Tag: Enrico Maria Albamonte

Una botta di vita, una fuga per la libertà carica di sense of humour ma anche di pathos per prendere le distanze da malattie e problemi in un’America densa di contraddizioni che nel 2016 affrontava la campagna per le presidenziali destinate a portare Donald Trump nella sala ovale. Si può trovare questo e molto altro ancora nell’ultimo, intenso film di Paolo Virzì ‘The Leisure Seeker’ tratto dall’omonimo romanzo di Michael Zadoorian e che in Italia è appena uscito con il titolo ‘Ella & John’. Il film, presentato all’ultimo festival di Venezia e distribuito da 01 Distribution-Rai Cinema è un road movie pieno di sorprese e colpi di scena, vitale e romantico girato con tutta la sensibilità, la capacità di penetrazione psicologica e il fine umorismo del regista de ‘Il capitale umano’ e de ‘La pazza Gioia’ che ha valso al talentuoso cineasta italiano un meritatissimo David di Donatello per la regia. Lavorando alla sceneggiatura insieme a un valido team comprendente anche Francesca Archibugi, Virzì ha tradotto per il grande schermo la storia della fuga dei due anziani coniugi Spencer Ella (una strepitosa e carismatica Helen Mirren) e John (un Donald Sutherland sempre a suo agio in ogni ruolo, versatile e istrionico) professore di letteratura inglese in pensione, entrambi affetti da malattie gravi ma pronti a mollare casa e i figli ormai adulti, Will e Jane, per salire a bordo del loro epico camper anni’70 ‘Leisure seeker’, letteralmente ‘il cerca svago’ con cui quando erano ancora giovani i due protagonisti portavano in vacanza i figli. Partendo dal Massachusetts i due si dirigono verso la Florida con destinazione Key West per visitare la residenza di Ernest Hemingway, vero e proprio idolo letterario di John, che ne cita in continuazione frasi e massime. Una fotografia piena di naturale respiro e di bellezza e inquadrature gestite al meglio anche nello spazio angusto del camper impreziosiscono un film che nobilita il valore della memoria che Ella vorrebbe disperatamente far ritornare al marito, il quale, negli anni, le ha celato alcune circostanze delicate della loro relazione. Tenerezza e forza, ma anche vitalità e voglia di godere la vita attimo per attimo, caratterizzano le coraggiose e spesso esilaranti peripezie sul viale della memoria e in parte della nostalgia dei due protagonisti, che sfidano l’ineluttabile passare del tempo, l’ormai sopravvenuta fragilità e il dolore fisico, per assaporare qualche momento di felicità e continuare a vivere in simbiosi come hanno sempre fatto, condividendo gioie e sofferenze di una lunga vita insieme. Virzì si conferma formidabile nel dosare sapientemente il dolce e l’amaro, il tragico e il comico, in un intreccio di emozioni che, con tocco garbato, lasciano il segno e fanno sorridere e riflettere per i loro risvolti di sublime umanità e autenticità.

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Foto di Claudio Iannone

A volte succede che due mondi apparentemente inconciliabili finiscano per incontrarsi. Proprio come nel nuovo film di Riccardo Milani ‘Come un gatto in tangenziale’, commedia romantica dallo sfondo sociale distribuita da Vision Distribution. Giovanni (l’esilarante e cerebrale Antonio Albanese), agiato professionista che di mestiere lavora in un serbatoio di pensieri un ‘think thank’ progressista impegnato nella riqualificazione delle periferie urbane, vede la sua vita improvvisamente sconvolta dall’incontro travolgente con l’esuberante Monica (una brillante e poliedrica Paola Cortellesi) che lavora come cameriera in una mensa per anziani, rassegnata a una vita di sacrifici e lotte quotidiane con un ambiente molto duro. Lui imborghesito sempre in giacca e cravatta, amante delle spiagge silenziose di Capalbio vive nel centro di Roma separato dalla moglie Luce (Sonia Bergamasco) snob e fintamente progressista che coltiva lavanda per trarne essenze in Provenza. Lei la ‘coatta’ coperta di tatuaggi e fan delle canotte vistose e dei pareo maculati, che vive nella periferica Bastogi alle porte di Roma, un ‘forte apache’ di borgata popolato da una pittoresca umanità. Suo figlio adolescente Alessio (Simone De Bianchi) ha intrecciato una relazione con la figlia di Giovanni Agnese (Alice Maselli). Né Giovanni né Monica, condizionati dai pregiudizi di classe, caldeggiano questa unione interclassista che è destinata a durare secondo i due genitori ‘Come un gatto in tangenziale’. Ma i colpi di scena non mancheranno e in un tourbillon di gag e un crescendo di vis comica i due protagonisti adulti scoprono mondi diversi e maturano convinzioni nuove sul rapporto possibile e auspicabile fra un ragazzetto di borgata con due zie gemelle cleptomani amanti del programma ‘Storie maledette’ e un padre Sergio (Claudio Amendola) in galera per lesioni e dall’altro una ragazza dei quartieri alti cresciuta in una famiglia apparentemente tollerante e aperta al confronto con persone di razze e ceti sociali molto diversi. Il film, che si risolve in una storia d’amore, si ispira a vicende realmente vissute dal regista che ha scoperto Bastogi per sue esperienze personali prima di ambientarci il suo film, offre oltre a tante sane risate anche molti spunti di riflessione sulla profondità e l’autenticità di certi valori come egualitarismo, democrazia, integrazione e soprattutto ‘contaminazione’. Una contaminazione di cui parla seppur con toni diversi e più drammatici anche il recente film ‘Il contagio’ tratto dall’omonimo romanzo di Walter Siti. Qui nel film di Milani si ride e si pensa anche in parte alla crisi di certa intellighenzia di sinistra che si professa paladina della diversità e del confronto. Ma l’ironia poi non sconfina mai nella polemica politica, valorizzando invece la grande umanità dipinta con un retrogusto neo-realista dei due protagonisti, bravissimi, ormai collaudata coppia comica dopo il successo del precedente film di Milani ‘Mamma o papà?’.

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“L’arte più nobile è quella di rendere gli altri felici”, parola di Phineas Taylor Barnum, l’uomo che in piena epoca vittoriana ha rivoluzionato la storia dell’intrattenimento lanciando l’idea progressista del circo con l’effetto socialmente radicale per l’epoca di sdoganare sul palcoscenico soggetti straordinari e borderline, apparentemente deformi e reietti dalla società borghese, assurti con lui ad attrazioni di un pubblico variegato. Nel suggestivo biopic-musicale dedicato a P.T. Barnum, i suoi sogni e i suoi amori, distribuito da 20th Century Fox ‘The Greatest Showman’ diretto magistralmente da Michael Gracey e con un cast stellare-il gentleman Zac Efron, la bionda Michelle Williams, l’atletica Zendaya e una Rebecca Ferguson dalle fulve chiome-il divo Hugh Jackman appare perfettamente a suo agio cantando e danzando agile come un performer di Broadway, nei panni del protagonista, inventore del ‘più grande spettacolo del mondo’. Il film che si è già aggiudicato tre candidature ai Golden Globe 2018 racconta le alterne vicende e le lotte di un uomo visionario che con le sue idee folli e anticonvenzionali fece dell’arte di far sorridere la gente un business. Coraggioso e provocatorio, ma anche romantico e sognatore, Barnum con il suo circo, prima in un edificio e poi sotto un tendone a New York, con la sua vibrante energia positiva da autentico innovatore diede un ruolo, una coscienza e un’identità a una serie di personaggi emarginati nella vita reale che uscirono dall’oscurità grazie a lui per brillare come falene sotto le luci della ribalta: dalla donna barbuta all’uomo lupo, dal nanetto promosso a generale napoleonico all’uomo più grasso del mondo, l’uomo tatuato e i trapezisti più agili che la storia ricordi solo per citarne alcuni. Di umili origini, figlio di un sarto scomparso prematuramente Barnum, sposato con la bella Charity (Michelle Williams) che invece proveniva da una famiglia della upper class e che gli dette due figlie, mirò sempre molto in alto alla ricerca di un riscatto sociale e del consenso di quel mondo élitario che lo aveva sempre rifiutato. Per questo decise di portare in tour per farla conoscere in America e nel resto del mondo la bella cantante Jenny Lind (una straordinaria Rebecca Ferguson) ribattezzata ‘l’usignolo svedese’ che gli valse il plauso dell’alta società. Diverso fra i diversi, criticato dalle masse e bersaglio prediletto della stampa bacchettona, Barnum dimostrò all’establishment conservatore e classista che la posizione sociale di un uomo non è determinata tanto dal censo quanto dalla sua fervida immaginazione. Del resto la sua carriera nello showbiz si svolse in America il luogo dove ogni sogno si può avverare e i visionari possono esprimersi in libertà e senza tabù. Il film è una sfolgorante apoteosi di una dimensione immaginifica e straordinaria dell’intrattenimento dove tutto è possibile, fra magnifiche coreografie, soundtrack da cardiopalma e abbaglianti luccichii di cristalli –Swarovski ha contribuito in parte alla realizzazione dei magniloquenti abiti di scena creati dalla formidabile costumista Ellen Mirojnick-accanto a momenti di struggente e intenso romanticismo come l’idillio contrastato fra Phillip Carlyle (un talentuoso Zac Efron) socio di Barnum e rampollo di una famiglia facoltosa e la povera ma bella Anne Wheeler (Zendaya che rimarrà un’icona con il suo body lilla scintillante) reclutata da Barnum fra le trapeziste. Una curiosità: il motivo musicale ‘This is me’ cantato dall’intero cast del film e scritto dagli stessi parolieri di ‘La La Land’ potrebbe essere fra le canzoni favorite agli Oscar 2018 per la ‘miglior canzone originale’. Lasciatevi conquistare dalla passione contagiosa di un film che è un inno alla gioia, ai sogni e alla libertà di cambiare.

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Che prezzo saremmo pronti a pagare per la piena condivisione dei nostri dati online e il superamento di ogni confine della privacy in una società dove “i segreti sono bugie” e “vedere è bene ma conoscere tutto è meglio”? A queste e ad altre domande tenta di rispondere il film ‘The circle’ diretto da James Ponsoldt. Distribuita da Adler Entertainment e Good Films, la pellicola è tratta dal romanzo ‘The circle’ di Dave Eggers che ha collaborato attivamente alla scrittura di questo film. Nel cast accanto al talentuoso Bill Paxton il film esibisce Tom Hanks ed Emma Watson. Quando Mae Holland (Emma Watson) viene assunta per lavorare a The Circle, la prima azienda di tecnologia e social media del mondo, è sicura di aver vinto la lotteria. Man mano che progredisce di grado e posizione nella società Mae viene incoraggiata dal fondatore della società Eamon Bailey (il premio Oscar Tom Hanks) che nel film sembra quasi un visionario stile Steve Jobs, a rinunciare totalmente alla propria privacy e a vivere la sua vita in un regime di trasparenza assoluta e di connettività totale dei propri dati. Ma il bello-si fa per dire- è che nessuno è veramente al sicuro quando tutti hanno la possibilità di guardare. La società crea delle micro videocamere wireless collegate via satellite che sono in grado di ‘spiare’ e monitorare la vita di chiunque in ogni parte del mondo e la società acquista il potere di elaborare analiticamente in tempo reale i dati incamerati grazie a un algoritmo. L’inventore del sistema social di The Circle chiamato True You, Ty (un validissimo John Boyega già visto in Star Wars Episodio VII- Il Risveglio della Forza) se ne vergogna e mette in guardia Mae sui rischi insiti nel meccanismo di The Circle: “Tutti siamo studiati: in questa società immagazzinano dati per aumentare ricchezza e controllo nel disprezzo della privacy”. Quando Mae si mette totalmente a nudo a The Circle rendendo la sua vita completamente trasparente scopre le tare del sistema e decide di reagire. Il film è basato sull’interpretazione della giovane eroina, la Watson al quale viene dato ampio risalto drammatico soprattutto nelle sequenze ad alta tensione narrativa dove emerge il carattere del personaggio, determinato ma assolutamente privo di cinismo e portatore di sani valori e vivacità intellettuale. “Quello che temo veramente è il mio potenziale inespresso” dice la protagonista in una sequenza del film che è interessante e avvincente proprio perché si interroga sulla legittimità e i valori di un sistema di relazioni che ci riguarda sempre di più nel profondo. Da vedere.

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L’epopea cinematografica Trash di Trainspotting tratta dalle pagine di Irvine Welsh e affidata alla magistrale regia di Danny Boyle che così tanto con il suo cinema dalle tinte forti e psichedeliche ha connotato la stagione degli anni’90 torna con il sequel del cult movie di 20 anni fa ‘T2 Trainspotting’, distribuito in Italia da Warner Bros. Pictures. Più che una classica reunion una vera e propria palingenesi del cast originale comprendente Ewan McGregor nel ruolo di Mark Renton ma anche il formidabile Robert Carlyle nei panni dello scatenato e irascibile Francis-Franco Begbie (alle prese con una dipendenza da viagra) affiancati dal cocainomane Simon Sick Boy interpretato dallo scanzonato Jonny Lee Miller e il bravissimo Ewen Bremner nel ruolo non facile di Daniel ‘Spud’ Murphy che si è rovinato la vita con le droghe. Dopo ventun anni a parte qualche chilo in più i ragazzi non sono cambiati granché e in definitiva non hanno perso smalto: lungo la strada hanno perso il compagno di bravate Tommy e ora emergono antichi rancori e nuove passioni e idee su come sbarcare il lunario. Vent’anni prima Renton si era defilato dai suoi amici a Londra dopo una rapina portando con sé la refurtiva di 16.000 sterline di cui aveva lasciato una quota di 4.000 a Spud, il più debole e indifeso del gruppo lasciando tutti gli altri però con un pugno di mosche in mano. Oggi Mark, che in questi anni ha vissuto ad Amsterdam con una donna che non lo ama più e non gli ha dato figli, torna a Edimburgo dove tutto ha avuto inizio. Qui, constatata la perdita della madre prova a riannodare i rapporti con Sick Boy e Spud, ancora schiavo delle sue dipendenze, alla ricerca della via migliore con cui incanalarle. La novità è Veronika (una spassosa e assertiva Anyela Nedyalkova), donna di piacere della Bulgaria che la sa lunga e collabora alle truffe e ai ricatti organizzati a tavolino da Sick Boy. Nel frattempo Begbie riesce a evadere dal carcere dove è stato confinato per omicidio per la rabbia di essere stato raggirato dal suo miglior amico Mark Renton e organizza piccoli furti nelle case con il figlio che invece ambisce a frequentare il college. Il film, molto ricco per la capacità del regista di gestire un’immagine doviziosa scandita da luci forti e belle inquadrature nonché dotato di un potente e inconfondibile soundtrack dove non manca Iggy Pop, affronta tematiche spesso non facili come i rimpianti, il fluire del tempo, la memoria, l’amore. Ma soprattutto questo secondo capitolo umanizza i protagonisti del primo film che ora condividono l’aspirazione alla stabilità, ad avere una famiglia e perfino dei figli, un bel voltafaccia rispetto al nichilismo eidetico e a tratti alienante del primo film, frivolo e spensierato, che a sua volta aveva rappresentato una scossa adrenalinica rispetto al compassato cinema british dei favolosi nineties. La presenza di Veronika, ispiratrice di un nuovo progetto di vita ‘ricreativo’ al quale si dedicano Mark, Sick Boy e Spud che intanto scrive dei racconti sulla sua vita e quella dei suoi amici, imprimerà una svolta al film che nel finale a sorpresa lascia presagire un sequel ulteriore. Perché come sanno i 4 ragazzi, non c’è mai occasione senza tradimento.

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Si è svolta l’altra notte all’insegna della doppia G, glamour e gaffe, l’ottantanovesima edizione degli Oscar hollywoodiani. La sfarzosa e un po’ insolita cerimonia dominata dai colpi di scena si è svolta al Dolby Theatre di Los Angeles in un’atmosfera rutilante ma anche di denuncia. Il presidente Donald Trump non si è fatto vivo né sul red Carpet né alla cerimonia di premiazione: forse un gesto politico? Ai posteri l’ardua sentenza. Intanto la serata presentata da Jimmy Kimmel che per l’incarico prestigioso ha percepito un compenso astronomico di 15 mila dollari si è svolta non senza sorprese. Infatti il film La La Land distribuito in Italia da Leone Film Group in collaborazione con Rai Cinema e vincitore di 7 Golden Globe e di 6 Oscar dei quali miglior regia (Damien Chazelle), migliore fotografia (Linus Sandgren), migliore attrice protagonista (una smagliante Emma Stone) migliore scenografia (Sandy e David Wasco) migliore colonna sonora (Justin Hurwitz) e miglior canzone (City of Stars, di Justin Hurwitz) per un disguido dovuto alla consegna della busta sbagliata è stato per errore annunciato come premio Oscar per il miglior film che invece è stato poi attribuito a Moonlight. Il film di Barry Jenkins distribuito in Italia da Lucky Red si è aggiudicato ben tre statuette fra le quali quella per il miglior film prodotto da Adele Romanski, Dede Gardner e Jeremy Kleiner, quella per la miglior sceneggiatura non originale attribuito a Barry Jenkins e Tarell Alvin McCraney e quella per il miglior attore non protagonista consegnato a Mahershala Ali. La Lucky Red di Andrea Occhipinti ha festeggiato oltre all’uscita di Moonlight in oltre il doppio delle sale, ben 140 schermi superando di gran lunga le aspettative, anche per l’Oscar al miglior film straniero a un’altra pellicola distribuita da Lucky Red e cioè ‘Il Cliente’ di Ashgar Farhadi il cineasta iraniano che ha conquistato la sua seconda statuetta. In reazione alla posizione xenofoba del governo Trump di fronte alla questione dell’immigrazione, Farhadi non ha ritirato il premio personalmente motivando così la sua scelta:“E’ un grande onore vincere questo premio per la seconda volta” – ha dichiarato per via indiretta – “Ringrazio i membri dell’Academy, la mia troupe, i miei produttori. Mi dispiace non esserci. La mia assenza è dovuta al rispetto verso i miei concittadini e gli abitanti degli altri sei paesi a cui una legge disumana ha impedito l’ingresso negli Stati Uniti. Dividere il mondo tra ‘noi’ e i ‘nemici’ crea paure, e produce una giustificazione ingannevole per la guerra. Il cinema può catturare le qualità degli uomini, combattere gli stereotipi e creare un’empatia tra gli esseri umani che oggi serve più che mai”. E se il premio Oscar come miglior attore protagonista è andato a Casey Affleck per ‘Manchester by the sea’ della Universal Pictures e prodotto da Matt Damon, quello per la migliore attrice non protagonista se l’è accaparrato la meravigliosa Viola Davis, grande e sensibile interprete del film ‘Fences (Barriere)’ distribuito anch’esso da Universal Pictures. La geniale Colleen Atwood si è confermata come la migliore costumista per ‘Animali fantastici e dove trovarli’ distribuito per l’Italia da Warner Bros.Pictures mentre il bel film di Mel Gibson con protagonista il talentuoso Andrew Garfield ‘La battaglia di Hacksaw Ridge’ distribuito da Eagle Pictures e Leone Film Goup ha portato a casa 2 statuette quella per il miglior montaggio (John Gilbert) e l’Oscar per il miglior sonoro attribuito a Kevin O’Connell, Andy Wright, Peter Grace e Robert Mackenzie.

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Li avevamo lasciati in piena bufera sentimentale ma i due non si danno per vinti: in ‘Cinquanta sfumature di nero’ diretto da James Foley e distribuito da Universal Pictures, secondo episodio della saga erotica letteraria bestseller di E L James, Christian Grey (Jamie Dornan) e Anastasia Steele (Dakota Johnson) mettono in scena una relazione che si tinge decisamente di toni dark. La bella favola amorosa che i due sembrano intrecciare nel primo film’Cinquanta sfumature di grigio’ è sottoposta a dure prove perché nella vita di Mister Grey, lo scapolo più ambito di Seattle, emergono zone d’ombra provenienti dal passato e di cui Grey sembra non voler parlare. La storia continua con un Christian Grey ferito, che cerca di persuadere una cauta Ana Steele a tornare nella sua vita. Lei esige di rinegoziare i termini del loro accordo sentimentale in cambio di un’altra possibilità. I due iniziano così a ricostruire un rapporto basato sulla fiducia, e a trovare un equilibrio, ma riaffiorano alcune figure misteriose provenienti dal passato di Christian, decise a distruggere le loro speranze di un futuro insieme. E la love story molto glamour diventa un thriller non privo di scene bollenti ma in realtà molto pruriginose più che realmente erotiche. Chi ha amato Eyes Wide Shut specialmente il Fidelio Party e 9 settimane e ½ -peraltro Kim Basinger interpreta nel film un ruolo molto enigmatico e torbido, quello di Elena Lincoln, ossia colei che ha iniziato Grey ai piaceri dell’eros- non rimarrà deluso. Nella fitta trama di intrighi e di personaggi dai risvolti più cupi come la ex sottomessa e succube di Grey, la tenebrosa squilibrata Leila Williams (Bella Heathcote) e il fascinoso boss di Ana Steele, l’editore Jack Hyde (Eric Johnson) licenziato perché denunciato da Ana Steele per molestie, si fa avanti il gioco della seduzione intrisa di potere: anche se preferisce il romanticismo alle perversioni di Grey, Ana Steele è curiosa di visitare ancora la ‘stanza dei giochi’ pur se con prudenza. Degna di nota la scena del rituale delle sfere d’argento. Il film, non privo di colpi di scena, riserva non poche sorprese anche sul personaggio di Grey e sembra a tratti virare verso la suspence, pur non rinnegando la sua vocazione alla messinscena di un eros patinato e felicemente glamourizzato. Chi ha amato i primi 2 episodi si tenga già pronto al seguito.

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“Non voglio essere patinato, punk o alternativo, voglio solo essere!”. Così Jim Osterberg, al secolo Iggy Pop, si definisce nel docu-film distribuito da Nexo Digital e da Bim, al cinema solo il 21 e il 22 febbraio, una pellicola di grande spessore narrativo che il magistrale cineasta Jim Jarmusch dedica a Iggy and the Stooges’ un gruppo rock che formatosi nel 1967 si sciolse poi nel 1973 in seguito a problemi di droga di molti dei suoi componenti e cioè Dave Alexander che morì di polmonite nel 1975, i fratelli Ron e Scott Asheton scomparsi pochi anni fa e naturalmente Iggy Pop che per un periodo fu affiancato alla chitarra elettrica da James Williamson. Quest’ultimo dopo lo scioglimento della band si dedicò all’ingegneria e all’industria elettronica mentre Iggy Pop volava in Europa per lavorare con David Bowie. Nato nella città di Ann Arbor, in Michigan, proprio nel periodo in cui si affermava la controcultura giovanile, lo stile potente e aggressivo del rock ’n’ roll di ‘The Stooges’ capitanati da Iggy Pop – una delle figure tutt’ora più appassionanti e iconoclaste della storia del rock- rappresentò una novità esplosiva nel panorama musicale della fine degli anni Sessanta. Aggredendo il pubblico con una miscela di rock, blues, R & B e free jazz, la band pose infatti le basi per quello che sarebbe stato chiamato nei decenni successivi il “punk rock alternativo” e venne così inserita dalla rivista Rolling Stone nella lista degli artisti immortali. Il nome della band ‘The stooges’ che significa ‘fantocci’ derivava dal fatto che i componenti della band ritenevano che tutti se la prendessero con loro anche se non facevano niente. Il film, pregevole per la ricerca di immagini, video e filmati, si snoda attraverso una serie di interviste a Iggy Pop e agli altri membri che si sono avvicendati nella band. Nel 1970 gli Stooges raggiunsero l’apice della fama e lasciarono un’impronta indelebile nella moda, nell’arte e nel cinema come testimonia il film ‘Velvet Goldmine’ che innescò la bomba della reunion della band nel 2003, dopo 35 anni dal suo scioglimento. Iggy Pop è particolarmente originale nel suo modo di stare sul palco che, come viene detto nel film, “dimostra che la vita è nell’attimo presente e che quell’attimo deve essere intenso”. “Faccio cucina espressa” soleva dire ai tempi d’oro l’Iguana Iggy Pop a sottolineare la freschezza delle improvvisazioni che caratterizzavano le sue performance. Una carriera anarchica fatta di successi e cadute che lo hanno consacrato assieme a The Stooges come punto di riferimento assoluto del punk americano. Dalle sue parole emerge pian piano tutto ciò che ha fatto di The Stooges una band capace di cambiare l’immagine stessa del rock anche grazie al confronto con Velvet Underground, Nico, John Cale e incontri come quelli con Andy Warhol e naturalmente David Bowie. Vibrante.

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Grande prova per un Denzel Washington in forma smagliante che sullo sfondo di una umida e accaldata Pittsburgh racconta in ‘Fences’ il dramma interiore di un eroe-antieroe, Troy Maxson, un netturbino da lui stesso interpretato prima a Brodway e poi ora sul grande schermo, un uomo che ha rinunciato al suo sogno di diventare campione di baseball per condurre un’esistenza stabile e solida accanto alla moglie Rose(Viola Davis) e perché non accettato in quanto ragazzo di colore per diventare qualcuno inseguendo il suo sogno . Nel film, distribuito in Italia da Universal Pictures International Italy e candidato a 4 premi Oscar, fra i quali quello alla miglior sceneggiatura non originale del gigante della letteratura americana August Wilson, morto nel 2005, autore della pièce vincitrice del Premio Pulitzer dalla quale è tratto il film, e quello al miglior attore per Denzel Washington che ha anche diretto e coprodotto la pellicola, emergono tutte le frustrazioni e le miserie di un uomo che è stato un fenomeno a suo modo ma che ha capito, dopo mille vicissitudini fra cui l’esistenza da homeless, che “La vita non è tutta rose e fiori” e non riesce a tenere unite le sue ultime certezze come il nucleo familiare che si sgretola a causa del desiderio di Troy di costruire un’altra famiglia con una donna diversa da Rose, gettando tutto alle ortiche. Troy dovrà difendere il suo’recinto’ e le sue dighe o ‘barriere’ (da cui il titolo del film) da tutti i conflitti con i grandi e profondi cambiamenti sociali che il popolo afroamericano stava attraversando nell’epoca, gli anni’50, in cui è ambientato il film, cambiamenti che il protagonista si ostina a rifiutare e a non riconoscere. Nella sua ottica di prigioniero di una vita meschina costruita su false certezze, Troy non asseconda le inclinazioni artistiche del primo figlio Cory (Jovan Adepo) e la vocazione atletica del secondogenito Lyons(Russell Hornsby), che vorrebbe sfruttare una borsa di studio per entrare nella squadra di Football professionistica e che poi troverà un avvenire nell’esercito. “Cosa accade-si chiede Denzel Washington nelle note di regia- quando si è bravi abbastanza ma si fallisce comunque? Dove va a finire tutta quella energia quando non puoi esprimere il tuo talento? Troy sarebbe potuto diventare un campione nel suo sport e invece è semplicemente bloccato nel tempo, mal-equipaggiato per gestire un mondo in cambiamento e frustrato per la sua occasione mancata”. Una grande regia, una scelta oculata dei costumi e una tecnica magistrale dell’inquadratura rendono questo film un monumento della drammaturgia dedicata alla denuncia sociale sulla condizione dei neri d’America, un filone affrontato con solida dignità e dei dialoghi ricostruiti con grande perizia drammaturgica. Stupenda l’interpretazione di Mykelti Williamson del personaggio di Gabriel, fratello mentalmente menomato di Troy e interessante la prova attoriale di Russell Hornsby che interpreta il secondo figlio di Troy, in perenne lite col padre. Eccezionale il ruolo che nel film e nell’opera di Wilson interpreta il blues, un’atmosfera dello spirito più che una colonna sonora.

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Storia di amicizia, fantasia e avventura ‘GGG’ di Steven Spielberg, distribuito in Italia da Medusa, è il primo film di Spielberg prodotto e distribuito (per l’America) da Walt Disney Pictures. Il film d’animazione e avventura racconta del rapporto di amicizia che sboccia fra il Grande Gigante Gentile (l’attore Marc Rylance) e la piccola Sophie (Ruby Barnhill) sullo sfondo surreale della terra dei giganti che con la loro arroganza si prendono gioco di GGG e minacciano gli umani e i sogni dei bambini. Ambientata in Inghilterra e tratta dal romanzo di Roald Dahl, questa favola tecnologica esordisce a Londra dove in un orfanatrofio la piccola Sophie non riesce a dormire e così incontra un gigante, che la porta nel suo mondo, dove vivono altri giganti. Questi giganti si nutrono di carne umana (soprattutto bambini), ma il gigante che ha rapito Sophie non è come tutti gli altri: il suo nome è GGG (acronimo di “Grande Gigante Gentile”), è l’unico della sua specie che non mangia uomini e per di più è molto gentile e socievole. Sophie e GGG diventano amici, e la bambina aiuta il gigante nel suo lavoro: creare e portare bei sogni ai bambini addormentati. Il provvido intervento delle truppe di Sua Maestà la regina d’Inghilterra (interpretata da Penelope Wilton) salverà gli uomini dalla prepotenza dei giganti carnivori e cementerà l’alleanza e l’amicizia fra il gigante e la bambina. Film notevole e magico, fiaba antibrexit e anglofila, l’ultima fatica di Steven Spielberg segna un ritorno ai film fantastici ricchi di effetti speciali come E.T. e altri capolavori di tecnica cinematografica. Spielberg vola alto con la fantasia avvalendosi di una tecnologia digitale ‘foto-realistica’ che consente agli attori di interagire davvero anche sullo stesso set o su set di dimensioni diverse, commisurati alle dimensioni dei vari personaggi. Con questa pellicola onirica e innovativa Spielberg si conferma uno dei più geniali e visionari interpreti del genere fantasy rappresentando con GGG un eroe positivo un po’ maldestro e ingenuo ma rigorosamente vegano in una storia che lancia un messaggio positivo importante: quando la realtà prende una brutta piega gli adulti sono pronti a usare il loro potere per soccorrere e salvaguardare l’innocenza dell’infanzia.

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FELLINI E LA MODA- PERCORSI DI STILE DA CASANOVA A LADY GAGA
AUTOR|GIANLUCA LO VETRO
PUBLISHED BY|MONDADORI BRUNO

Geniale, poliedrico, visionario: in una sola parola un poeta-sognatore che ha inventato e re-inventato la favola del cinema italiano, facendone lo specchio di un immaginario fervido e vertiginoso che è un po’ l’esegesi stilizzata del nostro vivere. Tutto questo è stato ed è ancora Federico Fellini, osannato in tutto il mondo non solo per la sua eccezionale maestria nel creare pellicole indimenticabili, ma anche e, soprattutto, per costruire e manipolare un immaginario che ha avuto e continua ad esercitare un forte ascendente anche sulla generazione Y. Tanto che, se fosse ancora in vita, oggi suo malgrado sarebbe definito insieme alla formidabile Giulietta Masina un grande e ineffabile ‘influencer’, per usare il lessico dell’era digitale.
Difficile identificare in poche righe tutti gli stilisti, i designer, gli artisti e in generale i creativi ‘influenzati’ dalla sua vena immaginifica e onirica, capace di evocare interi mondi. In attesa di leggere il nuovo libro ‘Olimpo’, a cura di Rosita Copioli, in uscita nel 2017, in cui Fellini ripercorre gli archetipi della nostra immaginazione – suo tratto artistico distintivo e magistrale – con la libertà fantastica e l’intelligenza critica del grande romanziere ,svelando gli addentellati fra il grande cineasta e il mondo del costume e della società del suo tempo e soprattutto del nostro, l’iperbole del genio proteiforme felliniano è il soggetto centrale delle 148 pagine del volume ‘Fellini e la moda – percorsi di stile da Casanova a Lady Gaga’, pubblicato da Bruno Mondadori e scritto dal giornalista, studioso e docente universitario Gianluca Lo Vetro. L’autore riesce a cogliere, basandosi su alcuni riferimenti iconici, le connessioni della poetica felliniana con l’attualità, catturandone la longevità espressiva. Le propaggini di questa visione dell’estetica e della società arrivano fino al mimo Lindsay Kemp, che ha influenzato la gestualità di scena e le pose di David Bowie, ma anche le performance di Leigh Bowery, che tanto scandalo provocarono fuori dai circuiti underground degli anni Ottanta, fino a influenzare il make-up delle modelle di una memorabile collezione di Alexander McQueen. Felliniano, a dir poco, è sempre John Galliano. Il geniaccio di Gibilterra ha architettato collezioni che sono palesemente ispirate a Fellini soprattutto quando, mandando sulla passerella per la haute couture di Dior delle donne-prelato, ha reso omaggio in modo dissacratorio alla sfilata degli abiti talari tratta da un indimenticabile passaggio del film ‘Roma’. L’immaginario felliniano e la sua eco sono molto pervasivi nell’opera psichedelica e sopra le righe di David LaChapelle, come nei film di Terry Gilliam e di Paolo Sorrentino oltre che, naturalmente, nei modelli di Dolce & Gabbana, che nel loro universo creativo richiamano sia Anouk Aimée e il suo tubino nero sia le curve dell’ubertosa Anita Ekberg, eterna incarnazione della Dolce Vita.

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Intrigante bellissima, sfaccettata come non mai Sonia Braga in questo film ‘Aquarius’ di Kleber Mendonça Filho presentato in concorso a Cannes 2016, distribuito da Teodora Film , pellicola che ha fatto incetta di premi conquistando il box office, interpreta il ruolo di Donna Clara. Che è soprattutto un’appassionata sopravvissuta: a un tumore al seno e poi alla perdita dell’adorato marito che vediamo solo nel prologo del film ambientato negli anni’80. Tenace e coraggiosa la protagonista di questa storia, critica e compositrice musicale in pensione, affronta impavida i nuovi proprietari del palazzo in cui vive da cui prende il nome il film, un bellissimo edificio anni’40 che si erge sul lungomare di Recife di cui uno spregiudicato imprenditore immobiliare ha acquistato tutti gli appartamenti tranne quello della signora 65enne.
Il film sensuale, poetico e toccante si dipana fra nostalgia e senso della memoria costellata di una serie di oggetti che raccontano una storia-dalla credenza testimone di amplessi e vicende romantiche fino a una meravigliosa e monumentale collezione di dischi in vinile che Donna Clara tratta come simulacri e oggetti sacri quasi come metafora di un passato ineffabile-e la guerra fredda che la protagonista porta avanti contro i nuovi proprietari del palazzo e in particolare contro Diego, l’incaricato della società del progetto di acquisto e ristrutturazione che rappresenta il Brasile subdolo e corrotto. Ritratto di signora che incede pensosa sul viale del tramonto incerta del futuro vivendo sola e con grazia maestosa e fiera lontano dai suoi tre figli che talora si ricordano di lei. Ancora bellissima, la donna prova a intrecciare relazioni fugaci nel tentativo di sentirsi ancora ‘viva’ come quando era innamorata di suo marito. Onore al merito alla meravigliosa colonna sonora che accompagna le evoluzioni psicologiche del personaggio principale. Accanto a Sonia Braga un cast di giovani attori di talento, da Irandhir Santos a Maeve Jinkings, fino a Carla Ribas e Julia Bernat, Humberto Carrao e Barbara Colen.

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Quando l’attrice Anne Dorval lo presentò all’attore e regista Xavier Dolan, reduce dal successo di ‘J’ai tué ma mère’, Dolan aveva accolto con incredulità e scetticismo il copione di ‘E’ solo la fine del mondo’(Juste la fin du monde), testo di una pièce teatrale del 1990 di Jean-Luc Lagarce. Ma reduce dalle fatiche del suo capolavoro ‘Mommy’ il cineasta francese, ormai osannato dalla critica e dal pubblico internazionale anche per film come ‘Laurence Anyways’ e ‘Tom à la ferme’ ha riconsiderato la sua decisione di non affrontare quella pièce e ha scelto di dirigere e trasporre per il cinema l’opera traendone un film ad altissimo impatto emotivo distribuito in Italia da Lucky Red. Il film, che ha valso a Dolan il Gran Premio della Giuria conferitogli nell’ambito dell’ultimo festival di Cannes, è un dramma sui conflitti famigliari che hanno impedito al giovane Louis (Gaspard Ulliel) scrittore di successo, di confrontarsi con i suoi parenti più stretti per ben dodici anni. La sua omosessualità e ora la sua malattia che tornato in famiglia Louis intende rivelare alla fine di un pranzo, sono solo il pretesto per rivivere nostalgie e rimpianti viscerali che ancora lo legano alla sua vecchia casa, al fratello Antoine (un grandioso Vincent Cassel) complessato e nevrotico, e alla fragile sorella Suzanne (Léa Seydoux) che il protagonista quasi non ha visto crescere. Forte e cerebrale il rapporto con la madre, interpretata da una pirotecnica Nathalie Baye: il film si dipana in una serie di dialoghi e di primi piani serrati che non danno tregua allo spettatore che percepisce la tensione latente come una lama affilata di coltello. I personaggi fra i quali la confusa cognata di Louis Catherine (una Marion Cotillard in stato di grazia) vivono ciascuno in un isolamento fatto di fragilità, rimpianti e incomunicabilità, ciascuno segregato in un muro di gomma che impedisce alle emozioni di esternarsi nella maniera più giusta per costruire un circolo di affetti sano e armonioso nel senso più pieno. Fra ipocrisia borghese e riscatto psicologico il film è un’eccellente prova attoriale e di regia in cui Dolan sembra aver superato sé stesso con una maggiore eleganza espressiva, una maturità artistica e un’asciuttezza che non precludono ma anzi valorizzano la drammaticità e il disagio esistenziale quasi bergmaniano del protagonista. Da vedere.

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Per Paterson, ‘il cellulare è un guinzaglio’, il tempo è ‘la quarta dimensione’ e ‘E’ sempre un altro giorno. Il sole sorge ogni mattina e tramonta tutte le sere’. Queste poche citazioni tratte dal film ‘Paterson’ scritto e diretto magistralmente da Jim Jarmusch e distribuito da Cinema di Valerio De Paolis racchiudono già da sole l’essenza di una pellicola d’autore acclamata come ‘film della critica’ dal Sindacato Nazionale dei Critici Cinematografici Italiani con questa motivazione: “commedia anti modernista e caustica che conferma e rinnova una volta di più la poetica del regista, in grado di fondere con estrema naturalezza lirismo e abituale quotidianità”. Paterson (Adam Driver), che si chiama come la città dove vive e lavora nel New Jersey, Stati Uniti, è un uomo fortunato: conduce una vita tranquilla appagato nel lavoro e negli affetti. Il suo lavoro di conducente di autobus, apparentemente abitudinario, gli consente di guardare il mondo e la società da vari punti di vista e con la percezione di un vero poeta dato che nelle pause fra una corsa e l’altra il protagonista scrive versi molto intensi. Inoltre convive, innamorato e riamato, con l’eclettica creativa Laura (Golshifteh Farahani) che si veste in bianco e nero, sogna di diventare una cantante country imparando a suonare una chitarra anch’essa bianca e nera ed è abilissima nel preparare deliziosi cupcake, sempre in tema con la sua ossessione per il black and white. La poesia di Paterson è nelle piccole cose, apparentemente ordinarie, è nel mondo della cultura black e del club dove si reca ogni sera a bere birra e a osservare la ‘commedia umana’ che gli scorre davanti agli occhi, è nella visione della vita che, secondo il protagonista, è strutturata come una scatola da scarpe, ama le poesie di Emily Dickinson, i versi di William Carlos Williams e le opere di Dante e Petrarca: Jarmusch è un grande fan della letteratura e della storia del nostro paese, passione forse trasmessagli da Benigni all’epoca di ‘Daunbailò’. Spassoso e davvero esilarante Marvin, il bulldog-personaggio di Laura e Paterson che dispettosamente fa in mille pezzi il taccuino dove il protagonista geniale ha messo nero su bianco le sue poesie. Il film fa riflettere sulle vite favolose e creative, cariche di talento e di passione vissute da persone che svolgono lavori ordinari e trasmette sensazioni positive nella reiterazione dei gesti quotidiani che lo sottraggono alla banalità e lo elevano all’eccezionalità dei sentimenti più autentici e di un’introspezione mai stucchevole. Da non perdere.

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In America, qualche anno dopo la tragedia dell’11 settembre i media e l’opinione pubblica definirono ‘miracolo’ l’ammaraggio nelle acque del fiume Hudson di un aeroplano pilotato dal capitano Chesley ‘Sully’ Sullenberger che il 15 gennaio del 2009 salvò da morte certa 155 persone compreso l’equipaggio di un aereo infortunato a causa dell’impatto di uno storno di uccelli nei motori. Da questa storia il 4 volte premio Oscar Clint Eastwood ha tratto ‘Sully’ un film distribuito dalla Warner Bros. Pictures drammatico, intenso e ricco di risvolti sociologici e privati molto interessanti anche per capire i meccanismi del consenso e la formazione della pubblica opinione in America. A interpretare il ruolo dell’eroe ‘Sully’ artefice del miracolo è Tom Hanks vincitore di 2 premi Oscar affiancato nel cast da Laura Linney che interpreta la moglie Lorraine e da Aaron Eckhart nel ruolo del co-pilota di Sully Jeff Skiles. Tom Hanks con la sua capacità di penetrazione psicologica del personaggio riesce magistralmente grazie anche alla formidabile regia di Clint Eastwood, che affronta la vicenda con realismo e obbiettività, a cogliere le sfumature e le evoluzioni di un uomo che dopo l’accaduto fu sopraffatto da mille dubbi e incertezze. Dopo l’evento infatti Sully venne messo sotto inchiesta da una commissione ministeriale dell’aviazione civile per capire se il suo operato corrispondeva agli standard ufficiali di un pilota esperto e responsabile. La commissione gli dette ragione alla fine. Il film evidenzia la discrasia palese fra il giudizio della gente e della stampa che non tarda a definire Sully un eroe(anche se Sully si definisce solo “un uomo che ha fatto il suo lavoro al meglio”) e il processo del sistema rigido e diffidente, troppo ancorato a regole procedurali divenute ancora più pressanti per la salvaguardia della sicurezza nazionale dopo il disastro delle Torri Gemelle. Aldilà delle simulazioni digitali con cui vengono ricostruite le dinamiche della situazione Tom Hanks fa dire a Sully davanti alla commissione:“Vi siete dimenticati il fattore umano”, un fattore che è l’unica incognita in grado di rimescolare le carte quando bisogna gestire al meglio una situazione critica. Clint Eastwood ha analizzato in modo decisamente interessante e con grande asciuttezza espressiva il contesto emotivo che circonda Sully dopo l’evento dell’ammaraggio e l’atteggiamento di chi mette in discussione le decisioni di un uomo intuitivo e intraprendente che dopo tutto ha salvato delle vite. Una bella prova d’autore.

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Film difficile ma ispirato, pervaso di mestizia e di grande cultura visiva che il regista filosofo Terrence Malick, lo stesso di ‘The Three of life’ e ‘La sottile linea rossa’ sembra assorbire come una spugna e distillare con maestria: tutto questo in ‘Knight of cups’. Distribuito da Adler Entertainment, il film è la narrazione di un viaggio, un’odissea spirituale ed esistenziale di un uomo alla ricerca di un senso, ma per lo spettatore profano resta soprattutto una grandiosa e magniloquente epopea espressiva e poetica fra l’arte, la moda, la fotografia, i nuovi linguaggi figurativi più altisonanti e icastici e l’amore per il cinema puro costruito con perizia tecnica e senso artistico pregnante e sopra le righe. Christian Bale è Rick, autore di commedie che vive a Santa Monica, un uomo irrequieto che desidera qualcosa che vada oltre la vita che conosce ma non sa cosa sia né come trovarlo. Ha rapporti problematici con il padre Joseph (un portentoso Brian Dennehy) e con il fratello Barry (Wes Bentley), legami familiari che si complicano anche a causa della perdita dell’altro fratello Billy. Interessante il ruolo che il regista affida alle figure femminili tutte interpretate da attrici di glamour e notorietà globali in ruolo tuttaltro che accessori: la sfuggente Nancy (Cate Blanchett), la conturbante Helen (Freida Pinto), la sensibile Elizabeth (Natalie Portman), la spogliarellista Karen (Teresa Palmer) che nel film interpreta la metafora della papessa, ma intrigante e un po’ perversa. Nulla sembra soddisfare Rick, né le droghe, né le feste in atmosfere neo-barocche e neppure la carriera. Ma ogni personaggio che incontra lungo il suo cammino, fino al sacerdote cattolico che parla di sommo bene e infelicità come segno della benevolenza divina, sembra servirgli da messaggero o guida. L’azione che si dipana fra le città più estreme d’America, Los Angeles e Las Vegas, fino al deserto è un delirio di immagini, accompagnate da frasi sibilline, una vertigine estetica costruita intorno a una teoria del caos, con impennate apocalittiche ( i disastri ecologici come il terremoto) e la mente concepita come teatro carico di simboli e riferimenti allegorici.
Film visionario e complesso, di notevole spessore.

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Promette di aggiudicarsi una buona posizione anche nei box office italiani ‘Ouija le origini del male’ diretto da Mike Flanagan e distribuito da Universal Pictures. La storia, che precede quella raccontata nel film Ouija del 2014 è ambientata nella Los Angeles del 1967 e descrive gli esperimenti di Alice Zander (Elizabeth Reaser, la ricordiamo tutti per Twilight) che, figlia di una chiromante e vedova del giovane marito, per sbarcare il lunario e mantenere le figlie si reinventa nel ruolo di medium procacciando sedute spiritiche totalmente taroccate a concittadini creduloni e bisognosi di un rapporto con le anime dei loro cari defunti. Ma lei è intimamente convinta di fare del bene a queste persone. Complici negli inganni di Alice sono le due figlie, la primogenita Paulina detta Lina (Annalise Basso) e la piccola Doris (Lulu Wilson). Ma la situazione prende una brutta piega e dall’inganno si passa all’evocazione del maligno quando Alice decide di comprare una tavoletta Ouija, la cosiddetta ‘tavola parlante’ che consente, grazie a una lente incastonata in una sorta di triangolo di legno, di instaurare un dialogo con uno spirito specialmente quando la si usa da soli. Così nel tranello del diabolico strumento di matrice ancestrale (è nato nell’Ottocento) cade per prima la piccola Doris che viene posseduta da un demone che a sua volta è l’anima di una delle vittime di un medico tedesco di fede nazista. Doris inizia a manifestare atteggiamenti sospetti tanto da suscitare la preoccupazione del Preside della Scuola delle due figlie di Alice, Padre Tom (Henry Thomas già visto in ‘Gangs of New York’) reso volutamente affascinante che, avendo preso i voti dopo la morte della moglie, inizia a indagare sul caso scoprendo che gli spiriti ai quali Doris ha aperto le porte della casa non hanno alcuna intenzione di lasciarla. Questo film, che racconta le difficoltà economiche realistiche di una famiglia americana in crisi guidata da una vedova con qualche nozione di occultismo, combina elementi sovrannaturali e momenti più terreni e drammatici che possono attrarre un pubblico diverso da quello che di solito frequenta il genere Horror. Il film presenta momenti terrificanti dove la tensione e la paura non sono affatto prevedibili senza indulgere in eccessi e in impennate tipiche dei film di genere. “La paura in questo film è più spontanea proprio come la musica jazz”, sottolinea il regista. Pregevole la ricostruzione dello spirito misticheggiante e dei costumi dell’epoca. Se avete apprezzato il primo film questa pellicola non vi deluderà. E occhio a non perdere i titoli di coda.

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Francesco è stato portato sullo schermo da più registi e a più riprese: da Liliana Cavani a Roberto Rossellini fino a Franco Zeffirelli e Michele Soavi solo per citarne alcuni. Questa volta con ‘Il sogno di Francesco’ distribuito da Parthénos ci provano due registi francesi, Renaud Fely e Arnaud Louvet che reinventano in chiave rivoluzionaria ma elegiaca la magnifica figura di questo santo anarchico che parlava con gli animali e si spogliò di tutti i suoi averi in nome della pace e della fratellanza per riformare un mondo dilaniato dai conflitti e dalla sete di potere. Ciò per il suo coraggio in un certo senso lo rende davvero attuale e necessario oltre che vicino al mondo in cui siamo immersi. Novità e sorprese nel dipanarsi dell’opera: oltre ad Alba Rohrwacher scelta per il ruolo di Santa Chiara (le calza a pennello) che nel film sostiene che “L’amore di Francesco protegge i suoi fratelli” ampio spazio nel film è riservato alla figura di Elia da Cortona che in realtà non condivideva il totale pauperismo e il radicale sogno di libertà e fratellanza che per Francesco doveva legare i suoi confratelli. Così il film prende le mosse dal 1209 quando Papa Innocenzo III rifiutò la prima versione della Regola francescana. Molta importanza più che alla figura di Francesco stesso, circondato da una sacra e mistica aureola, pur essendo vicino a noi ma intransigente (indimenticabili le sequenze del giullare di Dio nella neve e quella fra le prime del film in cui S. Francesco/ Elio Germano accarezza gli uccellini), è l’entourage del santo, la sua comunità e i sentimenti che vi aleggiavano. Quando Elia da Cortona tenta il suicidio si coglie tutta la tensione interiore di un uomo diviso fra spirituale eticità e interessi mondani, fra pathos e serenità, in un perpetuo intimo dissidio. Elio Germano convince con il ritmo stesso della sua recitazione scandito da una singolare tecnica che alterna sapientemente le parole e le pause e rivela anche la bravura dei due registi oltre all’ormai incontrovertibile eccellenza dell’attore, anche se appare anticonvenzionale e comunque interessante la scelta di descrivere bene i vari confratelli dell’ordine: da Elia (Jérémie Renier) a Domenico (Yannick Renier) fino al giovane Stefano interpretato da Thomas Doret.

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Cover Courtesy of Warner Bros Pictures 

Come si suol dire, quando il gioco si fa duro i duri cominciano a giocare! E nel caso di ‘Suicide Squad’, la nuova pellicola di David Ayer distribuita dalla Warner Bros Pictures sono proprio i cosiddetti ‘cattivi’ stavolta a scendere in pista per sgominare il male proveniente dai poteri esoterici scatenati da una strega. La rappresentante del governo Amanda Waller (Viola Davis) arruola una ‘squadra suicida’, una task force di pessimi soggetti votati al bene comune stavolta che, armata fino ai denti, deve fare i conti con dei mostri efferati e minacciosi che nemmeno i meta umani super eroi della Marvel, da Batman a Superman riescono a sconfiggere. Nel film incontriamo il sicario dalle straordinarie abilità Deadshot, interpretato da Will Smith, con la sua lucente corazza rossa e nera e un imprevedibile lato paterno molto tenero, la seducente Margot Robbie, già vista nei panni di Jane nell’ultima versione di ‘Tarzan’ ora calata nei panni di Harleen Quinzel, una pericolosissima pupattola dai capelli decolorati e dalle mini inguinali da Cheerleader un po’ punk che stravede per Joker, proposto ora in un’altra incredibile metamorfosi cinematografica del premio Oscar Jared Leto. Suicide Squad è il suo nuovo film dai tempi di ‘Dallas Buyers Club’ perché l’attore è molto selettivo nei ruoli e anche un po’ provocatore e il ruolo del malvagio dissociato e un po’ sadico deve averlo catturato. Fra i debutti spicca quello della spadaccina asiatica Karen Fukuhara e fra le sorprese svetta Cara Delevingne, ninfa egeria di Karl Lagerfeld prestata al grande schermo: nel film è la reincarnazione di una strega potente e dai costumi magniloquenti opera di Kate Howley che per la top model si è forse ispirata agli abiti déco e ai costumi di ‘Intolerance’ di David Griffith. Gran ricchezza nella profusione di effetti speciali da kolossal che sicuramente non deluderanno il pubblico amante del genere. Interessante il discrimine che il regista, liberamente ispiratosi ai personaggi della DC Comics, ha voluto tracciare fra l’essere cattivo e la malvagità vera che non offre alcun riscatto e mina irreversibilmente le basi della società. Da segnalare che il successo del film sugli schermi italiani è stato stellare: l’incasso del primo giorno di programmazione ammonta a 1.200.000 euro. Niente male!

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Courtesy of Sony Pictures

Un festival che si esprime con la testa ma soprattutto di pancia, sa lanciare provocazioni e appelli ed esprimere tutta la gamma delle passioni umane da qualunque parte del mondo provengano. Mai viste così tante star del firmamento hollywoodiano in un festival, quello di Cannes che normalmente più francese ed eurocentrico non si può: prossima alla celebrazione del suo Settantesimo anniversario questa grande kermesse di cinema e mondanità stellare ha portato alla ribalta il meglio del grande cinema. Sulla Croisette hanno sfilato fra gli altri Robert De Niro, Ryan Gosling e Russell Crowe (protagonisti di ‘The nice guys’), Mel Gibson, Woody Allen, Sean Penn, Charlize Theron e Julia Roberts, protagonista accanto a George Clooney di ‘Money Monster’ un bel thriller di Jodie Foster sul potere malefico e fallace dell’alta finanza in America. La giuria internazionale composta da Kirsten Dunst, Vanessa Paradis ineffabile icona Chanel, Valeria Golino splendida in Gucci e Valentino, Donald Sutherland e Mads Mikkelsen elegantissimi in Brioni e presieduta dall’australiano George Miller, il regista che ha diretto la tetralogia di Mad Max, ha decretato la vittoria della denuncia sociale e dell’impegno civile di Ken Loach. Già premiato a Cannes con ‘Il vento che accarezza l’erba’, con ‘I, Daniel Black’ Loach si è aggiudicato un meritatissimo Palmarès: il film è incentrato sui nuovi poveri, sulle crepe del modello neoliberale e sulle disfunzioni del sistema sanitario. La pellicola definita dai giurati ‘bella e semplice nella sua intensità’ in Italia sarà distribuita da Cinema di Valerio De Paolis. Il regista francese enfant prodige, amatissimo da Louis Vuitton e già famoso per ‘Mommy’, Xavier Dolan, ha portato a casa il gran premio della giuria con il bellissimo film ‘Juste la fin du monde’ distribuito da Lucky Red con Gaspard Ulliel, Lea Seidoux, Marion Cotillard, Vincent Cassell e Nathalie Baye in cui il giovane e geniale cineasta cattura l’anima dei personaggi, familiari di un giovane drammaturgo in fin di vita che torna nel grembo della famiglia dopo anni di assenza. Il pregevole film ‘The salesman’ dell’iraniano Asghar Farhadi e distribuito sempre da Lucky Red, liberamente ispirato alla pièce ‘Morte di un Commesso viaggiatore’ ha conseguito un bis di riconoscimenti: il premio di migliore attore per Shahab Hosseini e quello per la miglior sceneggiatura. Si sono divisi ex aequo il premio per la miglior regia il film ‘Baccalaureat’ di Cristian Mungiu distribuito da Bim, sulla paternità e le grandi scelte, e la pellicola ‘Personal Shopper’ con una Kirsten Stewart (che a Cannes si è presentata sul red carpet vestita Chanel anche come parte del cast di attori del film di Woody Allen ‘Café Society’ con Blake Lively e altri titani) che è un po’ personal shopper e un po’ necromante, capace di mettersi in contatto con le anime dei defunti. Nella sezione ‘Un certain regard’ in cui ha trionfato il film ‘Hymyilevä mies’, storia vera ispirata alla vita del pugile Olli Mäki, spicca il premio alla regia per Matt Ross che ha portato a Cannes ‘Captain Fantastic’ con un convincente Viggo Mortensen, commedia basata su un anticonformismo parossistico di una stramba famiglia di ragazzi geniali retta da un sistema patriarcale. Il gran premio alla giuria di ‘Un certain regard’ è andato al film d’animazione ‘The red turtle’ distribuito anch’esso da BIM. Delusione invece per il cast del pirotecnico ‘Ma Loute’ diretto da Bruno Dumont con una magistrale Valeria Bruni Tedeschi già distintasi nel film ‘La pazza gioia’ che Paolo Virzì ha presentato con successo alla Quinzaine des réalisateurs’, selezione parallela a quella ufficiale del festival, e una straordinaria Juliette Binoche che sul red carpet della Croisette ha fatto qualche capriccio da diva, il film non si è aggiudicato nessun premio come pure Julieta di Pedro Almodovar, giustamente molto atteso. E lo scandalo come in ogni festival non poteva mancare: stavolta ci ha pensato Paul Verhoeven, già regista di Basic Instinct, che ha diretto Isabelle Huppert nella pellicola ‘Elle’ un film che probabilmente non piacerà alle femministe. Glamour, colpi di scena e risate assicurate nella beffarda commedia ‘The nice guys’ distribuita da Lucky Red piena di gag alla Starsky e Hutch e di colori psichedelici in perfetto stile Seventies.

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Fuga per la libertà, per esprimere il proprio lato migliore, alla ricerca di una nuova identità sociale e personale. La grande evasione che il cinema italiano persegue da sempre oggi torna di urgente attualità in un mondo, quello della società 2.0 in fondo così digiuno di poesia. Al Festival di Cannes n° 69 e quasi in concomitanza nelle maggiori sale italiane il nuovo cinema tricolore ha issato con orgoglio il suo stendardo per far sentire sempre più forte la sua voce e il suo messaggio di un mondo più tollerabile e tollerante raccontando storie vere, appassionanti e plausibili. Fra le sbarre di un carcere minorile sboccia il ‘Fiore’ di un amore contrastato, elegiaco e molto intenso fra la giovane Dafne detenuta per piccoli furti e rapine e Josh, interpretato da un giovane attore che nella sua vita personale ha affrontato egli stesso il dolore del carcere mentre Dafne nella vita fa la cameriera. ‘Mi sembra di vivere una favola magica’ ha commentato la giovane attrice circa la sua presenza a Cannes. Il regista del film ‘Fiore’ distribuito da Bim e presentato nella sezione di Cannes ‘Quinzaine des réalisateurs’, Claudio Giovannesi, memore a nostro avviso della lezione di certi capolavori dedicati al disagio giovanile diretti da Gianni Amelio e Aurelio Grimaldi, è riuscito a cogliere tutta la disarmante, e realistica autenticità di un rapporto assoluto e paradigmatico perché comprende tutto ciò che Dafne non ha mai avuto: tenerezza, romanticismo, la prospettiva di una vera famiglia e di una vita migliore altrove, lontano da tutto e da tutti e da un padre assente Ascanio (Valerio Mastandrea) che si è rifatto una vita con una giovane rumena ed è agli arresti domiciliari. Lo stesso Mastandrea è stato scelto da Marco Bellocchio per interpretare il protagonista di ‘Fai bei sogni’ presentato sempre nella ‘Quinzaine des réalisateur’ e tratto da un toccante romanzo di Massimo Gramellini in cui l’espressivo attore romano, affiancato da Bérenice Bejo, si cala nel personaggio sofferente e disagiato di un uomo che lotta per affrontare il trauma infantile della perdita di una tenera madre. Altra perla del cinema nato nello stivale per rendere lustro alla nostra capacità di fare arte con la settima arte è ‘La pazza gioia’ del grande Paolo Virzì, che nel suo film distribuito da ‘01. Distribution’ e ‘Rai Cinema’ ha trionfato nella ‘Quinzaine des réalisateurs’ rivisitando per certi aspetti il rocambolesco road movie ‘Thelma e Louise’ con il suo tocco magico e la sua sapiente e invincibile forza creativa che sa trasformare una magistrale pellicola, per usare le parole stesse del cineasta toscano, in un ‘film terapia’ dove le due protagoniste Donatella (Micaela Ramazzotti) e Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi), condividono avventure, esilaranti peripezie e un’irragionevole euforia che sembra rievocare la ‘divina manìa’ di Platone e ‘L’elogio della follia’ di Erasmo. Le due donne fuggono dalla clinica psichiatrica in cui sono state ricoverate per recuperare i legami con un passato irrisolto e carico di rimpianti e dolore, per esplorare emozioni vere, precluse dalla loro coatta detenzione, anch’esse alla ricerca di sé stesse e di una dimensione più umana e umanizzante. Il tutto condito con umorismo raffinato e arguto che a volte sfuma nel surreale. E infine nella sezione ‘Un Certain régard’ ha svettato il suggestivo film‘Pericle il nero’ di Stefano Mordini, distribuito da BIM e prodotto e interpretato da Riccardo Scamarcio nel ruolo di un killer della Mafia che a un certo punto cerca di sottrarsi al circuito criminoso in cui ha vissuto la sua intera vita affrontando una serie di esperienze spesso pericolose e dagli accenti molto ‘noir’, alla ricerca di una via di scampo e di una autentica redenzione. Fra i produttori del film oltre ai fratelli Dardenne e Alain Attal compare anche Valeria Golino, splendida ambasciatrice del gusto e della bellezza del nostro paese come membro della giuria principale presieduta da George Miller, in questa appassionante 69esima edizione di un memorabile Festival di Cannes.

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Leonardo Di Caprio in Giorgio Armani made to measure, credits Steve Granitz

Finalmente dopo 6 nomination consecutive Di Caprio ce l’ha fatta. Ed è riuscito a strappare con l’ecologista e impattante ‘Revenant’ della Fox, film che difficilmente nel bene e nel male potremo dimenticare, premiato anche nella regia di Alejandro Gonzàlez Iñàrritu, l’ambitissima statuetta di miglior attore protagonista di fronte al profumato e scintillante parterre e alla mondovisione della super glamourous cerimonia dell’ottantottesima edizione della Notte degli Oscar che si è svolta poche sere fa al Dolby Theatre di Los Angeles. Qui di Caprio per commentare il suo trionfo ha lanciato appelli sul clima e sull’ambiente. Condotta dal comico black Chris Rock, la sfolgorante serata che è poi proseguita nelle mondanissime feste private date da Giorgio Armani nella sua boutique e da Alessandro Michele direttore creativo di Gucci rispettivamente per Di Caprio e per Madonna accanto al Vanity Fair party, ha decretato anche la vittoria di Ennio Morricone, unico italiano ad aggiudicarsi la dorata statuetta (per la colonna sonora del film di Tarantino ‘The Hateful Eight’) e subissato da messaggi di felicitazioni da parte di idoli pop nazionali come Gigi d’Alessio e leader del calibro di Matteo Renzi. Insomma una gloria italica che quasi non credeva all’onorificenza ricevuta: “L’Italia tifava per me? Meno male. Dedico il mio Oscar a mia moglie Maria: non c’è una bella musica per un film senza un grande film che la ispiri e ringrazio Quentin Tarantino per avermi scelto”. Tanta umiltà e grande lezione di stile: un esempio per i più giovani. A proposito di giovani: Brie Larson e Alicia Vikander le due miglior attrici, rispettivamente protagonista per ‘Room’ (Thriller esistenziale claustrofobico) e non protagonista per il bellissimo ‘The Danish Girl’ della Universal (nuovo volto di Louis Vuitton per la primavera-estate 2016) hanno strappato i riconoscimenti contesi da Charlotte Rampling e Cate Blanchett, due veterane del grande schermo che si sono viste soffiare l’Oscar sotto il naso. Teodora Film che ha distribuito ‘Il figlio di Saùl’ di Làzlo Némes è tornata a casa con una bella soddisfazione: un film che è un pugno nello stomaco sull’Olocausto si è aggiudicato l’oscar come miglior film straniero. Elegantissimo il vincitore, in smoking Ermenegildo Zegna. Due le statuette meritatissime che ‘Il caso Spotlight’ si è aggiudicato in questa grande notte del cinema a cinque stelle: miglior film e migliore sceneggiatura originale per la gioia della casa di distribuzione la Bim Film. Un film di spessore che riporta sotto i riflettori l’omertà dell’alto clero di fronte a casi conclamati di abusi sessuali di preti pedofili su minori, da Boston al resto del mondo: un’inchiesta da premio Pulitzer del Boston Globe nel 2002 che con questa pellicola ha riacceso il dibattito su un tema ancora molto caldo non solo nella chiesa ovviamente. Grande vittoria fra i film d’animazione per Inside Out, intelligente, lucido e poetico, dedicato a grandi e piccini, un bel vademecum sui sentimenti e sulla loro formazione. Delusione per Stallone accompagnato al galà di Los Angeles dalla bellissima compagna Jennifer Flavin: stavolta c’era quasi a mettere le mani sulla dorata statuetta giacché era uno dei favoriti per l’oscar come attore non protagonista. Da segnalare il duo dei divi in erba, Jacob Tremblay di ‘Room’ e Abraham Attah di ‘Beasts of no nations’ e la performance ‘impegnata’ della carismatica Lady Gaga che ha cantato una canzone dedicata alla denuncia delle violenze sessuali nei campus universitari.
Fra le più eleganti: Jennifer Garner in ‘Atelier Versace’, Cate Blanchett in un sublime Armani Privè floreale brodé, Naomi Watts in un fourreau Armani Privé Blu zaffiro, Julianne Moore e Daisy Ridley magnifiche in Chanel, Olivia Wilde e Sunrise Ruffalo in Valentino, il primo bianco e il secondo nero come la notte, ad accompagnare lo smoking bluette super cool sempre firmato Valentino sfoggiato dal marito Mark Ruffalo, candidato all’Oscar come miglior attore non protagonista per ‘Il caso Spotlight’. Perché si sa: la notte degli Academy Awards alla fine è una grande kermesse di moda e stardom con la S maiuscola.

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