Autore: Redazione MANINTOWN

Will dopo aver superato con successo la finalissima di Sanremo Giovani con il brano “Le cose più importanti”, sarà grande protagonista dal prossimo 7 Febbraio al Festival di Sanremo 2023 e presenterà il brano “Stupido”. Il giovane artista che negli ultimi anni è riuscito a conquistarsi con costanza e determinazione un posto nella scena musicale contemporanea italiana si prepara così a calcare per la prima volta l’ambitissimo palco dell’Ariston tra i Big della canzone italiana. 

Will al secolo William Busetti, è una delle penne più originali, fresche e carismatiche della nuova scena pop urban contemporanea, una vera e propria icona che a poco più di 20 anni si è fatto notare con la sola forza della sua musica e delle sue parole. Il suo mondo è intriso di autentica verità, una dimensione sincera in grado di raccontare la realtà delle piccole cose con una spontaneità disarmante, rivelando quell’anima cristallina del vivere quotidiano che solamente un cantautore è in grado di cogliere. Un giovane artista estremamente versatile e capace di muoversi con fluidità tra differenti generi e stili pur conservando la sua unicità. Attraverso una ricerca musicale, mai scontata e prevedibile, il sound, lo stile e i testi di Will sono ormai assolutamente riconoscibili nel panorama italiano.

“Stupido” che sarà presentato per la prima volta proprio sul palco dell’Ariston uscirà nella settimana del Festival su etichetta Capitol Records (Universal Music Italy).

“Stupido è un brano in cui tutti si possono ritrovare – dichiara Will – a molti di noi è infatti capitato almeno una volta nella vita di sentirsi stupidi, facendo delle cose stupide anche per amore. Il tema principale di stupido ruota attorno alle molteplici declinazioni e sfaccettature dell’amore, inteso nella sua accezione più universale. Il brano racconta di storie e intrecci d’amore in cui ci siamo persi e ritrovati, quell’amore che, proprio per le emozioni di cui ti nutre in alcuni momenti della giornata quando ti fermi a pensare ti fa sentire “piccolo” e in altri ti fa sentire un “gigante”.

E ancora : “Sono felicissimo e orgoglioso di poter portare ad un pubblico così ampio la mia musica, grato alla commissione che ha creduto nel mio progetto consentendomi di realizzare un sogno che mai avrei pensato potesse realizzarsi. Spero che Stupido possa emozionare arrivando al cuore di tantissime persone, non vedo l’ora di poter vivere il vortice delle emozioni di questo Sanremo 2023”

Grazie alla partecipazione al prossimo Festival Will prosegue così il suo nuovo percorso artistico e personale, la naturale evoluzione pop di un giovane fuoriclasse della musica che ha trovato la sua vera identità: un musicista estremamente talentuoso che è riuscito in poco tempo a mostrare la sua vera essenza, svelando le fragilità che anche un giovane ragazzo può incontrare. Un percorso raro di estrema sensibilità in cui l’artista è riuscito ad aprire il suo cuore, la sua mente e la sua musica, come pochi altri alla sua età, verso ulteriori orizzonti sonori in cui l’attitudine pop abbraccia sapientemente il mondo urban. In bocca al lupo Will!

Da un lato, un marchio che, mantenendo ben salde le radici nel territorio dove tutto è cominciato nel 1965, la Valle d’Itria, ha saputo rendere il suo nome sinonimo di sartorialità e ben vestire squisitamente italiani; dall’altro le mille anime della città che non dorme mai, quintessenza del melting pot, in cui convivono persone di ogni età, etnia, religione e gruppo sociale, con tutto il corollario di codici vestimentari, colori e influenze – spesso allegramente mescolate tra loro – che da questo deriva.

Latorre, anche per la prossima stagione fredda, continua il suo percorso di espansione, che lo spinge a ricercare sempre nuovi stili e fonti d’ispirazione per le collezioni del brand, facendo perno immancabilmente sul saper fare artigiano, su quell’eccellenza della confezione nostrana che ha decretato la fortuna della moda tricolore. Nel caso dell’Autunno/Inverno 2023-24, si è scelto di trasferire i cardini della sartoria in una dimensione inedita, esportando – idealmente – la sofisticatezza del Made in Italy, ibridandola con spunti, culture, concetti disparati.

Quattro categorie di stile ispirate ad altrettanti luoghi simbolo di Manhattan

L’approdo di un simile viaggio stilistico non poteva non essere la Grande Mela. Le quattro categorie della collezione, infatti, guardano alle principali aree di Manhattan, quartieri che solo a nominarli evocano il fascino indissolubile della metropoli americana, brulicanti di vita e suggestioni (anche) modaiole. Si tratta, nello specifico, di Central Park, Wall Street, Times Square e Little Italy.

La prima si rifà al polmone verde di New York, l’enorme parco rifugio quotidiano di pedoni, ciclisti e runner. La palette cromatica risulta dunque attenuata, ad evocare le sfumature della vegetazione che ne definisce il paesaggio. Il fit è rilassato, i tessuti sposano i precetti dell’ecosostenibilità, tra lane vergini prive di prodotti chimici e uso di tinture naturali.

Wall Street riprende – ed esalta – i look curatissimi dei businessmen e finanzieri newyorchesi, entrati nell’immaginario collettivo grazie a diverse pellicole di successo, su tutte l’omonimo film di Oliver Stone del 1987, che valse a Michael Douglas l’Oscar come miglior attore protagonista. La qualità di completi e materiali, tutti dal gusto classico, strettamente legati alla tradizione tailored italiana, è irreprensibile, frutto di un’attenzione meticolosa a lavorazioni e dettagli. La tavolozza dei colori è improntata alla sobrietà, prevalgono le nuance del grigio, nero e blu.

Times Square trasla nel ready-to-wear della griffe il mix di spettacolo, luci e movimento che, da sempre, identifica una delle piazze più affollate e vivaci al mondo. I suit della linea ne rispecchiano l’esuberanza: sono quelli delle grandi occasioni, perfetti per cerimonie e feste con le loro cromie accese, marcate, nobilitate da filati preziosi, finemente lavorati.

Cura maniacale dei tessuti, trattamenti ad hoc e comfort, i must dell’A/I di Latorre

In Little Italy, invece, spiccano giacche dai toni vivaci e dagli accenti ricercati, per una parte di collezione colorata e allegra, proprio come il quartiere cui è dedicata. I tessuti, al solito, garantiscono alte prestazioni e comfort, grazie ai volumi morbidi dei modelli. 

Ad accomunare le quattro categorie stilistiche, la cura maniacale riservata al trattamento dei tessuti, che tra filati impermeabili e antipiega, non temono confronti. Sono pensati per un cliente raffinato e cosmopolita, sempre in movimento, che si sposta velocemente nelle strade metropolitane, senza mai derogare a quello che, per il brand, è un autentico mantra, ossia la comodità assoluta delle proposte, conditio sine qua non per outfit che risultino inappuntabili in qualunque contesto, dall’ufficio all’aperitivo, dall’appuntamento di lavoro all’evento serale.

Un allestimento speciale per dare risalto alla ricercatezza dei capi del brand

A dare (ulteriore) risalto alla pregevolezza di una collezione composita, distinta, che invita a saggiare consistenze, pesi e texture di ogni singolo pezzo, oltre che ad osservare attentamente pattern, colorazioni, trame tattili per cogliere i rimandi allo scenario urbano di Manhattan, è stato lo speciale allestimento dello showroom Latorre che, nella serata di martedì 17 gennaio, ha fornito la cornice ideale ai capi A/I 2023-24 del marchio. Protagonisti del setup curato dal designer Alfredo Fabrizio, gli arredi d’autore della galleria Robertaebasta, immersi in un’atmosfera resa ancor più suggestiva dalle candele WoodWick; il tutto accompagnato da una wine experience nel segno di bollicine e bianchi d’eccezione, firmati rispettivamente Foss Marai e Cantine Pellegrino 1880. A fornire altri dettagli e “coordinate” del nuovo guardaroba Latorre, infine, sono stati gli stessi titolari dell’azienda: alcuni passaggi dell’intervista nel video che segue.

Alcuni degli ospiti intervenuti alla serata ospitata nello showroom Latorre: Massimo Pozzi Chiesa e Joaquin Morodo; la famiglia Latorre; John Richmond; Raffaele Panizza (ph. by Xin Hu)

Credits

Photographer Xin Hu

Videomaker Vincenzo Traettino

Nell’immagine in apertura: capi della collezione A/I 2023-24, protagonisti dello special setup allestito nello showroom milanese del brand, in via Manzoni

Durante la fashion week maschile appena conclusasi, Colla (tra i place to be più rappresentativi del fermento culturale di Nolo, quartiere milanese che vanta una scena culturale vivace, costantemente in fieri) ha ospitato un evento decisamente sui generis, dedicato a The Gender Issue, numero speciale nato dalla collaborazione inedita tra MANINTOWN e Collectible Dry, che affronta il tema – oltremodo attuale – dell’estetica genderless e, in generale, dell’identità di genere.

Un evento speciale che fonde moda, editoria e ricerca artistica

Una serata all’insegna della (prolifica) commistione tra editoria e ricerca artistica, in linea con la direzione intrapresa dalla galleria di via Pietro Crespi, nata, come spiegano i fondatori, «dall’esigenza di avere uno spazio dove condividere idee, ampliare il nostro network, poterci esprimere al di fuori dei nostri lavori commerciali. Colla Super si pone come un collante culturale, sostanza tenace, capace di contaminare e lasciarsi contaminare». La struttura, proseguono, «vuol essere malleabile per ogni artista che la personalizza ad hoc, l’idea è allestire una mostra e di conseguenza un evento di opening ogni 2-3 settimane, noi vogliamo esserci dal lato curatoriale, cercando di adottare formati per la vendita non convenzionali».

Ad animare l’appuntamento voluto dalle due riviste, la performance dell’artista Raffaele Greco. Originario di Giarre, l’autore, nonostante la giovane età, può vantare un curriculum artistico di prim’ordine. Laureato all’Accademia di belle arti di Brera, nel 2018 ha aperto Studio Scalzo, iniziando a collaborare con altri colleghi e curatori, mentre l’anno seguente è stato premiato dalla biennale d’arte di Monza per l’opera Quiescenza. Ora si divide tra Milano e Catania, perfezionando una pratica che lo vede ricorrere a diversi medium espressivi, su tutti videoarte, pittura, performance.

Strumenti di distruzione di una cultura, l’opera di Raffaele Greco in scena da Colla Super

Il suo lavoro, precisa, «nasce da interessi su questioni antropologiche, territoriali e paesaggistiche. Parte dall’osservazione di come un immaginario collettivo è modellabile tramite simbologie culturali e avvenimenti concreti, diretti sul reale. Per la composizione formale ed estetica utilizzo un approccio sia metafisico, stimolato da gusti personali, che accidentale, ovvero fatti concreti di cose realmente accadute. Cerco una rimodulazione di avvenimenti intrecciandoli con leggende che hanno da sempre alimentato le nostre culture, cercando di leggere tutto un insieme che mobilita assetti sociali e popolari, protagonismi e antagonismi. La finzione, l’interpretazione, la narrazione e la rappresentazione, si confondono, si mischiano come nella realtà che non ha trame, non ha scopi, non ha senso».

Greco descrive così l’opera presentata da Colla Super, intitolata Strumenti di distruzione di una cultura: «Una video installazione, più una disposizione di strumenti, diventa scenografia di un atto performativo. Una lettura tri-attica che evoca le basi teoriche di una ricerca artistica sospesa sui confini sfumati tra teatro e arti visive. Strumenti di distruzione di una cultura è un lavoro di ricerca attitudinale alla performance. Gli oggetti esposti in galleria sono ferme decorazioni, superflue, di una cornice fashion e sterile. Sono oggetti evocatori di movimento, speranzosi di rottura».

Un intervento artistico impattante, articolato, che ben rispecchia la volontà, comune a entrambi i magazine, di andare oltre etichette e paletti rivelatisi del tutto superati, vetusti, per abbracciare un approccio sincretico, aperto a una molteplicità di idee, suggestioni e, appunto, linguaggi espressivi.

Nell’immagine in apertura, un momento della performance di Raffaele Greco alla galleria Colla, per l’evento di lancio dello speciale The Gender Issue

La bellezza per sua natura effimera, delicata, essenziale, spesso (ingiustamente) trascurata dei fiori – anche i più semplici – che arricchiscono da sempre le nostre abitazioni, diventa ora protagonista di una speciale capsule collection, che ne trasferisce le vivide nuance sulle superfici ultralight, praticamente impalpabili di sette maxi foulard, ideali per regalare un tocco artsy all’outfit di turno, oppure alla propria casa.

A firmare gli accessori in questione, dalle dimensioni importanti (185 cm x 135 cm) e realizzati in una mischia di modal e seta, è Faliero Sarti, storico marchio italiano specializzato proprio nella creazione di sciarpe sui generis, che uniscono savoir-faire, estro artistico e sostenibilità.
La direttrice creativa del brand, Monica Sarti, è infatti rimasta colpita dagli scatti della serie fotografica Flow(ers), opera del fotografo di origini friulane Francesco Dolfo, ed ha deciso di selezionarne alcuni per arricchire le stole della griffe.

La serie fotografica di Dolfo incontra il savoir-faire e l’estro dello storico marchio di sciarpe

Autore tra i più conosciuti – e apprezzati – del panorama artistico nazionale (ha collaborato con i pesi massimi dell’editoria, dell’architettura e del settore luxury, compresi – fra i tanti – Dior, Gucci, Luxury Living Group, Acqua di Parma, AD, Elle Decor, Vogue Living), ha intrapreso da anni una ricerca focalizzata, appunto, su quella che si potrebbe definire la “straordinaria ordinarietà” dei fiori, arricchendola notevolmente durante il periodo del lockdown.

È stato allora che Dolfo, costretto – come tutti – a passare la quasi totalità del tempo chiuso fra quattro mura, ha scelto di tramutare la (forzata) intimità domestica in un elogio appassionato, colorful dell’effimero, dell’ordinario, ricorrendo a una sorta di parafrasi floreale. Le corolle di papaveri islandesi, dalie e anemoni si sono rivelate, così, il soggetto migliore per un’operazione tesa a scovare, e celebrare, la bellezza discreta (ma non per questo trascurabile) che punteggia la vita quotidiana di ciascuno, e che attraverso l’obiettivo del fotografo diventa qualcosa di prezioso, raro.

L’approfondimento, la voglia di andare oltre l’apparenza accomuna il lavoro di Dolfo alla visione del brand, per cui ogni sciarpa non è un “semplice” accessorio dal tessuto pregevole, bensì un oggetto intimo, che avvolge, quasi abbraccia chi sceglie di indossarlo, restituendogli il senso di una sensualità tanto confortevole quanto stilisticamente raffinata.
I foulard della capsule saranno in vendita dal 27 gennaio nelle boutique Faliero Sarti, in selezionati negozi multibrand e sull’e-commerce ufficiale falierosarti.com/it.

Nell’immagine in apertura, una delle sette stole della collezione Faliero Sarti X Francesco Dolfo (ph. courtesy of Faliero Sarti)

Il brand Cruna, fondato a Vicenza nel 2013 da Alessandro Fasolo e Tommaso Pinotti, possiede valori molto chiari, che gli stanno consentendo una crescita rapida e virtuosa. I pilastri del successo del marchio sono la produzione, rigorosamente Made in Italy, e la filiera corta, garantiti dalla collaborazione con i laboratori storici della tradizione manifatturiera veneta, uniti a design innovativi ma rispettosi dei codici della cultura stilistica italiana, e all’utilizzo esclusivo di materiali pregiati.
Un progetto autentico che parte dal pantalone, cardine dell’abbigliamento maschile, e si sviluppa su una collezione total look interamente Made in Italy, imperniata sullo sviluppo rigoroso di capispalla e maglieria, a comporre l’anima di un brand dalla fortissima identità, che ha il raro pregio di rompere gli schemi e guardare al futuro senza esasperazioni.

La collezione uomo Fall Winter 2023 compie un ulteriore passo verso l’orizzonte dello stile maschile contemporaneo e dell’elevated casual. Un’evoluzione accompagnata dalle atmosfere 60’s dei jazz club e dalle note di Miles Davis. Classe, sofisticatezza, conoscenza e relax, i pilastri di un contesto nel quale l’uomo Cruna si sente profondamente a suo agio, come ci racconta Alessandro Fasolo, uno dei due fondatori.

“La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km”

Cosa significa nel 2023 progettare e presentare al mercato collezioni puramente Made in Italy, quali sono le implicazioni positive e quali le eventuali difficoltà?

Trasferire nel prodotto il valore del know-how e le competenze del Paese sono, da un lato, garanzia di qualità per i nostri clienti, dall’altro motore di sostenibilità per le realtà artigianali del nostro territorio. La supply-chain di Cruna si sviluppa in un territorio di circa 100 km, principalmente nel Veneto, tra Verona e Treviso, passando per i Colli Berici.

Abbiamo, negli anni, sviluppato e consolidato un network di fornitori di materie prime e laboratori, per poter gestire da vicino il processo end-to-end. Così le nostre collezioni vengono sviluppate a quattro mani, in sinergia coi migliori produttori di tessuto italiani, e selezionando accessori di qualità, che consentono di rendere curati e distintivi i nostri capi. Le implicazioni positive sono, in questo senso, la possibilità di gestire da vicino la filiera produttiva, incrementando visibilità e tracciabilità del prodotto, elementi essenziali per rispondere alle domande dei clienti che, oltre a voler sapere dove viene confezionato un capo, sono sempre più interessati a come viene realizzato, con quali materiali.

Produrre in Italia significa, inoltre, non essere esposti alle complicazioni che le logistiche internazionali hanno subito dall’avvento della pandemia ad oggi, mantenendo maggiore flessibilità e potendo garantire un migliore livello di servizio. Tutto questo chiaramente ha un costo che, proprio negli ultimi mesi, la crisi energetica ha incrementato e, unitamente alle recenti volontà di rientro in Italia delle produzioni di molti premium-luxury brand, ha visto l’acuirsi della competizione supply-side.
Tuttavia, la nostra posizione, consolidata negli anni, e le relazioni costruite con i nostri partner ci consentono di continuare a presidiare aree produttive di valore, garantendo alla clientela prodotti dalla qualità impeccabile, con elevato value-for-money.

“Attenzione alla qualità, dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, know-how artigianale: Cruna è la sintesi di tutto questo”

In quali paesi ha maggior valore la certificazione Made in Italy? È un fattore che sul vostro segmento cambia le carte in tavola?

Credo che il Made in Italy sia percepito come elemento di valore ovunque. Il nostro è il paese dell’eccellenza della creatività e della manifattura, le 3F del suo lusso (Fashion, Furniture, Food) sono riconosciute e apprezzate in tutto il mondo. La creatività e l’esperienza presente in Italia sono driver formidabili per trasferire al cliente il valore del prodotto, il sapore della nostra cultura artigianale.
Cruna rappresenta la sintesi di tutto questo: l’attenzione alla qualità, la meticolosa dedizione nel processo di sviluppo-realizzazione, il know-how artigianale.

“Abbiamo lanciato il progetto Studio con l’intento di reinterpretare l’activewear in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata”

Cruna è un marchio giovane ma che evolve ogni stagione, quali sono le innovazioni della collezione FW23 che presentate a Firenze?

La collezione Fall/Winter 2023 si caratterizza per l’ampliamento della gamma di categorie merceologiche, per cui i look, partendo dal pantalone, vengono completati da Tribeca e Mayfair, rispettivamente giacche monopetto e doppiopetto, e dal cardigan Dumbo a costa inglese, contemporaneo e senza tempo. Columbia, la camicia botton-down, immancabile nel guardaroba dell’uomo, è realizzata in tessuti originali e ricercati, il raincoat Notting Hill, con spalla raglan, è il capo outwear sviluppato da Cruna per completare in modo sofisticato e contemporaneo gli outift dei nostri clienti. Per quanto riguarda il pantalone, invece, il must have rimane il Mitte, pantalone con elastico e coulisse, a cui, tra le novità di stagione, si aggiunge il Cornel, un chino con vestibilità regular, che rilegge in chiave contemporanea l’iconico pantalone americano straight-fit.

Con il desiderio di continuare ad innovare e sperimentare, con questa stagione abbiamo lanciato il progetto Cruna Studio, con l’intento di reinterpretare in chiave urbana, cosmopolita e sofisticata il trend dell’activewear. Capi provenienti dal mondo sportswear sono perciò ricreati utilizzando nuovi dettagli e tessuti pregevoli, per un look elevated casual dal sapore internazionale. L’utilizzo di colori solidi e outfit monocromatici, la ricerca meticolosa di materiali con attributi di performance e comfort sono il DNA di questa linea, dove spicca, inoltre, la componente easy-care.
L’uomo Cruna frequenta ambienti culturali ricchi di emozioni, ascolta jazz e sa riconoscere la qualità viaggiando nel mondo.

“L’obiettivo del brand è creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità e alla funzionalità, offrano valori emozionali”

Un  racconto piacevole e che evoca bellezza. È un auspicio o una realtà che riscontrate nel vostro cliente più fidelizzato?

L’obiettivo di Cruna è quello di creare una connessione tra materiali e sensazioni, ovvero proporre capi che oltre alla qualità ed alla funzionalità, offrano valori emozionali. Infatti, in un mondo cosmopolita, frenetico e iperconnesso, l’auspicio del brand è di poter trasferire, mediante la mano dei tessuti e il comfort della vestibilità dei capi, un richiamo alle sensazioni di piacevolezza, serenità e bellezza che si avrebbero durante una serata passata al jazz club.

Per questo motivo abbiamo scelto questa ambientazione come “palcoscenico” per presentare la nuova collezione Fall/Winter 2023, soffici lane che avvolgono come il caldo suono del jazz, coste inglesi che trasferiscono il sapore della ricerca e tessuti stretch che, grazie al loro comfort, ti fanno trascorrere piacevolmente una bella serata. Per noi questa filosofia è intrinseca al concetto di elevated casual, supportata peraltro dai trend degli ultimi anni, che hanno visto una continua flessione del mercato del formalwear a favore del casualwear. Proponiamo in chiave contemporanea e raffinata pezzi che hanno caratterizzato la storia dell’abbigliamento, conferendogli un nuovo sapore e maggiore disinvoltura.
Il nostro desiderio è trasmettere i valori in cui crediamo, con l’auspicio che vengano riconosciuti dai nostri clienti, in modo da creare una community di persone che perseguano un’idea condivisa di qualità, stile e e interessi.

Nell’immagine in apertura, un ritratto dei fondatori di Cruna, Tommaso Pinotti e Alessandro Fasolo

Lo scorso 15 novembre, una speciale experience tenutasi da Rita & Cocktails (tempio meneghino del buon bere) ha celebrato a dovere i 150 anni di Ron Matusalem, autentica istituzione nel mondo degli spirit. Ospitando una masterclass ad hoc, infatti, il bar ha permesso ha permesso agli ospiti presenti, tra degustazioni, food pairing e spiegazioni approfondite, di immergersi nella realtà d’eccellenza di questo rum, premiato e riconosciuto a livello internazionale, nato un secolo e mezzo fa a Cuba e poi radicatosi nella Repubblica Dominicana, che ha fatto del connubio tra savoir-faire e innovazione continua la propria cifra.

È stato l’Head of Consumer Experience di Matusalem, Hektor Monroy, a condurre giornalisti e appassionati in un viaggio alla scoperta delle molteplici, suggestive sfaccettature di un nome pioniere dell’arte del buon gusto, con un excursus che, dalle origini ottocentesche del marchio, si è spinto fino agli anni d’attività più recenti.

Ron Matusalem, un’eccellenza del mondo degli spirit da un secolo e mezzo

Distribuito nel nostro paese dal gruppo Montenegro, il liquore in questione viene ancora prodotto seguendo la tradizione cubana originaria, scrupolosamente preservata dalla quinta generazione della famiglia proprietaria, gli Alvarez. Per l’azienda, del resto, l’eleganza è un concetto senza tempo, racchiuso in un heritage che viene tramandato di generazione in generazione.

Lo stesso nome del rum è ammantato di fascino timeless: fa riferimento, infatti, al patriarca biblico Matusalemme, che, secondo la narrazione dell’Antico Testamento, sarebbe vissuto fino a 969 anni. Un richiamo perfetto, dunque, per il sistema di invecchiamento che contraddistingue il rum nato a Santiago de Cuba. Senza contare che i fondatori, nell’industria isolana dei distillati, sono stati antesignani del sistema Solera. E, a proposito della perla dei Caraibi, ad accrescere enormemente la reputazione di Matusalem, dagli anni Trenta e fino alla metà del secolo scorso, sono proprio i fasti della cosiddetta golden age cubana, quando L’Avana è la meta d’elezione di star del cinema e celebrità.
Negli anni Cinquanta, però, la famiglia è costretta a lasciare il paese e si trasferisce a Miami. Negli anni Novanta, poi, Claudio Alvarez (esponente della quarta generazione), riacquista tutte le azioni aziendali, dando corpo al sogno di riavviare il brand, la cui storia riparte dalla Repubblica Dominicana, dove le condizioni climatiche e del suolo sono molto simili a quelle di Cuba.

Il “cognac dei rum” (soprannome di Ron Matusalem), infatti, è realizzato attenendosi ai precetti della ricetta originale – e segreta, tuttora invariata, con standard elevati e assai rigorosi, fissati dagli stessi fondatori. Dettami che hanno permesso al liquore di imporsi come uno dei luxury spirit più prestigiosi, apprezzatissimo dai connoisseur.

Dal Gran Riserva 15 all’Insolito, le etichette simbolo del marchio

Proprio le etichette della casa sono state le protagoniste assolute dell’appuntamento organizzato da Rita & Cocktails, sul Naviglio Grande. In scena, dunque, una selezione gourmet, dal Gran Reserva 15 (vera icona del marchio, un rum scuro di alta gamma, pluripremiato, dal gusto legnoso, secco e burroso, che dato il blend di complessità e morbidezza risulta perfetto tanto liscio quanto mescolato in combinazioni inedite) al Gran Reserva 23, massima espressione del rum invecchiato con metodo Solera, ben equilibrato con tracce di miele, vaniglia e melassa, dalla finitura speziata, duratura.

E ancora, Insolito (che – nomen omen – rappresenta un unicum, presentandosi come il primo rum rosa al mondo, affinato in botti ex-Tempranillo), che sorprende col suo finale burroso, dai sentori di pane tostato e frutti rossi, in armonia coi residui di tannini del vino; e Sublime Edizione Limitata, un distillato eccezionale nel vero senso del termine, creato per celebrare il 150esimo anniversario dell’azienda. Si distingue per l’intensa nuance ambrata, con riflessi mogano, che donano esclusive note di colore a un liquore dagli aromi di ribes nero, vaniglia, cacao e tabacco. Alla beva evoca rovere, caramello, frutta rossa e, sul finire, fumo di quercia, frutta secca dolce, tabacco.

Questa limited edition, che serba il ricordo dell’età d’oro di Santiago de Cuba, è racchiusa in un decanter lavorato come un’opera d’arte, fatto a mano e numerato da Vista Alegre, vetrai dal 1824. La tiratura iniziale, limitatissima, ha riscosso un successo tale da “costringere” Ron Matusalem a produrre una seconda edizione, richiesta immediatamente dai migliori bartender internazionali. Label sinonimo di un drink d’eccezione, oggi come ieri.

Nell’immagine in apertura, una bottiglia di Insolito, una delle etichette simbolo del rum Matusalem

In un contesto come quello del fashion world contemporaneo, alle prese con trasformazioni epocali (dalle – sacrosante – richieste di maggiore inclusione e diversità nelle collezioni alla questione ormai imprescindibile della sostenibilità, dalla frenesia generalizzata per metaverso, NFT e affini all’affastellarsi, sull’onda di filmati à la TikTok, di trend oltremodo effimeri), è più importante – e urgente – che mai dare spazio alle nuove leve creative. Giovani formatisi nelle migliori scuole del settore, che, alla stregua di sismografi, riescono a captare i sommovimenti che attraversano in profondità la nostra società, restituendoli sotto forma di creazioni fresche e accattivanti, ancora immuni da costrutti, dogmi e artifici dei quali, invece, i big della moda devono per forza di cose tener conto.

La sfilata di IUAD Accademia della Moda all’edizione 2022 di Fashion Graduate

In questo senso, iniziative come Fashion Graduate (fashion week gratuita e aperta alla città, riservata esclusivamente ai newcomers del settore), organizzata da Piattaforma Sistema Formativo Moda Ente del Terzo Settore (ETS), hub che riunisce numerose istituzioni e accademie formative italiane, diventano cruciali, perché convogliano a Milano ragazzi e ragazze di talento, destinati a occupare posizioni di rilievo nell’industria modaiola, ponendosi come un ponte che, dalla metropoli lombarda, raggiunge e coinvolge appassionati e addetti ai lavori di ogni dove. Protagonista assoluta della rassegna, svoltasi quest’anno dal 3 al 5 novembre, la creatività dei migliori diplomandi e laureandi di accademie, istituti e scuole specializzate italiane.

L’edizione 2022 ha visto la partecipazione, tra le altre, di IUAD Accademia della Moda (storica realtà formativa che opera nell’ambito del fashion e del design, e conta oggi due sedi, a Napoli e Milano), che nella giornata del 3 novembre ha portato in scena, negli spazi del BASE, lo show collettivo BODY-ISM. Il filo conduttore della passerella era rappresentato – nomen est omen – dal corpo, o meglio, dalla concezione del corpo come potenziale veicolo di libertà e autorappresentazione.

Nonostante la fisicità sia infatti spesso considerata un qualcosa di dato e, nei suoi attributi fondamentali, immutabile, in realtà le idee su cosa incarni, sui valori di cui potrebbe farsi portatrice, sono assai varie, non di rado contrastanti. Ecco dunque che gli “input” sul tema, alla base della ricerca creativa condotta dagli studenti di IUAD (nove quelli coinvolti nel défilé, Aurora Platone, Pia Francesca Affinito, Giordana Bellucci, Mirko Cavaliere, Alessia Peruzzi, Valentina Turri, Francesca Calini, Arianna Frison, Riccardo Meazza), vengono declinati da ciascuno in maniera diversa: corpi in pericolo, corpi fragili, corpi riottosi…

BODY-ISM, gli studenti di IUAD Accademia della moda rileggono in chiave fashion il tema della corporalità

Aurora Platone (ph. by Daniele Venturelli)

Si passa infatti dai volumi estremamente strutturati, scultorei, di Aurora Platone (che ricorre alla nappa scura per plasmare outfit assertivi, una sequela di jumpsuit, chiodi, trench e minidress dalle proporzioni bold) alla Fashion Anatomy di Alessia Peruzzi, che – come suggerisce il titolo – reinterpreta in chiave decorativa i fondamenti dell’anatomia, trasformando filamenti del Dna, arterie, gli stessi organi in costruzioni intricate, tra fibbie, catene e stampe elaborate.

Alessia Peruzzi (ph. by Daniele Venturelli)

E ancora, dai patchwork e dalle texture logore (frutto di un attento lavoro di upcycling di pellicce usate e pellami dismessi) di Riccardo Meazza, che svelano ed enfatizzano la fisicità dei modelli, alle “bambole” ultraglam di Like a Doll… In the contemporary Victorian Age, collezione di Pia Francesca Affinito che gioca con gli stilemi dell’abbigliamento vittoriano, esasperandone forme e caratteristiche in un tripudio di ruches, volant, frange, lacci e drappeggi. Esercizi di creatività che i diretti interessati, con ogni probabilità, avranno la possibilità di affinare in un futuro molto prossimo, nel quale le voci come le loro sono destinate a farsi sentire sempre di più.

Riccardo Meazza (ph. by Daniele Venturelli)

Pia Francesca Affinito (ph. by Daniele Venturelli)

Nell’immagine in apertura, gli studenti di IUAD Accademia della Moda al termine della sfilata BODY-ISM (ph. by Daniele Venturelli)

Ormai è persino banale sottolineare l’importante di un’alimentazione che coniughi gusto e principi healthy, soddisfacendo tanto il palato quanto il proprio benessere; eppure, soprattutto in città a vocazione eminentemente turistica come Roma, dove si tende a privilegiare la quantità rispetto alla qualità, oppure a uniformare le proposte culinarie a trend del momento o, all’opposto, a immarcescibili canoni gastronomici, per incontrare il favore di quante più persone possibili, è meno semplice di quanto si possa pensare individuare un locale che soddisfi le caratteristiche sopracitate.

Verdefresco, in questo senso, è un nome di sicuro affidamento nel panorama della ristorazione capitolina; all’interno dei suoi due locali (uno in pieno centro, a via Spaventa, l’altro a via Usodimare, nel cuore dello storico quartiere romano della Garbatella) sapore e wellness vanno a braccetto. I piatti vengono realizzati esclusivamente con prodotti freschi e di stagione – a chilometro zero perché direttamente coltivati o selezionati, con la massima cura, da fornitori locali, e arricchiti poi da nutrienti scelti espressamente per le loro proprietà benefiche. L’assortimento è oltremodo eterogeneo, tra insalate, wrap, zuppe, bowl, starter, drink e dessert, così da soddisfare le esigenze più diverse, comprese quelle della clientela vegetariana o vegana.

I capisaldi di Verdefresco: sostenibilità, stagionalità, prodotti a chilometro zero, genuinità

Le portate del menù sono pensate per trasformare ogni occasione in una parentesi a tutto gusto, tenendo fede a quelli che sono degli autentici comandamenti per l’insegna; in primis quello della sostenibilità, un concetto qui esteso all’intero ciclo alimentare dei prodotti usati, dal concepito del singolo piatto alla gestione dei rifiuti dei locali. Quindi, il ricorso ai suddetti fornitori locali, coltivatori e allevatori di fiducia, dislocati tra Roma e provincia, scelti per la loro serietà ed impegno.

Non si può ovviamente derogare ai precetti relativi a gusto e genuinità dell’offerta, con materie prime rigorosamente fresche e portate preparate ogni giorno, in base alla disponibilità della materia prima. Last but not least, la stagionalità dei prodotti: i proprietari di Verdefresco lasciano che a dettare il menù sia, di volta in volta, il corso delle stagioni e le specificità del raccolto, dando il proprio contributo a un’agricoltura che sposi qualità e attenzione all’ambiente.

Nell’immagine in apertura, una delle proposte gourmet di Verdefresco

Un ottobre decisamente speciale quello di Elisa Coclite alias Casadilego, cantautrice 19enne che, dopo la vittoria a X Factor nel 2020, ha intrapreso un fruttuoso percorso artistico, che l’ha vista – tra le altre cose – pubblicare il primo EP (eponimo), ottenere un disco d’oro per uno dei suoi singoli di maggior successo, Vittoria, collaborare con Nitro, duettare sul palco del 71esimo Festival di Sanremo nientemeno che con Francesco Renga, che l’ha voluta al suo fianco durante la serata dedicata alle cover per eseguire Una ragione di più della Vanoni.

Questo mese, infatti, è scandito per lei da due novità legate a doppio filo: da una parte, la doppia release Oceano di cose perse (Columbia Records Italy/Sony Music Italy), dall’altra l’esordio da protagonista sul grande schermo in My Soul Summer di Fabio Mollo (che, dopo l’anteprima alla Festa del Cinema di Roma, sarà nelle sale con Europictures per tre giorni, dal 24 al 26 ottobre), film in cui interpreta (rigorosamente dal vivo) proprio i due brani, ossia Oceano di cose perse – scritto da Mara Sattei, prodotto da Enrico Brun – ed Edinburgh attempt no. 2, che compongono i due lati del 45 giri digitale, disponibile per l’ascolto da oggi.

Oceano di cose perse, doppia release dei brani inseriti anche nella colonna sonora del primo film della cantante

Un progetto musicale le cui parole, lievi, crescono perché inserite in un percorso di evoluzione sia sonora che di significati, nel quale «tutto è giovane» – come precisa l’autrice, in modo da «racchiudere e descrivere la delicatezza di una lotta interiore e col mondo, per sfuggire a quello che ci cambia ed essere noi stessi». Oceano di cose perse, secondo Sattei – che ne ha curato il testo – è contraddistinto da «sonorità spensierate, leggere ma comunque introspettive, [che] mi ricordano molto ciò che ero io alla sua età»; e poi aggiunge: «Dentro un oceano di cose perse a volte riusciamo a ritrovarci, e altre volte a lasciare andare ciò che non ci appartiene più. Questo è quello che è successo con questo brano e spero arrivi anche a tutti voi».

My Soul Summer,  «un racconto di formazione puro e semplice»

Per quanto riguarda la pellicola (che verrà proiettata durante la kermesse capitolina, domenica 16 ottobre), può vantare un cast di prim’ordine, che comprende Tommaso Ragno, Anna Ferzetti e Lunetta Savino; rilegge il classico filone del coming of age, nel caso specifico quello della 17enne Anita (Casadilego), adolescente timida e insicura destinata, attraverso l’incontro con Vins (Ragno), famoso cantante dai trascorsi burrascosi, a vivere un’estate indimenticabile, in cui riuscirà a scoprire – e apprezzare – un modo del tutto peculiare di vivere la musica, sviluppando appieno il proprio talento.

Il regista definisce My Soul Summer «un racconto di formazione puro e semplice», in cui tutto ruota intorno alla musica, al punto che «le scene musicali, sia quelle di musica classica al pianoforte che quelle cantate, sono in presa diretta». Mollo, poi, elogia la protagonista, «un talento vero e puro, un’artista che attraverso la musica racconta la vita».

Il film è una produzione Bartleby Film e Fidelio con Rai Cinema, ed è prodotto da Massimo Di Rocco, Luigi Napoleone per Bartleby Film, Silvio Maselli e Daniele Basilio per Fidelio.

Nell’immagine in apertura, Anita/Casadilego in una scena di My Soul Summer

Una collezione di lusso ad alte prestazioni in edizione limitata, con un tessuto raffinato e una nuova palette di colori per la stagione FW22

Canada Goose e October’s Very Own hanno deciso di rinnovare la propria iconica collaborazione per questa stagione con una capsule collection che fonde gli stili tradizionali con materiali e lavorazioni di altissima qualità. I marchi, entrambi nati a Toronto, hanno attinto agli archivi di Canada Goose, che risalgono a oltre 60 anni fa, per re-immaginare due capi storici e cercare ispirazione per un nuovo berretto. Realizzata in lana Loro Piana in una serie di ricche tonalità autunnali, la capsule porta lusso “prestazionale” e street style a un nuovo livello. Interpretazione aggiornata di un classico capospalla d’archivio, il Banff Parka per OVO® abbina un sofisticato streetwear all’estrema funzionalità e al massimo calore di Canada Goose.

Le specifiche tecniche della nuova collezione

Il parka, con un Thermal Experience Index (TEI) pari a 4, può resistere a temperature fino a -25°C, offrendo protezione, versatilità stilistica e comfort. Compagno ideale per le fresche serate autunnali, il gilet Freestyle con cappuccio per OVO® rivisita lo stile intramontabile del brand e celebra la partnership pluriennale. Entrambi, dotati di un patch OVO® e rifiniti con un logo Canada Goose ricamato, sono realizzati nella lussuosa lana Loro Piana Storm System®GX; si tratta di un tessuto di alta qualità, che combina le proprietà isolanti e termiche della lana per fornire calore e protezione dagli elementi, mentre Storm System® GX è trattato con Rain System® per ottenere un tessuto traspirante, idrorepellente e resistente al vento.

Il Wool Cap perOVO® è stato progettato con una silhouette a basso profilo e uno snapback regolabile per una calzata confortevole. Il cappello, completato dai loghi ricamati delle due griffe, è un capo essenziale per tutti i giorni, adatto alle escursioni autunnali e alle cene all’aperto. Tutti i modelli saranno disponibili nei colori Sierra, Midnight e Limestone.

La collezione Canada Goose x OVO® Autunno/Inverno 2022 sarà disponibile dal 7 ottobre 2022 presso selezionati negozi Canada Goose e OVO®, su canadagoose.com e octobersveryown.com.

Coniugare sofisticatezza vestimentaria e tutela dell’ambiente, ormai è assodato, costituisce una delle principali sfide per il fashion system contemporaneo, un tema cruciale per il futuro di qualsivoglia griffe (e, a livello macro, per quello della Terra). Lo ha ben compreso Dsquared2, che presenta oggi il secondo capitolo di One Life One Planet, summa della ricerca intrapresa dal brand per ridurre il più possibile il proprio impatto ambientale, tenendo fede, al tempo stesso, ai capisaldi che ne hanno plasmato l’identità stilistica. Non si tratta “solo” di abbigliamento eco-friendly: l’iniziativa, infatti, coinvolge anche la cultura aziendale del marchio di Dean e Dan Caten, con i diversi reparti che, dallo scorso febbraio, portano avanti un apposito percorso formativo, così da precisare al massimo il significato di sostenibilità e definire le linee guida per i prossimi step in questa direzione.

Look della collezione One Life One Planet F/W 2022 (ph. courtesy Dsquared2)

Una capsule da (stiloso) esploratore urbano, con capi realizzati in materiali eco

La proposta One Life One Planet per la stagione Fall/Winter 2022, nello specifico, si distingue per il carattere positivo, curioso e vivace dei pezzi, in linea con l’attitude energica dei gemelli Caten (che, a proposito della capsule, dichiarano: «Dal punto di vista creativo è stimolante esplorare nuove strade, mettersi costantemente in discussione per evolvere e proiettarci con entusiasmo nel futuro»).

Ph. courtesy Dsquared2

Gli outfit compongono l’uniforme ideale di un esploratore urbano vestito di tutto punto, il cui guardaroba ruota intorno a capispalla di matrice tecnica (duvet – anche in versione smanicata, aviator jacket, blouson zippati…), borse con ganci e grintosi scarponi; non possono però mancare gli essentials del prêt-à-porter griffato D2, dunque denim pants dalla vestibilità asciutta o più rilassata, giacche di jeans, sneakers, felpe, copricapi in fogge diverse, dal beanie in lana al cappello da baseball.

La palette cromatica è sferzata da tonalità vivide di giallo, arancio e viola, equilibrate da note intense di blu e ottanio, a ribadire con i colori la positività e il dinamismo tipici di chi ha a cuore la salvaguardia del pianeta, e manifesta quest’interesse anche nelle sue mise quotidiane. Il messaggio della collezione viene ulteriormente amplificato dalla stampa che arricchisce i capi, una rielaborazione del motivo grafico che simboleggia la circolarità delle pratiche eco-conscious, con le tre frecce che si rincorrono.

I materiali impiegati sposano appieno l’etica green del progetto: nylon riciclato, cotone biologico, cachemire recycled sono la diretta espressione delle tecniche produttive che meno impattano su ambiente e società. One Life One Planet, che si pone come un percorso in continua evoluzione, coinvolgerà in misura sempre maggiore diversi partner Dsquared2, produttivi e commerciali.
Gli articoli saranno disponibili da questo mese in tutte le boutique del brand, sull’e-store e in selezionati retailer internazionali.

Difficile pensare, oggi, a un prodotto più diffuso, trasversale, discusso, in alcuni casi letteralmente idolatrato della sneaker, assurta da tempo a uno status che ne trascende le caratteristiche specifiche, rendendola un connettore di ambiti più o meno affini quali moda, design, sport, sottoculture varie. In cima ai desiderata di cultori della materia, fashionisti perennemente a caccia della novità du moment, “semplici” consumatori – che siano millennials o Gen Z – che apprezzano la versatilità di una calzatura adatta a qualsiasi contesto, è il capo che riesce a mettere d’accordo tutti, declinabile in infinite modalità, dai modelli frutto di ricercate collaborazioni a quelli basic, dalle limited edition numerate a rari esemplari vintage.

Sneakerness, primo e più importante evento itinerante dedicato ai kicks (come sono note tra gli appassionati) di ogni ordine e grado, dai cimeli pressoché introvabili alle versioni digitali che iniziano a comparire nel metaverso, è nato proprio per soddisfare le richieste della variegata platea che ruota intorno a queste calzature (ormai è persino riduttivo definirle tali).
Anche quest’anno il festival farà tappa in Italia, precisamente agli East End Studios di Milano per due giorni (8-9 ottobre), col suo carico di iniziative speciali e novità, a partire dalle diverse collezioni di NFT con i pezzi più hype, bramatissimi dai collezionisti.

Una due giorni che celebra la sneaker culture, tra shopping, tornei sportivi e svariate iniziative

Nell’edizione 2022, poi, particolare rilevanza verrà data allo sport, specialmente alla due discipline che hanno maggiormente contributo alla nascita e allo sviluppo della sneaker culture, ossia tennis e basket. Nella due giorni meneghina si svolgeranno perciò dei tornei ad hoc, con Sata Court Club che allestirà un campo dove testare le proprie skills sportive, tra smash e volé.

Da segnalare, infine, la presenza del Food Market, dove assaporare le migliori proposte food & beverage, italiane e non, concedendosi una pausa di gusto dalla frenesia di cui è pervasa la kermesse. Nata a Berna nel 2008 e diffusasi rapidamente nelle principali metropoli d’Europa, da Parigi ad Amsterdam passando per Berlino, Londra, Rotterdam e Zurigo, Sneakerness è riuscita infatti a imporsi sulla scena internazionale grazie al mix vincente della formula, unica nel suo genere, un mix di streetwear, ricerca, collezionismo, shopping, cultura e divertimento.

Per i biglietti e maggiori info, si può consultare l’apposito link.

L’autunno è per eccellenza la stagione in cui ripartono pienamente le nostre attività e torniamo alla routine, non solo nel lavoro ma anche nella cura della nostra pelle. Se non l’abbiamo mai curata invece, è il momento giusto per farlo! Le giornate si sono accorciate e sono caratterizzate da forti escursioni termiche e condizioni meteorologiche mutevoli che sono causa di diversi e importanti inestetismi per la pelle di viso e corpo.

Inoltre le continue esposizioni al sole maturate durante l’estate hanno favorito la disidratazione della pelle e alterato l’omogeneità del colorito cutaneo,  comportando anche un’azione nociva di fotoinvecchiamento. I rituali tradizionali come maschere, pulizie viso e percorsi anti age sono in continua evoluzione e noi ne abbiamo scoperti alcuni presso La Clinica Milano Skin lab, un luogo dedicato alla persona e specializzato in trattamenti di medicina e chirurgia estetica, situato nel centro di Milano.

ESFOLIARE LA PELLE: IL PEELING PRX-T33

Si tratta di un peeling che favorisce la rigenerazione cutanea e rende la pelle più liscia, compatta e luminosa senza utilizzo di aghi né bisturi. L’autunno è il periodo perfetto per programmare un trattamento di rinnovamento cutaneo che esfoli la pelle dopo l’estate. Il trattamento PRX – T33 rendenderà la pelle più luminosa, liscia e soda, producendo un “effetto lifting” senza dolore.

PREVENIRE L’INVECCHIAMENTO CON UNA BIORIVITALIZZAZIONE

La Biorivitalizzazione è una procedura di medicina estetica mini invasiva che permette di reidratare a fondo la pelle e migliorare la texture cutanea, risollevare e distendere i tessuti di viso e collo, restituendo un aspetto immediatamente più giovane. Questo trattamento favorisce il riequilibrio della normale fisiologia della cute, restituendo turgore e compattezza alla pelle invecchiata del viso ed attenuando le rughe.

LA NUOVA FRONTIERA DELLA PULIZIA VISO

Si chiama Derma Clear ed è una soluzione di idrodermoabrasione incredibilmente potente che consente di pulire, idratare e nutrire a fondo la pelle. Forte degli standard di alta qualità e dell’approccio innovativo del brand Alma. DermaClear lavora delicatamente in profondità per detergere e ringiovanire la pelle, lasciandola fresca, pulita e magnificamente idratata. il trattamento è diviso in 3 fasi: detersione, purificazione e nutrimento. L’esclusiva punta rotante della piattaforma e la potente azione di aspirazione consentono un processo di pulizia profonda ed estrazione delle impurità, garantendo al contempo un’efficace penetrazione della skincare nella pelle.

Si è appena conclusa Méditerranée – Taranto e la Dolce vita, una due giorni all’insegna di arte, moda, storia, cultura e tradizioni ospitata, appunto, dal capoluogo ionico. Ospite d’eccezione della prima edizione, Gianluca Saitto, stilista eclettico che, con le sue creazioni su misura, in equilibrio tra ricercatezza e sartorialità impeccabile, ha conquistato fan del livello di Loredana Bertè, Patty Pravo, Renato Zero e Gianna Nannini.

Il couturier ha portato in piazza Castello, nel cuore della città, 30 look della sua ultima collezione, Couture in fieri; una summa dei capisaldi di stile della griffe eponima, a cominciare dalla profusione, su lunghi abiti scivolati, blazer affilati, minidress e gonne sinuose, di ricami e applicazioni rigorosamente handmade. Altro atout del marchio, la nobilitazione della figura femminile attraverso tagli dalla precisione chirurgica, effetti see-through, texture ricercate, tessuti shiny e dall’aspetto metallico, un richiamo agli outfit brillanti – letteralmente – delle icone del rock anni ‘70, eterna fonte d’ispirazione del designer. Alcune mise, inoltre, sono state completate per l’occasione dai copricapi di alta moda firmati Pasquale Bonfilio, autentico artista della modisteria artigianale.

Alcuni look dello show Couture in fieri di Gianluca Saitto

Sfilano nel cuore della città antica 30 outfit che compendiano il percorso creativo del marchio

A margine della sfilata, Gianluca Saitto ha dichiarato di aver «accettato con grande entusiasmo l’invito di Mario Rigo e Angelo Labriola, ideatori del format Méditerranée, che vogliono dare un contributo concreto alla rinascita di Taranto. Sono rimasto subito affascinato dalla bellezza nascosta del luogo, culla della Magna Grecia, un luogo ricco di tradizioni che, partendo un glorioso passato, guarda alle sfide del futuro. Nella mia ricerca, in maniera analoga, attingo alle migliori tradizioni artigianali, come il ricamo, per trasformarle in qualcosa di contemporaneo. Nel cuore della città antica ho così presentato 30 uscite che riassumono il percorso di questi dieci anni di attività, in cui sono protagonisti abiti dalle nuance dell’oro e dell’argento, look che giocano su una luminosità eccezionale, accentuata dalle preziose broderies e dai cristalli applicati a mano. Un vero omaggio al saper fare italiano».

La collezione, secondo Mario Rigo, «rappresenta un compendio delle creazioni più spettacolari di Gianluca Saitto, della sua visione di una moda in perenne evoluzione (in fieri, ovvero in divenire), in cui le tradizioni del ricamo sono rilette in un’ottica contemporanea, valorizzando gli abiti da sera e i completi con le giacche strutturate. È proprio il tipo di lavorazione sartoriale che si potrebbe realizzare nella nostra Taranto».

Uno show d’eccezione per suggellare una kermesse che intende promuovere le eccellenze tarantine

Lo show ha chiuso in bellezza una kermesse che ha trasformato il centro della città dei due mari in un laboratorio a cielo aperto che, coinvolgendo le istituzioni e l’imprenditoria locale, ha immaginato soluzioni per rendere più vivibile questo scrigno di storia millenaria affacciato sullo Ionio. Tirando le somme, Rigo e Labriola hanno posto l’accento sull’importanza «di organizzare un primo grande evento di haute couture a Taranto, l’inizio di una lunga serie di eventi nati per valorizzare la nostra città e il fatto a mano. L’obiettivo è far riscoprire i valori del nostro territorio, le sue radici, la sua arte e cultura con atteggiamento costruttivo. Per questo abbiamo innescato, tramite una tavola rotonda e la sfilata di Saitto, alcune progettualità per recuperare antichi mestieri e botteghe artigiane nei palazzi nobiliari in fase di restauro.

Vogliamo ad esempio rilanciare la tradizione locale del bisso, tecnica dell’alta moda che può rinascere grazie ai giovani. E creare un ponte con Milano, visto che la Puglia è un polo produttivo importante il settore fashion. Taranto potrebbe formare le nuove generazioni nel recupero di questi mestieri in via di estinzione, dando loro un’opportunità per restare attivamente in loco. Insieme all’amministrazione comunale e a numerosi imprenditori, faremo risaltare la bellezza spesso nascosta di questo territorio. Ringraziamo Gianluca Saitto che, per primo, ha messo a disposizione la sua arte sartoriale per far conoscere in modo inedito la città antica».

Nell’immagine in apertura, il finale della sfilata di Gianluca Saitto a Taranto

Dal 17 settembre al 3 ottobre l’Oktoberfest 2022, l’attesissimo appuntamento per gli amanti della birra torna in scena al Theresienwiese di Monaco. Birra bavarese, o Bayerisches Bier, scorrerà a fiumi e rappresenterà, come ogni anni, il fil rouge della manifestazione. Ma la bevanda al luppolo non sarà l’unica attrazione della festa ottobrina: parate, attrazioni e spettacoli intratterranno i visitatori tra un boccale e l’altro. E per i buongustai, l’esperienza birraia nella città tedesca non si limita ai confini del parco sede dell’Oktoberfest. A Monaco infatti, si trovano Brauereien e locali storici che sono tappe obbligate per gli appassionati e gli intenditori della birra. Ecco allora le 5 migliori birrerie selezionate da Civitatis, azienda leader nella vendita di visite guidate, escursioni e tour gratuiti.

Hofbräuhaus, la birreria per eccellenza di Monaco di Baviera

La Hofbräuhaus non è solo la birreria più famosa di Monaco, ma è considerata da molti la migliore della Germania. Fu fondata nel XVI secolo, quando il duca Guglielmo V di Baviera ne fece il principale fornitore di birra Weissbier per la famiglia Wittelsbach. Oggi il locale, noto anche come HB, è di proprietà del governo bavarese.

Nelle sue sale a volta policroma si può assistere spesso spettacoli dal vivo di musica tradizionale sorseggiando un boccale di birra in un ambiente in cui respirare un’atmosfera autentica bavarese.

Biergarten Viktualienmarkt, il luogo perfetto per una birra all’aria aperta

Questo biergarten (o giardino della birra) è un luogo ideale per gustare una birra ghiacciata all’aria aperta nella suggestiva città di Monaco, immersi nel verde. Comodamente seduti sulle panchine di legno circostanti, è possibile accompagnare alla bionda (o scura che sia) con lo street food locale, acquistato nei chioschi del parco.

L’offerta del Viktualienmarkt inoltre cambia continuamente, alternando varietà provenienti dai principali birrifici della capitale, per un’esperienza en plein air ogni volta diversa.

Biervana, il paradiso dei birrai

Biervana non è né un birrificio né un pub, ma è un paradiso terrestre per chi ama la birra sopra ogni altra cosa. Tra lattine e bottiglie, più di seicento varietà e gusti provenienti dalla Baviera e da tutto il mondo sono esposti sugli scaffali del locale: un vero spettacolo per gli occhi ma soprattutto per la gola. Biervana è quindi la meta per gustare una vera birra artigianale scegliendo tra varietà provenienti da Austria, Nuova Zelanda, Belgio, Regno Unito, Germania e moltissimi altri luoghi che della birra hanno fatto una vera arte.

Agustiner Stammhaus, la Baviera in un boccale di birra

Il birrificio che dà il nome a questo e a molti altri locali della città è l’Augustiner-Bräu Wagner KG, il più antico birrificio di Monaco. L’ambiente interno si caratterizza per i dettagli art nouveau e neobarocchi che contribuiscono a ricreare un’atmosfera rétro. Inoltre, la birra è prodotta qui secondo la legge di purezza del 1516, che obbliga i birrai a produrre la loro birra con solo tre ingredienti: orzo, luppolo e acqua.

Paulaner Bräuhaus, dai birrai per i birrai

Non c’è dubbio: la taverna Paulaner Bräuhaus è uno dei luoghi da visitare in qualsiasi viaggio a Monaco. Un luogo con un obiettivo molto chiaro: creare un’esperienza autentica attraverso uno dei marchi di birra più importanti del paese. Oltre a degustare alcuni piatti a base di maiale, manzo o oca, in questo birrificio è possibile vedere da vicino la preparazione degli ingredienti della birra artigianale e conoscerne alcuni segreti (non tutti sanno ad esempio che questa bevanda è stata prodotta dai monaci dell’Ordine dei Minimi nel 1634). Oggi i birrifici Paulaner hanno conservato quasi intatti i metodi di produzione e il gusto di un tempo. 

La Milano Fashion Week dedicata alle collezioni donna Spring/Summer 2023 si è aperta, martedì 20 settembre, con la 22esima edizione dei Chi è Chi Awards, ideati e organizzati da Cristiana Schieppati, direttrice dell’omonimo quotidiano digitale, annuario e newsletter della casa editrice Crisalide Press (www.crisalidepress.it). Tenutasi nella sala Alessi di Palazzo Marino, sede del Comune di Milano (che, insieme alla Camera Nazionale della Moda Italiana, la patrocina), la cerimonia ha visto assegnare diversi riconoscimenti, rinominati a partire da quest’edizione Fashion Community Awards – Chi è Chi Awards, così da sottolineare ulteriormente il senso di appartenenza di un’industria fondamentale per il Belpaese; un appuntamento autorevole, che ogni anno chiama a raccolta – e celebra – l’intero fashion system, dai designer agli ambassador dei principali brand, passando per imprenditori, press office, manager, stampa di settore…

The Human Touch, il tocco umano scelto come filo conduttore della 22esima edizione

I premi sono stati decisi da una giuria formata da nomi di spicco del panorama modaiolo nostrano, che comprende come membro onorario il Cavalier Mario Boselli – presidente della Fondazione Italia Cina, dell’Istituto Italo Cinese e presidente onorario della Camera Nazionale della Moda, il critico e fashion feature deputy editor di Style Magazine Corriere della Sera Michele Ciavarella, Luca Dini (direttore di F e Natural Style).

E ancora, il direttore responsabile content hub moda e beauty e direttore di d Emanuele Farneti; la direttrice di Grazia Silvia Grilli; il Vanity Fair european editorial director Simone Marchetti; Francesca Ragazzi (head of editorial content di Vogue Italia); Nicoletta Polla-Mattiot, direttrice del supplemento del Sole 24 Ore How To Spend It; la caposervizio e fashion editor del Corriere Paola Pollo; Danda Santini (che dirige Io Donna e Amica); la direttrice di Donna Moderna Maria Elena Viola. A guidare il loro operato, il tema guida della XXII edizione, ossia The Human Touch, quel tocco umano che ha motivato – e continua a farlo – la straordinaria resilienza dimostrata negli ultimi anni dal settore fashion, le strategie da esso adottate per affrontare al meglio le nuove, enormi sfide che si profilano all’orizzonte, inclusione, sostenibilità, metaverso, ricerca, il rapporto sempre più stretto col mondo dell’arte.

Per la prima volta, inoltre, è stato assegnato da Comune di Milano e Chi è Chi il premio Fashion & The City, pensato per valorizzare i progetti in grado di rafforzare ancor di più il legame tra moda e città meneghina. L’assessora allo Sviluppo Economico e alle Politiche per il Lavoro con delega alla Moda e al Design, Alessia Cappello, ha consegnato il riconoscimento a Piattaforma Sistema Formativo Moda ETS, rappresentata da Matteo Secoli.

Tutti i vincitori dei Chi è Chi Awards 2022

Alberto Cavalli (al centro) tra Silvano Brescianini e Nicoletta Polla-Mattiot; Giorgia Rapezzi con Michele Ciavarella; Malika El Maslouhi; Tananai con Silvia Grilli

Di seguito, l’elenco completo dei premiati.

Premio per il sociale: Alberto Cavalli – direttore generale Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte 

Premio per l’imprenditoria: Giorgia Rapezzi – direttore creativo e co-fondatrice di Jato

Premio Elio Fiorucci Designer of the Year: Alessandro Michele – direttore creativo di Gucci 

Premio Community Touch: Michelle Francine Ngonmo – presidente Afro Fashion Association

Premio Top model of the year: Malika El Maslouhi – modella

Premio alla Carriera: Brunello Cucinelli – presidente esecutivo e direttore creativo della Brunello Cucinelli Spa

Premio Generazione Z: Tananai – cantautore e produttore 

Premio Ambassador Italian Touch: Antonio Marras – direttore creativo e costumista 

Premio Golden Couple: Gea Politi e Cristiano Seganfreddo – editori di Flash Art

Premio arte e fotografia: Brigitte Niedermair – fotografa

Premio stylist of the year: Nick Cerioni – Rock Star stylist 

Premio young designer: Marco Rambaldi – stilista

Anche Paolo Stella, scrittore e influencer, è stato premiato attraverso una votazione della community del Chi è Chi, ricevendo il Digital Creator Award; mentre Alessio Vannetti – chief brand officer di Valentino – e la pr manager Italia di Guerlain, Cristiana Villani, hanno ricevuto i Premi Barbara Vitti per il miglior ufficio stampa moda e bellezza.

Antonio Marras con Luca Dini; Brigitte Niedermair con Emanuele Farneti; Gea Politi e Cristiano Seganfreddo con Mario Boselli

Nell’immagine in apertura, tutti i vincitori dei Chi è Chi Awards 2022

È stata inaugurata a Venezia lo scorso 7 settembre, nei giorni della 76esima Mostra internazionale d’arte cinematografica, una exhibition decisamente sui generis, innanzitutto per la location galleggiante. Si tratta, nello specifico, di Lycian Princess, caicco turco di 28 metri in legno a due alberi, ormeggiato presso la Marina di Sant’Elena, proprio alle spalle dei Giardini della Biennale. L’imbarcazione ospita per tutto il mese di settembre Vedere oltre la vista, installazione itinerante di Felice Tagliaferri, scultore non vedente che vanta collaborazioni con università e istituzioni di tutto il mondo (Musei Vaticani, Accademia di Brera, MACRO, la Peggy Guggenheim Collection di Venezia, solo per fare qualche nome).

In mostra – sull’acqua – le sculture di Felice Tagliaferri, frutto del suo lavoro tattile-visivo

La produzione dell’artista si distingue per la forte componente tattile delle sculture (realizzate nei materiali più disparati, dalla creta al marmo, dalla pietra al legno, trattati sapientemente e plasmati con tecniche diverse), in linea con la sua volontà di promuovere una fruizione più democratica dell’arte, educando lo spettatore a un nuovo approccio alle opere, che non preveda l’uso esclusivo della vista. Aspetto peculiare del progetto in questione è proprio il fatto di essere accessibile alle persone non vedenti; lo stesso Tagliaferri guida personalmente gli ospiti, per mano e con la voce, in un percorso sensoriale ad hoc.

“L’esplorazione tattile di ogni mia opera rivela dettagli non percepibili con il solo uso della vista”, spiega lui, che nel 2006 ha fondato la scuola Chiesa dell’Arte, in cui si fa ricorso a un metodo di lavoro definito tattile-visivo, per cui “si guarda con le mani e si tocca con gli occhi”, per usare le sue parole. L’obiettivo, perseguito costantemente dallo scultore, è quello di abbattere ogni barriera, sia fisica che mentale, educando le persone a percepire la disabilità non come un limite ma, al contrario, come un modo differente di interpretare la vita.

Carta dei diritti delle persone con disabilità, l’opera dello scultore sul Lycian Princess per la Barcolana di Trieste

La mostra itinerante sul caicco si concluderà il 9 ottobre a Trieste, in occasione della Barcolana, storica regata velica che si tiene ogni anno nel golfo del capoluogo friulano. il Lycian Princess parteciperà, portando a bordo l’artwork Carta dei diritti delle persone con disabilità, sulla quale Tagliaferri intende far incidere le proprie iniziali a tutti i capi di stato del mondo, così da togliere dalla superficie marmorea dell’opera qualche granello e farle assumere un peso leggermente minore, veicolando un messaggio di pace e sostenibilità.

Artista a bordo, un format tailor-made che permette di fruire delle opere in modo inedito

L’exhibition si inserisce nel contesto di Artista a bordo, pensato dal curatore e art dealer Riccardo Benedini in collaborazione con l’armatrice veneziana Marina Rossi. Il format, che quest’anno vede il coinvolgimento della Onlus “Lo Spirito di Stella” del velista Andrea Stella, è inedito, un’esperienza tailor-made che offre ad artisti e designer l’opportunità di raccontarsi attraverso brevi interviste nel Mediterraneo, su un’imbarcazione già ribattezzata “prima galleria galleggiante d’Italia”. I due ideatori del progetto, infatti, hanno scelto di trasformare Lycian Princess in un luogo d’incontro, aperto ai creativi di ogni dove e alle loro idee.

Un vero e proprio salotto culturale su acqua, dunque, animato di volta in volta da installazioni d’arte, oggetti di design o mostre itineranti, per offrire al pubblico un’esperienza coinvolgente e suggestiva, seguendo la convinzione di Benedini per cui “l’arte e la cultura necessitano, in questo delicato momento storico, di riavvicinarsi alle persone attraverso un modo di comunicare più semplice, spontaneo e – sopratutto – su misura di chi ascolta”.

È possibile seguire il viaggio in mare di Felice Tagliaferri sul profilo Instagram del curatore, @riccardobenedini_. La mostra sarà visitabile, previo appuntamento, per tutto il mese di settembre (per maggiori informazioni: [email protected], +39 3200664393). Lycian Princess, inoltre, organizza tutto l’anno charter privati ed eventi; chi volesse pernottare a bordo può contattare [email protected].

Nell’immagine in apertura, una scultura di Felice Tagliaferri a bordo del Lycian Princess

Ad agosto ha compiuto 75 anni Bob Lutz, tennista americano dal palmarès stellare, che comprende cinque coppe Davis, altrettante vittorie nelle finali di doppio agli US Open, 43 titoli complessivi nel doppio (spesso in tandem con un altro mostro sacro della racchetta, Stan Smith) e 11 in solitaria. Per omaggiare uno dei campioni di tennis più famosi e vincenti degli Stati Uniti, il marchio di calzature sportive Autry presenta un video ad hoc e una versione aggiornata delle sneakers di punta della casa, che prendono appunto il suo nome.

Una doppia iniziativa per omaggiare il 75esimo compleanno del tennista

Lanciato appena prima del weekend che ha visto disputarsi le finali degli US Open, il cortometraggio, dal sapore “old school”, condensa in poche decine di secondi le prodezze di Lutz sul campo, ripercorrendole attraverso immagini d’epoca degli anni Settanta e Ottanta, quelli in cui dominò la scena agonistica. In chiusura del filmato, la telecamera indugia proprio sulle nuove trainers Autry, anch’esse dall’appeal squisitamente vintage, con tomaia candida dalla punta stondata color burro, identica tonalità della spessa para in gomma; sul lato, il sigillo del brand, col nome affiancato dalla bandiera a stelle e strisce. Retromania in piena regola dunque, per celebrare a un tempo le gesta di una figura d’eccezione del tennis, troppo spesso dimenticata, e le ginniche della label, simbolo dell’eleganza imperitura della disciplina in questione.

“Bob Lutz – dichiara Autry in un comunicato – è un campione iconico degli anni Settanta e Ottanta. Siamo orgogliosi di rendere immortali i suoi successi con una sneaker rappresentativa di un’epoca d’oro del tennis, che continua ad avere un’influenza stilistica anche al di fuori di questo sport”.
Il diretto interessato, da parte sua, dichiara: “Tutti sembrano conoscere il mio compagno di doppio per una sneaker bianca (parla del suddetto Stan Smith, ndr), mi sembra giusto avere finalmente la mia. Voglio ringraziare Autry per aver realizzato una scarpa bellissima e una campagna che ricorda al mondo del tennis la mia eredità”.

Le nuove ginniche Bob Lutz sono disponibili sul sito autry-usa.com e nei migliori rivenditori internazionali, on e offline, un elenco nutrito che comprende, tra gli altri, LuisaViaRoma, Farfetch, Saks Fifth Avenue e House of Fraser.

Nell’immagine in apertura, le nuove sneakers Bob Lutz di Autry (ph. courtesy Autry Shoes)