco, passando per la couture sostenibile del designer Tiziano Guardini: al Palacultura di Messina è andata in scena la prima edizione del ME Fashion Award, il premio dedicato ai big della moda italiana, ai nuovi talenti e ai messinesi famosi nel mondo. Un riconoscimento che vuole valorizzare non solo la moda, ma anche l’artigianalità e il saper fare italiano. L’iniziativa è ideata e organizzata da Patrizia Casale, owner di E-Motion, la società che da vent’anni organizza e promuove eventi fashion nella città dello Stretto: un progetto ambizioso, realizzato con il sostegno del Comune e della Camera di Commercio di Messina, di Confartigianato e Sicindustria e con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana.

I new talent della moda tricolore premiati a Messina

Per due giorni il Palacultura messinese è stato l’headquarter dell’intera manifestazione, che ha alternato momenti social, sfilate e talk con le personalità della moda e della cultura coinvolte e premiate. Per il settore fashion hanno ricevuto l’ambito premio 23é, brand siciliano di accessori eco-sostenibili creato da Deborah Correnti e Mirco Marchetti; De Santis By Martin Alvarez, maison milanese di prêt-à-porter le cui straordinarie declinazioni di colore richiamano a una femminilità contemporanea e ricercata, che riscuote vasti consensi anche negli Stati Uniti.

E ancora, tra i premiati, Gianluca Alibrando, couturier siciliano tra i più acclamati nei red carpet internazionali, Mauro Scalia, artefice dei total look di famose pop star e Pescepazzo, marchio di borse che fa capo a Laura Mendolia, classe 1992, che nel 2018 ha lanciato la sua linea prendendo spunto dal nome di una filastrocca che l’amata nonna Cettina, pittrice e fotografa subacquea di grande talento, le recitava quand’era bambina.

Il ritorno di Gerardo Sacco e Raffaella Curiel, il riconoscimento al designer “green” Tiziano Guardini

Cameo della serata, il ritorno del gioielliere Gerardo Sacco e della stilista Raffaella Curiel, che a circa trent’anni anni dallo storico défilé di Donna sotto le stelle sulla scalinata di piazza di Spagna a Roma, hanno sfilato insieme. Dodici i look che si sono alternati in passerella, arricchiti con i gioielli ispirati alla mitologia della Magna Grecia del maestro crotonese, illustre firma dell’arte orafa italiana.
Tra i vincitori dell’award anche Tiziano Guardini, giovane designer romano che fa della sostenibilità la sua filosofia, utilizzando materiali non convenzionali come gli aghi di pino o le cortecce degli alberi, trasformati in capi sartoriali per diventare sogni da indossare, fino alla “seta non violenta”, ottenuta tramite un meticoloso procedimento di lavorazione che rinuncia a bollire il bozzolo del baco, per ricavare il filato solo in seguito alla metamorfosi del bruco in farfalla. Guardini è uno dei nomi più importanti del panorama fashion sostenibile: è stato il primo ad aggiudicarsi, nel 2017, il premio Franca Sozzani Award For Best Emerging Designer.

Una rassegna che coniuga ambizione globale e attenzione alle eccellenze “locali”

Nel coté culturale della manifestazione è stata rilevante la presenza del Museo Del Costume della Moda Siciliana di Mirto, insieme a quella di Chiara Trombetta, giornalista professionista specializzata nella creazione di progetti editoriali, eventi e strategie digitali per le aziende che, dal 2022, dirige la Business Unit Media and Events di StartupItalia.
Sono saliti sul palco anche Aldo Sacchetti, illustratore per diverse maison del lusso, e Zive, tra i più noti esponenti della street art.

Hanno condotto la prima edizione del ME Fashion Award la giornalista Marika Micalizzi e il ballerino e coreografo Davide Telleri, presentatori di un progetto che vuol essere un contenitore di idee e luogo ideale d’incontro, un ponte fra generazioni diverse, un evento di promozione del made in Italy con un’ambizione globale ma una visione e attenzione “locali”.

Nell’immagine in apertura, un’immagina della prima edizione del ME Fashion Award

Andrà in onda dal 5 maggio, su Sky, la seconda stagione di A casa tutti bene di Gabriele Muccino, titolo rivelazione del 2022, che non a caso si era aggiudicato il Nastro d’argento come miglior serie dell’anno. Reboot del film eponimo, campione d’incassi nel 2018, progetto televisivo d’esordio di uno dei registi più noti e premiati della scena italiana – e non solo, prodotto da Sky Studios e Andrea e Raffaella Leone per Lotus Production, il serial torna a raccontare le vicende – a dir poco tormentate – dei Ristuccia, al centro di otto episodi che, a detta dello stesso Muccino, mostreranno «l’evoluzione di tutti gli errori commessi dai personaggi fino ad ora».

A casa tutti bene può vantare un cast d’eccezione, riconfermato pressoché in toto, da Laura Morante a Francesco Scianna, da Silvia D’Amico a Mariana Falace, che interpreta Regina, amante di Diego (alias Antonio Folletto), uno dei membri della “complicata” famiglia al centro della storia.
Classe 1994, nata a Castellammare di Stabia, Falace si è trasferita a Roma nel 2018 per studiare recitazione all’Accademia Duse International, fondata da Francesca De Sapio; il coronamento di un sogno, per la giovane interprete campana, attratta dalla recitazione fin da quando aveva solo sei anni e, in compagnia del nonno, assisté alla prima di una pièce shakespeariana al Theatre Royal Drury Lane, a Londra.

Da Verdone a Muccino, una carriera in rapida ascesa

Talentuosa e determinata, l’attrice è stata scritturata nel 2019 da Carlo Verdone per il ruolo della figlia del protagonista della sua commedia Si vive una volta sola, uscita nel 2021, in cui ha condiviso il set, oltre a Verdone, con Anna Foglietta, Rocco Papaleo e Max Tortora.

Nel 2020, quindi, è arrivato il ruolo principale, al fianco di Francesco Scianna, nel corto di Muccino Open your eyes, presentato durante la 15esima edizione della Festa del Cinema di Roma. Un anno dopo, proprio l’acclamato autore de L’ultimo bacio e Sette anime l’ha voluta nel titolo con cui si è affacciato alla serialità. Sempre nel 2021, un altro progetto di prim’ordine, È stata la mano di Dio di Sorrentino.
Ora gli episodi inediti di A casa tutti bene, nei quali la “sua” Regina sarà, ancora una volta, uno dei personaggi chiave della saga della famiglia Ristuccia.

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Mariana Falace (ph. Andrea Ciccalè)

AW LAB introduce un nuovo format dedicato ai nuovi talenti della musica italiana e spagnola

La prima edizione riporta le performance live all’interno degli store AW LAB dove i giovani aspiranti artisti avranno l’opportunità di esibirsi dal vivo e davanti ad un pubblico di appassionati di musica. Il contest ha l’obiettivo di scoprire una selezione dei nuovi protagonisti della scena musicale di Italia e Spagna. Saranno infatti coinvolte le città di Milano, Napoli, Barcellona e Madrid. 

PLAY WITH MUSIC conta sulla partecipazione in qualità di ambassador di artisti quali, Colla Zio, Yung Snapp, Cora Novoa e Kyne. Saranno loro a condurre le quattro tappe in store, animando gli eventi con performance live e supportando gli artisti in gara.

Quale sarà il premio e come partecipare

I due vincitori delle quattro tappe avranno la possibilità di esibirsi sul palco di due dei più importanti festival europei come il Sequoie Music Park di Bologna dove condivideranno il palco con artisti del calibro di MR.RAIN, Tananai, James Bay, Carmen Consoli, Articolo 31, e il Cruilla Festival di Barcellona dove si esibiranno, tra gli altri, Alt-J e Moderat.

Si potrà partecipare al contest caricando un proprio videoclip tra il 17 aprile e il 5 maggio sul sito di AW LAB. La call to action sarà proposta anche da Spotify, media partner ufficiale di PLAY WITH MUSIC. 

Gli appuntamenti per le esibizioni

PLAY WITH MUSIC è un progetto nato in collaborazione con adidas Originals, Puma, Reebok Converse e New Era che durante gli eventi saranno presenti nei touchpoint di AW LAB. Gli appuntamenti per le esibizioni in store sono: Milano 18 Maggio, Napoli 25 Maggio, Barcellona 6 Giugno, Madrid 8 Giugno. Scopri come partecipare QUI .

La rilevanza, nella scena della moda contemporanea, di concetti quali riciclo, upcycling, tracciabilità, circolarità delle materie prime e altre pratiche legate alla sostenibilità, è – per fortuna – un dato di fatto incontrovertibile, al centro dei discorsi di aziende, istituzioni, addetti ai lavori e consumatori. Affinché tali precetti non restino però intenzioni lodevoli o poco più, utili ai fini dei famigerato greenwashing ma ben poco funzionali a un reale cambiamento dello status quo che, nei decenni, ha reso il fashion uno degli ambiti più inquinanti in assoluto, è fondamentale che proprio il pubblico abbia la possibilità di conoscere in maniera approfondita determinate tematiche, di tastarne con mano processi, obiettivi, risultati.

Va esattamente in questa direzione FashRev_Mrkt, mercato urbano promosso da Fashion Revolution Italia che riunisce, in un unico spazio, quei brand che, attraverso le loro collezioni, si fanno portavoce dei valori e dei principi, etici e produttivi, perseguiti dalla ONG fondata da Orsola de Castro e Carry Sommers nel 2013, dopo la tragedia di Rana Plaza, in Bangladesh, nella quale morirono 1138 persone, tutte impiegate – o, per meglio dire, sfruttate – nel settore tessile.
A ospitarlo saranno gli spazi della Fondazione Sozzani, in via Tazzoli 3 (Milano), pronta ad accogliere i visitatori dalle 11 alle 19.30 di venerdì 21 e sabato 22 aprile.

Commentando l’iniziativa, la country coordinator e presidente di Fashion Revolution Italia, Marina Spadafora, sottolinea come la Fashion Revolution Week che si appresta a cominciare sia «speciale per noi, ricorre infatti nel decimo anniversario del crollo del Rana Plaza. A distanza di dieci anni ci siamo chiesti cosa è cambiato e, per trovare una risposta, con FashRev_Mrkt abbiamo voluto dare spazio a marchi positivi ed etici, nati per evitare che tragedie come quella possano ripetersi».

I brand presenti e il programma del mercato urban di Fashion Revolution Italia

Il mercato sui generis organizzato dalla ONG rappresenta, dunque, la cornice ideale per il lavoro di una serie eterogenea di designer e label, selezionate col contributo della piattaforma Must Had e accomunate dalla consapevolezza del fatto che, nella moda odierna, non debba esserci spazio per ingiustize sociali, sprechi, uso di materiali o tecniche inquinanti e altre procedure che, oltre ad essere moralmente riprovevoli, attentano alla salute (sempre più compromessa) della Terra; tra di loro, Endelea, Farma 282, Cantoprimo, TMMT, W. Camice, Kechic, PECORANERA, SALAD, Sunvitale Studio, TOOLS, Vuschichè e Close the Loop, solo per fare qualche nome.

Durante la serata inaugurale della kermesse, giovedì 20 aprile, è prevista – alle 19 – la proiezione di un episodio di Junk, docuserie co-prodotta da Will e Sky Italia che racconta l’impatto (devastante) della cosiddetta fast fashion su ambiente e persone, concentrandosi proprio sulle storie e immagini di chi, quotidianamente, ne subisce gli effetti deleteri. A seguire, Marina Spadafora ricapitolerà i passi avanti compiuti dall’organizzazione che presiede negli ultimi due lustri e presenterà la campagna Good Clothes Fair Pay, un’iniziativa lanciata a livello comunitario nel 2022, per chiedere al Parlamento Europeo una legge a tutela del pagamento di stipendi dignitosi per tutti i lavoratori dell’industria dell’abbigliamento; perché, oggi più che mai, la salute del Pianeta passa anche e soprattutto da quella delle persone che lo abitano.

Nell’immagine in apertura, foto di una campagna promossa da Fashion Revolution Italia

Nell’abbondanza di settimane della moda, ormai sparse in tutto il mondo, si pone la questione sul senso e i benefici di questi eventi, legata all’aggiunta di ulteriori luoghi sulla mappa internazionale del fashion. Nel caso della Taipei Fashion Week, ad esempio, il pubblico specializzato potrebbe chiedersi perché l’opening show della manifestazione si sia tenuto a Tainan invece che nella principale città dell’isola.
In tutto questo, c’è di sicuro un innegabile vantaggio economico da parte delle strutture regionali, che riguarda specificamente la creazione di nuovi posti di lavoro, necessari per allestire una settimana della moda, oppure i ricavi aggiuntivi di cui beneficiano il settore della gastronomia e quello dell’hôtellerie. Bisogna poi aggiungere, ovviamente, che i designer partecipanti vogliono dimostrare ciò che sanno e possono fare.

Come visitatore, tuttavia, c’è una motivazione davvero forte alla base del viaggio, che per alcuni può essere molto lungo: un’ospitalità senza fine! In alcuni frangenti della fashion week taiwanese ci possono essere lievi barriere linguistiche, anche solo per registrarsi a una sfilata, ma una volta superati piccoli ostacoli del genere si può assistere a un benvenuto decisamente caloroso, raro in altre kermesse della moda.

Una location d’eccezione per l’apertura della rassegna

La Taipei Fashion Week, avviata solamente sei anni fa, si è sempre data il compito di stabilire un dialogo tra performance tradizionale, artigianato e moda. Secondo i responsabili, da ben 360 anni le persone si recano al tempio Nankunshen Daitian per esprimere i loro desideri, e Tainan è anche nota per un patrimonio artigianale di lungo corso. Era quindi chiaro che l’apertura della fashion week avrebbe dovuto avere luogo all’altro capo dell’isola, a Tainan. Circa due terzi degli ospiti, in viaggio da Taipei, si sono adeguati a quest’indicazione, che ricorda in qualche modo il Festival di Hyères, in cui gli addetti ai lavori compiono un pellegrinaggio speciale nel sud della Francia.
Lo show d’apertura, tenutosi per la prima volta al tempio Nankunshen Daitian di Tainan il 22 marzo, è visto come un complemento dei défilé ospitati nella sede principale della rassegna, il Songshan Culture and Creative Park di Taipei.

Obiettivi e valori della Taipei Fashion Week F/W 2023-24

Per la stagione Fall/Winter 2023-24, la Taipei Fashion Week include una sfilata di moda sostenibile, 12 di singoli brand (tra cui lo show New Breed, con tre giovani, talentuosi designer) e tre interscolastiche, riservate agli studenti di sette scuole specializzate.

Secondo i promotori di questo grande evento fashion, i cinque pilastri della TFW sono sostenibilità, funzionalità, diversità, “crossover” di stile, umanità. Lo scopo è mettere l’artigianato tradizionale taiwanese in primo piano, avvicinandosi così all’obiettivo di diventare la quarta settimana della moda per importanza nella regione asiatica. Le probabilità di riuscita, in questo senso, sembrano buone, e i feedback dei partecipanti lo confermano. Gli organizzatori, inoltre, si propongono di far incontrare l’industria tessile e gli stilisti emergenti, così da passare da un affascinante abbigliamento funzionale a un abbigliamento up to date.
Durante la sfilata inaugurale, diventa chiaro che il piano sta funzionando: una craftsmanship eccezionale, tramandata di generazione in generazione, ed elementi fashion squisitamente contemporanei si uniscono in collezioni uniche nel loro genere. La mise en scène delle passerelle incorpora performance artistiche, savoir-faire artigianale e moda, tra musica classica, opera tradizionale e teatro d’ombre, soluzioni ricorrenti nelle presentazioni dei 70 look firmati da sette label (TANGTSUNGCHIEN, Just In XX, BOB Jian, C JEAN, Gioia Pan, WEI TZU-YUAN e YENLINE).

Lo spettacolo dello show d’apertura

Oltre ai fuochi d’artificio, per dare il via alla serata sul tempio vengono proiettati il fashion film e il video promozionale F/W 2023-24 del regista Zhun Zhang e di Yingting He, maestro dell’obiettivo. È il loro primo tentativo di combinare il tradizionale video culturale e l’intelligenza artificiale (Deforum Stable Diffusion), per dare alle immagini una texture a mo’ di dipinto astratto, completando i raffinati movimenti degli artisti reclutati, aggiungendo così un livello ulteriore all’effetto visivo d’insieme. Stando alle loro parole, hanno seguito Joanne Chih-Chiao Tseng da una prospettiva in terza persona di cambiamento, integrazione e connessione, unendo memoria culturale e moda contemporanea per realizzare un look completamente nuovo.
Inoltre, per aiutare i brand ad espandersi sia nel mercato regionale che in quello estero, per questa stagione è stato lanciato il Taipei Fashion Week Shop, nel SOGO Department Store Fuxin Branch, che vende oltre 40 marchi di stilisti provenienti da diversi settori.

La Taipei Fashion Week si svolge dal 22 marzo al 9 aprile, con le principali attività concentrate nei giorni dal 24 al 29 marzo, presso il Songshan Cultural and Creative Park.

Nell’immagine in apertura, un momento dello show inaugurale della Taipei Fashion Week F/W 2023-24

Dal 1964, anno di fondazione dell’azienda a Westbrook, nel Maine, Sebago è sinonimo di preppy, l’abbigliamento caratteristico degli universitari dell’Ivy League americana, un’estetica collegiale “elevata”, sofisticata e dégagé in egual misura, che nel tempo ha sedotto schiere di studenti – e non solo – ai quattro angoli del mondo, ammaliati dai capi e accessori del marchio, a cominciare dai mitici penny loafer, i mocassini con mascherina dall’appeal raffinato, e dalle scarpe da barca Docksides, con suola in gomma antiscivolo.

Ora, dopo aver rivoluzionato il mondo fashion con proposte outdoor e indoor divenute emblemi dell’estetica habillé della casa, frutto di lavorazioni rigorosamente artigianali e di una cura minuziosa dei dettagli, che rendono unico ogni articolo, il brand a stelle e strisce, per la stagione primavera/estate 2023, arricchisce il proprio vocabolario di stile con un nuovo lemma, fedele – of course – ai valori che ne hanno decretato il successo internazionale.
Si tratta della linea Sebago Sunglasses, una collezione di occhialeria unica nel suo genere, legata a doppio filo con l’heritage della griffe americana. Ogni occhiale, infatti, richiama sia nel nome che nel design i mocassini sopracitati, simbolo di un’eleganza timeless che ha conquistato fan ad ogni latitudine, contaminando outfit e abitudini vestimentarie disparate.

Quattro montature dal gusto classy, simbolo di un’eleganza senza tempo

Sono quattro, in particolare, i modelli intorno ai quali è imperniato il debutto nell’eyewear, che si candidano già a diventare iconici: innanzitutto Joe, occhiale dalla linea panto (ossia over e smussata) lievemente squadrata; poi Portland, che si distingue per i volumi stondati e l’ampio ponte a chiave; Paul, modello rettangolare dalla silhouette cat-eye; infine Dan, panto “canonici” che si adattano facilmente a qualsiasi forma del viso.
Quattro sunglasses dal gusto clean, classico, cui i materiali di pregio che hanno sancito la fortuna del brand danno il necessario twist. Trasparenti, nere o tartarugate, declinate in varianti opache o lucide, le montature sono proposte in diverse cromie, in nuance con la calzatura cui fanno riferimento; ad accomunarle – e contrassegnarle – è però il logo “penny loafer”, riprodotto sulle cerniere, e il design delle aste, ispirato all’inconfondibile suola moc delle scarpe.

Ogni paio è accompagnato da un packaging esclusivo in pelle, marchiato Sebago e completo di panno pulente in microfibra, su cui è impressa la storia della label. Un tributo a tutti gli effetti, che vuole celebrare a dovere l’importanza di quelle peculiarità stilistiche che hanno cambiato – e continuano a farlo – i codici tradizionali del ready-to-wear. L’eyewear Sebago, dunque, rielabora con brio l’estetica preppy, arricchendola con mille spunti per abbinamenti e total look. Una linea di occhialeria che ha riscosso consensi fin dalla presentazione ufficiale della collezione, lo scorso febbraio, quant’è stata svelata nella cornice d’eccezione del MIDO Eyewear Show di Milano, principale evento internazionale dedicato all’eyewear, visitato quest’anno da oltre 52.000 presenze e più di 1.200 espositori da tutto il mondo.

Dal 15 marzo è disponibile, su tutte le piattaforme digitali, la seconda “incursione” del duo musicale Colapesce Dimartino nel mondo – in continua, rapidissima espansione – dei podcast. Bis!, questo il titolo, si presenta come la seconda stagione (o sequel che dir si voglia) della trasmissione radio di debutto, Big! (Storia leggerissima di qualcosa che non rifaremo), e documenta l’atteso ritorno al Festival sanremese, dopo l’exploit nel 2021 con Musica leggerissima, di Lorenzo Urciulli e Antonio Dimartino (questi i veri nomi dei due artisti siciliani).

Scritto e prodotto da Marco Rip e Giacomo De Poli per Dopcast e LifeGate Radio, Bis! Colapesce e Dimartino a Sanremo riparte dal desiderio di seguire passo per passo il loro secondo festival, portando l’ascoltatore dietro le quinte della rassegna musicale italiana per eccellenza, per certi versi una prima volta (bisogna infatti considerare che il debutto all’Ariston, nel 2021, era avvenuto nel pieno del lockdown, senza il pubblico in sala, durante un’edizione atipica sotto tutti i punti di vista), documentando, attraverso un format assai inusuale, la settimana più frenetica della canzone italica.

Un documentario “parlato”, che racconta in presa diretta il festival musicale italiano per antonomasia

Il nuovo podcast aggiunge capitoli inediti al precedente racconto e, in generale, alla storia di Colapesce Dimartino, musicisti tra i più ricercati e importanti della scena italiana dell’ultimo decennio, desiderosi – e capaci – di rimettersi sempre in gioco, anteponendo a tutto la loro poetica.
Rispetto a Big!, registrato quasi del tutto da remoto attraverso messaggi vocali, lunghe chiacchierate a distanza e qualche scena catturate dall’entourage, Bis! può definirsi un autentico documentario, realizzato in presa diretta nei vari ambienti del Festival. Una produzione sfaccettata e rigorosamente “sul campo”, in grado di districarsi tra situazioni e contesti completamente diversi, nonché di alternare un punto di vista oggettivo, di testimonianza diretta a momenti introspettivi e altri di pura vivacità. Il risultato appare come un “film sonoro” unico nel suo genere, immersivo, che ci trasposta a fianco dei protagonisti, facendoci rivivere la quotidianità e l’atmosfera del backstage sanremese.

Un next chapter che segue il grande successo di Big!, incluso due anni fa da Apple tra i migliori podcast, piazzatosi al secondo posto nella classifica di quelli più ascoltati su Spotify, infine candidato agli Oscar italiani della categoria come miglior podcast audio-documentario.
Colapesce Dimartino, invece, non hanno ormai più bisogno di presentazioni. Alla 73esima edizione della kermesse canora hanno presentato il singolo Splash, già certificato disco d’oro, con cui hanno vinto sia il Premio della critica Mia Martini che quello della sala stampa Lucio Dalla. Dopo il bis a Sanremo, il duo sarà impegnato nel Club Tour 2023, in partenza a novembre 2023, che li porterà (durante le prime tappe) all’Estragon di Bologna, alla Casa della Musica di Napoli, all’Atlantico di Roma, alla Venaria Reale e al Teatro della Concordia (Torino) e all’Alcatraz milanese, rispettivamente il 23, 30 novembre, 1, 4 e 5 dicembre.

Nell’immagine in apertura, Colapesce Dimartino fotografati da Chiara Mirelli

Da esattamente un anno, a Milano, nel centralissimo corso Buenois Aires (arteria principale del vivace quartiere di Porta Venezia), opera un centro medico estetico che ha fatto dell’avanguardia, della costante innovazione la propria ragion d’essere, emergendo da subito nel variegato panorama cittadino che ruota intorno al benessere, alla cura di sé. Beauty Formula, questo il suo nome, si distingue perché riunisce, nella medesima struttura, medici chirurgi estetici e professionisti del settore altamente qualificati, riconosciuti per l’elevata competenza nelle rispettive discipline, in grado di fornire ai pazienti un approccio sui generis, multidisciplinare, imperniato sull’ascolto – e la conseguente soddisfazione – dei loro bisogni.

Trattamenti innovativi, tagliati su misura per le specifiche esigenze di ciascun cliente

A rendere unica nel suo genere la clinica è la metodologia ultra-innovativa, che sfrutta le apparecchiature più recenti e sofisticate. Un’expertise al servizio dei clienti, con i quali s’instaura un fondamentale rapporto di ascolto e cura delle specifiche necessità, per seguirli in ogni fase del trattamento.

Il focus, da Beauty Formula, è sui trattamenti di medicina estetica non invasiva, cioè quelli specificamente pensati per la cura di viso e corpo, per il ringiovanimento, per il rimodellamento e la prevenzione dei segni del tempo. Nell’ampia varietà di servizi offerti, quello di punta è rappresentato senz’altro da Thermage FLX, terapia avanguardistica mirata a ringiovanire il volto, da eseguire in una sola seduta poiché rilascia energia controllata tra i 58 e 63 gradi, con risultati che si mantengono a distanza di anni.

Durante il trattamento (che può associarsi a una blanda sedazione, per rilassarsi e godere della massima tranquillità) vengono inviati degli impulsi, subito avvertiti dal paziente, che percepisce per una frazione di secondo una profonda sensazione di calore, preceduta e seguita (e dunque smorzata all’istante) dal raffreddamento a spruzzo, per ridurre al minimo il fastidio. 
Senza interventi chirurgici né iniezioni, Thermage FLX permette di levigare la cute, distendendola, modellandola e facendola risplendere, così da rinvigorire contorno e profili del viso, rinnovando il collagene naturalmente presente nel derma, che in questo modo non è scalfito da incisioni o punti di sutura.

Ricerca e ascolto al servizio del benessere esteriore, per far risplendere anche quello interiore

Il claim del centro sintetizza, in maniera efficace, la sua filosofia, ossia “valorizzare la bellezza naturale di tutte le persone, per migliorarne l’aspetto in modo che si sentano in armonia con se stessi”; una vera e propria ode al benessere esteriore, che non può non impattare positivamente su quello interiore, equilibrando alla perfezione le due dimensioni – inscindibili – della bellezza, corpo e spirito.

Ogni trattamento e protocollo applicato da Beauty Formula si configura come un processo a più tappe, incardinato rigorosamente sulla scienza e il pensiero alla base del suo operato. Il minimo comun denominatore? La volontà di migliorare aspetto e qualità della pelle, minimizzare i segni dell’invecchiamento cutaneo, correggere gli inestetismi, il tutto preservando l’armoniosità dei lineamenti e la naturalezza – e assoluta sicurezza – delle procedure.

Nell’immagine in apertura, una foto del centro medico estetico Beauty Formula, a Milano

Bologna la dotta, Bologna la rossa, Bologna la grassa, Bologna la turrita… Per il capoluogo dell’Emilia Romagna, un concentrato di arte, cultura, eccellenze enogastronomiche, fermenti giovanili – e non solo – che teme ben pochi confronti, gli aggettivi si sprecano. Per godersi appieno il soggiorno nella città felsinea, appoggiandosi a un albergo di grande prestigio e appeal, una soluzione ottimale è rappresentata dall’hotel NH Bologna de la Gare, che – come suggerisce il nome – sorge a pochi passi dalla stazione ferroviaria, nella centralissima piazza XX settembre. Una posizione strategica, poiché consente di raggiungere, con una piacevole passeggiata, i principali monumenti e luoghi d’interesse bolognesi, dalla celeberrima piazza Maggiore, dove svetta l’imponente mole gotica della basilica di San Petronio, alle due torri simbolo Garisenda e degli Asinelli (distanti appena una quindicina di minuti a piedi), che ne dominano e caratterizzano lo skyline, senza contare i vari locali e store che affollano il centro.

Un indirizzo raffinato, pensato per soddisfare le esigenze più diverse, dal meeting al soggiorno romantico

L’hotel conta 156 camere, tutte dal raffinato stile classico, all’insegna del comfort assoluto. Quelle superior, in particolare, risultano assai spaziose, mentre le room per famiglie sono perfette per chi viaggia con i bambini. All’ultimo piano dell’edificio, sette Junior suite e due suite, oltre a tutti gli atout del caso (dai salottini privati alla Technogym Bike disponibile 24 ore su 24), garantiscono una vista impagabile su Bologna.

NH Bologna de la Gare, poi, offre la possibilità di ospitare qualsiasi evento, potendo contare su sette sale riunioni, la cui capienza può superare le duecento persone; spazi ideali per organizzare meeting lavorativi o convention, dotati di ogni attrezzatura, dai videoproiettori ai fogli mobili; lato catering, invece, la struttura mette a disposizione degli ospiti stuzzichini gourmet, bevande o pietanze più elaborate, disponibili nel ristorante Amarcord.

Quest’ultimo costituisce l’ennesimo fiore all’occhiello dell’indirizzo bolognese della catena, un locale moderno, contemporaneo, dagli arredi eleganti e ricercati, in cui proposte d’avanguardia e capisaldi della cucina tradizionale, come la pasta fatta – rigorosamente – in casa convivono in armonia, esaltati dall’atmosfera soffusa, ricercata; qualità che ne fanno un autentico place to be, dove ritrovarsi per qualsiasi occasione, dal pranzo di lavoro alla cena intima.

L’offerta gourmet dell’hotel, dal ristorante di design al rooftop bar estivo

Per chi preferisca drink e pietanze più “easy”, ecco poi il raffinato lobby bar interno, aperto tutti i giorni dalle 10 a mezzanotte, che accoglie gli avventori con le sue linee minimal, l’arredamento in stile contemporary chic, le cromie neutre, che contribuiscono a definire il tono rilassato e raccolto dell’ambiente, inondato di luce naturale grazie alle ampie finestre che corrono sui lati. Nella carta, oltre alla lista dei cocktail, una ricca selezione di rum e grappe, senza dimenticare le ghiottonerie assortite del menù, nel caso ci si voglia concedere uno stuzzichino.

Durante la bella stagione, inoltre, gli ospiti possono beneficiare di un’ulteriore “chicca”, lo scenografico Sky Bar 507, situato sulla terrazza della suite 507, appunto; un “temporary summer bar” dove rilassarsi al tramonto, godendosi la vista formidabile sulla città mentre, magari, si sorseggia un drink accompagnato da qualche snack. Aperto fino al 20 settembre tutti i giorni, dalle 18 alle 21, è il luogo d’elezione per cominciare una serata bolognese nel miglior modo possibile.

NH Bologna de la Gare

Piazza XX Settembre, 2, 40121 Bologna Italia

Tel: +39 051 281611

[email protected]

www.nh-hotels.it/hotel/nh-bologna-de-la-gare

Nell’immagine in apertura, lo Sky Bar 507, sul rooftop dell’hotel NH Bologna de la Gare (ph. courtesy of NH Hotel Group)

L’azienda Velier, da oltre 60 anni è uno dei principali distributori di liquori e distillati in tutta Italia.Tra questi, Glenfiddich ha annunciato il lancio della collezione Time Reimagined, una straordinaria collezione di eccezionali single malt whiskies invecchiati rappresenta l’espressione definitiva del tempo ed è l’apice dello stile caratteristico della distilleria Glenfiddich.

Ognuno è modellato dal costante trascorrere del tempo ed è presentato in una confezione unica, espressione di una artigianalità su misura. La collezione Time Reimagined consiste di tre straordinari single malt whiskies ognuno dei quali cattura un momento nel tempo. Questi whiskies sono invecchiati per molti decenni sviluppando una ricchezza ed una profondità aromatica che raramente può essere trovata. Il più raro all’interno di questa collezione altamente ricercata è il 50YO; una sbalorditiva rappresentazione del Tempo Simultaneo, che esplora le condizioni e gli effetti paralleli e complessi che hanno influenzato questo liquido raffinato. Il 40 Year Old rappresenta il Tempo Cumulativo, portando attenzione alle stratificazioni di aromi all’interno del suo liquido rese possibili dal processo di assemblaggio delle rimanenze, sperimentato per primo da Glenfiddich, dove alcune single botti vengono selezionate e unite con il precedente assemblaggio di 40 YO. A completare la collezione un 30 Year Old, che incarna il concetto di Tempo Sospeso, il momento in cui il Malt Master sospende l’invecchiamento del whisky, mostrando la più pura espressione del carattere della distilleria.

Dal 1960, solo tre Malt Masters sono stati al timone, supervisionando il paziente sviluppo di queste botti rare e preziose. Diversi decenni più tardi, questi single malts hanno raggiunto l’apice della loro maturità ed ora sono pronti per essere imbottigliati.

Lo straordinario packaging esterno creato per tutti e tre i whisky, destruttura visivamente e porta orgogliosamente in vita queste articolazioni del tempo in una forma spettacolare, raccontando la loro storia attraverso tecniche di design anticonformiste e dirompenti. Il perfetto contrappunto a questi whiskies che sono rimasti a maturare tranquillamente ed evolvere nello Speyside in Scozia, per decenni.

Una piccola (come da nome) boutique gourmet, pensata per soddisfare le esigenze dei foodie più smaliziati come dei “semplici” avventori che si ritrovino per caso a passare davanti alla sua vetrina; si potrebbe definire così Il Piccolo Lab, laboratorio di pasticceria dolce e salata in via Presolana, a Porta Romana, uno dei quartieri più dinamici e, al tempo stesso, eleganti di Milano. Un indirizzo consacrato alla golosità, dove tutto, dagli spazi agli allestimenti, fino alle proposte gastronomiche, intende trasmettere una sensazione di intimità, di (sofisticata) rilassatezza, come da volontà della titolare, Federica Gaboardi, che nel dicembre 2019 ha deciso di inseguire il suo sogno, un locale tutto suo nel cuore della metropoli lombarda.

Un indirizzo consacrato alle proposte gourmet, dolci e salate

Il suo percorso, professionale e di vita, l’ha portata a laurearsi in marketing, per decidere poi di assecondare la passione più grande, quella per la pasticceria, appunto, lavorando nelle cucine di Bulgari e collaborando coi migliori ristoranti di Barcellona, a cominciare da Espai Sucre, autentico tempio catalano del dessert, che vanta una carta composta esclusivamente da torte, sorbetti, gelati e affini.
Completata la sua formazione, decide di tornare in Italia e intraprendere un percorso in solitaria, aprendo il Piccolo Lab, con cui realizza menù ricercati per i catering in ufficio, le produzioni media, eventi e feste varie, nonché proposte su misura per chiunque desideri festeggiare a casa, ma seguito da una private chef d’eccezione.

Federica segue in prima persona, minuziosamente, l’intero processo di preparazione delle pietanze, dalla scelta degli ingredienti (rispettosi, il più possibile, del ciclo naturale delle stagioni) alle portate finali con cui deliziare il palato dei clienti. Le brioche del locale, dolci o salati, risultano ad esempio immancabilmente soffici e fragranti, preparate esclusivamente con burro francese.

Un laboratorio piccolo nelle dimensioni, ma animato da un’esperienza e una passione gigantesche, messe al servizio di un solo obiettivo, accompagnare il cliente in un’esperienza culinaria completa, dall’antipasto al dolce, che pur esaltando il gusto sposa i precetti del mangiar sano.

Nell’immagine in apertura, una torta esposta nella vetrina de Il Piccolo Lab

Dallo scorso venerdì è disponibile, in formato fisico e su tutte le piattaforme online, il nuovo disco – il secondo prodotto dall’etichetta personale Ultimo Records – di Ultimo, Alba.
Il nuovo progetto discografico di Niccolò Moriconi (questo il vero nome del cantautore romano) è il risultato di un anno intero di viaggi, leva indispensabile per comporre brani come Vieni nel mio cuore, scritto a Los Angeles, o Ti va di stare bene, realizzato durante la sua permanenza a Londra. Senza dimenticare la canzone che dà il titolo all’album, che ha ottenuto riscontri lusinghieri al 73esimo Festival di Sanremo, dove Ultimo si è classificato quarto, e solo nell’ultima settimana ha conquistato la Top 10 su Apple Music, Spotify e Amazon Music, raggiungendo 6.3 milioni di stream sulle piattaforme; su TikTok, poi, risulta essere la quinta hit di maggior popolarità.

Un album che rappresenta un nuovo inizio cui ambire, ché «tutti abbiamo un’alba dentro, basta guardare»

Quella di Alba, sostiene l’artista, è una nuova luce, che rappresenta simbolicamente uno squarcio nelle atmosfere decisamente più cupe del quarto disco Solo, uscito nel 2021, certificato triplo Disco di platino. Alba è infatti rinascita, è guardarsi dentro e voler ricominciare, un nuovo inizio cui ognuno può ambire, perché «tutti abbiamo un’alba dentro, basta solo guardare». La canzone, spiega Moriconi, «disegna una connessione con la parte più nascosta di me. Quella parte che tutti abbiamo ma che, purtroppo, tendiamo a perdere di vista. È una lettera per chiunque voglia guardarsi dentro e provare a ricominciare. È rivolta all’essere umano, alle sue fragilità, al bisogno che sente di superare i suoi limiti».

La tracklist comprende però diversi altri titoli, da Tornare a te («tra le mie preferite. È la fotografia della malinconia, spiegata con frasi quasi “spruzzate”, in un vero e proprio flusso di coscienza», puntualizza) ad Amare («la canzone d’amore per eccellenza. Un amore che va a gonfie vele, un amore che esprime salvezza»), da Tu («molto legato al sound R&B più melodico. In un attimo mi ritrovo a una cena a lume di candela, a New York») a Vivo per vivere, un «brano “fresco”. C’è una frase che mi rappresenta appieno: “resta con me, mentre cammino da solo”».

Molta dell’energia riversata da Ultimo nel suo nuovo lavoro deriva dai palchi – regolarmente sold-out – degli stadi calcati durante la scorsa estate, nonché dalla carica in vista di quelli che lo aspettano nel corso dell’anno col tour La Favola Continua…, che prenderà il via allo stadio Teghil di Lignano Sabbiadoro il 1° luglio, farà tappa a Roma, allo stadio Olimpico, per due date (7-8 luglio) da tutto esaurito, e chiuderà in bellezza a San Siro, a Milano, il 17 e 18 luglio.

I live rimangono, quindi, il principale motore del cantante, una spinta indispensabile per realizzare musica. Guarda proprio agli stadi anche il sound di Alba, più ricercato e consapevole, a testimoniare la maturazione di un artista che, a soli 27 anni, vanta già 56 Dischi di platino e 18 d’oro.

Nell’immagine in apertura, Ultimo fotografato da Giulia Parmigiani

Fresco di partecipazione all’ultimo Festival di Sanremo, dove ha presentato il brano Stupido, Will (nome d’arte di William Busetti, cantautore 23enne originario di Vittorio Veneto) è determinato a intraprendere una nuova fase del suo percorso di crescita, creativa e umana. Lo certifica l’uscita, qualche giorno fa, del suo primo album Manchester, disponibile sia in formato fisico (cd e lp, anche in versione autografata, in esclusiva nello store Universal Music) che digitale, pubblicato dall’etichetta Capitol Records (Univesal Music Italy); oltre alla canzone sanremese, di fatto un’anticipazione del progetto, contiene altre 15 tracce; una tracklist composita, che comprende successi come Estate – già certificato Disco di platino, Anno Luce, Capolavoro, Chi sono veramente, Domani che fai?, Più forte di me, che nell’insieme possono vantare oltre 100 milioni di stream. 

L’album dà forma compiuta al mondo dell’artista, intriso di verità e spontaneità, capace di raccontare le piccole – ma significative – cose del quotidiano con un’autenticità spiazzante, cogliendo quella dimensione cristallina della vita di tutti i giorni che solo un cantautore è in grado di trasformare in musica. Nonostante la giovane età, Will conferma dunque di avere una vena estremamente versatile, la capacità di muoversi con disinvoltura tra generi e stili diversi, pur mantenendo una sua cifra, assolutamente riconoscibile.

Manchester, primo album del cantautore che, dice, «rappresenta al meglio il mio viaggio»

Ad accompagnare il disco, l’omonimo “instore tour”, partito lo scorso sabato 11 febbraio proprio da Sanremo e proseguito a Padova, Milano, Roma, Bologna e Torino. A maggio, invece, il ritorno alle esibizioni live con lo Stupido Tour Venti23, organizzato e prodotto da Magellano Concerti, che farà tappa innanzitutto a Milano, il 3, presso i Magazzini Generali, per poi spostarsi a Padova (4 maggio, Hall) e nella capitale, l’11, all’Orion (per tutte le info su date e biglietti, magellanoconcerti.it).

È lo stesso Will a descrivere l’album come «il frutto degli ultimi tre anni di lavoro, in cui mi presento per quello che sono realmente, senza filtri né costruzioni»; e precisa: «Manchester rappresenta al meglio il mio viaggio, facendomi scoprire lati di me che non conoscevo sino a definire la mia vera identità musicale, un album che in qualche modo ripercorre i miei ultimi anni, da quando ho iniziato a scrivere i primi testi fino a Sanremo. È sicuramente un tributo alle mie origini. Parte della mia famiglia è di Manchester, quella cultura anglosassone l’ho sempre respirata, fa parte di me e del mio modo di vivere e concepire anche la musica, soprattutto nelle influenze e nelle sonorità pop britanniche. Mi rispecchia in tutta la mia essenza, spero davvero che arrivi la sincerità di questo progetto a cui tengo in maniera particolare».

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Will

Oltre 500 brand i brand protagonisti dell’evento espositivo divenuto punto di riferimento per l’artigianato creativo di qualità del settore

Homi Fashion&Jewels Exhibition, unico evento espositivo completamente dedicato all’accessorio moda, all’abbigliamento e al gioiello torna con una nuova edizione dal 17 al 20 febbraio in fieramilano (Rho) con un format rinnovato e da una ricca proposta che lo conferma punto di riferimento dell’intero settore. Una vetrina dalla forte vocazione internazionale capace di rappresentare l’eccellenza e le tendenze del futuro che ospita oltre 500 brand, il 39 % dei quali provenienti da 22 diversi paesi Europei, tra i quali Francia, Grecia e Spagna sono i più rappresentativi.

Rinnovata la collaborazione con Poli.Design con due specifiche aree tendenza e tante novità

Collezioni sempre più attuali, innovative e tecnologiche con focus sulla sostenibilità, sociale e ambientale, saranno presenti per ispirare con gli ultimi trend della moda e avvicinare sempre più gli operatori del settore a quelle che sono le esigenze del mercato. Un viaggio ideale alla scoperta di quelle proposte primavera/estate 23 sempre più caratterizzate da elementi di ricerca, innovazione e creatività, per raccontare le ispirazioni nate all’insegna della libertà di espressione, dell’avanguardia e dell’essenzialità. 

Tante novità anche nelle proposte dello spazio The incubator-Tuttepazzeperbijoux, a cura di Maria Elena Capelli, che si conferma un’area di successo con quindici brand che in particolare si rivolgono ai concept store e gioiellerie che ricercano pezzi unici o fatti a mano, caratterizzati da originalità e alta qualità. 

Un hub per scoprire le tendenze del domani, amplificato anche dalla rinnovata collaborazione con Poli.Design, che ha dato vita in questa edizione all’area espositiva VISIONAIRES– che accoglie creazioni di 120 designer internazionali che propongono la loro visione futura- e allo spazio multimediale DESIGN DIRECTION– Fashion Forecast 2025 che racconterà indicazioni, idee e spunti di riflessione sull’evoluzione dei trend e del costume tracciano le linee guida del prossimo biennio.

Infine, gli operatori potranno sfruttare a pieno l’esperienza fieristica, ritrovando in parziale contemporaneità – dal 19 al 22 febbraio – sempre in fieramilano, MICAM Milano, Salone Internazionale della Calzatura, MIPELSalone internazionale della pelletteria e dell’accessorio moda, TheOneMilano, Salone Internazionale dell’Outerwear e dell’Haute-à-porter.

Firenze è una città traboccante di cultura, arte, storia, tradizione. Ogni angolo del capoluogo toscano nasconde, infatti, una bellezza senza pari. Visitarla in inverno, poi, ha un fascino tutto particolare, senza contare che porta con sé numerosi vantaggi, dall’abbattere i tempi per visitare i celebri musei cittadini, Uffizi su tutti, all’entrare facilmente nei tipici ristoranti fiorentini, fino alla possibilità di passeggiare per le meravigliose strade e vicoli della culla del Rinascimento apprezzandone ogni dettaglio, senza la confusione tipica dell’alta stagione.

Una struttura di charme moderna e polivalente

Punto perfetto in cui fare base per un weekend invernale è l’hotel NH Firenze. Nel cuore della centralissima Porta al Prato, vicino a una delle porte storiche delle antiche mura e di fronte al parco delle Cascine, lo spazio verde più grande della città, la struttura vanta una posizione decisamente strategica: con una passeggiata di qualche minuto lungo le rive dell’Arno, è possibile raggiungere lo spettacolare Duomo e il quartiere dello shopping di San Lorenzo.

A seguito di una recente ristrutturazione, le 152 camere presentano ora uno stile moderno e sofisticato; sono tutte dotate di impianto di climatizzazione (disponibile in ogni stagione), wi-fi gratuito, grande televisore a schermo piatto e minibar. Le Junior Suite, invece, godono di ampi terrazzi panoramici, mentre le stanze Superior XL si affacciano sulle Cascine, offrendo un notevolissimo scorcio sul suggestivo panorama cittadino.

Narciso, il concept food & drink dell’hotel fiorentino

Che si abbia in programma un aperitivo con gli amici, una cena di lavoro o un appuntamento formale, NH Firenze è la scelta giusta. L’hotel ospita al proprio interno Narciso, nuovo concept food & drink, distribuito su aree diverse dello storico palazzo di piazza Vittorio Veneto: se d’inverno occupa l’area adiacente alla lobby, che comprende bar e ristorante, d’estate si trasferisce sul rooftop panoramico, col suo formidabile colpo d’occhio sul paesaggio fiorentino.
La proposta gastronomica del ristorante è imperniata sui migliori piatti della tradizione toscana e italiana; il bar è il luogo ideale per un drink in compagnia, il rooftop bar a bordo piscina vanta una location unica, di grande impatto, soprattutto al tramonto, quando si può ammirare lo spettacolare skyline di Firenze, dominato dalla cupola del Brunelleschi. 

Oltre a essere un punto d’appoggio ottimale per il weekend, un altro atout dell’hotel NH Firenze è il segmento meeting ed eventi. In questo senso, il moderno centro congressi della struttura ne fa una cornice naturale per convegni e incontri d’affari, con nove sale dotate delle più avanzate tecnologie, che arrivano ad ospitare fino a 130 persone. 

www.nh-hotels.it/hotel/nh-firenze

Nell’immagine in apertura, il rooftop bar dell’hotel NH Firenze, con vista sullo spettacolare panorama cittadino (ph. courtesy of NH Hotel Group)

Corso Lifestyle, Piazza dei Gioielli, Viale Rosa Shocking, Bastioni Gran Classe, Viale dei desideri fashion: sono solo alcune delle (fantasiose) proprietà che costituiscono l’ossatura di un Monopoly inedito, unico nel suo genere, realizzato in edizione limitata per La Reggia Designer Outlet, il centro McArthurGlen più grande del Mezzogiorno.
Il gruppo specializzato in shopping center, pioniere degli outlet griffati con i suoi 25 indirizzi in nove stati, dentro e fuori dal Vecchio Continente (Usa, Canada, Francia, Germania, Spagna…), unisce infatti le forze col celeberrimo gioco da tavolo Hasbro, firmando una special editon su misura, la prima in assoluto di questo tipo.

Una collaborazione inedita, che strizza l’occhio al fashion world

Monopoly, in effetti, per le sue collaborazioni lim-ed sceglie solamente luoghi o marchi di gran prestigio, dal Louvre al Four Season, dal mitico Ritz Carlton parigino ai luxury hotel The Peninsula di Hong Kong. L’edizione in tandem con McArthurGlen costituisce quindi un unicum, la prima interamente dedicata al mondo della moda; la dinamica del gioco rimane immutata, con la costruzione di case e alberghi che siano il più redditizi possibili, la possibilità di finire in prigione, le carte da pescare e così via, ma le pedine si muovono su un tabellone personalizzato ad hoc, lungo strade, imprevisti e probabilità che riproducono la struttura dei designer outlet della catena, strizzando l’occhio al fashion biz.

Creato da Elizabeth Magie all’inizio del Novecento e messo in vendita, per la prima volta, alla metà degli anni Trenta, il Monopoly non ha bisogno di presentazioni; a quasi novant’anni dalla sua comparsa, rimane uno dei giochi da tavolo più venduti e amati in assoluto, e può vantare una quantità di giocatori che ha dell’incredibile, se si pensa che circa un miliardo di persone (in 114 nazioni e 47 lingue) hanno avuto a che fare, almeno una volta, con l’iconico tabellone verde. Nella sola Italia, ne vengono tutt’oggi venduti 200.000 pezzi l’anno.

Il risvolto sociale del progetto di Monopoly e McArthurGlen 

L’edizione speciale per la Reggia Designer Outlet è un dono che il McArthurGlen ha voluto per premiare la propria clientela, ma presenta anche un encomiabile risvolto sociale. Da febbraio, infatti, il Monopoly La Reggia è protagonista di un’iniziativa inedita presso il Real Albergo dei Poveri (tra gli edifici più grandi d’Europa, utilizzato nei decenni per svariate iniziative solidali in favore di minorenni, orfani, sordomuti, persone in condizioni economiche precarie…), al cui interno è ospitato l’ASD Konokan, centro sportivo per le attività motorie dell’Associazione La Scintilla Onlus.

Lo scorso 7 febbraio, un Monopoly gigante, con un monumentale tabellone di 8 x 8 metri (riproduzione fedele di quello della limited edition), ha trasformato la struttura nel cuore di Napoli in un’enorme area giochi, con tanto di Mr Monopoly in carne e ossa a intrattenere i ragazzi dell’associazione e tutti i presenti. Chi lo desiderava, inoltre, ha potuto avere una copia del game con una donazione all’onlus; La Reggia, infatti, donerà all’associazione le scatole del gioco, per raccogliere fondi destinati a sostenere le numerose attività che coinvolgono i suoi volontari.

Il progetto, precisa Fabio Rinaldi, Centre manager dell’outlet McArthurGlen in provincia di Caserta, «ci consente di portare un po’ de La Reggia nelle case e nei momenti spensierati dei nostri clienti. In un’epoca iperdigitalizzata, il Monopoly è un ritorno al gioco, alla socialità, allo stare insieme tra amici e famiglia, intorno ad un tavolo. Proprio per questo, abbiamo deciso che non sarà in vendita, è un nostro dono. Associare il nostro brand a quello del più celebre gioco da tavolo ci inorgoglisce, consentendoci di aggiungere un nuovo tassello in un percorso di crescita culturale prima ancora che commerciale».

Nell’immagine in apertura, il maxi tabellone dell’edizione speciale di Monopoly per McArthurGlen, installato a La Reggia Designer Outlet (ph. courtesy McArthurGlen)

FOULON è il nuovo brand del mondo del fashion, che produce capi e accessori realizzati solo con pellami e tessuti naturali. Pensato per l’uomo che ama l’eleganza senza tempo ci presenta capi iconici che accompagnano chi li sceglie, disegnati per diventarne parte integrante e durare una vita intera.

Il progetto nasce dall’idea di una produzione artigianale esclusiva, dove la qualità ha un prezzo legato al valore di ogni singolo momento di lavorazione sartoriale dei capi. Un brand che è sinonimo di stile, di eleganza, una riflessione sul futuro della moda e del lusso, per riportare al centro l’autenticità dei materiali, la qualità e l’eccellenza dell’artigianato italiano.

“FOULON per me è una riflessione, che parte dal desiderio – spiega Francesco di Napoli Pinillos, CEO di FOULON, imprenditore italo-spagnolo – di ritrovare il piacere dei materiali naturali, della voglia di risentire il profumo della pelle, la setosità del camoscio e la sottile imperfezione dei capi fatti a mano.”

Ci rivolgiamo a chi ama il bello e l’esclusivo in tutte le sue forme: automobili, arte, design, viaggi. Una collezione con pochi modelli, ma intramontabili, evergreen, realizzati utilizzando esclusivamente pellami pregiati, provenienti da fornitori certificati per la loro sostenibilità. Proprio la sostenibilità per FOULON è il risultato di una scelta minuziosa di una filiera di alto artigianato italiano, che rispetta l’uomo, i suoi tempi e l’ambiente, in ogni fase di progettazione e lavorazione.

Unità e unicità rappresentano, da sempre, i pilastri valoriali delle collezioni firmate Antony Morato, che per la campagna pubblicitaria Spring/Summer 2023 sceglie come fil rouge il concetto – emblematico – di “Unity”.

Realizzata dal fotografo Javier Biosca, l’adv si sviluppa su tre temi cardine, che riflettono altrettante dimensioni della S/S 2023 della griffe. Così se il mondo “Fashion” presenta capi, accessori e outfit che guardano ai principali trend stagionali del menswear, sottolineando il carattere eclettico, trasversale delle proposte targate Antony Morato, quello “Suits” è centrato sull’interpretazione del brand di un must assoluto del guardaroba, il completo di stampo formale, declinato in silhouette affilate e cromie bold quali indaco, celeste o verde salvia. La parte “Denim”, infine, celebra un mito inossidabile della moda (e, più in generale, dell’abbigliamento), quella tela blu capace, nei decenni, di vestire intere generazioni, indifferentemente da età, etnie o categorie sociali; da Morato, i differenti fit dei jeans di stagione vengono esaltati dall’abbinamento con semplici t-shirt bianche, per mise di gusto minimal indossate, nelle immagini della campagna, da soggetti a piedi nudi.

Il gruppo come dimensione naturale di esperienza, che esalta le singole personalità e stili

Le foto dell’advertising campaign ritraggono gruppi di uomini su uno sfondo bianco, quasi asettico, per far spiccare ancora di più le silhouette grafiche del marchio. I protagonisti, appartenenti a varie etnie, trasmettono un forte senso di complicità, di interazione, dando vita a scene dinamiche che evidenziano una concezione della mascolinità plurale, eterogenea, votata all’internazionalità, complessa nella sua diversità ma ben definita nel suo spirito di appartenenza, di condivisione degli stessi valori. Per questi uomini contemporanei, charmant e stilosi, il gruppo diventa dunque una dimensione naturale di esperienza ed espressione, perché non cancella il singolo, al contrario, lo esalta.

I protagonisti della campagna Antony Morato sono figure metropolitane, sicure di sé, curiose per natura, che pur distinguendosi per un forte carattere e un’attitudine del tutto peculiare, riconoscono nel gruppo un idem sentire, cementato dai medesimi riferimenti culturali, da un’identica disinvoltura nell’esprimere la propria personalità, che emerge in maniera spontanea e decisa al tempo stesso. I piani degli scatti cambiano, stringendosi o allargandosi sui modelli, ribadendo un’idea di dinamismo e collettività in cui l’individualità trova un senso compiuto nell’unità del gruppo; risulta naturale, perciò, la scelta del termine “Unity” come payoff di ogni immagine, con un font ispirato all’arte urbana e ai graffiti, codici rappresentativi delle generazioni a cui la campagna e la collezione S/S del brand sono dedicate.

Nell’immagine in apertura, uno scatto della campagna adv S/S 2023 di Antony Morato (ph. by Javier Biosca, courtesy of Antony Morato)

Tommy Hilfiger presenta oggi il nuovo capitolo stilistico della label Tommy Collection by Tommy Jeans. Il marchio nell’orbita del gruppo PVH Corp., che affonda le proprie radici nell’estetica hip-hop degli anni ‘80 e ‘90, per la collezione Primavera 2023 interpreta da par suo i codici della street culture internazionale, filtrandoli attraverso un’ottica spiccatamente progressista e “local”; il riferimento, nello specifico, è l’arte del Lowriding Chicano giapponese, imperniato sulla personalizzazione delle automobili, tra scocche lucidissime e sospensioni modificate ad arte.

Reminiscenze hip-hop e influenze nipponiche nella nuova collezione del brand

La Tommy Collection Spring ‘23 si compone di 55 articoli, un upgrade decisamente contemporaneo dell’archivio della griffe. I pezzi più rappresentativi dello stile Tommy Jeans sono dunque riletti per la bella stagione prossima ventura: si va dalla giacca Chicago Windbreaker nel rosso e blu emblematico del brand, declinata in una versione che presenta maniche rimovibili, ai pantaloni Aiden, jeans dal lavaggio medio e volumi più che rilassati; come del resto i parka color block, la giacca in denim smanicata, i capi dal sapore preppy quali gilet e maglia da hockey in nylon. Tutte le proposte della linea stagionale giocano su proporzioni e stratificazioni, mescolando liberamente influenze preppy, skate e hip-hop. I capisaldi dello sportswear, in particolare, vengono reinterpretati attraverso un caleidoscopio di culture (e subculture) eterogenee, così da infondere un boost creativo nelle classiche silhouette Tommy.

La campagna Spring ‘23 guarda alla scena lowrider del Giappone

La campagna pubblicitaria Spring ‘23 esalta il carattere poliedrico e, allo stesso tempo, versatile dei capi; è il risultato di un mix di istantanee – opera del fotografo londinese Theo Cottle – legate dal filo conduttore dell’azione, tra momenti out of the box e ritratti intimi della comunità lowrider del Giappone.
Il cast comprende proprietari di garage americani, rapper e tatuatori, un collettivo che simboleggia in modo efficace l’ispirazione adrenalinica del ready-to-wear primaverile. A immortalare questa comunità di cultori del lowriding, il videografo Yohai Haga Peta (@yoheipeta), che ambienta le sue frenetiche scene, un concentrato di topoi della cultura automobilistica e street cali-messicana, tra piloti che rimbalzano e guidano lungo le strade di Tokyo, nel quartiere di Shibuya, uno dei più caratteristici della capitale nipponica.

La collezione sarà disponibile, dal 10 febbraio, sul sito ufficiale  tommy.com e in selezionati store Tommy Jeans in tutto il mondo. Per un’ulteriore, vivida immersione nelle atmosfere e riferimenti che hanno informato le creazioni per la primavera 2023, è sufficiente accedere ai canali sociali @TommyJeans, #TommyJeans e #TommyCollection, unendosi – digitalmente – alla community del marchio, un unicum che tiene insieme musica, streetwear e cultura, nel segno della creatività.

Nell’immagine in apertura, uno scatto della campagna Spring ’23 di Tommy Collection (ph. courtesy of Tommy Hilfiger)

L’hotel Papadopoli Venezia si trova nel cuore della città, immerso nel verde dell’omonimo parco, a poca distanza dal Canal Grande. La sua vicinanza alla principale via d’acqua di Venezia consente di visitare facilmente tutti i luoghi iconici della laguna e di soggiornare in un ambiente elegante, raffinato e senza tempo.

Una storia veneziana

Le origini dell’hotel Papadopoli risalgono agli inizi del XIX secolo e raccontano la storia di un dono d’amore da parte del conte Spiridione Papadopoli, che fece costruire un’elegante residenza estiva con un grande parco per la giovane moglie Teresa Mosconi.

Il cosiddetto “Giardino Papadopoli” è stato progettato e realizzato dall’architetto e pittore Francesco Bagnara, meglio conosciuto come scenografo del Teatro La Fenice. Il palazzo Papadopoli-Foresti e il suo parco divennero presto luoghi famosi e privilegiati dell’alta società.

L’hotel Papadopoli oggi

Durante la realizzazione dell’Hotel Papadopoli, l’architetto paesaggista Pietro Porcinai coinvolto nel progetto, decise di riprodurre un Giardino d’Inverno (oggi ristorante), per offrire un omaggio intelligente e sensibile all’antico conte Papadopoli e ripristinare l’originale dialogo tra paesaggio interno ed esterno. Grazie alla sua incantevole atmosfera, il ristorante oggi è una cornice magnifica e unica per cene romantiche, matrimoni ed eventi speciali.  Anche la Terrazza Lounge Bar & Kitchen è una zona lounge da scoprire, ideale per un rituale del tè, un cocktail sofisticato o per assaggiare i deliziosi sapori della laguna in un’atmosfera intima combinata con una splendida vista sui canali.

La struttura nel complesso conta 100 camere e suite che riflettono l’eleganza e lo splendore di uno stile veneziano del XVIII secolo rivisitato, offrendo una vista straordinaria sul Canale dei Tolentini e sui Giardini Papadopoli. Tutte le camere sono finemente arredate e dotate di ogni comfort. 

La posizione strategica inoltre lo rende un punto di partenza perfetto per esplorare la cultura, l’arte e la storia di Venezia. A cominciare dalla Scuola Grande di San Rocco con i capolavori del Tintoretto e ancora la Chiesa di Santa Maria Gloriosa dei Frari con l’Assunta, opera di Tiziano e della Scuola Grande dei Carmini. Il ponte di Rialto e Piazza San Marco sono raggiungibili inoltre a piedi in circa 20 minuti.

Il carnevale di Venezia

In occasione del Carnevale di Venezia 2023, l’Hotel Papadopoli, organizzerà un Carnival Party a tema Bridgerton, la celebre serie cult di Netflix che racconta le vicende dell’alta società londinese del XIX secolo. Il 18 febbraio l’incantevole cornice del Giardino d’Inverno ospiterà una cena con intrattenimento accompagnata da un menù d’eccezione. Dress code rigorosamente a tema Regency che prende ispirazione proprio dalla serie.

Nel resto della città, il titolo del carnevale è “Take your Time for the Original Signs” . Sarà spirato allo zodiaco, ancora una volta sotto la firma del direttore artistico e scenografo del Teatro La Fenice Massimo Checchetto. Un’edizione che nasce sotto il segno del Leone di San Marco e che prenderà avvio sabato 4 febbraio con l’Opening Parade “Original Dreamers” lungo il Canal Grande, per concludersi martedì grasso 21 febbraio con l’intenzione di proporre un mix di eventi in grado di coinvolgere tutte le fasce di età e spingere veneziani e ospiti a vestirsi in maschera.

Clicca qui per scoprire di più sul “Bridgerton Carnival Party”.

Dopo i riscontri lusinghieri dell’edizione di debutto, un anno fa, la Stazione Leopolda di Firenze si prepara ad accogliere nuovamente Testo, una tre giorni (dal 24 al 26 febbraio) per conoscere e comprendere il mondo dell’editoria e, più in generale, della lettura, approfondendone le dinamiche, osservandole dal punto di vista degli addetti ai lavori, cioè tutte quelle figure che, a vario titolo, sono partecipi della trasformazione di un manoscritto in libro. L’appuntamento, un’idea della libreria Todo Modo, è organizzato da Pitti Immagine, in collaborazione con la Leopolda.

La fiera si propone di spiegare come nasca un libro, come arrivi al lettore finale, permettendo ai visitatori di immergersi in un universo vivido di parole e carta, attraverso una selezione ragionata di pubblicazioni e, in parallelo, un programma assai corposo tra laboratori, talk, incontri e percorsi di lettura.
Un’occasione unica per confrontarsi con insider, autori di punta della scena editoriale nostrana (e non solo) e case editrici, ben 107 in questa seconda edizione; l’elenco è eterogeneo, comprende realtà storiche quali Mondadori, Einaudi, Bompiani o Adelphi come pure nuovi, dinamici protagonisti del settore, ad esempio Blackie, NNE, NERO; e ancora, prestigiosi indipendenti (Il Saggiatore, Marcos Y Marcos, Iperborea, Fandango), Coconino Press (che ha contribuito in modo decisivo a rendere il fumetto un genere letterario a tutti gli effetti), Humboldt Books (specializzata in narrativa di viaggio).

Talk, presentazioni e approfondimenti sulla lettura invadono le sale della Leopolda

Il percorso, come già nel 2022, è suddiviso in stazioni, sette per la precisione, pensate per mettere in relazione pubblico ed editori, librai, direttori di biblioteche, oltre ovviamente agli scrittori. Tra questi ultimi, nomi eccellenti della narrativa contemporanea, da Niccolò Ammaniti a Marco Missiroli, passando per Alessandro Piperno, Emanuele Trevi, Paolo Nori, Carlo Lucarelli, Mario Desiati (vincitore, con Spatriati, dell’ultimo Premio Strega).

L’allestimento, a cura di Alessandro Moradei, occupa le due navate della Stazione: ogni editore propone un ristretto numero di titoli, evitando sovrabbondanza visiva o pile di volumi sui tavoli; spazi nei quali, grazie al confronto coi professionisti dell’industria, i lettori possono immergersi appieno nello spirito delle proposte.

Per quanto riguarda le stazioni, puntano a ricreare il ciclo di vita dei libri attraverso sette tappe, ciascuna delle quali (il Manoscritto, il Risvolto, la Traduzione, il Segno, il Racconto, la Libreria, il Lettore) descrive nel dettaglio uno specifico step. Nel ruolo di Capistazione, responsabili del calendario di presentazioni ed eventi vari, Luca Briasco (editor di narrativa straniera, traduttore ed editore di minimum fax), Andrea Gessner di Nottetempo, Beatrice Masini (traduttrice, scrittrice, direttrice di divisione da Bompiani), le fondatrici di Humboldt Books Giovanna Silva e Chiara Carpenter, Leonardo G. Luccone (direttore dell’agenzia letteraria e studio editoriale Oblique), i fondatori di Todo Modo, Maddalena Fossombroni e Pietro Torrigiani, e infine il responsabile delle relazioni internazionali della Fondazione Teatro della Toscana, Riccardo Ventrella.

Nell’arco delle tre giornate della kermesse, poi, interverranno figure di spicco dell’editoria internazionale, invitate per raccontarla dall’interno: si possono citare, fra le tante, la presidente di Adelphi Teresa Cremisi; il direttore della Fiera di Francoforte, Juergen Boos; Barbara Epler dell’americana New Directions, famosa per le sue pubblicazioni innovative; Luca Sofri, Francesco Costa e Matteo Caccia de il Post.

Una manifestazione corale che si apre alla città, coinvolgendo istituzioni e luoghi simbolo di Firenze

Ad infittire ulteriormente il programma, i laboratori tematici (legati alle sette stazioni, con cui condividono l’obiettivo di fondo del racconto su “Come si diventa un libro”), gli omaggi ai mostri sacri della letteratura (da Shakespeare a Dante, da Proust ad Anna Achmatova), le Consultazioni poetiche, che offrono la possibilità di ricevere un ristoro letterario o musicale sotto forma di prescrizione poetica, a seguito di una libera conversazione.

Numerose, poi, le collaborazioni che coinvolgono istituzioni culturali e luoghi storici della città, dal Gabinetto Viesseux alla Stamperia Braille della Regione Toscana, dalla Santa Maddalena Foundation – Premio Gregor von Rezzori al Cinema La Compagnia.

La manifestazione si conferma, dunque, legata a doppio filo col capoluogo toscano; lo ribadisce il Direttore Generale di Pitti Agostino Poletto, precisando che «Testo intrattiene con Firenze, i suoi luoghi e soggetti un rapporto aperto e di scambio, non occasionale: ne fa anzi un motivo distintivo delle sue attività. E ciò avviene a maggior ragione quando il contenuto del progetto – in questo caso l’industria editoriale e la cura della lettura – rimanda a una vocazione rilevante e di riferimento nazionale nel profilo economico, sociale e culturale della città». Sempre Poletto, parlando di «sfida è ancora più stimolante» rispetto a quella dell’esordio, a febbraio 2022, chiosa: «Anche quest’anno TESTO porterà alla Stazione Leopolda percorsi intersecati fra loro in modo da creare una mappa di tutto l’ambiente editoriale finalmente chiara e omogenea. Il merito va a una regia collettiva che, come avviene per molte delle manifestazioni di Pitti, vive del contributo di tutti».

Nell’immagine in apertura, un talk della prima edizione di Testo, nel febbraio 2022 (ph. by AKAstudio-collective, courtesy of Pitti Immagine)

Ci si avvicina inesorabilmente a quello che è ormai l’appuntamento clou del panorama musicale nostrano, il Festival di Sanremo, che si svolgerà quest’anno dal 7 all’11 febbraio.
Nel corso della conferenza stampa di presentazione della kermesse, qualche giorno fa, il conduttore e direttore artistico Amadeus (riconfermatissimo, dopo gli ascolti monstre delle ultime edizioni) ha confermato che, come da tradizione, la quarta serata dello show sarà riservata ai duetti, con i big in gara affiancati da un collega nell’esecuzione di un brano a loro scelta, tra quelli usciti nel periodo che va dal 1980 al 2000.

La serata delle cover fa il pieno di grandi nomi

Sul palco del teatro Ariston, venerdì 10 febbraio, si alterneranno dunque nomi di peso della scena canora italiana, dal favorito della vigilia Marco Mengoni, che ha scelto di esibirsi col Kingdom Choir, a J-Ax in tandem col sodale di lungo corso Fedez (al Festival anche in qualità di ospite della “trasmissione parallela”, sulla nave da crociera, e presentatore di Muschio Selvaggio, per l’occasione in trasferta sugli schermi Rai), dalla coppia d’assi Elisa–Giorgia a Mara Sattei feature Noemi; e ancora, Ultimo con Eros Ramazzotti, Colapesce Dimartino con Carla Bruni, i Coma_Cose coi Baustelle, il rapper LDA (figlio di Gigi D’Alessio) con Alex Britti, il vincitore di Sanremo Giovani 2022 gIANMARIA con Manuel Agnelli.

A seguire, l’elenco completo dei duetti della 73esima edizione del festival nazionalpopolare per eccellenza.

Anna Oxa con il deejay iLjard Shava – Un’emozione da poco (Anna Oxa)

Ariete con Sangiovanni – Centro di gravità permanente (Franco Battiato)

Articolo 31 con Fedez – medley degli Articolo 31

Colapesce Dimartino con Carla Bruni – Azzurro (Adriano Celentano)

Colla Zio con Ditonellapiaga – Salirò (Daniele Silvestri)

Coma_Cose con i Baustelle – Sarà perché ti amo (Ricchi e Poveri)

Elodie con BigMama – American Woman (The Guest Who)

Gianluca Grignani con Arisa – Destinazione Paradiso (Gianluca Grignani)

gIANMARIA con Manuel Agnelli – Quello che non c’è (Afterhours)

Giorgia con Elisa – medley di Luce (Elisa) e Di sole e d’azzurro (Giorgia)

Cugini di Campagna con Paolo Vallesi – La forza della vita (Paolo Vallesi) e Anima mia (Cugini di Campagna)

Lazza con Emma e Laura Marzadori – La fine (Tiziano Ferro)

LDA con Alex Britti – Oggi sono io (Alex Britti)

Leo Gassmann con Edoardo Bennato e il Quartetto Flegreo – medley di Edoardo Bennato

Levante con Renzo Rubino – Vivere (Vasco Rossi)

Madame con Izi – Via del Campo (Fabrizio De Andrè)

Mara Sattei con Noemi – L’amour toujour (Gigi D’Agostino)

Marco Mengoni con il Kingdom Choir – Let it be (Beatles)

Modà con Le Vibrazioni – Vieni da me (Le Vibrazioni)

Mr. Rain con Fasma – Qualcosa di grande (Lunapop)

Olly con Lorella Cuccarini – La notte vola (Lorella Cuccarini)

Paola & Chiara con Mark & Kremont – medley di Paola & Chiara

Rosa Chemical con Rose Villain – America (Gianna Nannini)

Sethu con Bnkr44 – Charlie fa il surf (Baustelle)

Will con Michele Zarrillo – Cinque giorni (Michele Zarrillo)

Shari con Salmo – medley di Zucchero Fornaciari

Tananai con Don Joe – Vorrei cantare come Biagio (Simone Cristicchi)

Ultimo con Eros Ramazzotti – medley di Eros Ramazzotti

Nell’immagine in apertura, Ultimo con Amadeus e Gianni Morandi durante la finale di Sanremo Giovani (ph. Ansa)

Un heritage straordinario, pluridecennale, con radici ben salde nel Biellese (territorio sinonimo, da sempre, di maestria tessile), unito alla voglia di continuare a migliorarsi, proiettandosi costantemente in avanti. Si potrebbe riassumere così l’identità di Fratelli Tallia di Delfino, lanificio di Strona che, proprio nel 2023, taglia il significativo traguardo dei 120 anni d’attività. La collezione primavera/estate 2024, dunque, non può che celebrare il savoir-faire di cui il nome è espressione da oltre un secolo, la sua ragion d’essere, ovvero la ricerca (meticolosa) delle materie prime più preziose, che si accompagna a design distintivi, massimamente curati, riconoscibili al primo sguardo.

Le nuove bunch Gentleman’s Wardrobe per la P/E 2024

L’eccellenza delle fibre naturali dà vita a una gamma di tessuti sofisticati e, al tempo stesso, versatili, pensati per vestire a regola d’arte in contesti diversi, dagli appuntamenti business agli eventi serali formali. Il fil rouge, di nuovo, è l’attenzione a un futuro innovativo e consapevole, che non può prescindere, tuttavia, dal solido passato dell’azienda, a cui attingere liberamente.
Le due nuove bunch Gentleman’s Wardrobe (esclusivo servizio di Fratelli Tallia di Delfino dedicato ai brand più raffinati) rappresentano alla perfezione questa filosofia.
Ad ispirare la bunch Archivio 1903, come suggerisce il nome, sono infatti i tessuti che hanno fatto la storia del lanificio, una rivisitazione contemporanea delle collezioni in questo senso più rappresentative.

Nasce invece dalla collaborazione con il Linificio e Canapificio Nazionale (tra i marchi europei più antichi), altro emblema del saper fare italiano, l’altra novità di stagione, la Lino d’Italia Selection. Con l’obiettivo di coniugare al meglio creatività e know-how artigiano, il Linificio e Canapificio Nazionale riporta nel nostro Paese, dopo più di sessant’anni, la coltivazione del lino, privilegiando la selezione di semi puri, in grado di garantire una finezza superiore. La selezione, realizzata con una materia prima d’eccezione, è frutto della primissima fioritura dei campi.

Le novità presentate dall’azienda a Milano Unica

Per l’edizione di Milano Unica di quest’anno, in calendario dal 31 gennaio al 2 febbraio, viene poi presentata l’innovativa APP Gentleman’s Wardrobe, che punta a facilitare, a rendere ancora più immediata la selezione dei pregiati tessuti dell’azienda. Gli utenti avranno così la possibilità di scegliere e acquistare le varie tipologie di prodotto, verificandone la disponibilità.
Un’autentica esperienza immersiva, ricorrendo a tecnologie di realtà aumentata e virtuale (dalle animazioni digitali alle visualizzazioni tridimensionali), fa sì che i tessuti della collezione prendano vita, enfatizzandone in maniera inedita le peculiarità.

Il focus sulla significativa ricorrenza dei 120 anni caratterizzerà, nel corso dei prossimi mesi, tutte le iniziative di Fratelli Tallia di Delfino, compresa l’emissione, da parte del Ministero delle Imprese e del Made in Italy, di un francobollo appartenente alla serie tematica “Le eccellenze del sistema produttivo ed economico”, celebrativa appunto del 120° anniversario.

Nell’immagine in apertura, la nuova bunch Gentleman’s Wardrobe del lanificio Fratelli Tallia di Delfino (ph. courtesy of Fratelli Tallia di Delfino)

Giunto alla 103esima edizione, Pitti Immagine Uomo si conferma un appuntamento irrinunciabile per avere una visione d’insieme sul menswear che sarà, nello specifico quello per l’Autunno/Inverno 2023-24, anticipato dalle proposte delle centinaia di brand presenti al salone, divisi per sezioni ad hoc, dalla storica sezione Futuro Maschile a Superstyling, da Fantastic Classic a Dynamic Attitude.
Ad illustrare a MANINTOWN i tratti distintivi delle rispettive collezioni per la prossima stagione fredda, fornendo dei preziosi insight sullo stato dell’arte della moda uomo contemporanea, presidenti, manager e direttori creativi di marchi di caratura internazionale, da Herno ad Arav Group, a Pitti per il (ri)lancio della label Richmond X, passando per KNT, People of Shibuya, Avant Toi, Antony Morato, Ciesse Piumini, Jeckerson.

Nell’immagine in apertura, l’ingresso del padiglione centrale di Pitti Immagine Uomo 103 (ph. by AKAstudio-collective)

Con la 103esima edizione del salone, Pitti Immagine Uomo ha aperto all’universo del design grazie a the SIGN, un’area speciale in collaborazione con l’agenzia di comunicazione Ghost Studio; una selezione di complementi d’arredo, oggetti e pezzi décor ad alto contenuto d’innovazione e creatività, firmati da designer, brand e realtà capaci di ispirare e offrire nuovi spunti creativi e di business, inseriti non a caso nel percorso della sezione Superstyling, che comprende le collezioni di ricerca della fiera.

Tra i marchi che hanno preso parte al progetto, Slide (azienda che vanta collaborazioni con i pesi massimi del design internazionale, da Alessandro Mendini a Marcel Wanders passando per Karim Rashid, Paola Navone e Fabio Novembre), Situér Milano (presente già allo scorso Pitti), True, Studio Bojola, Sekkei Sustainable Design, The House of Lyria. E ancora, le creazioni sui generis di Iammi, Bidone Design, Robirenzi, Holypop e Insulti Luminosi.

Nell’immagine in apertura, lo stand di Sekkei Sustainable Design nell’area the SIGN (ph. by AKAstudio-collective)

Pitti Uomo 103 ha registrato la presenza, per la sesta volta, di S|Style sustainable style, progetto espositivo che dà spazio alle collezioni di giovani marchi e designer affermati, accomunate dalla volontà di unire ricerca creativa e attenzione all’ambiente.

Protagonisti dell’iniziativa, i brand Dhruv Kapoor, Isnurh, Kemkes, Margn, Maxime, Non Confunditur, Permu, Junk, Waste Yarn Project e Piumestudio. Nel video che segue, gli highlight dell’edizione numero sei di S|Style. 

Nell’immagine in apertura, l’area S|Style sustainable style a Pitti Immagine Uomo 103 (ph. by AKAstudio-collective)

Will dopo aver superato con successo la finalissima di Sanremo Giovani con il brano “Le cose più importanti”, sarà grande protagonista dal prossimo 7 Febbraio al Festival di Sanremo 2023 e presenterà il brano “Stupido”. Il giovane artista che negli ultimi anni è riuscito a conquistarsi con costanza e determinazione un posto nella scena musicale contemporanea italiana si prepara così a calcare per la prima volta l’ambitissimo palco dell’Ariston tra i Big della canzone italiana. 

Will al secolo William Busetti, è una delle penne più originali, fresche e carismatiche della nuova scena pop urban contemporanea, una vera e propria icona che a poco più di 20 anni si è fatto notare con la sola forza della sua musica e delle sue parole. Il suo mondo è intriso di autentica verità, una dimensione sincera in grado di raccontare la realtà delle piccole cose con una spontaneità disarmante, rivelando quell’anima cristallina del vivere quotidiano che solamente un cantautore è in grado di cogliere. Un giovane artista estremamente versatile e capace di muoversi con fluidità tra differenti generi e stili pur conservando la sua unicità. Attraverso una ricerca musicale, mai scontata e prevedibile, il sound, lo stile e i testi di Will sono ormai assolutamente riconoscibili nel panorama italiano.

“Stupido” che sarà presentato per la prima volta proprio sul palco dell’Ariston uscirà nella settimana del Festival su etichetta Capitol Records (Universal Music Italy).

“Stupido è un brano in cui tutti si possono ritrovare – dichiara Will – a molti di noi è infatti capitato almeno una volta nella vita di sentirsi stupidi, facendo delle cose stupide anche per amore. Il tema principale di stupido ruota attorno alle molteplici declinazioni e sfaccettature dell’amore, inteso nella sua accezione più universale. Il brano racconta di storie e intrecci d’amore in cui ci siamo persi e ritrovati, quell’amore che, proprio per le emozioni di cui ti nutre in alcuni momenti della giornata quando ti fermi a pensare ti fa sentire “piccolo” e in altri ti fa sentire un “gigante”.

E ancora : “Sono felicissimo e orgoglioso di poter portare ad un pubblico così ampio la mia musica, grato alla commissione che ha creduto nel mio progetto consentendomi di realizzare un sogno che mai avrei pensato potesse realizzarsi. Spero che Stupido possa emozionare arrivando al cuore di tantissime persone, non vedo l’ora di poter vivere il vortice delle emozioni di questo Sanremo 2023”

Grazie alla partecipazione al prossimo Festival Will prosegue così il suo nuovo percorso artistico e personale, la naturale evoluzione pop di un giovane fuoriclasse della musica che ha trovato la sua vera identità: un musicista estremamente talentuoso che è riuscito in poco tempo a mostrare la sua vera essenza, svelando le fragilità che anche un giovane ragazzo può incontrare. Un percorso raro di estrema sensibilità in cui l’artista è riuscito ad aprire il suo cuore, la sua mente e la sua musica, come pochi altri alla sua età, verso ulteriori orizzonti sonori in cui l’attitudine pop abbraccia sapientemente il mondo urban. In bocca al lupo Will!

Da un lato, un marchio che, mantenendo ben salde le radici nel territorio dove tutto è cominciato nel 1965, la Valle d’Itria, ha saputo rendere il suo nome sinonimo di sartorialità e ben vestire squisitamente italiani; dall’altro le mille anime della città che non dorme mai, quintessenza del melting pot, in cui convivono persone di ogni età, etnia, religione e gruppo sociale, con tutto il corollario di codici vestimentari, colori e influenze – spesso allegramente mescolate tra loro – che da questo deriva.

Latorre, anche per la prossima stagione fredda, continua il suo percorso di espansione, che lo spinge a ricercare sempre nuovi stili e fonti d’ispirazione per le collezioni del brand, facendo perno immancabilmente sul saper fare artigiano, su quell’eccellenza della confezione nostrana che ha decretato la fortuna della moda tricolore. Nel caso dell’Autunno/Inverno 2023-24, si è scelto di trasferire i cardini della sartoria in una dimensione inedita, esportando – idealmente – la sofisticatezza del Made in Italy, ibridandola con spunti, culture, concetti disparati.

Quattro categorie di stile ispirate ad altrettanti luoghi simbolo di Manhattan

L’approdo di un simile viaggio stilistico non poteva non essere la Grande Mela. Le quattro categorie della collezione, infatti, guardano alle principali aree di Manhattan, quartieri che solo a nominarli evocano il fascino indissolubile della metropoli americana, brulicanti di vita e suggestioni (anche) modaiole. Si tratta, nello specifico, di Central Park, Wall Street, Times Square e Little Italy.

La prima si rifà al polmone verde di New York, l’enorme parco rifugio quotidiano di pedoni, ciclisti e runner. La palette cromatica risulta dunque attenuata, ad evocare le sfumature della vegetazione che ne definisce il paesaggio. Il fit è rilassato, i tessuti sposano i precetti dell’ecosostenibilità, tra lane vergini prive di prodotti chimici e uso di tinture naturali.

Wall Street riprende – ed esalta – i look curatissimi dei businessmen e finanzieri newyorchesi, entrati nell’immaginario collettivo grazie a diverse pellicole di successo, su tutte l’omonimo film di Oliver Stone del 1987, che valse a Michael Douglas l’Oscar come miglior attore protagonista. La qualità di completi e materiali, tutti dal gusto classico, strettamente legati alla tradizione tailored italiana, è irreprensibile, frutto di un’attenzione meticolosa a lavorazioni e dettagli. La tavolozza dei colori è improntata alla sobrietà, prevalgono le nuance del grigio, nero e blu.

Times Square trasla nel ready-to-wear della griffe il mix di spettacolo, luci e movimento che, da sempre, identifica una delle piazze più affollate e vivaci al mondo. I suit della linea ne rispecchiano l’esuberanza: sono quelli delle grandi occasioni, perfetti per cerimonie e feste con le loro cromie accese, marcate, nobilitate da filati preziosi, finemente lavorati.

Cura maniacale dei tessuti, trattamenti ad hoc e comfort, i must dell’A/I di Latorre

In Little Italy, invece, spiccano giacche dai toni vivaci e dagli accenti ricercati, per una parte di collezione colorata e allegra, proprio come il quartiere cui è dedicata. I tessuti, al solito, garantiscono alte prestazioni e comfort, grazie ai volumi morbidi dei modelli. 

Ad accomunare le quattro categorie stilistiche, la cura maniacale riservata al trattamento dei tessuti, che tra filati impermeabili e antipiega, non temono confronti. Sono pensati per un cliente raffinato e cosmopolita, sempre in movimento, che si sposta velocemente nelle strade metropolitane, senza mai derogare a quello che, per il brand, è un autentico mantra, ossia la comodità assoluta delle proposte, conditio sine qua non per outfit che risultino inappuntabili in qualunque contesto, dall’ufficio all’aperitivo, dall’appuntamento di lavoro all’evento serale.

Un allestimento speciale per dare risalto alla ricercatezza dei capi del brand

A dare (ulteriore) risalto alla pregevolezza di una collezione composita, distinta, che invita a saggiare consistenze, pesi e texture di ogni singolo pezzo, oltre che ad osservare attentamente pattern, colorazioni, trame tattili per cogliere i rimandi allo scenario urbano di Manhattan, è stato lo speciale allestimento dello showroom Latorre che, nella serata di martedì 17 gennaio, ha fornito la cornice ideale ai capi A/I 2023-24 del marchio. Protagonisti del setup curato dal designer Alfredo Fabrizio, gli arredi d’autore della galleria Robertaebasta, immersi in un’atmosfera resa ancor più suggestiva dalle candele WoodWick; il tutto accompagnato da una wine experience nel segno di bollicine e bianchi d’eccezione, firmati rispettivamente Foss Marai e Cantine Pellegrino 1880. A fornire altri dettagli e “coordinate” del nuovo guardaroba Latorre, infine, sono stati gli stessi titolari dell’azienda: alcuni passaggi dell’intervista nel video che segue.

Alcuni degli ospiti intervenuti alla serata ospitata nello showroom Latorre: Massimo Pozzi Chiesa e Joaquin Morodo; la famiglia Latorre; John Richmond; Raffaele Panizza (ph. by Xin Hu)

Credits

Photographer Xin Hu

Videomaker Vincenzo Traettino

Nell’immagine in apertura: capi della collezione A/I 2023-24, protagonisti dello special setup allestito nello showroom milanese del brand, in via Manzoni

Durante la fashion week maschile appena conclusasi, Colla (tra i place to be più rappresentativi del fermento culturale di Nolo, quartiere milanese che vanta una scena culturale vivace, costantemente in fieri) ha ospitato un evento decisamente sui generis, dedicato a The Gender Issue, numero speciale nato dalla collaborazione inedita tra MANINTOWN e Collectible Dry, che affronta il tema – oltremodo attuale – dell’estetica genderless e, in generale, dell’identità di genere.

Un evento speciale che fonde moda, editoria e ricerca artistica

Una serata all’insegna della (prolifica) commistione tra editoria e ricerca artistica, in linea con la direzione intrapresa dalla galleria di via Pietro Crespi, nata, come spiegano i fondatori, «dall’esigenza di avere uno spazio dove condividere idee, ampliare il nostro network, poterci esprimere al di fuori dei nostri lavori commerciali. Colla Super si pone come un collante culturale, sostanza tenace, capace di contaminare e lasciarsi contaminare». La struttura, proseguono, «vuol essere malleabile per ogni artista che la personalizza ad hoc, l’idea è allestire una mostra e di conseguenza un evento di opening ogni 2-3 settimane, noi vogliamo esserci dal lato curatoriale, cercando di adottare formati per la vendita non convenzionali».

Ad animare l’appuntamento voluto dalle due riviste, la performance dell’artista Raffaele Greco. Originario di Giarre, l’autore, nonostante la giovane età, può vantare un curriculum artistico di prim’ordine. Laureato all’Accademia di belle arti di Brera, nel 2018 ha aperto Studio Scalzo, iniziando a collaborare con altri colleghi e curatori, mentre l’anno seguente è stato premiato dalla biennale d’arte di Monza per l’opera Quiescenza. Ora si divide tra Milano e Catania, perfezionando una pratica che lo vede ricorrere a diversi medium espressivi, su tutti videoarte, pittura, performance.

Strumenti di distruzione di una cultura, l’opera di Raffaele Greco in scena da Colla Super

Il suo lavoro, precisa, «nasce da interessi su questioni antropologiche, territoriali e paesaggistiche. Parte dall’osservazione di come un immaginario collettivo è modellabile tramite simbologie culturali e avvenimenti concreti, diretti sul reale. Per la composizione formale ed estetica utilizzo un approccio sia metafisico, stimolato da gusti personali, che accidentale, ovvero fatti concreti di cose realmente accadute. Cerco una rimodulazione di avvenimenti intrecciandoli con leggende che hanno da sempre alimentato le nostre culture, cercando di leggere tutto un insieme che mobilita assetti sociali e popolari, protagonismi e antagonismi. La finzione, l’interpretazione, la narrazione e la rappresentazione, si confondono, si mischiano come nella realtà che non ha trame, non ha scopi, non ha senso».

Greco descrive così l’opera presentata da Colla Super, intitolata Strumenti di distruzione di una cultura: «Una video installazione, più una disposizione di strumenti, diventa scenografia di un atto performativo. Una lettura tri-attica che evoca le basi teoriche di una ricerca artistica sospesa sui confini sfumati tra teatro e arti visive. Strumenti di distruzione di una cultura è un lavoro di ricerca attitudinale alla performance. Gli oggetti esposti in galleria sono ferme decorazioni, superflue, di una cornice fashion e sterile. Sono oggetti evocatori di movimento, speranzosi di rottura».

Un intervento artistico impattante, articolato, che ben rispecchia la volontà, comune a entrambi i magazine, di andare oltre etichette e paletti rivelatisi del tutto superati, vetusti, per abbracciare un approccio sincretico, aperto a una molteplicità di idee, suggestioni e, appunto, linguaggi espressivi.

Nell’immagine in apertura, un momento della performance di Raffaele Greco alla galleria Colla, per l’evento di lancio dello speciale The Gender Issue

La bellezza per sua natura effimera, delicata, essenziale, spesso (ingiustamente) trascurata dei fiori – anche i più semplici – che arricchiscono da sempre le nostre abitazioni, diventa ora protagonista di una speciale capsule collection, che ne trasferisce le vivide nuance sulle superfici ultralight, praticamente impalpabili di sette maxi foulard, ideali per regalare un tocco artsy all’outfit di turno, oppure alla propria casa.

A firmare gli accessori in questione, dalle dimensioni importanti (185 cm x 135 cm) e realizzati in una mischia di modal e seta, è Faliero Sarti, storico marchio italiano specializzato proprio nella creazione di sciarpe sui generis, che uniscono savoir-faire, estro artistico e sostenibilità.
La direttrice creativa del brand, Monica Sarti, è infatti rimasta colpita dagli scatti della serie fotografica Flow(ers), opera del fotografo di origini friulane Francesco Dolfo, ed ha deciso di selezionarne alcuni per arricchire le stole della griffe.

La serie fotografica di Dolfo incontra il savoir-faire e l’estro dello storico marchio di sciarpe

Autore tra i più conosciuti – e apprezzati – del panorama artistico nazionale (ha collaborato con i pesi massimi dell’editoria, dell’architettura e del settore luxury, compresi – fra i tanti – Dior, Gucci, Luxury Living Group, Acqua di Parma, AD, Elle Decor, Vogue Living), ha intrapreso da anni una ricerca focalizzata, appunto, su quella che si potrebbe definire la “straordinaria ordinarietà” dei fiori, arricchendola notevolmente durante il periodo del lockdown.

È stato allora che Dolfo, costretto – come tutti – a passare la quasi totalità del tempo chiuso fra quattro mura, ha scelto di tramutare la (forzata) intimità domestica in un elogio appassionato, colorful dell’effimero, dell’ordinario, ricorrendo a una sorta di parafrasi floreale. Le corolle di papaveri islandesi, dalie e anemoni si sono rivelate, così, il soggetto migliore per un’operazione tesa a scovare, e celebrare, la bellezza discreta (ma non per questo trascurabile) che punteggia la vita quotidiana di ciascuno, e che attraverso l’obiettivo del fotografo diventa qualcosa di prezioso, raro.

L’approfondimento, la voglia di andare oltre l’apparenza accomuna il lavoro di Dolfo alla visione del brand, per cui ogni sciarpa non è un “semplice” accessorio dal tessuto pregevole, bensì un oggetto intimo, che avvolge, quasi abbraccia chi sceglie di indossarlo, restituendogli il senso di una sensualità tanto confortevole quanto stilisticamente raffinata.
I foulard della capsule saranno in vendita dal 27 gennaio nelle boutique Faliero Sarti, in selezionati negozi multibrand e sull’e-commerce ufficiale falierosarti.com/it.

Nell’immagine in apertura, una delle sette stole della collezione Faliero Sarti X Francesco Dolfo (ph. courtesy of Faliero Sarti)

Il brand Cruna, fondato a Vicenza nel 2013 da Alessandro Fasolo e Tommaso Pinotti, possiede valori molto chiari, che gli stanno consentendo una crescita rapida e virtuosa. I pilastri del successo del marchio sono la produzione, rigorosamente Made in Italy, e la filiera corta, garantiti dalla collaborazione con i laboratori storici della tradizione manifatturiera veneta, uniti a design innovativi ma rispettosi dei codici della cultura stilistica italiana, e all’utilizzo esclusivo di materiali pregiati.
Un progetto autentico che parte dal pantalone, cardine dell’abbigliamento maschile, e si sviluppa su una collezione total look interamente Made in Italy, imperniata sullo sviluppo rigoroso di capispalla e maglieria, a comporre l’anima di un brand dalla fortissima identità, che ha il raro pregio di rompere gli schemi e guardare al futuro senza esasperazioni.

La collezione uomo Fall Winter 2023 compie un ulteriore passo verso l’orizzonte dello stile maschile contemporaneo e dell’elevated casual. Un’evoluzione accompagnata dalle atmosfere 60’s dei jazz club e dalle note di Miles Davis. Classe, sofisticatezza, conoscenza e relax, i pilastri di un contesto nel quale l’uomo Cruna si sente profondamente a suo agio, come ci racconta Alessandro Fasolo, uno dei due fondatori.

“La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km”

Cosa significa nel 2023 progettare e presentare al mercato collezioni puramente Made in Italy, quali sono le implicazioni positive e quali le eventuali difficoltà?

Trasferire nel prodotto il valore del know-how e le competenze del Paese sono, da un lato, garanzia di qualità per i nostri clienti, dall’altro motore di sostenibilità per le realtà artigianali del nostro territorio. La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km, principalmente nel Veneto, tra Verona e Treviso, passando per i Colli Berici.

Abbiamo, negli anni, sviluppato e consolidato un network di fornitori di materie prime e laboratori, per poter gestire da vicino il processo end-to-end. Così le nostre collezioni vengono sviluppate a quattro mani, in sinergia coi migliori produttori di tessuto italiani, e selezionando accessori di qualità, che consentono di rendere curati e distintivi i nostri capi. Le implicazioni positive sono, in questo senso, la possibilità di gestire da vicino la filiera produttiva, incrementando visibilità e tracciabilità del prodotto, elementi essenziali per rispondere alle domande dei clienti che, oltre a voler sapere dove viene confezionato un capo, sono sempre più interessati a come viene realizzato, con quali materiali.

Produrre in Italia significa, inoltre, non essere esposti alle complicazioni che le logistiche internazionali hanno subito dall’avvento della pandemia ad oggi, mantenendo maggiore flessibilità e potendo garantire un migliore livello di servizio. Tutto questo chiaramente ha un costo che, proprio negli ultimi mesi, la crisi energetica ha incrementato e, unitamente alle recenti volontà di rientro in Italia delle produzioni di molti premium-luxury brand, ha visto l’acuirsi della competizione supply-side.
Tuttavia, la nostra posizione, consolidata negli anni, e le relazioni costruite con i nostri partner ci consentono di continuare a presidiare aree produttive di valore, garantendo alla clientela prodotti dalla qualità impeccabile, con elevato value-for-money.

“Attenzione alla qualità, dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, know-how artigianale: Cruna è la sintesi di tutto questo”

In quali paesi ha maggior valore la certificazione Made in Italy? È un fattore che sul vostro segmento cambia le carte in tavola?

Credo che il Made in Italy sia percepito come elemento di valore ovunque. Il nostro è il paese dell’eccellenza della creatività e della manifattura, le 3F del suo lusso (Fashion, Furniture, Food) sono riconosciute e apprezzate in tutto il mondo. La creatività e l’esperienza presente in Italia sono driver formidabili per trasferire al cliente il valore del prodotto, il sapore della nostra cultura artigianale.
Cruna rappresenta la sintesi di tutto questo: l’attenzione alla qualità, la meticolosa dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, il know-how artigianale.

“Abbiamo lanciato il progetto Studio con l’intento di reinterpretare l’activewear in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata”

Cruna è un marchio giovane ma che evolve ogni stagione, quali sono le innovazioni della collezione FW23 che presentate a Firenze?

La collezione Fall/Winter 2023 si caratterizza per l’ampliamento della gamma di categorie merceologiche, per cui i look, partendo dal pantalone, vengono completati da Tribeca e Mayfair, rispettivamente giacche monopetto e doppiopetto, e dal cardigan Dumbo a costa inglese, contemporaneo e senza tempo. Columbia, la camicia botton-down, immancabile nel guardaroba dell’uomo, è realizzata in tessuti originali e ricercati, il raincoat Notting Hill, con spalla raglan, è il capo outwear sviluppato da Cruna per completare in modo sofisticato e contemporaneo gli outift dei nostri clienti. Per quanto riguarda il pantalone, invece, il must have rimane il Mitte, pantalone con elastico e coulisse, a cui, tra le novità di stagione, si aggiunge il Cornel, un chino con vestibilità regular, che rilegge in chiave contemporanea l’iconico pantalone americano straight-fit.

Con il desiderio di continuare ad innovare e sperimentare, con questa stagione abbiamo lanciato il progetto Cruna Studio, con l’intento di reinterpretare in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata il trend dell’activewear. Capi provenienti dal mondo sportswear sono perciò ricreati utilizzando nuovi dettagli e tessuti pregevoli, per un look elevated casual dal sapore internazionale. L’utilizzo di colori solidi e outfit monocromatici, la ricerca meticolosa di materiali con attributi di performance e comfort sono il DNA di questa linea, dove spicca, inoltre, la componente easy-care.
L’uomo Cruna frequenta ambienti culturali ricchi di emozioni, ascolta jazz e sa riconoscere la qualità viaggiando nel mondo.

“L’obiettivo del brand è creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità e alla funzionalità, offrano valori emozionali”

Un  racconto piacevole e che evoca bellezza. È un auspicio o una realtà che riscontrate nel vostro cliente più fidelizzato?

L’obiettivo di Cruna è quello di creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità ed alla funzionalità, offrano valori emozionali. Infatti, in un mondo cosmopolita, frenetico e iperconnesso, l’auspicio del brand è di poter trasferire, mediante la mano dei tessuti e il comfort della vestibilità dei capi, un richiamo alle sensazioni di piacevolezza, serenità e bellezza che si avrebbero durante una serata passata al jazz club.

Per questo motivo abbiamo scelto questa ambientazione come “palcoscenico” per presentare la nuova collezione Fall/Winter 2023, soffici lane che avvolgono come il caldo suono del jazz, coste inglesi che trasferiscono il sapore della ricerca e tessuti stretch che, grazie al loro comfort, ti fanno trascorrere piacevolmente una bella serata. Per noi questa filosofia è intrinseca al concetto di elevated casual, supportata peraltro dai trend degli ultimi anni, che hanno visto una continua flessione del mercato del formalwear a favore del casualwear. Proponiamo in chiave contemporanea e raffinata pezzi che hanno caratterizzato la storia dell’abbigliamento, conferendogli un nuovo sapore e maggiore disinvoltura.
Il nostro desiderio è trasmettere i valori in cui crediamo, con l’auspicio che vengano riconosciuti dai nostri clienti, in modo da creare una community di persone che perseguano un’idea condivisa di qualità, stile e e interessi.

Nell’immagine in apertura, un ritratto dei fondatori di Cruna, Tommaso Pinotti e Alessandro Fasolo