Autore: Silvia Stefanini

I mecenati sono i protettori di artisti e studiosi, coloro che da tempo immemore, fin dall’impero romano, quando nacque Gaio Clinio Mecenate, per l’appunto, durante il regno dell’imperatore Augusto, operano come promotori culturali, finanziatori, procacciatori di talenti e studiosi di meraviglie filosofiche, artistiche, architettoniche e culturali in generale.

Il mecenatismo ai nostri tempi

Oggi il mecenatismo ha un’aria diversa?Assolutamente no, ha solamente cambiato volto, è forse invecchiato e in parte mutato, ma è rimasto invariato nel suo scopo primario, allargando le maglie che l’arte racchiude in sé. Siamo passati, in tempi più recenti, a Peggy Guggenheim, che negli anni ’40 si impegna in prima persona per lanciare Jackson Pollock; figlia di Benjamin Guggenheim e nipote di Solomon R. Guggenheim, magnati tra i più ricchi dei loro tempi, è celebre per aver creato la fondazione omonima che, ad esempio, realizza musei in giro per il mondo.

La moda, invece, entra solo una decina di anni fa nel mondo del mecenatismo, in maniera molto evidente. Anche se Dior effettivamente allestisce un celebre servizio fotografico al Partenone di Atene nel 1951, è in tempi assai più recenti che i casi di finanziamenti e sponsorizzazioni di musei, luoghi e palazzi di grande valore artistico hanno spiccato il volo, incorporando di fatto arte e architettura nelle location di grandiose sfilate, presentazioni ed eventi, volti a promuovere in sinergia entrambe.

Le location artsy delle sfilate dei principali brand

Probabilmente non ultima di una lunga serie di collezioni itineranti, la sfilata del menswear Saint Laurent che si terrà il 12 giugno alla Neue Nationalgalerie di Berlino, disegnata da Mies van Der Rohe, è un esempio di quello che succede durante tutto l’anno, soprattutto con le sfilate dedicate alle proposte cruise o resort. Dopo la griffe parigina, toccherà poi Valentino portare lo show Haute Couture Fall/Winter 2023 allo Château de Chantilly, nella Francia settentrionale.
Ultime, in ordine cronologico, ad aver sfilato in luoghi d’eccezione sono state invece le maison Dior nel Palacio de Bellas Artes, a Città del Messico, Louis Vuitton nel Palazzo Borromeo, sull’Isola Bella, Alberta Ferretti a Castel Sismondo, in Romagna, vicino al Museo Fellini di Rimini, Gucci al Gyeongbokgung Palace di Seul, Emilio Pucci nel cuore di Firenze.

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Le ragioni del supporto dei brand a monumenti, musei e affini

Ma cosa spinge la moda a finanziare restauri, sponsorizzare location, monumenti e affini? Sicuramente un ampio ritorno dell’investimento, ma anche l’entusiasmo di investire denaro in qualcosa di sentito e vissuto interiormente, oltre che estremamente bisognoso di investimenti anche esterni.
Il legame che il fashion system sente con le proprie radici culturali, con il pensiero creativo che è alla base di una collezione, con alcuni luoghi specifici, è assolutamente viscerale e va oltre il semplice investimento. Si tratta probabilmente di un istinto di protezione e coinvolgimento, spesso anche personale.
Succede però che non tutti siano d’accordo e nel 2017 Alessandro Michele, da Gucci, riceve un sonoro rifiuto da parte di Atene rispetto all’uso del Partenone per un défilé, nonostante il possibile ritorno d’immagine internazionale e l’investimento promesso.

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Chi ha ragione, dunque? Il ministro della Cultura di allora, Dario Franceschini, che sosteneva in questa polemica lo stretto, intenso legame e dialogo tra moda e arte, oppure i detrattori della mercificazione dei beni culturali? La verità è che in Italia, di intersezioni e congiunzioni del genere, si è letto molto: Tod’s ha finanziato il restauro del Colosseo a Roma, in cambio della possibilità di sfruttarne l’immagine per 15 anni, Bvlgari si è occupata invece della scalinata di Trinità dei Monti, sempre nella capitale, per non parlare di Fendi che ha sponsorizzato il restauro della Fontana di Trevi, per poter poi sfilare – nel 2016 – su una passerella sospesa sull’acqua. Si parla di finanziamenti di milioni di euro, che danno la possibilità di intervenire per proteggere storie preziose, che corrono sempre il rischio di andare rovinate o perdute.

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Il legame indissolubile tra arte e moda

Torna quindi prepotentemente alla ribalta, al solito, il tema del legame tra moda e arte, che non può limitarsi all’inserimento di abiti e accessori nei musei. Si passa sempre più spesso attraverso la creazione, da parte degli stessi brand, di veri e propri musei a sé: parliamo del milanese Armani/Silos a Milano, della Galerie Dior a Parigi e altri ancora; un tentativo come altri, da parte dei marchi, di prendersi cura e allo stesso tempo “sfruttare” le bellezze e meraviglie del mondo per i propri scopi, offrendo in parallelo un servizio alla cultura.

C’è qualcosa di sbagliato? È pressoché certo che i detrattori della moda vedano in tutto ciò comportamenti mercificatori, laddove la cultura si dovrebbe invece ergere sopra tutto il resto; se vogliamo davvero fare un’analisi approfondita, però, perché mai non concedere a chi ha denaro da investire la possibilità, ovviamente sotto un’attenta supervisione degli enti preposti, di finanziare e prendersi cura di qualcosa che per l’umanità ha un’estrema importanza?
L’heritage, per un brand, è fondamentale, un pozzo di idee, immagini e contenuti strettamente interconnessi con la sua storia, dunque la storia stessa di un paese ha la medesima, viscerale e cosmica importanza.

La sfilata per i 90 anni di Fendi allestita su una passerella sospesa sulla Fontana di Trevi, nel 2016

Mi immergo in una favola magica e strabiliante, come in una pièce teatrale, in atti che stravolgono in un momento storia e avvenimenti vissuti finora.
Mi trovo catapultata in una dimensione che è in bilico tra fatti storici e momenti idealizzati di moda e magia; momenti che hanno definito una rivoluzione, che portavano in seno albori di oggi e ceneri di ieri.
In un attimo è il 1997, riconosco tutto, gli abiti, i bozzetti, le copertine dei giornali, gli accessori… Mi riportano a un fasto passato, a un istante che non si è più ripetuto, una fase che ha lasciato il mondo a bocca aperta più volte in poco tempo.
Quando mai una mostra è stata dedicata a un anno preciso? Semmai a un periodo, a un designer, una retrospettiva post mortem, mai però a un anno preciso, e tuttavia parliamo del 1997.

1997. Fashion Big Bang, l’anno che ha rivoluzionato il mondo fashion

Esattamente venticinque anni fa un’esplosione avvolge il mondo della moda, lasciando dietro di sé una scia di distruzione e creazione allo stesso tempo.
Un anno, il 1997, che il Palais Galliera di Parigi scopre e racchiude in un meraviglioso percorso attraverso le sue stanze, nell’esposizione 1997. Fashion Big Bang (visitabile fino al 16 luglio). L’energia creativa di un’epoca è dentro le mura di un museo, che tenta non di racchiuderla ma di raccontarla e farla rivivere a chi, forse, di quel preciso periodo sa poco o non ha avuto la fortuna di viverlo.
Il 1997 mi si dipana davanti come l’anno culminante della moda, nascita e morte, distruzione e creazione, magia e realtà, fantasia e rivelazioni. Mi tuffo così tra collezioni storiche, video musicali, storie ben raccontate nelle parole del curatore Alexandre Samson, copertine di album e giornali ovviamente abiti a profusione.

Le collezioni storiche e i pezzi unici in esposizione

Incontro John Galliano da Dior, nella sua prima collezione Haute Couture, nel cinquantenario del brand; una collezione sapientemente colorata, decisamente ispirata e terribilmente fedele al suo nuovo e immortale stilista, fotografata da Paolo Roversi (e non solo).
Intravedo con stupore e incanto il compianto Alexander McQueen da Givenchy, nel momento creativo della collezione À la recherche de la toison d’or (H.C. Spring 1997), un tripudio di oro, una collezione osannata, specchio della mirabolante creatività dello stilista inglese.
C’è anche Marc Jacobs che diventa direttore creativo donna della maison Louis Vuitton, con i suoi bozzetti e persino la sua lettera di incarico.
Mi blocco davanti alla prima collezione Haute Couture di Jean Paul Gaultier, immensa e indefinibile.

Ci sono i bozzetti e gli abiti della famosissima collezione Les Insects di Thierry Mugler, contestata genialità e assurda creatività che rivivono per l’occasione.
E ancora, la Baguette di Fendi che fa la sua comparsa, per non andarsene mai più, una borsa declinata in centinaia di modelli, pellami e varietà, simbolo di un’epoca che ne ha attraversate anche di più.
Di Colette, a Parigi, riviviamo l’apertura; una boutique concettuale, che ha passato anni a portare un nuovo concetto di moda alla città. Non ultimo, l’omicidio di Gianni Versace, avvenimento che sconvolse l’intero settore, e la prima collezione di Donatella per la maison.
Il vero e ultimo racconto, poi, prosegue nel catalogo della mostra, un autentico libro di storia del fashion.

Alexandre Samson, il curatore, è riuscito a ripetere il miracolo compiuto dal 1997, raccontandolo e portandolo in scena come effettivamente è stato: iconico e tumultuoso.

Nell’immagine in apertura, l’allestimento di una sala della mostra 1997. Fashion Big Bang al Palais Galliera di Parigi

Gli abiti attraversano il mondo, le epoche e, grazie ai “riadattamenti”, anche i musei. È così difficile immaginare che un outfit, realizzato col solo scopo di vendere o vestire qualche celebrity, possa un giorno trasformarsi in un oggetto d’arte degno di un’esposizione? Forse un tempo, ora le mostre attraversano stati e continenti per mostrare al mondo intero la meraviglia scultorea e architettonica delle creazioni dei grandi stilisti.
Dopo giri immensi, come gli amori della canzone di Antonello Venditti, si conclude il 7 maggio la retrospettiva su Thierry Mugler: Couturissime, su un designer iconico, visionario e controcorrente.

Una mostra che ha attraversato paesi, continenti e istituzioni museali

Le mostre oggi avvicinano fisicamente l’abito all’arte e viceversa, li accostano, li paragonano, li rendono un tutt’uno, come l’ispirazione da cui provengono. Couturissime è passata attraverso Canada, Francia, Germania, Paesi Bassi, Stati Uniti e, ora, sta per concludere il suo immenso viaggio il 7 maggio 2023 a Brooklyn, dopo essere partita dal Museum of Fine Arts di Montreal, dov’è stata pensata, organizzata e prodotta da Thierry-Maxime Loriot.

Dopo aver suggerito come probabilmente Karl Lagerfeld non fosse del tutto entusiasta degli abiti nei musei, possiamo dire che, al contrario, la contaminazione che ha segnato la carriera di Mugler è ben visibile, attestando la molteplicità di visioni che a loro volta serpeggiano in uno stesso settore, definendo l’eterogeneità che contraddistingue la moda nel suo divenire e, forse, avrebbe permesso allo stesso Kaiser di apprezzare la sua retrospettiva al Met.
Mugler vedeva le cose attraverso l’arte e le sue mille connessioni, dal futurismo al balletto, dal teatro alla musica. Regista di video musicali con George Michael, disegnatore di costumi teatrali per la Comédie-Française, creatore, insieme a Jean Pierre Delcros e Jean-Jacques Urcun, di armature robotiche per i suoi show avveniristici, la vita del couturier originario di Strasburgo è stata un susseguirsi di curiosità e creazione, innovazione e contaminazione.

I temi dell’esposizione

Couturissime è divisa per temi, fantasia, glamour, fantascienza, erotismo, natura; raccoglie 130 abiti, fotografie, profumi e tutto ciò che, dagli anni Settanta a oggi, ha caratterizzato il mondo creativo della maison che porta il nome dello stilista, fino alla sua morte, nel gennaio 2022. Ai materiali classici del fashion world, quindi velluti, sete, organza, paillettes, Mugler affianca soluzioni assolutamente controcorrente, capelli, reti in gomma, plexiglas, scarti di pneumatici, portando l’uso di materie prime povere, o comunque non mainstream, oltre ambiti quali arte e scultura.

Rifacendosi al teatro, la retrospettiva sembra concepita in atti, ripresi dalle spettacolari ambientazioni immaginate per il brand da scenografi di culto come Michel Lemieux o Philipp Fürhofer, o dagli esperti di effetti speciali di Rodeo FX, che hanno lavorato sui set di Stranger Things e Game of Thrones.
Un’arte pluridimensionale, quella di Thierry Mugler, che si sviluppa attraversando correnti artistiche, professioni, materiali e, fino al 7 maggio, nelle sale di un museo.

Le mostre fashion, a volte, non si pongono direttamente come multiformi, ma lo sono gli artisti. Gli abiti, infatti, si intersecano con la fotografia e la pittura, a volte si sovrappongono alla scultura, alla scienza e, perché no, alla quotidianità. Mugler ne è il miglior esempio, così come questa exhibition che lo vede protagonista, per mostrare non solo come la moda sia materia d’arte, ma anche come l’arte sia legata alla moda.

Nell’immagine in apertura, allestimento della mostra Thierry Mugler: Couturissime al Brooklyn Museum (ph. The Brooklyn Museum)

Quando Karl Lagerfeld è venuto a mancare nel 2019, insieme al suo corpo sono scomparse la creatività e il genio che lo distinguevano da anni, nonostante l’età. Karl ha raccontato storie incredibili e meravigliose, ci ha lasciato frasi celebri, ha tentato anche la strada della fotografia e di altre arti, come tanti suoi colleghi.
Come per tutti i grandi del suo tempo, è difficile immaginarne un degno sostituto, un erede che ne prenda il posto. E difficile sarà per chi verrà dopo, come del resto lo è per la sua criticatissima ex assistente Virginie Viard, che si è trovata con in mano un brand immenso come Chanel, da gestire e tenere sulla cresta dell’onda.

Met Gala 2023: l’omaggio a Karl Lagerfeld

Cosa devono aver pensato il Metropolitan Museum of Art e Anna Wintour, nel dedicare la mostra di quest’anno del celebre museo newyorchese al geniale stilista? La domanda che un curatore si dovrebbe porre, infatti, è cosa esporre e perché, da dove partire, soprattutto quando si parla di un designer che ha attraversato decenni e marchi così diversi tra loro.
I curatori sono partiti dal disegno, grande passione del kaiser della moda, com’era soprannominato, nata dopo che la madre, togliendogli la “rumorosa” musica, gli suggerisce una passione più “silenziosa”. Dal disegno nasce tutto, ed è appunto da questa “line of beauty” che origina la meritata retrospettiva del Met, al centro del gala del “first Monday of May”. Il tappeto rosso sarà tutto in onore suo e delle 150 creazioni che animeranno la mostra di primavera dal titolo Karl Lagerfeld: A line of Beauty. 

Andrew Bolton, curatore del museo, aveva proposto l’idea già nel 2019, poco dopo la morte dello stilista tedesco, ed è stato fermato poi dalla pandemia, per riproporla nella primavera di quest’anno.
A dire la verità, Lagerfeld non era favorevole all’idea che la moda fosse esposta nei musei, come dice infatti lo stesso Bolton:“Karl non si stancava mai di ripetermi che la moda non è cosa da museo. Quando abbiamo lavorato insieme alla mostra di Chanel, si è dimostrato incredibilmente generoso nel prestarci vari pezzi originali, ma non era affatto interessato alla mostra in sé”.

In mostra il lavoro di un genio assoluto della moda

Balmain, Patou, Chloé, Fendi, Chanel e il marchio che porta il suo nome daranno il loro contributo, aprendo gli archivi per permettere di esporre momenti di storia del designer, ricreando un mondo di creatività e gusto ineguagliabili.
Immaginiamo già scorrere sotto i nostri occhi abiti e bozzetti, con i video di Loïc Prigent, celebre per il suo documentario sulla maison parigina del 2005. Guardiamo materializzarsi davanti al nostro sguardo preziosi abiti ricamati, disegnati da uno dei più grandi geni del nostro tempo. 

E se Lagerfeld sosteneva che “la moda va consumata subito. Il meglio che possa accadere ad un abito è di essere indossato, non di essere esposto in un museo”, vedremo come il Metropolitan Museum riuscirà a conciliare questa sua celebre frase con l’idea stessa di esposizione. A differenza di tanti altri, il direttore creativo di Chanel, infatti, non si sentiva un artista, l’arte era secondo lui ben lontana dalla moda e viceversa, si definiva piuttosto un artigiano. Considerava il fashion un lavoro manuale, una creazione più simile al forgiare un manufatto che al realizzare un artwork.

Com’è possibile conciliare questa sua visione con una retrospettiva museale? Siamo certi che Bolton si sia posto il problema e lo avrà affrontato in maniera egregia, facendo di questa esposizione un progetto a cui lo stesso Kaiser si sarebbe appassionato. Non resta che aspettare il 5 maggio per l’apertura della mostra.

Nell’immagine in apertura, la locandina della mostra Karl Lagerfeld: A Line of Beauty (ph. Metropolitan Museum of Art)

Entrando nei Musei Vaticani, ci addentriamo in un mondo dove l’uomo si fa grande e piccolo allo stesso tempo, e ci si chiede come sia possibile che qualcuno abbia creato tanta meraviglia. Il visitatore ha quello sguardo di stupore misto a imbarazzo per la propria “piccolezza”, di fronte a opere che hanno attraversato il tempo e lo spazio, arrivando intatte e meravigliose fino a noi. Varcando la soglia della Galerie d’Apollon, al Louvre, si ha la stessa impressione di stupore e incanto.

Cosa rende l’arte paragonabile alla moda e viceversa? La ricerca, l’intraprendenza, la creatività, probabilmente la convinzione di chi la crea. “I vestiti carini per signore non sono la mia cup of tea”, sosteneva Roberto Capucci in un’intervista per L’Officiel Usa.
Entrando nella mostra dello stilista, Seriche Armature, ci si ritrova catapultati in un mondo fatto di opere più che di abiti: strutture elegantemente contorte, elementi decorativi rigidi e strutturali, dettagli grafici e architettonici, materia ricca e povera, tessuti pregiati.

Ed è così che la Fondazione Roberto Capucci e quella di Franco Maria Ricci, con la collaborazione di Sylvia Ferino, per la curatela dell’evento, permettono di immergersi nell’universo di uno dei couturier italiani più famosi, che ha dato dell’abito un concetto completamente diverso, andando ad esplorare i più svariati e struggenti ambiti dell’arte, della letteratura, della scultura, dell’architettura e di ogni forma d’espressione creativa.

In mostra le magnifiche creazioni del couturier romano, al confine tra arte e moda

Le ispirazioni principali, nel suo lavoro, provengono dalle descrizioni de Le Metamorfosi di Ovidio, in cui troviamo Dafne e altri personaggi trasformati in alberi o animali: negli abiti di Capucci si possono ritrovare questi miti, che la materia tessile traduce in vere e proprie sculture dominate dalla stoffa e dai colori, per creare delle “seriche armature”, appunto, che sembrano prescindere dalla forma del corpo.

Così Sylvia Ferino sintetizza la complessità dell’opera del maestro romano: “Chi indossa una creazione di Capucci diventa immediatamente protagonista di una scena di cui è egli stesso regista: una scena che rassomiglia ai cortei trionfali e alle feste allestite nel Rinascimento e nel’età barocca in onore di principi famosi. Capucci è più che un creatore di moda: è regista, architetto, fors’anche drammaturgo, poiché i suoi abiti dettano in un certo qual modo il cerimoniale e l’etichetta di corte, dando perciò forma all’avvenimento, così come fissano i diversi caratteri e i ruoli delle donne che li portano”. 

150 metri di stoffe per realizzare plissé in moltissimi capi, e su altri accostamenti di colori totalmente inusuali, come pure strutture e grafismi incredibili, danno all’abito inedite suggestioni che affascinano lo spettatore, come un quadro in cui perdersi, in un mondo completamente diverso da quello cui siamo assoggettati.

La speranza è quella che la mostra ospitata dal Labirinto della Masone, in provincia di Parma, che chiuderà il 16 aprile, venga nuovamente prorogata, per dar modo ad ancora più persone di vedere l’arte preferita – e indossata – da alcune delle donne più grandi in assoluto, come Marilyn Monroe, Catherine Spaak, Virna Lisi, Elsa Martinelli, Irene Brin, Rita Levi Montalcini.

Nell’immagine in apertura, un abito plissettato di Roberto Capucci in mostra a Seriche Armature (ph. by Glamour Parma)

Christian Dior presenta la sua prima collezione a Parigi, il 12 febbraio 1947, nel quartier generale del marchio su Avenue Montaigne, e da quel momento la bellissima architettura dell’edificio e la maison resteranno in sinergia. Ed è proprio nella sede storica, desiderata e di stagione in stagione ampliata dal fondatore, che nasce, dopo anni di archiviazione e recupero, il più grande museo francese dedicato interamente a una casa di moda ancora operativa.

Foto d’infanzia, disegni, bozzetti per clienti, abiti recenti e storici, ritratti, riproduzioni di pezzi iconici del marchio, video e persino un dress da sera in faille di seta, che Dior disegnò per la maison Robert Piguet, nel 1939, quasi un decennio prima di lanciare la sua griffe eponima: la vastità del lavoro condotto dalla curatrice Nathalie Crinière, insieme al Ceo del brand Pietro Beccari, è sotto gli occhi di un pubblico che fa la fila per vedere questo spazio sui generis nel cuore della ville lumière, scenografico e vastissimo.

Un luogo delle meraviglie, dove immergersi nello straordinario heritage del marchio

I sette couturier che hanno attraversato la storia del marchio rivivono, da subito, nel Diorama che circonda la scalinata di marmo, all’ingresso della mostra. In totale 1874 oggetti, riprodotti in miniature 3D, appartenenti all’universo di stile della maison e disegnati, oltre che da Christian Dior, da (nell’ordine) Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons, Maria Grazia Chiuri.
L’esposizione, permanente e aperta da poco più di un anno, fa anche eco alla vocazione da gallerista del founder. Appena entrati, infatti, si viene accolti da certificati di nascita, immagini personali, disegni e sogni, che coprono un arco temporale che va dall’infanzia alla realizzazione del suo desiderio piú grande; vecchie foto in bianco e nero lo mostrano con amici del calibro di Salvador Dalí, Christian Bérard e Jean Cocteau, e ci offrono così un ritratto non solo dello stilista, ma anche dell’artista Dior, inizialmente illustratore e in seguito proprietario di una galleria d’arte. I preziosi archivi sono stati scandagliati intensamente da Crinière, curatrice delle retrospettive e grande esperta della label, che ci offre uno spettacolo suggestivo, con scenografie elaborate e inaspettate, in perfetta sintonia con abiti, accessori, profumi e oggetti.

Un dialogo tra passato e presente della maison, attraverso una mole sterminata di materiali d’archivio

L’esperta, nella casa e nello studio di Christian Dior (che conservava maniacalmente tutto), si è ritrovata tra le mani oggetti e artefatti inaspettati; ha potuto scandagliare l’infanzia, i sogni e i progetti del couturier, mettendo a nudo sia la sua vera essenza, che quella del lavoro di chi gli è succeduto. La griffe stessa ha ereditato questa costanza nell’archiviazione di pezzi e documenti, da conservare come testimonianza del proprio glorioso passato. La Galerie nasce, dunque, sulle fondamenta di questo straordinario heritage, messo ogni giorno a disposizione di dipendenti e addetti ai lavori che lo richiedono.

Una galleria delle meraviglie in cui perdersi tra arte, fotografia, pittura e moda: al tour che permette di scoprire lo studio dove Monsieur Dior disegnava e creava, si uniscono così gli scatti di fotografe del livello di Sarah Moon o Brigitte Niedermair, agli abiti di tutte le epoche, mescolati perfettamente tra loro, i dipinti e ritratti del fondatore, ai disegni per le clienti più fidate i video delle sfilate, dalle prime alle più recenti.
La Galerie Dior ci trasporta in un mondo inesplorato, consentendoci di immergerci finalmente in un heritage eccezionale, condiviso liberamente col pubblico, in una mostra permanente e in continua evoluzione. 

Nell’immagine in apertura, materiali d’archivio Dior esposti nella nuova sede del marchio, a Parigi (ph. by Rosamagda Taverna)

La fotografia, soprattutto quella di moda, ha impiegato anni e secoli prima di riuscire a farsi spazio nel ristretto e osannato mondo dell’arte. Considerata una semplice arte applicata, in realtà spesso ha avuto tra i suoi autori pittori e artisti di vario genere che dall’arte, nell’accezione più “fiscale” del termine, sono passati alla fotografia. Inizialmente quest’ultima era un mezzo al servizio della pittura, che era invece il fine, e pochissimi si dedicavano ad essa come prima opzione creativa.

Nel 2023 è ormai un dato di fatto che la fotografia sia tra i generi da mettere in mostra in musei e luoghi d’arte, tuttavia fino al 1940 al Museum of Modern Art neppure esisteva un dipartimento dedicato. Per la fashion photography, bisogna aspettare addirittura gli anni 2000, quando le mostre sia monografiche che tematiche invadono anche il campo di abiti e orpelli, seppure come ben sappiamo con approcci ancora da definire.

È il museo a introdurre nel suo stesso spazio discorsivo la fotografia, rendendola opera d’arte, accostando ad esempio un quadro di Cézanne del 1885 e uno scatto di Odessa di Rineke Dijkstra, attraverso l’iniziativa dei suoi curatori e direttori. Eppure, ancora nel 2004, John Elderfield, curatore del MoMA, dovette spiegare la collocazione ravvicinata delle due opere citate, in quanto risultava assolutamente fuori dai canoni. Nello stesso anno, arriva al museo newyorchese la prima mostra sulla fotografia di moda: Fashioning Fiction in Photography since 1990, una rassegna all’avanguardia finanziata da Banana Republic.

I pittori come fotografi…

Prima fra tutti gli artisti diventati fotografi è Guy Bourdin, che nato alla fine degli anni ‘20 del Novecento si ritrova, nel 1950, a realizzare la sua prima mostra di disegni e quadri e tre anni dopo, sotto lo pseudonimo di Edwin Hallan, espone le sue prime fotografie. Arte e fotografia all’epoca non erano compatibili tra loro, se non per il fatto che la seconda potesse servire, appunto, per arrivare alla seconda, utilizzata quindi come un mezzo e non come fine ultimo. Si rendeva necessario, quindi, utilizzare un nome diverso, per non confondere il pubblico sul valore del proprio lavoro.

Nel 1955 Bourdin inizia a lavorare per i magazine del settore, da Vogue ad Harper’s Bazaar, passando per i più illustri brand. L’influenza di arte e pittura resterà fondamentale nelle sue opere, e trarrà ispirazione anche dal cinema. La parte surrealista che lo tiene legato alla pittura resta l’elemento visivo e narrativo più ricorrente, definendo un mondo di sogni e provocazioni.

… E gli stilisti come curatori

È Armani a scegliere di mostrare, nel suo tempio artistico creato ad hoc, i capolavori di Guy Bourdin, celebre in Francia e nel resto del mondo come uno dei fotografi più visionari, per i suoi colori, le sue visioni surrealiste, le sue provocazioni.

All’Armani Silos, re Giorgio sceglie di esporre talenti della moda, abiti, fuoriclasse della fotografia, nonché di creare una narrazione su se stesso e sulle collezioni succedutesi nei decenni. Lo stilista piacentino è, in questa veste, curatore delle sue stesse rassegne e anche di exhibition monografiche e tematiche d’arte, architettura e fashion, appunto.
Oggi l’arte ha un respiro molto ampio, un pittore può essere fotografo e viceversa, un designer può essere un curatore, quest’ultimo può essere facilmente un artista. La creatività lascia spazio alla propria interpretazione della realtà, attraverso qualsiasi mezzo.

La mostra Guy Bourdin: Storyteller è aperta al pubblico dal 24 febbraio al 31 agosto 2023.

Nell’immagine in apertura, una veduta della mostra Guy Bourdin: Storyteller, all’Armani Silos (ph. courtesy of Armani Silos)

Stilare una classifica dei peggio vestiti di questo Sanremo 2023 sarebbe stato interessante, ma pure alquanto ovvio. Gli interventi della polizia della moda, quindi, nell’ultima serata ve li risparmiamo. Parliamo piuttosto dei meglio vestiti di tutto il Festival, cantanti e co-conduttori che la polizia non ha mai arrestato.
La kermesse ci lascia con la vittoria di Marco Mengoni. Ne riparleremo all’Eurovision, per ora la fashion police va in ferie, ha avuto il suo bel daffare. 

Levante

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Per lei look ogni sera azzeccati, Etro e lo stylist Lorenzo Oddo sono da premiare. Un’immagine curata, eterea ma anche glam e sexy, che la caratterizza perfettamente e dà enfasi alla sua immagine. Perfetta sempre. Outfit preferito dalla polizia della moda, quello della prima serata.

Coma_Cose

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Stupendi nei loro look Vivienne Westwood, grazie allo styling di Giorgia Cantarini. Anche la loro immagine di coppia è stata curata e gestita magistralmente. Anche qui, mise preferita quella della prima serata.

Chiara Ferragni

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Amata e odiata, criticata e osannata, la regina delle influencer ce l’ha fatta a gestire tutto con il suo carattere. Le diamo atto, è stata se stessa. Schiaparelli e Dior le donano particolarmente. Look preferito, anche nel suo caso, quello della serata inaugurale in Dior, in oro con tuta sotto.

Elodie

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Non le si può dire nulla, dal make-up agli outfit, Lorenzo Posocco, con Gucci e The Attico, sa il fatto suo. La preferivamo con Ramona Tabita? Forse sì, ma la sua immagine sta comunque prendendo il volo. Avremmo proceduto all’arresto solo la prima sera, quando l’hanno trasformata in un piccione.

Paola & Chiara

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Nick Cerioni sa da sempre come fare, e ha modificato la loro immagine senza trasformarla davvero in modo stonato. Pulite eppure cariche, eleganti ma sfacciatamente anni 90, trash ma sofisticate. Non era facile, ma ce l’hanno fatta. Dolce&Gabbana su di loro risulta perfetto.

Volete il premio del peggio vestito? Spetta ad Anna Oxa. Abbiamo sperato nel suo ritorno trionfale, nella sua voce paradisiacamente infernale, e invece è tornata sciatta e incurabile. Peccato! Resta un’icona indiscussa, ma non ha brillato, assolutamente.

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Un post condiviso da SANREMO 2023 💐 (@festivaldisanremorai)

Nell’immagine in apertura, i conduttori della finale, Gianni Morandi, Amadeus e Chiara Ferragni, in total look Schiaparelli (ph. Ansa)

La serata delle cover, appuntamento immancabile del Festival, svela tutte le peculiarità dell’animo italiano, trasforma le case nostrane in un immenso karaoke e i social in un imperdibile revival/amarcord.
La polizia della moda è intervenuta qualche volta nel backstage, cominciamo a pensare che intervenire prima sarebbe decisamente meglio, considerato che alcuni stylist si oppongono anche strenuamente alle decisioni non attribuibili a loro (vedi il caso di Leo Gassmann, presentatosi in canottiera la sera prima contro il volere della sua stylist, che si è prodigata affinché il web sapesse che la scelta non era sua). Stasera, comunque, ci aspetta la finale! Siamo prontissimi all’intervento a sirene spiegate…

Arisa

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È suo il caso shock dell’abito uguale alla violinista di Lazza e a quello di alcune influencer, una stupenda creazione di Rick Owens; tuttavia è inaccettabile che nessuno lo abbia visto o capito prima, specialmente l’ufficio stampa.

Anna Oxa

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L’autrice di Senza pietà è di nuovo in arresto, sono lontani i tempi dei look strepitosi e delle sue fashion performance, capisco l’età ma la tuta da casa no.

Marco Mengoni

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Con la voce che si ritrova, non è necessario vestirlo con glitter e lustrini. Il completo bianco gli avrebbe reso onore comunque.

Articolo 31

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Dal completo di Fedez a loro vestiti in pieno revival anni ‘90. La tuta con logo e glitter era un po’ troppo, dissonante rispetto all’immagine da adulti data nelle sere precedenti. La polizia non interviene perché impegnata a commuoversi sul medley, pazzesco.

Menzione d’onore per le peggiori cose viste e sentite

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Un post condiviso da DATE WITH VERSACE (@datewithversace)

Carla Bruni non ha mangiato per due settimane per entrare nel suo Versace; era meglio non dirlo, Lorella Cuccarini non ha dovuto, eppure l’etá è la stessa. Ingessatissima nell’abito e nel botox, bellissimi solo i gioielli. 

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Nell’immagine in apertura, Arisa duetta con Gianluca Grignani durante la serata delle cover (ph. by Gian Mattia D’Alberto/LaPresse)