Autore: Francesco Dossi

Dal 14 al 18 giugno 2024 si è svolta la Milano Fashion Week Uomo. Nella cornice di un calendario fitto, ma che stenta a risultare rilevante, sono state presentate le collezioni uomo per la Primavera Estate 2025. Tra nuovi debutti e attesi ritorni, poniamo l’accento su alcune delle sfilate e presentazioni che hanno maggiormente attirato la nostra attenzione.

Sfilate

Zegna, Oasi di Lino

La collezione Primavera Estate 2025 di Alessandro Sartori per Zegna si focalizza sulle silhouette, rappresentando un’eleganza avvolgente e rilassata, ma precisa in ogni dettaglio. Sartori stratifica ispirazioni, tecniche e conoscenze, trasformando il formale in un contesto che rimane raffinato. Il suo lavoro si basa su materiali pregiati come il canvas, il pelo cammello, il lino grezzo e il cotone giapponese, adattati su modelli non professionisti di età diverse. L’obiettivo è dimostrare l’impatto diretto che i capi esercitano sul corpo umano. La sfilata si è svolta in un ambiente industriale, adornato da piante di lino metalliche giallo Sentiero, creando un intreccio tra natura e industria.

La collezione è dominata dall’uso del lino, un tessuto che rappresenta la filosofia di Zegna: elastico, strutturato e sensuale. Oasi Lino, interamente tracciabile e sostenibile, definisce il guardaroba estivo italiano con pezzi leggeri e giocosi. La silhouette è morbida e disinvolta, con pantaloncini corti, soprabiti e giacche avvolgenti, e blazer allungati. Pantaloni ampi con tasche strategiche, t-shirt sartoriali e maglieria in lino completano il look, mentre il mocassino “Mocassin” incarna l’attitudine estiva italiana.

Grande entusiasmo generale per l’attore Mads Mikkelsen, il volto del brand, che ha chiuso la sfilata.

Simon Cracker, Una questione di principio

Fedeli al loro spirito punk e sempre impegnati ad applicare un pensiero critico alla moda, i designer Filippo L.M. Biraghi e Simone Botte hanno presentato una collezione che si interroga sulle “questioni di principio”.

Il virgolettato indica quella formula comunicativa con cui si giustificano prese di posizione anche insensate, che impediscono il dialogo e possono ledere i rapporti umani. Ecco perché la “questione di principio” viene rappresentata all’interno della collezione dal nodo. Si tratta di una tecnica sartoriale che permette di visualizzare il concetto di immobilità, di indisposizione all’ascolto, alla risoluzione. Un concetto affrontato nel libro Nodi dello psicologo Ronald D. Laing, 1970.

Di conseguenza, gli abiti sono stati creati quasi esclusivamente annodando lembi di tessuto, coulisse, stringhe e lacci che trasmettono un senso di unione e ornamento, ma anche di costrizione. La collezione è strutturata in quattro colori definiti “nervosi”: nero assoluto, blu marino, verde acido e viola. Colori con cui il brand ha ulteriormente sviluppato l’effetto di tintura “sbagliata”, introdotto la scorsa stagione.

Simon Cracker questa stagione ha collaborato con ben due marchi storici: Australian e Dr. Martens. Il primo è un brand italiano di abbigliamento sportivo che nasce dal tennis, ed è caratterizzato da un’influenza club-culture. Australian ha concesso a SC di mettere mano al suo incredibile deadstock di capi semi-assemblati e tessuti. Inoltre, insieme al team creativo del brand è stata sviluppata una capsule di capi tecnici neri/neon, per la prima volta riproducibili, che faranno anche parte della main-collection Australian SS25. Il forse più noto Dr. Martens, invece, ha permesso a Simon Cracker di personalizzare alcuni suoi modelli di scarpe deadstock. Tinte, assemblamenti inediti e applicazioni manuali di spille, badge e pezzi di vecchia bigiotteria hanno reso unico ciascun paio di scarpe.

Per rendere ancora più chiara la loro posizione in merito al tema, Filippo L.M. Biraghi e Simone Botte hanno dedicato la collezione a tutti quei bambini che oggi sono vittime di quelle cosiddette questioni di principio.

Neil Barrett

Con la collezione Primavera Estate 2025, Neil Barrett reinventa l’eleganza classica, rappresentata da icone come Cary Grant e James Bond. In quest’ottica sono stati applicati dettagli sartoriali, come la pochette e il fazzoletto bianco, su capi inaspettati: t-shirt, camicie, felpe e giacche Harrington. Tessuti pregiati come il raso Duchesse e il taffetà strutturato arricchiscono capispalla, blazer, camicie e pantaloni, creando nuovi volumi e trasformando la funzionalità in decorazione. La palette di colori spazia da blu, grigi e neutri a toni vivaci come rosa alabastro, bordeaux, ocra e oro. Gli elementi tecnici, come i reggi maniche integrati, rivoluzionano l’abbigliamento quotidiano. L’obiettivo è proprio quello di giocare con i concetti di funzionale e decorativo, quotidiano e d’occasione.

Presentazioni alla Milano Fashion Week Uomo

TOD’S, Intelligenza Artigianale

La collezione Uomo Primavera Estate 2025 di Tod’s segna il debutto nel menswear del nuovo direttore creativo Matteo Tamburini. In un contesto in cui l’intelligenza artificiale sta crescendo rapidamente, il marchio enfatizza l’importanza di mantenere l’artigianato e l’attenzione all’individuo al centro del processo creativo. In pieno rispetto degli standard di Tod’s, questa prima collezione di Tamburini si distingue per la qualità, i materiali pregiati e i dettagli raffinati, che incarnano un’eleganza senza tempo tutta italiana. I capispalla della collezione presentano lavorazioni innovative su lini preziosi, e alcuni appaiono doppiati con membrane e termosaldati, per un look moderno e funzionale. Il celebre Gommino si rinnova con una versione sabot in colori naturali, mentre il Bubble Gommino viene reinterpretato nel modello barca con l’accessorio T-bar.

Va posto un accento sulla collezione Pashmy, che con la sua selezione di pellami morbidi e leggeri, rappresenta l’apice della qualità artigianale che Tod’s vuole promuovere, sostenendo i valori del Made in Italy.

Noskra, Ethereal

Con Ethereal, Noskra ha realizzato una collezione che celebra la bellezza della natura, invitando a riflettere sulla connessione che essa possiede con il brand. “Sostenibilità e innovazione” stanno alla base di questa nuova linea firmata da Andrea Lonigro, sempre unisex. L’ispirazione principale deriva dalla maestosità della natura; da qui le particolari texture e dettagli nel design, che vogliono riflettere la complessità delle superfici di tronchi, foglie e rocce. I tagli e le forme morbide puntano al comfort, mentre la palette si muove tra il bianco e il nero. Un elemento chiave della collezione sono i pantaloni modulabili e versatili, pensati per adattarsi a chi li indossa: più vestibilità in un solo capo.

Paul & Shark, Hello Capri

Paul & Shark prosegue il suo viaggio estivo, iniziato nel 2023, tra le più affascinanti coste Mediterranee. Si tratta di un concetto che vede protagonista il mood Riviera, rinnovato di anno in anno seguendo sempre nuove e iconiche località. Per questa stagion, il brand fondato a Varese nel 1976 abbraccia i colori, le stampe e le vibrazioni di Capri. La collezione Riviera Capri Primavera Estate 2025 esalta uno stile minimal, ma chic. Ai costumi in tessuto stampato ultralight ad asciugatura rapida sono abbinati le polo in seta e le camicie in lino colorato. L’essenza dell’isola è catturata nella stampa realizzata con Liberty of London: un fermo immagine di Capri, dove le stradine tortuose, le bouganville fiorite, gli edifici storici e le piccole barche dei pescatori locali fanno sognare la vacanza perfetta.

CARRER

CARRER è il brand lanciato da Manu Ríos e Marc Forné nell’ottobre 2023, che mirano a reinventare i classici del workwear. Ispirato dai loro stessi guardaroba e influenzato dall’essenza delle loro città preferite, il marchio combina elementi di abbigliamento basic vintage con lo stile streetwear. La collezione Primavera Estate 2025 introduce nuovi stili estivi e più leggeri, oltre a una palette di colori più ampia. Include anche il primo set di stampe con un esclusivo pixel camo. Il camouflage è una stampa molto cara ai creatori; per imprimerla del concetto di “carrer” (strade) è stata fusa alle silhouette pixelate di più di 50 città internazionali, sovrapposte in diverse dimensioni e colori.

Questa stagione di presentazione delle collezioni Autunno Inverno 2024 2025, ha visto diversi nuovi direttori creativi misurarsi con il perenne arduo compito di ri-lanciare alcune tra le più storiche e celebri case di moda.

TOD’S e ROCHAS

Tali show si sono succeduti tra le settimane della moda di Milano e Parigi, dove rispettivamente Matteo Tamburini da Tod’s e Alessandro Vigilante da Rochas hanno ricevuto il testimone dai predecessori Walter Chiapponi e Charles de Vilmorin. Due marchi colti in due momenti opposti della loro storia. Un Tod’s in gran forma, grazie ai 4 anni di lavoro del predecessore Chiapponi; Rochas invece più instabile, alla ricerca di qualcuno in grado di ridare alla maison l’antico lustro che le era proprio.

E proprio da Rochas è passato Matteo Tamburini, designer dal curriculum notevole, e conosciuto da pochi addetti ai lavori. Classe 1982, è nato a Urbino e cresciuto a Pesaro. La sua esperienza nel settore include due anni da Rochas e due da Schiaparelli a Parigi; tre anni e mezzo circa da Pucci e più di sei da Bottega Veneta. Il suo obiettivo è quello di rendere ancora più contemporaneo il marchio Tod’s; da sempre simbolo di altissima qualità artigianale italiana, dove capi essenziali, ma sofisticati, percorrono il confine fra tradizione e innovazione.

Alessandro Vigilante, al contrario, è una figura nota nel settore, dal momento che è direttore creativo del marchio eponimo da lui fondato nel 2021. Particolarmente legato al mondo della danza, il suo lavoro spesso gira attorno all’investigazione del corpo umano in movimento. È la prima volta che assume la direzione creativa di un altro brand e per il debutto di Rochas è ripartito dagli archivi. Ne ha tratto una collezione che si ispira al contesto di massimo splendore della maison fondata da Marcel Rochas: la Parigi degli anni ’30. La mancanza di riconoscibilità è ciò di cui la maison francese soffre oggi, per cui Vigilante dovrà occuparsi di ristabilirne l’identità, nel tempo che gli sarà dato.

MILANO: BLUMARINE e MOSCHINO

A Milano, il sopracitato Walter Chiapponi ha invece presentato la sua prima collezione per Blumarine. Lo storico marchio italiano, fondato a Carpi nel 1977 da Anna Molinari e il marito Gianpaolo Tarabini, era stato catapultato nuovamente sotto i riflettori nell’era di Nicola Brognano. Caratterizzato da una visione iper-trendy ispirata agli anni Y2K, e sviluppata con l’aiuto della celeberrima stylist Lotta Volkova, Blumarine si è pian piano allontanato dalle proprie radici e forse troppo. Walter Chiapponi ha riportato in carreggiata il marchio con una collezione (e una campagna) che rimanda al suo DNA: un mondo fanciullesco, intriso di magia, spensieratezza e sottile erotismo. Caratteristiche che riportano il brand agli anni ’90, quando i capi venivano scattati da Helmut Newton ed erano ricchi di dettagli quali le ruches, le balze, il raso, lo chiffon e le stampe animalier.

Quella di un gran ritorno alle origini è anche la sensazione, piacevolissima, che ha accompagnato la collezione di debutto di Adrian Appiolaza per Moschino. Approdato nel marchio dopo la prematura scomparsa di Davide Renne, il designer argentino 51enne ha avuto pochissimo tempo per dar vita al nuovo progetto. La Collezione n.0 (così battezzata da Appiolaza) è parsa più che altro come un manifesto d’intenti; una presa di posizione rispetto al lavoro che si vuole portare avanti da qui in futuro. Grande estimatore dello storico marchio italiano e collezionista dei suoi abiti, Appiolaza ha rimesso in evidenza i meccanismi sovversivi, ironici e provocatori che caratterizzavano l’approccio alla moda del brillante Franco Moschino.

Meccanismi che nel decennio di direzione creativa di Jeremy Scott si erano persi. Ruolo fondamentale, nella riuscita di questa collezione dall’animo cauto, ma denso di significati, lo ha giocato anche lo styling di Nunzio Del Prete, già noto per il lavoro che fa da Magliano.

PARIGI: CHLOÉ e ALEXANDER MCQUEEN

Spostandoci a Parigi, il debutto della tedesca Chemena Kamali da Chloé, ha riportato in auge il “boho chic”; guadagnandosi l’approvazione sia dalla critica che dal pubblico.

Kamali ha un passato nella maison fondata da Gaby Aghion e resa celebre dalla collaborazione pluridecennale con Karl Lagerfeld. Qui, ha lavorato sotto Phoebe Philo, Hannah MacGibbon e Clare Waight Keller. Per lei, dunque, è stato un po’ come tornare a casa. L’estetica boho non è propriamente sinonimo del marchio, ma corrisponde alla fase di massimo splendore che Chlo ha vissuto nei primi 2000; e per la quale il brand è riconosciuto nel mondo. Fluidi e romantici abbiti in chiffon hanno sfilato in passerella associati a stivali al ginocchio, frange, pelle e colori poverosi. Sienna Miller in front row con Pat Cleveland e la figlia Anna, hanno contribuito a riportare a galla quell’immaginario iconico in cui le zeppe erano protagoniste. La sfida per Kamali ora sarà rifuggire dalla nostalgia e contribuire a un’evoluzione sensata per mantenere Chloé rilevante nel panorama moda.

Evoluzione che si attende forse con più ansia che mai da Alexander McQueen; la cui collezione di debutto firmata Seán McGirr è risultata la più divisiva della stagione (e forse degli ultimi anni).

Il 35enne irlandese McGirr possiede un’evidente attitudine concettuale acquisita negli scorsi 3 anni passati da JW Anderson; e proviene da una famiglia operaia come l’eternamente compianto Lee McQueen. Come ricorda la giornalista di moda Rachel Tashjian nel suo articolo per il The Washington Post, Alexander era il suo secondo nome. Un uomo dal talento unico, in grado di riversare i propri traumi e demoni interiori negli abiti che creava, rendendoli oggetti non di desiderio, ma di culto, per il resto del mondo.

L’asticella, per chi si ritrova a coordinare la direzione creativa di uno storico brand di moda, non è mai stata così alta. McGirr però si è detto eccitato dalla sfida e per nulla oppresso dal peso che un tale compito porta con sé. Come dichiarato in backstage alla stampa, ha sviluppato la collezione a partire dai sentimenti che animavano il lavoro di McQueen, piuttosto che dagli archivi del brand. Perversione, mistero, erotismo, sofferenza e impertinenza, dunque. Ironicamente però, il suo obbiettivo finale, era quello di dar vita a una collezione uplifting (edificante, esaltante ndr).

Ne è risultata una collezione per molti più vicina a un progetto sperimentale di tesi di uno studente di moda. Sono apparsi chiaramente alcuni riferimenti alla collezione The Birds della Primavera Estate 1995, da cui McGirr è partito. Si sono sovrapposti look dal preciso taglio sartoriale e identificativo della maison (Lee McQueen aveva una formazione come sarto da Savile Row). Sono apparse calzature ispirate ai cavalli dei nomadi irlandesi Pavee e abiti decorati da specchi che rimandano agli schermi frantumati degli iPhone. In chiusura, tre “car dress” in acciaio sagomato che alludevano al lavoro di meccanico del padre di McGirr. Tanti, forse troppi spunti che, anche se interessanti, hanno soffocato la possibilità di ottenere una visione o narrazione coerente e indicativa della nuova direzione che vuole prendere il marchio.

È vero anche, però, che in seguito alla bufera di critiche scagliate contro Sean McGirr, dovremmo fare tutti un passo indietro e riconoscere la difficoltà estrema di portare avanti un progetto così strettamente legato al suo fondatore. O domandarsi, piuttosto, se una manovra di questo tipo abbia ancora realmente senso.

La Milano Fashion Week si è conclusa tra gioie e dolori, lasciando una serie di punti di domanda circa la sua impostazione e rilevanza, che sicuramente porterà a interessanti confronti nei prossimi mesi.

La realtà odierna è sempre più difficile da affrontare e sembra che nuovi immaginari alternativi in cui rintanarsi fatichino a prendere forma. L’ossimoro maggiormente discusso è l’ascesa vertiginosa dei prezzi del lusso in un mondo che punta alla sopravvivenza. Inoltre, sorge un dubbio circa il ruolo effettivo della narrazione all’interno delle presentazioni delle collezioni. In diversi casi, infatti, la loro attenzione sembra essersi spostata sul prodotto anziché sulla storia che solitamente lo accompagna. Una manovra che forse risponde anche alle accuse di scarsa qualità che sui social vengono scagliate sempre più spesso alle maison di lusso, sia da parte di clienti storici, che novelli.

In questo clima di incertezze, poi, rispetto agli scorsi calendari della Milano Fashion Week alcuni brand hanno scelto di non sfilare e di optare per la formula della presentazione. Non sono mancati comunque i debutti di stagione e le proposte più sovversive di marchi emergenti e coraggiosi.

Cuore italiano: alcuni big della Milano Fashion Week

Marco Rambaldi è il grande rappresentate di quei brand emergenti che, stagione dopo stagione, stanno marciando con successo nel complesso panorama moda italiano. “Memento amori, ricordati che Devi Amare, ricordati il cuore, la notte, la felicità: alcuni l’amore lo fanno per noia, noi invece di professione” recita il comunicato stampa. Amore al centro di tutto, dunque, anche della collaborazione con Vogue Italia per il progetto con il Parlamento Europeo in vista delle elezioni di giugno 2024. I valori democratici, di uguaglianza e di rispetto sono da sempre condivisi e veicolati dal lavoro di Marco Rambaldi. I suoi capi, il suo casting e tutto l’universo del marchio sono da sempre intrisi di messaggi politici chiari e inclusivi.

A questo proposito, la collezione Autunno Inverno 2024 è sembrata una resa dei conti, in qualche modo; un momento per guardarsi indietro e trarre delle conclusioni rispetto ai risultati raggiunti. In passerella, infatti, sono apparse rivisitazioni di pezzi e lavorazioni d’archivio, dove si giocava con il concetto di coprire il corpo per mostrarlo, risaltarlo. Erotismo che libera i corpi di qualunque genere, età, forma ed etnia e li rende potenti strumenti di comunicazione. Le collaborazioni con realtà come Redaelli 1893, D-house laboratorio urbano e Cuoio di Toscana esprimono l’animo italiano del marchio, mentre quelle con UGG e Swarovski ne sottolineano l’apertura internazionale. Una collezione per trasmettere fiducia nel domani che verrà.

Rimanendo in territorio prettamente italiano, Maximilian Davis ha presentato quella che viene definita da molti la sua miglior collezione per Ferragamo realizzata finora. Una serie di look spogliati di una qualsivoglia narrazione, forse non necessaria in quanto puri oggetti del desiderio dall’allure sofisticata e dalla qualità altissima. Con lo sguardo rivolto agli anni ’20, il focus era tutto sul prodotto: dai capispalla e completi in lana agli abiti sfrangiati e trasparenti, la resa era sinonimo di lusso e frutto delle più alte maestranze artigianali italiane. I look giocavano con la monocromia e una palette che si muoveva tra il verde oliva, il mostarda e il nero. Ha fatto un gran ritorno anche il “rosso Ferragamo”, che aveva contraddistinto l’arrivo di Davis alla casa di moda quattro collezioni fa, e che sembra rimanere un suo segno distintivo.

Lo stesso vale per la collezione Autunno Inverno 2024 di Ermanno Scervino, intitolata Fashion Atlas. I capi della donna Scervino si focalizzano sulle forme del corpo femminile, interpretate come espressione di forza. Le silhouette risultano accentuate e potenti grazie all’uso di tessuti tradizionali maschili quali il gessato e le grisaglie in lana, a cui sono stati incorporati elementi sensuali come il corsetto. I materiali sono il cardine su cui ruotano i look, quasi tutti monocromatici e dunque resi interessanti dalla giustapposizione delle texture. Shearling ricamato a mano, corsetteria in satin rosa chiaro e pelle effetto coccodrillo sono alcune delle lavorazioni-espressioni della maestria artigianale toscana scesa in passerella. Sinonimi di lusso italiano, di cui il brand è rinomato portavoce.

Anche da Missoni, uno dei marchi storici protagonisti nella nascita del Made in Italy, la narrazione è stata sostituita da un esercizio di stile. La riga occupa il centro della collezione e si espande a ricoprire tutto ciò che la circonda. La linearità delle righe si ritrova sia nelle silhouette che sui tessuti, viene declinata matericamente nel punto pelliccia e nel tweed Caperdoni. Il bianco e il nero amplificano questo ritorno all’essenziale e il rigore permette l’intrusione solamente di colori primari e terrosi. L’approccio geometrico sembra essere caratteristico della nuova direzione creativa di Filippo Grazioli, che col suo lavoro sta tentando di modernizzare i motivi caratteristici di Missoni.

Donne per le donne: Vivetta, Chiara Boni e Francesca Liberatore

Muovendosi per le stanze di Cavoli a Merenda, suggestivo ristorante situato in un edificio del XVIII secolo nel cuore di Milano, la collezione Autunno Inverno 2024 firmata Vivetta riprende l’esercizio di dualismi caro alla stilista. Compaiono infatti elementi a contrasto nei look, ma accomunati da quel decorativismo romantico di fiocchi e rose che eleva l’ordinario a universo onirico. L’atmosfera regnante era quella cozy di casa, che Vivetta Ponti desiderava trasmettere attraverso i capi: languidi e iper-femminili, maliziosi e un po’ capricciosi, in pieno gusto coquette.

La rosa è il centro da cui si dirama la collezione, fiore sinonimo di bellezza e fragilità, un qualcosa da custodire con cura. Un concetto che però non vuole essere espressione totalizzante della donna Vivetta, anzi. Ben conscia del modo in cui si presenta, la donna narrata nella collezione non si prende sul serio, accessoriandosi di ironia. Da qui i gioielli dalla forma fallica, che si alternano a mise talvolta monastiche. Intrigante, infine, la scelta di far indossare per la prima volta qualche look della collezione anche a dei modelli uomini. 

Chiara Boni celebrava il punk borghese con la sua collezione Autunno Inverno 2024, incarnando lo spirito autentico della moda britannica con irriverenza ed eleganza. La collezione si ispirava a una valigia di ricordi di viaggio, reinterpretando pezzi inediti con il suo stile italiano. Ecco allora che i pattern tartan e scozzesi dominano, creando un’atmosfera cozy e senza tempo nel guardaroba. Motivi sartoriali tradizionali come lo spigato e il Principe di Galles si mescolano con silhouette femminili arricchite da dettagli kilt. Il jersey iconico del brand imita la flanella, mentre il velluto aggiunge raffinatezza. La palette di colori evoca la campagna britannica, spaziando dal bianco invernale ai toni intensi del mirtillo e del blu artico. Ancora, maxi fiori celebrano la bellezza dei giardini britannici. Ad aprire e chiudere la sfilata una modella d’eccezione: Anna Cleveland, figlia della top model e leggenda della storia della moda Pat Cleveland.

Francesca Liberatore ha offerto gratuitamente alcuni biglietti per la sua sfilata della collezione Autunno Inverno 2024 2025, grazie al Patrocinio del Comune di Milano. La sfilata si è tenuta nella sala Verdi del Conservatorio di Milano, presentando un mix di grunge romantico e eleganza. La collaborazione con l’Alpen Symphonie Orchester e la Fondazione Società dei Concerti di Milano ha sottolineato la forza che scaturisce dalle arti congiunte e il valore che possono creare. La Fondazione La Società dei Concerti ha presentato il concept di Swipe Your Stage!, permettendo al pubblico di ammirare i dettagli degli abiti attraverso tablet forniti in dotazione. Liberatore ha affermato: «I miei sono dei test, delle esperienze sconosciute che desidero vivere e far vivere al mio pubblico proprio in funzione di quella creatività che presuppone il nuovo e quindi l’imprevedibilità del risultato finale, che spero sempre possa aggiungere qualcosa alla visione ed emozionalità collettiva».

I debutti di Maison Yoshiki Paris, J Salinas e Custo Barcelona alla Milano Fashion Week

Maison Yoshiki Paris è il nuovo marchio di alta moda di Yoshiki Hayashi, musicista giapponese, ma anche compositore, produttore discografico, regista cinematografico. Dall’universo tradizionale dei kimono legato alla sua attività familiare e al suo marchio Yoshikimono, fondato nel 2011, Yoshiki non è nuovo all’industria della moda. Il suo nuovo brand di lusso ha debuttato alla Milano Fashion Week con una sfilata presso l’Università Bocconi.

Per l’occasione, Yoshiki ha selezionato un team di alto livello proveniente da tutto il mondo, tra cui l’iconica Carlyne Cerf de Dudzeele, Maida Gregori Boina per il casting, i lead artist Odile Gilbert per l’hair styling e Kabuki per il make-up, e Kuki de Salvertes, direttore dello sviluppo del marchio. La collezione, completamente immersa nel nero con rari accenti di rosso, si componeva di 37 outfit in versione total look, comprendenti abbigliamento, accessori e scarpe. L’intenzione dichiarata è quella di dar vita a un brand lifestyle. In questa direzione, infatti, vanno le collaborazioni con il marchio giapponese Grounds per le sneaker e i pezzi di gioielleria ispirati all’hardcore firmati Archived Prototypes.

J Salinas, stilista peruviano, ha fatto il suo debutto alla New York Fashion Week nel 2016 dopo aver completato gli studi in fashion design presso il prestigioso Philadelphia College of Textiles & Science negli Stati Uniti. Questa stagione ha scelto di tornare sulle passerelle presentando la nuova collezione alla Milano Fashion Week. Il suo lavoro è un omaggio all’emporio tessile peruviano, da cui proviene la scelta di collaborare con i comitati di tessitori andini. Tutto ciò ha aggiunto un tocco di sostenibilità e autenticità alla sua produzione, con artigiani locali che hanno realizzato a mano molti dei suoi capi. Tale approccio non solo valorizza le tradizioni artigianali locali, ma crea anche legami significativi tra le comunità.

La collezione Autunno Inverno 2024 di Salinas, chiamata HUAYLARSH, è un tributo ai costumi dei balli tipici della città di Junìn, situata sulla cordigliera centrale del Perù. Le trame e le lavorazioni della collezione si ispirano ai fiori dei costumi tipici della regione andina, e si manifestano attraverso stampe e ricami di lana di alpaca lavorati a mano.

Custo Barcelona torna a sfilare a Milano dopo 15 anni. Il marchio, fondato dai fratelli David and Custo Dalmau a Barcelona negli anni 80, ha presentato l’ultima collezione donna al Museo della Scienza e della Tecnica. Un clash di colori, stampe e tessuti, dove il laminato rimanda chiaramente al passato del brand.

Presentazioni Dentro e Fuori Calendario

Lorenzo Seghezzi e Yezael di Angelo Cruciani sono stati scelti come special guest per l’apertura del nuovo LIVE STORE powered by Sold Out District. Si tratta di un innovativo format retail milanese in Corso Buenos Aires 56, che mira ad aggiungere valore allo shopping district della città. Il negozio è il frutto dell’esperienza di Corrado Alota, fondatore dei negozi Jdc, e Andrea Pezzali di Two Leaders, noti per la gestione del retail. Questo nuovo punto vendita è concepito come un hub vivente di moda, creatività e cultura, con una rotazione settimanale di brand e un’area eventi che offre visibilità a nuovi talenti.

Per l’apertura, il fashion designer Lorenzo Seghezzi ha presentato una serie di look couture realizzati per la cantante BigMama a Sanremo 2024. Noto per la sua maestria nell’arte della corsetteria e la moda su misura, l’orizzonte estetico di Seghezzi si basa su lemmi provocatori ed ironici, atti a mettere in discussione la supremazia bianca, eterosessuale e cisgender caratterizzante il mondo occidentale. Con il proprio lavoro pone inoltre degli interrogativi circa i concetti di machismo e mascolinità tossica troppo spesso associati a quelli di forza e potere. In prima linea nella promozione e difesa dei diritti civili e dell’uguaglianza, Seghezzi è impegnato anche sul fronte della sostenibilità, utilizzando da sempre solo materiali upcycled per le collezioni.

Yezael di Angelo Cruciani è stato il protagonista del secondo opening di LIVE STORE. Con live music di Plastik Doll e una performance artistica, Yezael ha dimostrando il legame tra moda e musica intrinseco al brand, da sempre trasmettitore di messaggi socio-culturali. Recentemente ha curato la performance sanremese della band LA SAD e Donatella Rettore per la notte dei duetti Sanremesi.

Dopo la partecipazione allo scorso Pitti Uomo 105, Borsalino ha presentato la nuova collezione Autunno Inverno 2024 in via della Spiga. Il tema è quello del miraggio nel deserto, con colori che incendiano grafismi inediti e investono forme nuove. Materiali tecnici e lavorazioni innovative riflettono la qualità manifatturiera degli artigiani di Alessandria, guidati dall’head of style Jacopo Politi.

La Berlin Fashion Week è una delle vetrine satelliti che ruotano attorno alle quattro canoniche settimane della moda di New York, Londra, Milano e Parigi. Una kermesse che per la stagione Autunno/Inverno 2024 ha occupato i giorni fra il 5 e l’8 febbraio 2024 e con la quale sono state presentate, per necessità, sia le collezioni uomo che donna.

Nonostante il titolo di sorella minore, però, la Fashion Week di Berlino si è rivelata un hub creativo di tutto rispetto, oltre che un esempio virtuoso di collaborazione tra poteri forti e brand emergenti. I quasi 20.000 ospiti nazionali e internazionali hanno partecipato ai 32 spettacoli di moda e ai 42 eventi collaterali, confermando l’ascesa della Settimana della Moda tedesca tra i nuovi poli della moda globale.

Il ruolo chiave del Fashion Council Germany per la Berlin Fashion Week

Responsabilità ed elogi per un tale successo sono da ritrovare nel Fashion Council Germany e nel modo in cui contribuisce attivamente a promuovere la moda e il design nel paese e nel mondo. Fondato nel gennaio 2015 a Berlino su iniziativa di esperti dell’industria nazionale, il FCG promuove il design tedesco come un patrimonio culturale ed economico e sostiene giovani designer provenienti dalla Germania. Per raggiungere questo obiettivo, il FCG si concentra sull’Educazione, sulla Sostenibilità e sulla Tecnologia della Moda, nonché sulla promozione del dialogo interdisciplinare e del networking. Pertanto, il Fashion Council svolge un lavoro di lobbying essenziale nella politica, nell’economia e nella cultura, mira alla visibilità e sottolinea la rilevanza globale del design e della produzione di moda tedeschi a livello nazionale e internazionale.

Fin dalla fondazione della Berlin Fashion Week poi, anche il Dipartimento del Senato di Berlino per l’Economia, l’Energia e le Aziende Pubbliche è stato attivamente coinvolto e sostiene una varietà di format diversi inerenti alla Settimana della Moda berlinese. Lo dimostra la collaborazione con il FCG per i concorsi BERLIN CONTEMPORARY e STUDIO2RETAIL: due iniziative che condividono l’obiettivo di rafforzare la rilevanza internazionale di Berlino come centro della moda e offrire una vetrina ai talenti del design e alle loro collezioni.

Le iniziative che premiano i talenti: BERLIN CONTEMPORARY e STUDIO2RETAIL

Il BERLIN CONTEMPORARY è un concorso in cui vengono selezionati 18 marchi (consolidati e emergenti) che convincono sia stilisticamente che dal punto di vista dell’artigianato e del concetto, con un potenziale economico internazionale. Ricevono un premio di 25.000 € ciascuno per le sfilate. La giuria, composta da sette esperti internazionali di stampa, social media, sostenibilità e sviluppo economico, valuta i marchi e i loro concetti in base alla performance di design, alla commercialità, all’impatto mediatico e al grado di innovazione. Oltre al premio in denaro, i vincitori ricevono supporto aggiuntivo nella comunicazione e nella produzione degli spettacoli, nonché preziose connessioni di rete e contatti per le vendite e le relazioni pubbliche.

STUDIO2RETAIL invece è l’iniziativa B2C della Berlin Fashion Week, che si propone di rendere la moda accessibile a tutti. Il concorso STUDIO2RETAIL sostiene il commercio al dettaglio fisico, gli eventi e altri designer tedeschi a Berlino e porta l’atmosfera speciale della BFW anche per le strade della città. Vengono premiati all’interno del concorso i concept di eventi rivolti ai consumatori finali che mettono in primo piano temi chiave come la sostenibilità, l’inclusione, l’educazione e la comunità. I cinque concept più convincenti ricevono un supporto di 5.000 € ciascuno.

Grazie a STUDIO2RETAIL, chiunque può far parte della settimana della moda di Berlino, che si tratti di lavorare nell’industria della moda o di essere semplicemente appassionati di moda. L’accesso è offerto da una rete di atelier, pop-up store e negozi che aprono le loro porte durante la Berlin Fashion Week e offrono speciali, oltre a un calendario degli eventi che elenca tutti gli eventi a cui possono partecipare anche gli appassionati di moda senza esperienza professionale, inclusi i concept premiati nel concorso.

I protagonisti della Berlin Fashion Week

Un po’ come faceva Londra prima, Berlino rappresenta oggi movimenti e tendenze (sub)culturali progressiste che uniscono moda, arte, design così come la scena dei club e della musica. La Settimana della Moda di Berlino riflette queste interconnessioni e si concentra su temi rilevanti come la sostenibilità, l’inclusione, l’innovazione e lo sviluppo del talento.

Tra brand già noti nel panorama moda internazionale (per i più attenti) e altri nuovi talenti, le collezioni presentate sono accomunate da casting che celebrano la diversità e da design stimolanti. Alcuni sicuramente meglio indirizzati da un punto di vista commerciale rispetto ad altri, ma tutti interessanti sotto l’aspetto creativo.

È possibile dividere a grandi linee i marchi che rispecchiano maggiormente quell’idea di moda berlinese più diffusa nell’immaginario comune. Parliamo di quella legata alla scena del clubbing e della vita notturna, dove il nero e i design maggiormente edgy la fanno da padrone. Dal lato opposto, invece, va un altro gruppo: i brand che provano a discostarsi da quest’estetica e indagano altre forme espressive, altri significati dell’essere berlinese (o tedesco) nella moda.

I rappresentanti del “Berlin-style”

Al primo gruppo appartiene il duo Namilia, che torna dopo il successo della scorsa stagione con la collezione In Loving Memory of My Sugar Daddy. L’altro amato duo è quello di Richert Beil. Il brand ha celebrato il suo decimo anniversario, riproponendo nell’ultima collezione i propri pezzi distintivi e reinterpretando i design e i pattern della loro collezione d’esordio del 2015. Ancora, Haderlump e Anonymous Club, considerati i migliori esponenti dell’ultima edizione della Berlin Fashion Week in termini di scenografia ben rappresentativa dello spirito di Berlino. Questo si traduce nell’estetica disruptive e oscura che rappresenta la città.

Infine, Marie Lueder e la sua Mono-Myth, ispirata alla passione della designer per l’artigianato medievale e che questa stagione ha collaborato con la Tintoria Emiliana di Stone Island, per sviluppare tinture rifinite a mano sui capi di punta.

Dichiaratamente ribelli e difensori della libertà di espressione più autentica, tutti questi brand hanno infuso nelle loro collezioni messaggi politici. Che fossero claim femministi o di empowerment più in generale, li si vedevano associati a look sovversivi, sia dal punto di vista della costruzione sartoriale che del binarismo di genere.

I brand della controcorrente

Fanno parte del gruppo “in contro-tendenza” le realtà del collettivo SF10G, Lou de Bètoly, Malaikaraiss (che sfila anche alla Copenhagen Fashion Week), il noto William Fan e Gerrit Jacob. Quest’ultimo è il giovane designer che ha aperto la BFW. Identità, sensibilità e savoir-faire accomunano le collezioni di questi brand, dove capi senza tempo, ma dai twist avanguardistici e, a loro modo, punk.

Tra i citati, la collezione di Lou de Bètoly sembra essere quella accolta con più entusiasmo.
La designer parigina con sede a Berlino è riuscita a dar vita, nel tempo, a un universo preciso dove regnano il surrealismo, la nostalgia, la decadenza, l’eccesso e l’onirismo. Con un passato da Jean Paul Gaultier, prima di stabilirsi a Berlino e creare il proprio marchio, le sue creazioni sono state viste su Dua Lipa, Rosalía e Beyoncé.

La Paris Fashion Week Men’s ha mostrato chiaramente quanto un sistema solido, e che scommette sulle nuove generazioni, possa dar vita a un calendario ricco di proposte stimolanti. Con ben 76 show (42 défilé e 32 presentazioni), sulle passerelle si sono fatti notare numerosi brand emergenti, mentre alcuni grandi nomi sono tornati nella Ville Lumière: Valentino, Balmain Homme e Gmbh. Tra tutti, però, alcune maison sono riuscite (nel bene e nel male) a catturare la sacrosanta attenzione di fan, degli addetti ai lavori e degli utenti social, garantendosi così l’eternamente agognata visibilità.

Louis Vuitton: il più discusso alla Paris Fashion Week uomo

Con Pharrell da Louis Vuitton, la nuova direzione creativa del marchio è ormai evidente e non lascia spazio a malinconie di alcun tipo (fatta eccezione per un richiamo a una collezione del suo predecessore Virgil Abloh per Off-White). Tra cappelli da cowboy, turchesi originali dell’Amazzonia, stivali in pelle di struzzo e accenni all’abbigliamento da lavoro, l’Autunno Inverno 2024 2025 ha sfilato in passerella accendendo gli animi (e i dibattiti sui social). L’ultima fatica di Pharrell sembra celebrare la Western culture americana apparentemente più stereotipata e hollywoodiana, ma in realtà c’è di più. Con una performance dei Native Voices of Resistance di un tradizionale brano Lakota, co-composto da Pharrell e Lakota “Hokie” Clairmont, il creativo ha voluto ricordare al mondo come gran parte dei cowboy originali fossero in effetti nativi americani.

Un’intenzione narrativa la sua, dunque, di diffondere una storia spesso poco contemplata e di restituire all’immaginario comune una sua versione più vicina alla realtà, affinché possa essere nuovamente apprezzata. Ovviamente il focus è sulla pelletteria, con la Speedy e la Keepall in primo piano, proposte in colori pop e sgargianti, che affiancano il Damouflage – ormai motivo distintivo di Pharrell – e una collaborazione con Timberland. Intercettando il revival Wild Wild West che da qualche tempo si era insinuato nella cultura pop contemporanea (un saluto a Pedro Pascal ed Ethan Hawke in “Strange Way of Life” di Almodóvar), Pharrell ha mandato in passerella una collezione i cui echi non tarderanno a mostrarsi su tutti i vostri amici più trendy.

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Givenchy senza Matthew Williams

La prima collezione dopo la dipartita del direttore creativo Matthew M. Williams è stata realizzata dal team di Givenchy. Il tema preso in considerazione è la definizione di “Gentleman” nei tempi odierni e la maison ha provato a crearne un modello sulla base del guardaroba di Hubert de Givenchy stesso. Da qui la prima uscita della line-up, dove il look è caratterizzato da una camicia ispirata alla nota uniforme da lavoro del couturier.

In generale, la celebre formalità delle impeccabili scelte vestimentarie di Givenchy è stata trasferita su abiti da giorno e da sera dalle linee nette, rivisitati da maniche a mo’ di cappa (che lui amava). Gli accenni al workwear e lo styling riportano i look ai nostri giorni, con layers e accostamenti moderni. La ricerca del team è evidente nelle stampe storiche apparse su giacche, un top, una camicia e pantaloni: quella con il motivo a candelabri risale al 1954, mentre la stampa all-over con il muso di un gatto è dell’Autunno Inverno 1952. Infine, l’iconico foulard con la stampa realistica di capelli lunghi (Primavera Estate 1953), è stato rivisitato e reinserito per la prima volta in una collezione maschile.

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EGONlab-els alla Paris Fashion Week Men’s

A primo sguardo la collezione Autunno Inverno 2024 2025 di Florentin Glémarec e Kevin Nompeix dimostra chiaramente come il loro marchio, EGONlab, sia maturato. Le proposte sono generalmente più commerciali e la partnership con UGG è un’ulteriore prova della nuova direzione che sembra aver intrapreso il brand. Le silhouette da power-suit anni Ottanta (che a quanto pare continueranno a definire il nostro guardaroba) diventano un mezzo per lavorare sulle proporzioni del corpo. Su quest’onda delle grandi spille rimboccano il tessuto dei cappotti e di un maglione, lunghe cinture segnano il punto vita, top asimmetrici s-coprono i torsi. Quest’approccio al corpo richiama il disturbo da dismorfismo corporeo, spesso legato al mondo dei social e alla percezione distorta che le nuove generazioni, ma in generale anche chiunque abbia un account, hanno del proprio aspetto.

Schermi e filtri hanno distorto gli standard di bellezza, spostato la linea che separa realtà e finzione e le conseguenze psicologiche sugli utenti sono state palesate da tempo. L’attenzione dei fashionisti (e non) però è ricaduta su EGONlab per alcuni look che mostravano modelli in passerella senza top, ma vestiti solo di etichette (labels). Un trick interessante per scatenare un ulteriore quesito: “Il re è nudo?”. Il lusso è rappresentato dalle etichette, dalle griffe? L’attenzione ricade più su quello che sui capi di abbigliamento effettivi? Agli occhi altrui, sono le etichette che di definiscono? Oppure la moda è un gioco dove ognuno può sfogare la propria fantasia e, in questo caso, immaginare che i modelli indossino qualsiasi cosa ci passi per la mente?

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Le riflessioni personali di Rick Owens

Porterville è la città natale di Rick Owens in California, e il nome della sua ultima collezione maschile. La location d’elezione questa volta era casa sua, affacciata su Place du Palais Bourbon nel settimo arrondissement di Parigi. Tutto urla intimità. In un momento storico come questo, circondarsi delle poche certezze che si hanno, aprire la propria casa a “pochi” ospiti scelti (un centinaio circa) è sembrata la scelta migliore per il designer, che solitamente organizza degli show-festival. La lotta all’intolleranza (che racconta di aver subito proprio a Porterville) è la sua missione.

Proporzioni grottesche e disumane sono la risposta a tempi altrettanto oscuri, esemplificate negli stivali gonfiabili e nelle cappe-bozzolo in alpaca, dalle apparenze aliene (tipiche del brand) e disturbanti. Il cuore gentile di Owens si è palesato invece con l’invito ad alcuni artisti di partecipare alla collezione con idee proprie; nella stessa direzione va il casting, sempre singolare, che questa volta tra i nomi di spicco comprendeva Gena Marvin, l’artista trans russa esiliata dal proprio paese.

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LOEWE e “l’algoritmo della mascolinità”

Ancora una volta Jonathan Anderson ci mette di fronte le contraddizioni che caratterizzano la contemporaneità. In particolare, il designer riflette sullo stato della moda oggi che siamo completamente immersi nel mondo digitale, dove internet detta le regole, ma perché internet, alla fine, siamo noi. Secondo le parole di Anderson è finita l’era del “questa stagione andrà questo o quello”: tutto è possibile e tutto è lecito.

Ormai tipici della poetica andersoniana, arte, moda, filosofia ed erotismo si fondono per porre l’attenzione su gesti, capi e abitudini vestimentarie che caratterizzano l’uomo contemporaneo. Tutto questo è stato trasmesso tramite un’eccellente manovra di styling, che conferisce alla collezione quel non-so-che di trasandatezza cool, di menefreghismo misto pigrizia misto bad boy. Pantaloni infilati nei calzini, cinture slacciate le cui cinghie si sovrappongono alle camicie, colletti sbottonati e tirati dal peso delle borse a spalla. Tutto ciò costellato dalle stampe realizzate in collaborazione con l’artista americano Richard Hawkins, i cui dipinti sovrapposti di giovani uomini prendono forma a partire dalla pop culture, la storia dell’arte e il porno.

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Xoxo, BALMAIN Homme alla Settimana della Moda Uomo di Parigi

Olivier Rousting ha presentato la sua prima linea uomo, Balmain Homme, dopo 4 anni. In linea con la sua concezione “loud” di moda e lusso, generalmente lontana dalle tendenze e dichiaratamente contraria al tanto dibattuto “quiet luxury”, la collezione incarna un uomo “libero, che non ha paura del giudizio altrui” ha affermato Rousting.

L’attenzione, però, sembra essere ricaduta interamente sull’ultima uscita, dove una maestosa Naomi Campbell ha sfilato con un maxi cappotto cammello appoggiato sulle spalle, e una cintura scultorea a cingerle la vita. Si tratta di un bouquet floreale sorretto da due braccia che sembrano fuoriuscire dal cappotto. Un twist teatrale ed eccentrico, sicuramente esplicativo della poetica del brand. Come è stato fatto notare a profusione sui social però, si tratta di un accessorio che rimanda altrettanto fortemente a un’altra nota maison francese… Per il resto, Rousting si è divertito a ironizzare sulle critiche circa le dimensioni delle sue labbra, stampando e ricamando impronte di baci e bocche suadenti sui capi, rimanendo coerente rispetto alle sue affermazioni.

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Lo speech di Gmbh

Serhat Işik e Benjamin Alexander Huseby hanno chiuso la Settimana della Moda di Parigi con un messaggio forte e chiaro: cessate il fuoco. I designer di Gmbh, il primo di origini turco-germaniche e il secondo di origini pakistane, nato in Norvegia, non sono nuovi a claim di questo tipo. Già nel 2021 infatti avevano realizzato una capsule collection battezzata Free Palestine. La moda (teoricamente) chiave di lettura di una società in un determinato contesto storico e geografico, può rivelarsi uno strumento molto efficace per trasmettere una presa di posizione politica.

In un discorso di apertura allo show, i designer hanno schiettamente espresso la loro preoccupazione riguardo l’attuale panorama politico mondiale. «Si tratta di mostrare la nostra umanità», ha spiegato Huseby: «Gran parte del nostro lavoro riguarda la bellezza del nostro patrimonio e mostrare al mondo che le nostre apparenze non ci rendono terroristi.» Ha aggiunto: «La moda fa parte di un processo di guarigione, di decolonizzare le nostre menti e inviare un messaggio di apertura, umanità e tolleranza».

Sfilano lungo la passerella le silhouette tipiche del brand, provenienti dal mondo techno berlinese. Il colletto delle giacche, però, era ispirato alla kefiah: alle volte nel design, altre nel motivo a scacchi. Alcune stampe raffiguravano il logo della Nazioni Unite e lo slogan “Untitled Nations”, mentre in altri casi si trattava di una fetta di anguria i cui colori rimandano alla bandiera della Palestina. Ad aumentare l’emotività della collezione, il casting di modelli includeva amici e parenti di Işik e Husbey, alcuni “protetti” da balaclava e altri che indossavano i tradizionali copricapi da preghiera.

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I Flash “Haute Couture” di DIOR Men dalla Paris Fashion Week Men’s

Kim Jones lancia l’haute couture maschile nella storica maison di Avenue Montaigne. Partendo dalla vita di uno zio ballerino e fotografo, tale Colin Jones, il designer si è ispirato a un suo reportage stile “un giorno nella vita di” relativo al grande Rudolf Nureyev. Lo zio Colin Jones faceva parte del British Royal Ballet negli anni Cinquanta e nel 1966 realizzò il servizio su Nureyev per il Time Life.

Lo show si basa interamente su questa vicenda: un libro fotografico sulle immagini di Nureyev scattate dallo zio è stato distribuito fuori dallo show e la collezione è stata dedicata a lui e al fratello David, il padre di Kim Jones stesso. Il legame della maison con il mondo della danza è segnato anche dall’amicizia di Monsieur Dior con la ballerina Margot Fonteyn, cliente della casa di moda e partner di Nureyev nel debutto di Romeo e Giulietta del 1965.

I look da giorno sono quindi ispirati a tutto questo background, dove a rubare la scena sono forse le “ballerine” da uomo, calzatura di tendenza per la stagione. I veri protagonisti però sono senza dubbio i look da sera che sfociano nell’Haute Couture: un kimono argentato realizzato a mano a Kyoto, a cui sono susseguite tuniche imperlate e t-shirt e top in pelle stampata cocco. Il toile-de-jouy Dior e l’abito Debussy hanno ispirato alcuni look, mentre perline e diamanti dell’alta gioielleria Dior impreziosivano cappotti, giacche e top all’altezza del collo o della vita. Un approccio tutto sommato pragmatico, ma dal risultato sofisticato: la manovra tipica di Kim Jones nelle sue collezioni uomo.

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Il weekend di MFW Uomo Autunno Inverno 2024 2025 è volato via. Da qualche tempo l’impressione comune è che il mondo si stia riducendo sempre più a quello spazio buio sotto il letto, da cui temi possano uscire mostri indicibili. Armarsi di capi-corazza, quindi, sembra l’unica soluzione, e la più logica, da adottare. I brand indipendenti però dimostrano di non aver perso la speranza, anzi. La ricerca di verità più profonde, insite in qualunque soggettività, è un approccio a cui rimandano diversi marchi, così come la caparbia determinazione a proseguire lungo il cammino, un passo dopo l’altro. Ritrovare una certa leggerezza del cuore resta l’obiettivo comune e, forse, anche l’unico trend su cui dovremmo puntare.

I brand indipendenti alla Milano Fashion Week Uomo Autunno Inverno 2024 2025

Tra show emozionanti e presentazioni suggestive, abbiamo identificato le collezioni di alcuni dei brand indipendenti all’interno della scena milanese che si sono contraddistinti in questa stagione Uomo Autunno Inverno 2024 2025 della Milano Fashion Week. Elencati qui di seguito in ordine rigorosamente sparso.

Gli unicorni protagonisti del CO-ED Show di Dhruv Kapoor

In un mondo spaccato dai conflitti, consumato dall’avidità umana e animato dalla sete di potere, Dhruv Kapoor lancia un messaggio: “Better Together”. La collezione Autunno Inverno 2024 2025 di Kapoor si basa sull’unione per un mondo migliore, utopico forse, dove regnano pace, armonia, equilibrio e amore. Sui capi il tema dell’unione si concretizza nella fusione tra sport, utility e sartorialità. Preziosissimi ricami stagliano su tessuti tradizionali reimmaginati, sulle maglie sportive (back to Bloke Core), e si alternano a giacche biker in lamé o ai tailleur in neoprene. Le silhouette ibride fondono cropped e oversize, morbido e attillato, rigore e spensieratezza. Con questo spirito nascono la collaborazione con Huma Eyewear e la partnership con Nike, i cui capi sono tutti upcycled. Tema ricorrente e simbolo della collezione è l’unicorno bianco, incarnazione fiabesca di magia, fantasia, energia maschile e femminile insieme. Per celebrare i 10 anni di Dhruv Kapoor sono stati riproposti alcuni capi d’archivio sotto la capsule collection “KPR Vault”. Lo styling è firmato Giorgia Cantarini, mentre lo show è stato presentato su Instagram da Marc Forne.

Scalare la città con Domenico Orefice

Domenico Orefice ha debuttato alla Milano Fashion Week con la collezione A1 R1 25. Il nome proviene dall’alpinismo e in particolare si riferisce al grado di difficoltà dell’arrampicata in artificiale e al parametro di rischio. Il brand di sportswear di nuova generazione ha presentato una collezione quasi esclusivamente in total black, a-gender e a-seasonal, con uno styling edgy per veri “cool kids”. L’intenzione è fornire una sorta di armature ai cittadini del futuro, che dovranno combattere gli elementi atmosferici per farsi strada nelle città. La ricerca di un nuovo equilibrio fra ambiente urbano e naturale, e in particolare montano, è anche alla base dell’installazione HYBRID ITER con cui la collezione è stata presentata presso la Fondazione Sozzani. Il designer campano si è rivolto all’azienda italiana Gruppo Cinque per i tessuti dei suoi capi, che tra gli altri comprendono materiali tecnici traspiranti e al contempo garanti di riparazione dal freddo. In generale la collezione è stata concepita per essere combinata a quella precedente presentata a Pitti, A0 24 Moderate. Un approccio pragmatico e sostenibile, per un brand che ha l’obiettivo di annullare le distanze tra ambiente naturale e urbano, tra sartorialità e sportswear, tra Made in Italy e innovazione.

In volo con ADSB Andersson Bell

In via Tortona 27 un’enorme installazione gonfiabile ha accolto gli ospiti di ADSB Andersson Bell per il suo show “Air House”. L’opera artistica è stata realizzata da Byungchan Lee.

La collezione Autunno Inverno 2024 2025 volteggia intorno al tema del volo con un omaggio a Ki-Ok Kwon, la prima aviatrice della Corea del Sud, ed evocando l’estetica delle uniformi dell’Aeronautica Militare. Romanticismo e funzionalità, utilitarismo e decorativismo: un alternarsi di concetti e codici che, grazie anche allo styling di Robbie Spencer, si traducono in nuovi significati vestimentari. Si ispirano al paracadutismo tanto le giacche quanto le gonne, con lunghezze trasformabili per dare libertà di sperimentazione. Il lato maggiormente strutturato della collezione, con i bustier e i tagli sartoriali, si ammorbidisce con i cargo, i volumi ampi e le linee rotonde. Il layering dinamico e i patchwork trasmettono un approccio giocoso e divertente all’estetica più seriosa delle uniformi.

Sublimare un istante, Federico Cina

Catturare il cambiamento, un passaggio di stato, una trasformazione nell’attimo esatto in cui avviene, è forse possibile? Qual è il colore più adatto a rappresentare tale istante? Quest’incognita anima “Colori del nulla”, l’ultima collezione di Federico Cina.

Cina parte dai quadri di Luigi Grossi, dialoga con l’architettura brutalista, riflette sull’inutilità della decorazione di Adolfo Loos e passa per le visioni trasformative di Bill Viola e per gli scritti di Salvatore Settis sul senso del classico. Lavora dunque per sottrazione, si lascia alle spalle ciò che risulta superfluo, proprio come quando si abbandona una versione di sé che è cresciuta, dopo essersi scontrata con una nuova realtà. Una versione cambiata. I capi presentano linee definite, il taglio è a vivo, le silhouette geometriche, per un guardaroba essenziale e strutturato. Anche i colori rimandano alla rigidità, a un severo processo di costruzione ed evoluzione. La Tortellino Bag, dalle linee morbide ma scultoree, rappresenta la tradizione che si fa materia, un oggetto del desiderio proveniente da ciò che consideriamo “classico”.

Le infinite traiettorie cui conduce Pronounce

Fondato nel 2016 da Yushan Li e Jun Zhou. La collezione gira intorno alla farfalla di Zhuangzi, un grand pensatore Taoista che si addormentò per un giorno intero e sognò di essere una farfalla. Al suo risveglio non sapeva se fosse davvero un uomo che aveva sognato di essere una farfalla o una farfalla che aveva sognato di essere un uomo. I confini tra sogno e realtà sono quindi indagati nella collezione. Il focus principale però risiede in un aspetto più fisico-meccanico del volo della farfalla, ossia il percorso che traccia con il suo volo. Ecco allora il dettaglio delle corde che si intrecciano e si annodano delineando traiettorie sui capi, talvolta rese tridimensionalmente da corde in velluto a coste. Percorsi che si incontrano anche nella fusione tra il Cheongsam tradizionale manciù (noto anche come qipao cinese) e la sartorialità occidentale, tra i completi Mao e il denim. Alcuni look-anteprima della capsule PRONOUNCE X POP MART THE MONSTERS includono illustrazioni stampate con i personaggi del retail toy brand cinese. UNDETECTED ha realizzato a mano tutti i gioielli della collezione, mentre AOKANG ha collaborato alla realizzazione delle calzature.

Simon Cracker invita al riposo ristoratore

Quando fuori il mondo tuona senza sosta, feroce e impietoso, “La nanna” è l’unica occasione di trovare riparo. Il sonno è un agognato rifugio. Su questo concetto hanno riflettuto James Joyce e Banana Yoshimoto in alcune loro opere e attorno a questo tema Simone Botte e Filippo L.M. Biraghi hanno costruito la nuova collezione. Contrariamente alle precedenti, dunque, i capi per la stagione Autunno Inverno 2024 2025 sono stati realizzati per trasmettere quiete, tregua, guarigione. Rigorosamente upcycled, la collezione verte sulla sartoria maschile (DNA del brand), su una palette dai colori polverosi, sbiaditi, i contorni smussati e consumati dal tempo. La gentilezza, pilastro attorno cui si radica il marchio, viene espressa dalle inedite sfumature nate dalle tinture post-assemblamento dei capi, dalle paillettes opache, le perle e le vernici argentate. Ancora, le stampe dei capi in denim sono il frutto della mano gentile di Sue Clowes, designer e figura chiave nella storia della band Culture Club (esatto, quella di Boy George) e della scena New Romantic inglese degli anni Ottanta.

La leggerezza di MORDECAI

La collezione #1 “Tecniche di volo” ha segnato per MORDECAI l’ingresso nel calendario ufficiale di Camera Nazionale della Moda Italiana. Con essa il Direttore Creativo del brand, Ludovico Bruno, si è interrogato sull’ambivalenza dei capi di abbigliamento, partendo dalla volontà di “viaggiare leggeri”. Qui la leggerezza è intesa in senso quasi calviniano, ossia il liberarsi di inutili zavorre superficiali, l’accogliere ciò che è indispensabile. Anche nel vestire. La silhouette è il punto di partenza e di arrivo della collezione, dove rigore ed essenzialità danno vita a un guardaroba maschile dallo stile distinto e definito. Ciò si riflette anche nella scelta della palette dai toni neutri, a cui si aggiungono il cognac, il marrone bruciato e il grigio scuro mélange. Il focus è sui capispalla e sulla maglieria, realizzati in baby alpaca, super kid mohair, merino, cashmere e cotone. L’effetto finale è una collezione casualwear raffinata e di lusso.

Mordente by NOSKRA, la luce in fondo al tunnel

L’ultimo giorno di Milano Fashion Week ha segnato il debutto ufficiale di NOSKRA, con una presentazione ad hoc presso Foro Buonaparte. Il brand di outerwear-tech streetwear fondato da Andrea Lonigro nel 2020 vuole dar vita a un universo distopico, un mondo di mezzo che prende forma da un’esperienza sensoriale profonda, intima e potente. È proprio in questo modo che è nato NOSKRA: il giovane designer e fondatore del marchio non ha una formazione “classica”, infatti, ma una sensibilità creativa sviluppata da viaggi ed esperienze personali. La collezione vuole fornire un guardaroba ai viaggiatori contemporanei, farsi fiaccola con cui percorrere il tunnel della vita, a mente aperta e con spirito coraggioso. Lo stesso nome del marchio si ispira alla runa “Kenaz” che significa appunto “fiaccola” e a cui viene associata la lettera K.

L’allestimento della presentazione è a opera di Mariano Franzetti e Nicola Pantano, mentre la collezione è stata battezzata “Mordente”. Parka oversize, pantaloni a gamba larga, bomber con le maniche removibili e cargo voluminosi con tasche stile workwear. Capi che definiscono il DNA e l’estetica del brand.

La serata dei Fashion Awards è uno degli eventi di gala più importanti del calendario della moda internazionale. Per l’occasione il tappeto rosso ha rivestito la scalinata del Royal Albert Hall di Londra, calcato da celebrities, designer e personaggi affini al fashion system. L’illustre British Fashion Council, come sempre, ha selezionato e premiato le candidate e i candidati di questa edizione 2023.

Ecco allora i vincitori annunciati ai Fashion Awards 2023, quest’anno presentati da Pandora.

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Storia dei Fashion Awards

I British Fashion Awards (BFA), ora noti come The Fashion Awards, sono uno dei premi più prestigiosi nell’industria della moda britannica. Istituita nel 1984 dal British Fashion Council (BFC) la cerimonia annuale celebra l’eccellenza nel design e nel contributo alla moda da parte di talenti britannici e internazionali.

Nel corso degli anni, la struttura e le categorie dei premi sono evolute per riflettere i cambiamenti nell’industria della moda, spaziando da “Designer of the Year” a “Model of the Year”, “Stylist of the Year” e molte altre. Nel corso degli anni i Fashion Awards hanno ottenuto il sostegno di importanti marchi e sponsor, consolidando la loro importanza. La cerimonia di premiazione è diventata un evento di alto profilo, che ogni edizione attira celebrità, designer e personalità influenti del settore da tutto il mondo. Oltre alla consegna dei premi, la serata talvolta comprende sfilate di moda, performance musicali e altri spettacoli.

Nel 2016, i British Fashion Awards vengono ribattezzati The Fashion Awards, riflettendo l’aspetto sempre più globale e internazionale dell’evento. La serata ha anche lo scopo di sostenere diverse organizzazioni benefiche legate alla moda e per questo motivo ha introdotto nel 2019 la categoria “Sostenibilità“. Si tratta di un riconoscimento per gli sforzi di designer e aziende nel ridurre l’impatto ambientale del loro lavoro.

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I vincitori dell’edizione 2023 dei Fashion Awards

Quest’anno il premio Designer of the Year è andato a Jonathan Anderson. Al designer inglese è stato riconosciuto l’impegno e la dedizione con cui segue JW Anderson (il suo brand omonimo, lanciato a soli 24 anni) e il marchio spagnolo LOEWE, di cui è direttore creativo dal 2013.

Martine Rose (con il suo brand omonimo) e Maximilian Davis (per Ferragamo) sono stati insigniti rispettivamente dei premi British Menswear e Womenswear Designer of the Year.

Il duo Chopova Lowena si è aggiudicato il premio New Establishment Womenswear Designer, mentre quello di New Establishment Menswear Designer è andato a Bianca Saunders. Chopova Lowena è il marchio fondato da Emma Chopova e Laura Lowena, che hanno esordito con la collezione Autunno Inverno 2017-2018 alla Central Saint Martin. Bianca Saunders invece segue il proprio brand omonimo e da settembre 2023 è mentore presso l’Istituto Marangoni di Londra.

Paloma Elsesser è Model of the Year. Un traguardo storico, dal momento che si tratta della prima volta in assoluto che una modella plus size vince questo premio. Un riconoscimento importante per chiunque, come Elsesser, combatte quotidianamente contro la grasso-fobia, il razzismo e la misoginia fuori e dentro il mondo della moda.

L’Outstanding Achievement Award del 2023 è andato a Valentino Garavani, in onore alla sua carriera pluridecennale che ha cambiato e influenzato l’industria della moda tutta. Il prestigioso premio riconosce così gli sforzi creativi e innovativi de L’ultimo imperatore, nei suoi quasi cinquant’anni da designer.

Talenti emergenti ai Fashion Awards 2023

Il premio della BFC (British Fashion Council) Foundation Award è stato assegnato a Conner Ives. Nato e cresciuto a Bedford, New York, il giovane designer risiede a Londra da quando si è iscritto alla Central Saint Martins. Laureatosi nel 2020, Ives era già tra i finalisti del rinomato LVMH Prize nel 2021.

Il premio Isabella Blow Award for Fashion Creator è andato a Campbell Addy, fotografo e regista nato e cresciuto a South London. Il suo lavoro segue le narrazioni uniche e le emozioni autentiche provenienti dalla natura, focalizzandosi su casting distintivi e sui volti meno rappresentati nella scena mainstream.

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Premiazioni speciali

A Sarah Burton è andato lo Special Recognition Award. Un premio speciale per il contributo eccezionale che ha regalato all’industria della moda con il suo lavoro da Alexander McQueen.

A Sam Smith (i cui pronomi d’elezione sono they/them) il premio Cultural Innovator Award, dedicato a chi è riuscito a innovare l’industria dell’intrattenimento esercitando al contempo un impatto significativo nella moda.

Infine, Michaela Coel si è aggiudicata il premio The Pandora Leader of Change Award: un riconoscimento assegnato dallo sponsor dell’evento. Questo premio celebra chi sfida costantemente lo status quo per creare un cambiamento positivo a livello globale. Chi usa la propria piattaforma per modificare positivamente le percezioni circa temi sociali importanti, facendosi voce e volto di una rappresentazione alternativa autentica.

Spicca il volo Alan Scott, il nuovo marchio inglese Made in Italy di sportswear extra lusso. La prima collezione è ispirata alla libertà di movimento degli uccelli in volo, animali cari nei ricordi del designer.

La falconeria e le radici di Alan Scott

È possibile azzardare che la pratica venatoria della falconeria abbia accompagnato l’essere umano lungo tutta la sua storia. Se ne ritrovano infatti le prime tracce già nell’Epopea di Gilgameš, il racconto epico della Mesopotamia, nonché una delle opere letterarie più antiche dell’umanità.

Alan Scott era solito praticare la falconeria come hobby insieme al padre Anthony, facendo volare e addestrando uccelli rapaci nel nord dell’Inghilterra. La passione intrinseca a questa tradizione familiare è alla base della collezione di lancio di Alan Scott, nuova stella nel firmamento della moda di lusso internazionale.

La tecnologia cashmere stretch nella prima collezione del marchio

Presentata con un pop-up store a settembre 2023 da Harrods a Londra, la linea maschile Alan Scott propone capi sportswear, eleganti e di lusso per chiunque segua un lifestyle contemporaneo inscritto nel viaggio e nel Business. I lasciti della tradizione falconiera e l’ispirazione personale si ritrovano nei dettagli artigianali in pelle: dai delicati inserti alle complesse cuciture che ricordano i cappucci e i guanti usati nello storico sport.

Ad essi si aggiunge l’innovazione del cachemire stretch: una tecnologia brevettata che contraddistingue tutta la produzione Alan Scott. Sviluppato dal creatore tessile Ardizzone, nel biellese, questo tessuto avanguardistico condensa i concetti di lusso e funzionalità come mai prima d’ora. Il cashmere è da sempre sinonimo di uno stile di vita ricercato e sofisticato, che rifugge l’apparenza a vantaggio dell’essenza. Reso praticissimo dall’eccezionale flessibilità, il nuovo tessuto garantisce libertà di movimento e raffinatezza esclusiva.

I capi sono interamente realizzati a mano in cashmere elasticizzato. I pezzi chiave della collezione comprendono: un completo giacca e jeans Indigo Denim, una giacca Biker pesante che simula il design del chiodo in pelle e un soprabito double-face a doppia spazzolatura. Il guardaroba garantisce uno stile contemporaneo e internazionale con tonalità che vanno dal nero, al grigio fino al blu notte. Alla collezione si aggiunge una selezione di accessori da viaggio, che abbinano il cashmere alla pelle di cervo.

L’impronta di Alan Scott svelata dall’arte e dalla fotografia

L’ispirazione e la campagna della collezione sono state scattate da autori differenti. Il duo italiano di base a Londra Coppi Barbieri, maestri della fotografia still life, hanno catturato l’essenza delle ispirazioni di Scott nello stile di dipinti antichi. Opere che mettono il dettaglio in primo piano, rendendolo protagonista dell’immagine. I capi della collezione invece sono stati fotografati dal canadese Bryan Adams, rinomato cantautore e musicista, oltre che fotografo specializzato in ritratti e attivista.

Dato il successo della prima presentazione nella sezione International Designer di Harrods, il grande magazzino londinese ospiterà il ritorno di brand con un secondo pop up store a febbraio 2024.

Felice anniversario Teddy Bear Coat! Il 2023 segna un decennio dall’ascesa trionfale del cappotto Teddy di Max Mara nel mondo della moda. In questo tempo si è affermato come il cappotto must have grazie alla sua forma avvolgente “cocoon”, al tessuto pregiato e alla magica combinazione di glamour e giocosa eleganza. Al di là della sua funzione pratica, il Teddy Bear Coat di Max Mara è diventato un’icona, in grado di interpretare lo zeitgeist dei nostri tempi. Secondo il suo creatore, Ian Griffiths, questo è il segreto dietro il suo straordinario successo che ha conquistato i cuori e influenzato i gusti di tutto il mondo.

La storia del cappotto Teddy di Max Mara

Questa stagione si celebra il decimo anniversario del Teddy Bear Coat, capo iconico nel firmamento della moda. Nato nel 2013 da un’intuizione di Ian Griffiths, direttore creativo di Max Mara dal 1987, il Teddy trae ispirazione da un capo d’archivio degli anni ’80 del marchio. Trasformandosi istantaneamente in un it-coat ambito, da quel momento il capo viene sfoggiato dalle luminarie dello star system. Da Julia Roberts a Heidi Klum, da Hailey Baldwin a Georgia May Jagger, nessuna resiste al suo fascino.

Il suo volume sontuoso è un tributo all’eclettismo, mentre la sua flessibilità lo rende adattabile tanto allo stile urbano quanto allo sfavillante red carpet. È sufficiente un tocco di accessorio per trasformarlo! Di stagione in stagione, si rinnova nelle incarnazioni di gilet e biker, conservando la sua notorietà grazie alla silhouette avvolgente e al tessuto morbido e caldo.

Il segreto del Teddy Bear Coat è custodito nella fusione alchemica di soffici fibre di lana e alpaca o cammello, accarezzate da una base di seta, generando un equilibrio sublime tra eleganza e praticità.

Il direttore creativo di Max Mara, in un momento di riflessione, rivela come sognava di creare un capo che rispondesse al desiderio universale di conforto e sicurezza in un mondo che ci atterrisce sempre di più. Al contempo, però, ambiva a lanciare un indumento vistoso e di prestigio. Questo cappotto unico ha conquistato il cuore di donne di tutte le età, avvicinando anche una clientela più giovane al marchio. Oltre ai 90mila capi venduti del Teddy originale, nel tempo la Teddy family si è espansa abbracciando bomber, gilet e accessori, dando vita così a un universo completo.

Il decimo anniversario del Teddy Bear Coat

In occasione del decimo compleanno del Teddy Bear, è stata svelata una speciale campagna pubblicitaria che vede protagonista Mariacarla Boscono, immortalata dall’obiettivo magico di Tyler Mitchell. L’iconico cappotto avvolge la sua figura, mentre viene diffuso un messaggio intriso di significato: “I was, I am, I will be. Beyond Time”.

Maxmara.com e dieci selezionati negozi Max Mara nel mondo presenteranno capi e accessori concepiti esclusivamente per questa occasione. Tra le novità spiccano il glamour dello Sparkling Teddy Coat, disponibile nei toni eternamente raffinati del cammello o del bianco, e il Mini Teddy Coat, un delizioso cappotto pensato per le bambine dai 5 ai 12 anni. Quest’ultimo è accompagnato da accessori abbinati, come guanti a manopola, paraorecchie e cuffiette irresistibilmente soffici.

La festa di compleanno nella Fluffy Residence

In occasione di questa celebrazione, Teddy ci invita a varcare la soglia della sua dimora incantata: la Fluffy Residence, una casa dove ogni oggetto è morbido come un peluche.

Questo paradiso eccentrico si erge con linee sinuose e un’aura di tenerezza, trasformando lo spazio in una residenza interamente avvolta nel tessuto Teddy. È più di un luogo; è uno stile di vita, una zona di comfort dove ci si sente a proprio agio, sia dentro che fuori casa. E poi, la celebrazione continua con la possibilità di sperimentare il Magic Mirror e scoprire il proprio alter ego Teddy. Dopo l’affascinante Chengdu, la magia della Fluffy Residence si trasferirà dal 11 al 18 novembre al Portrait Milano. Le visite possono essere prenotate su maxmara.com.

Le temperature scendono e i layer negli outfit aumentano. La stagione fredda è intrinsecamente legata a una serie di festività e tradizioni che accendono il desiderio di circondarsi dei propri affetti, oltre che di sciarpe. Di trascorrere momenti semplici e genuini che riscaldino il cuore, oltre che cercare capi per acclimatare il corpo infreddolito. E chi più di Tommy Hilfiger riesce a sublimare tradizione e modernità, dando vita a pezzi classici e al contempo innovativi? Date il benvenuto al New York Puffer, il piumino già must have.

La collezione Puffer & Outerwear Fall 2023

In occasione dei 30 anni dalla sua nascita, il brand americano celebra i rapporti umani più intimi e confortevoli, garanti di certezze in tempi carichi di insicurezza. È su questi principi che si muove la nuova collezione Puffer & Outerwear Fall 2023, dove i pezzi statement del marchio presentano twist briosi e inediti. Tommy Hilfiger si dimostra ancora una volta fedele alle proprie radici, conscio di ciò che accade nel mondo circostante e con lo sguardo orientato verso nuovi orizzonti.  

Il piumino New York Puffer di Tommy Hilfiger

Dal 1985 il marchio è guidato da Tommy Hilfiger, pioniere di uno dei brand di lifestyle premium più riconosciuti al mondo. Con la sua visione e la sua leadership in veste di Principal Designer, il marchio omonimo di Hilfiger celebra l’essenza del classico stile americano con un tocco moderno.

Nella nuova collezione, il New York Puffer è il vero protagonista. Questo capospalla ripropone l’appeal dei puffer originali degli anni ’90, particolarmente diffusi tra le community dei giovani, ma con i motivi più iconici del brand rinnovati. Lo troviamo infatti in versione Tommy Tartan originale, così come in rosso, bianco e blu, o ancora con l’iconica flag e il TH Monogram.

Un focus particolare va al New York Puffer in alpaca spazzolata, garante di funzionalità e stile in un unico capo. All’esterno è realizzato in poliammide riciclata al 100% con un’imbottitura in Thermolite®: si tratta di un isolante riciclato di qualità superiore e ricavato da un minimo dell’85% di rifiuti tessili e bottiglie di plastica usate. In questo caso il Lion Crest è riproposto in pelle martellata e i colori di stagione brillano energici.

La famiglia è il valore alla base della nuova campagna

La campagna di presentazione vede il piumino imbottito indossato da Sage Elsesser, rapper e skateboarder professionista, oltre che fratello della celebre modella Paloma Elsesser. La sua famiglia è infatti una delle due protagoniste di questa collezione. Circondata da amici e parenti, Paloma si gode una giornata in baita sotto i raggi del sole, indossando i capispalla Tommy Hilfiger per l’autunno 2023.

Scenario differente, ma con la famiglia al centro di tutto, anche per gli Aoki. Devon e Steve Aoki sono gli altri protagonisti della campagna pubblicitaria del marchio. Ripresi in una spiaggia di Malibù, i due passeggiano lungo la riva, godendosi lo scrosciare delle onde e l’atmosfera romantica e un po’ malinconica del mare d’inverno. Anche qui il New York Puffer ruba la scena, indossato dalla modella e attrice Devon Aoki in un lussuoso color sabbia. Il fratello Steve invece, musicista, produttore e DJ di fama internazionale, lo sfoggia nell’iconico blu Tommy Hilfiger.

La nuova collezione di Puffer & Outerwear Tommy Hilfiger Fall 2023 comprende puffer a maniche lunghe e smanicati, con e senza cappuccio. Un modello lungo alla caviglia, indossato da Ama Elsesser nella campagna. Ancora, vengono proposti cappotti monopetto a tre o quattro bottoni e cappotti doppiopetto, un modello parka, un bomber in pelle con colletto Sherling, due varsity jacket in pelle e in montone.

Nel segno del continuo scambio tra arte e moda, una selezione di appuntamenti in giro per il mondo dove i protagonisti del fashion dialogano con il design, con la scrittura e con la fotografia. Un tour che attraversa quattro città per visitare le mostre di moda più interessanti a Londra, Parigi, Madrid e New York.

LONDRA: le mostre sulla moda di Gucci e Prada

Dopo l’inaugurazione di Shanghai sbarca a Londra (presso il 180 Studios), la mostra immersiva Gucci Cosmos, che resterà aperta fino al 31 dicembre 2023. On display i modelli più̀ iconici prodotti nei 102 anni di storia della Maison esposti in modo particolarmente scenografico toccando diversi temi cari all’azienda. Gucci Cosmos accompagna i visitatori in un viaggio che si snoda avanti e a ritroso attraverso i decenni, esplorando la storia della Maison e le sue radici fiorentine in un inno alla sua inesauribile creatività̀.

La storia di Gucci si può dire che sia davvero iniziata a Londra nel 1897, quando il giovane Guccio Gucci trovò lavoro come facchino e lift boy presso l’esclusivo Savoy Hotel della città. Trasportando i bagagli degli ospiti attraverso le celebri porte girevoli e azionando l’ascensore per raggiungere le camere e le suite, il giovane Guccio ebbe modo di conoscere da vicino i gusti e lo stile di vita dell’élite internazionale, assimilando nuove idee e interessi culturali più̀ cosmopoliti. Ispirato da queste esperienze e deciso a fare del suo nome un simbolo dell’arte della valigeria, Guccio tornò a Firenze e nel 1921 fondò l’omonima pelletteria, a cui seguì l’apertura del primo negozio Gucci in Via della Vigna Nuova.

I dettagli della mostra Gucci Cosmos

Gucci Cosmos esplora il modo in cui i codici e lo spirito di Guccio Gucci si sono concretizzati nei modelli più̀ iconici della Maison. Inoltre, gurada al modo in cui questi classici che hanno definito un’epoca abbiano sempre ispirato e siano stati reinterpretati dai suoi visionari stilisti. La mostra illustra come la visione progressista della Maison, ancorata alla migliore tradizione e maestria artigianale italiana, abbia consentito a Gucci non solo di essere specchio dei tempi, ma di definirli esercitando così la propria influenza sulla società̀ e sull’estetica di quel periodo storico.

Un progetto ideato e realizzato dalla celebre artista britannica Es Devlin che ha dichiarato: «Come sforzo creativo ed espressione dei tempi, la Maison e la sua storia nel corso dell’ultimo secolo si possono ricostruire guardando alla loro capacità di evolversi e, più in generale, di espandersi seguendo l’evoluzione della nostra stessa consapevolezza, e di pari passo alla nostra capacità di attuare mutamenti cognitivi. Così come un abito che può essere modificato e riadattato, come la pelle che cambia durante la muta e continuamente si rinnova. Per questa edizione della mostra a Londra, ho voluto enfatizzare il ruolo cruciale della città nel mito delle origini della Maison, che vede il giovane Guccio Gucci salire e scendere nella ‘Ascending Room’ – la ‘stanza ascendente’ – rosso lacca del Savoy, dove i suoi incontri con gli ospiti e i loro lussuosi bagagli avrebbero forgiato il suo futuro».

Prada Reporter presenta: Witness to Nature

Sempre a Londra si apre Witness to Nature presso il nuovo pop-up store di Prada all’interno di The Selfridges Corner Shop. La mostra celebra la natura e l’umanità attraverso quattro temi chiave. Le oltre 150 immagini sondano l’enigma irrisolvibile della natura, con la sua giustapposizione di micro e macro, potenza e fragilità, bellezza e pericolo, mentre l’umanità osserva e contribuisce alla sua perpetua trasformazione. Catturate ai quattro angoli della Terra da 8 fotografi internazionali, le immagini mettono in moto una conversazione con Prada circa il complesso rapporto tra uomo e natura, in perenne evoluzione. L’esposizione rientra nel più ampio progetto Prada Reporter, realizzato in collaborazione con Magnum Photos.

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PARIGI celebra il talento di Iris van Herpen

Dal 29 Novembre al 28 aprile 2024 il Museo di Arti Decorative di Parigi ospiterà Iris van Herpen: Sculpting the Senses. Dopo lunga attesa, una grande mostra in Europa vuole celebrare la designer olandese, innovatrice nel campo della moda per l’utilizzo di tecnologie all’avanguardia con cui confeziona le sue collezioni sempre sperimentali e oniriche. Con il suo lavoro, van Herpen sfida le norme convenzionali del settore, abbracciando sia tecniche più tradizionali, sia materiali non convenzionali.

L’esposizione esplora il ruolo del corpo nello spazio, la sua relazione con l’abbigliamento e l’ambiente circostante, e il suo futuro in un mondo in continua evoluzione. Una selezione di oltre 100 capi d’alta moda creati da Iris van Herpen si fondono con opere d’arte contemporanea di numerosi artisti. Per citarne alcuni: il Collectif Mé, Wim Delvoye, Rogan Brown, Kate McCgwire, Damien Jalet, Kohei Nawa, Casey Curran, Jacques Rougerie, insieme a creazioni di design di Neri Oxman, Ren Ri, Ferruccio Laviani e Tomáš Libertíny. Inoltre, pezzi provenienti dal mondo delle scienze naturali, come coralli e fossili, creano una connessione unica con i pezzi storici.

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MADRID: Writing the Prado con Loewe

Il Museo Nazionale del Prado di Madrid e la Fondazione LOEWE collaborano per il progetto Writing the Prado. Si tratta di un programma di residenze che invita scrittori di fama internazionale a interagire con le collezioni e la ricca storia del Museo, per lasciarsi ispirare nelle loro creazioni letterarie. L’obiettivo è tradurre in forma letteraria la bellezza storica e artistica delle opere e delle collezioni del museo madrileno. L’arte che si mescola alla scrittura. Le opere di ciascuno degli autori partecipanti vengono poi pubblicate congiuntamente dal Museo e dalla prestigiosa rivista letteraria Granta.

Chloe Aridjis è la seconda autrice invitata a partecipare all’iniziativa, seguendo il vincitore del Premio Nobel 2003 John M. Coetzee. La scrittrice messicano-americana, già vincitrice del Premio PEN/Faulkner per la fiction 2020, trascorrerà nove settimane a Madrid a partire dai primi di ottobre. Durante la sua residenza Aridijis parteciperà a una serie di colloqui pubblici coinvolgendo il Museo, le sue opere d’arte, collezioni private e pubbliche, artisti, gallerie e palazzi. Il ruolo della Loewe Foundation sarà quello di finanziare, nell’arco di un triennio, due residenze all’anno. Ognuna di esse consentirà agli scrittori di compiere una totale immersione nel museo durante un tempo massimo di due mesi ciascuno. Al lancio del progetto il direttore creativo di Loewe, Jonathan Anderson, ha affermato: «Questo progetto rappresenta un’opportunità incredibile per addentrarsi nel mondo infinitamente stimolante del Museo del Prado e creare nuove ed entusiasmanti connessioni interculturali».

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Barbara Sánchez-Kane in mostra a NEW YORK CITY

Dal 15 settembre è in mostra New Lexicons for Embodiment, la prima personale di Barbara Sánchez-Kane presso la kurimanzutto gallery di New York.

Sánchez-Kane, designer e artista proveniente dal Messico i cui pronomi d’elezione sono lei/lui. La mostra si focalizza su come gli abiti siano in grado di modellare le nostre identità e le espressioni di noi stessi. L’artista decostruisce e re-immagina le identità più tradizionali attraverso i suoi capi e alcune sculture. L’ispirazione dietro queste ultime proviene da una guida di design degli anni Venti. Realizzate a partire dai tessuti, le sculture astratte appaiono come “abiti mutanti e mutevoli” che sfidano la percezione dell’osservatore. Lontani dai concetti di efficienza e utilitarismo, questi capi rifuggono l’idea di produttività per combattere la convinzione che “lento” sia sinonimo di “male”. Vestiti e accessori complessi che rendono la vita più complicata, ma che permettono così di viverla con più calma, di scorgerne la bellezza nei risvolti più ostici.

Il fashion month di settembre è ormai alle spalle ed è il momento di tirare le somme. Parigi, in questa stagione, ha rivendicato un ruolo centrale tra le quattro capitali della moda. Funzionalità e creatività hanno sfilato mano nella mano lungo le passerelle dei vari marchi in calendario, ricordando a tutti la bellezza del “fare moda”. In un panorama dove insicurezze e sfiducia nel futuro stanno intaccando tutti gli aspetti del sistema, alcuni show della Paris Fashion Week si sono distinti per essere andati controcorrente. Si tratta di marchi che hanno perseverato e portato a termine uno dei compiti più difficili della moda odierna: creare sogni.

1. Il cuore di Demna Gvasalia da Balenciaga

Una sfilata in famiglia. Ecco cosa ha caratterizzato la presentazione della collezione SS24 di Balenciaga, forse lo show più chiacchierato della Paris Fashion Week. La famiglia di nascita e quella che Demna Gvasalia ha scelto e portato con sé alla maison in questi anni di direzione creativa. Parenti, amici e muse dello stilista hanno calcato la passerella, a partire dalla madre Ella, per finire con il marito Loïck Gomez. Noto anche come BFRND, Gomez ha indossato l’abito da sposa finale, e ha mixato e firmato (come sempre) la colonna sonora dello show.

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Ancora, tra i modelli c’erano insegnanti del designer, come Linda Loppa, e altri membri del personale accademico dell’Anversa Academy. Star del fashion system come la giornalista e critica di moda Cathy Horyn, e volti della comunità LGBTQIA+ come Amanda Lepore. Gli amici di sempre, come l’artista Eliza Douglas e l’attrice Isabelle Huppert, la cui voce ha risuonato per tutto lo show mentre leggeva un testo istruttivo sulla costruzione di una giacca. La lettura si ripeteva in modo ossessivo con ritmi sempre più frenetici, creando uno stato di agitazione e apprensione in chi ascoltava. Metafora della pressione esercitata dal sistema moda.

La scommessa (vinta) di Balenciaga

Lo show, dunque, consisteva in un’opera che tratta le fondamenta della couture, l’importanza del ricordare le proprie radici e gli affetti più cari. Il tutto in un climax sviluppatosi in un mare rosso di pesanti tendaggi drappeggiati. Sulla passerella si sono succedute silhouette e look ormai noti nella storia della Maison, raffornzando l’attenzione sul messaggio che Gvasalia voleva trasmettere: il mondo di Balenciaga è l’insieme di ciò che egli ama della moda. È un riflesso della sua persona, delle sue abilità creative ed esecutive, della sua vita. È qualcosa che va oltre le tendenze e il concetto di lusso “trickle-down”. Una dichiarazione importante, una presa di posizione chiara e rinvigorente. Forse anche un modo per porre fine alle critiche che lo perseguitano dal disastro mediatico che ha seguito l’infame campagna del 2022. A giudicare dalle reazioni del grande pubblico, sembrerebbe avercela fatta.

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2. Il nuovo ottimismo di Rick Owens

Una nebbia fucsia e gialla, petali di rose che cadono dal cielo e Diana Ross che canta I still believe in love. L’atmosfera al Palais de Tokyo era insolitamente positiva e ottimista da Rick Owens questa stagione. Lo stilista noto come “Principe delle Tenebre” ha scelto, infatti, di rompere (momentaneamente?) con le atmosfere lugubri e cupe che da sempre caratterizzano i suoi show, per indagare orizzonti più speranzosi. Certo è rimasto l’utilizzo del nero, le declinazioni extraterrestri, le silhouette affilate e le spalline ingigantite che arrivano fin sopra alla testa. Il generale sentore di leggerezza e freschezza però si respirava nelle cappe gonfiate dal vento, nei rosa polverosi che vanno dal cipria al malva, nei marroni caramellati e nei rossi succosi.

L’avanzare lentissimo delle modelle, dovuto sicuramente anche agli impossibili sandali-stivali dal plateau spropositato e tacco trasparente, dava un tono solenne allo show. Una nota quasi straniante se confrontata con l’estetica dei capi, che però in questo modo possono essere scrutati con attenzione, ammirati, impressi nella mente. Una lentezza che non appartiene alla società contemporanea, e che sicuramente non è propria della moda. Ma proprio per questo è stimolante ed eccitante, e lascia chi osserva con il dolce presentimento che il futuro ci riservi ancora qualcosa di bello.  

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3. La stella splendente di Mugler

Casey Cadwallader non sta mancando un colpo. Alla guida di una delle maison di alta moda francesi maggiormente impresse nell’immaginario e nei cuori dei fashionisti di tutto il mondo, Mugler, Cadwallader sta ampliando la propria fanbase come pochi sono riusciti a fare in così poco tempo. Con un archivio complesso da maneggiare proprio per l’unicità e l’originalità che lo caratterizzano, il designer americano è riuscito a ridare forma e senso al marchio Mugler, rendendolo tra i più desiderabili del panorama contemporaneo.

Le top model in passerella per Mugler

L’alto tasso di drama e hype che circonda le sfilate di Mugler è sicuramente legato al cast sempre inclusivo e glamour. Stavolta c’erano icone pop del calibro di Angela Bassett, Paris Hilton, Helena Christensen, Paloma Elsesser, Anok Yai e Fan Bingbing. Ancora, Mariacarla Boscono, Amber Valletta e Irina Shayk, che sono ormai di casa. In un corridoio d’aria provocato dai ventilatori industriali posti ai lati della passerella, metri e metri di tessuto si muovevano scenograficamente dietro le modelle. L’effetto voluto era quello di creature marine che avanzano nell’acqua fluide, morbide e sensuali. Sono apparse però anche creazioni dalle forme rigide, bizzarre, stravaganti. Un abisso di esseri ammalianti e conturbanti.

Tutti questi aspetti caratterizzavano l’estetica di Thierry Mugler, il fondatore del marchio, e Cadwallader li sta portando avanti con spirito innovativo. Lo show era il primo live alla Paris Fashion Week dall’arrivo del nuovo direttore creativo nel 2018, e si è svolto il penultimo giorno di calendario. Nonostante ciò, è stato uno dei più acclamati della stagione. Cos’altro aggiungere? Bravo, Casey.

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Fiori per riflettere sullo stato dell’arte alla Paris Fashion Week

«Floreale? Per la primavera? Avanguardia pura». L’esclamazione ironica della temutissima Miranda Prisley de Il Diavolo veste Prada risiede “rent free” nella mente di chiunque lavori nella moda e non solo. Questa stagione, però, anche l’immaginaria direttrice di Runaway potrebbe doversi ricredere. Il fiore, infatti, era alla base delle collezioni SS24 di Marni e Undercover: non un banale decoro stagionale, ma uno strumento di riflessione su tematiche ampie come l’importanza del lavoro manuale nella società odierna e il dualismo vita-morte.

4. “L’estasi della mano secondo”: Francesco Risso di Marni

Gli abiti-scultura e découpage floreali di Marni hanno sfilato negli spazi dell’hotel particulier di Rue de l’Université, ex-casa di Karl Lagerfeld a Parigi. Più vicini alla Couture che al RTW e realizzati a scopo scenografico più che utilitaristico, queste creazioni visivamente incantevoli hanno dato modo agli ospiti di volare in un mondo fantastico, lontano.

L’amore per il fatto a mano, per l’artigianalità e per l’aspetto tattile della materia che Risso ama, viene chiamato dal designer «l’estasi della mano». Sugli abiti bustier con crinoline e su una giacca si potevano ammirare le centinaia di immagini di fiori stampate su cotone, ritagliate singolarmente, e poi pazientemente cucite una a fianco all’altra. Alcuni minidress invece erano il risultato della manipolazione di lattine scartate, rimodellate a forma di fiori che parevano sbocciare dal corpo e sporgere all’esterno. Lo scopo di queste apparizioni era quello di combattere la virtualità messa perennemente al centro delle nostre vite, ripensare la manualità e ridare spazio alla concretezza. Un modo per risvegliare i sensi e procurare gioia e piacere, rimanendo fuori dagli schermi.

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5. Tra la vita e la morte: la sfilata gotica di Undercover

Parte la colonna sonora di Wings of Desire, il film di Wim Wenders. Grandi candelabri di cristallo rivestiti di tulle nero illuminano la passerella, allestita in un garage sotterraneo. In questo modo la luce che emanano è fioca, offuscata (o forse protetta?). I capi si intravedono sotto lo strato di tulle, insieme ad accessori e decorazioni come spille, pietre preziose, carte da gioco e rose di seta. Nell’insieme sembrano i fiori secchi custoditi affettuosamente tra le pagine di un libro. Quest’estetica tipicamente romantica – nel senso storico, non sentimentale – imbocca traiettorie gotiche con i ragni neri e oro ricamati sul tulle, definendo una narrazione precisa. Malinconia, sogno, paura ed emozioni stranianti sono infatti temi cari al Romanticismo, così come lo è il revival del gusto gotico.

Incantare, ammaliare, stregare. Esiste un aspetto oscuro nell’atto di affascinare qualcuno, in quanto l’origine del verbo (come per i suoi sinonimi) rimanda a pratiche magiche, maligne. Esse hanno lo scopo di privare la persona colpita della propria coscienza, del proprio intelletto, per poterla manipolare o trarne un qualche tipo di vantaggio. Il fashion designer giapponese Jun Takahashi ha dato vita a uno show magico alla Paris Fashion Week con la sua collezione SS24 Deep Mist. Un sogno ad occhi aperti, pervaso di una malinconia figlia del rinnovamento conseguente a una perdita.

Perché gli abiti terrario sono diventati virali

Un messaggio di speranza, però, si intravede nei tre look finali: si tratta di abiti-terrario che sembrano indossati da fate o spiriti benigni. I mini abiti sono stati ricavati dall’utilizzo di veri e propri grandi vasi di vetro, contenenti rose recise e farfalle svolazzanti. Rivestiti di tulle e illuminati artificialmente dall’interno, i capi restituiscono l’effetto dei candelabri, ma sono arricchiti da qualcosa di molto più prezioso del cristallo. La vita.

La collezione SS24 di Peter Do recentemente presentata a Parigi ha svelato una collaborazione con il celebre marchio Banana Republic.

Martedì 26 settembre, Settimana della Moda di Parigi: Peter Do sfila al Palais de Tokyo sorprendendo tutti ancora una volta. Tra i look del brand del designer vietnamita, la cui ascesa sembra inarrestabile, hanno fatto capolino anche alcuni pezzi particolarmente speciali. Si tratta dei look chiave della prossima collezione Peter Do x BR, realizzata in collaborazione con lo storico marchio americano Banana Republic.

Versatili e di alta qualità, i capi della capsule collection riflettono l’intersezione tra l’utility design, la sartorialità architettonica moderna e l’artigianalità impeccabile proprie dei due brand.

Disegnata da Peter Do, che si è ispirato agli archivi di Banana Republic, la capsule include pezzi e accessori prêt-à-porter genderful. Antonimo di genderless, il termine ha un’accezione più positiva, inclusiva e liberatoria riguardo tutte le forme di espressione di sé.

Con capi declinati nella palette di colori tipicamente neutri di Peter Do, l’inaspettata partnership amplia lo spettro di ciò che ciascun brand rappresenta. Lo fa tramite una collezione fondata sulla qualità, sulla conoscenza profonda del design e sulle proporzioni sperimentali.

La capsule collection Peter Do x BR si compone di un totale di 28 pezzi e sarà disponibile per l’acquisto online e in alcuni negozi BR negli Stati Uniti, in Canada e in Giappone a partire dal 10 ottobre 2023.

L’ultimo giorno di sfilate della Milano Fashion Week ha portato alla luce diversi nomi emergenti e ne ha visti tornare in patria altri già noti. Una scarica creativa di nuova energia che è sinonimo di vitalità per il panorama italiano e di speranza per il futuro delle “giovani” realtà. Il tutto sotto l’ombra di Re Giorgio, che si proietta sulla città per salutare e concludere anche questa stagione meneghina.

Chiara Boni, La Petite Robe

La designer fiorentina Chiara Boni in occasione del suo debutto in calendario ha dichiarato: “Dopo anni di show negli USA sono felice di sfilare a Milano, la città che mi ha adottato e che ha contribuito a far crescere e sviluppare le mie collezioni”.

La collezione SS24 La Petite Robe è caratterizzata da nuance decise, influenzate da un avventuroso viaggio africano. Femminilità tradizionale reinterpretata in chiave moderna, elegante e disinvolta. Colori sgargianti giustapposti a stampe maxi zebrate e motivi tye-dye sono stati combinati dallo styling di Simone Guidarelli. Il soundtrack dello show è stato prodotto e composto da Thomas Costantin, che sintetizza quest’idea di un viaggio che dall’Africa approda nella metropolitana di New York. Ad aggiungere brio allo show, una performance di Drusilla Foer ha aperto la sfilata, esibendosi con Smile di Charlie Chaplin (e indossando una creazione della designer).

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Karoline Vitto supported by Dolce & Gabbana

Laureata al Royal College of Art nel 2019, Karoline Vitto è una designer brasiliana con sede a Londra. Con il supporto di Dolce & Gabbana ha presentato l’ultima collezione del proprio brand, interamente costruito attorno all’idea di celebrazione dei corpi curvy. La decisione di fondare questo marchio nasce dalla reazione all’estetica skinny tipica degli anni 2000, nei quali Vitto è cresciuta in Brasile.

Allestito presso Casa Dolce & Gabbana, lo show ha visto scendere in passerella un cast di modelle con taglie dalla 10 alla 26 (taglie UK) con Ashley Graham ad aprire la sfilata. Gli abiti presentati sono stati realizzati con inserti metallici che scolpiscono il corpo accentuandone curve, rotolini e tutto ciò che è spesso causa di body shaming. Un modo per glorificare le forme femminili e riconquistare l’orgoglio e la gioia che provengono dal sentirsi bene con se stessi.

L’importanza di ricevere un sostegno (economico soprattutto) da realtà affermate come quella della celebre Casa di moda italiana è presto dimostrata. Con l’accesso ai vasti archivi del marchio, oltre al supporto di un team completo di lavoratori qualificati nell’atelier di Dolce & Gabbana, Vitto ha potuto aumentare il numero di look nella sua collezione, passando dai soliti 10 a più di 30.

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Il paradiso tropicale di Shuting Qiu

La collezione SS24 di Shuting Qiu è un omaggio alla bellezza naturale e all’ambiente, ispirata al suo recente viaggio a Tenerife. La designer-pittrice fonde il fascino tropicale con la sua caratteristica visione colorata e gioiosa, arricchita dai ricami tradizionali degli artigiani di Hangzhou, città d’origine di Qiu.

Il tema centrale è la stella marina, simbolo dell’oceano, che si intreccia con motivi floreali e disegni audaci. Anche in questa collezione il brand, fondato nel 2018, si è impegnato circa il tema della sostenibilità e ha inserito tra i capi dei pantaloni in denim riciclato. Inoltre, in collaborazione con UGG, il marchio australiano con manifattura Made in Italy, sono state create scarpe dipinte a mano. Ogni capo cattura la bellezza delle isole canarie con foglie tropicali, stelle marine e piume, mentre motivi floreali, farfalle e frammenti di scogliere aggiungono un tocco giocoso e allegro. Le silhouette morbide incarnano la libertà e il comfort, il beachwear fa sognare le giornate in spiaggia e la generale esplosione di colori ci lascia col sorriso in volto.

La protesta non tanto ironica di Avavav

La viralità è un concetto chiarissimo a Beate Karlsson, la designer nata a Stoccolma che da qualche stagione presenta le proprie collezioni alla Milano Fashion Week. Camuffati da spettacoli attira-commenti (spesso anche negativi), gli show di Avavav hanno il pregio raro di veicolare messaggi di protesta o sottolineare aspetti ridicoli dell’intero fashion system tramite l’intrattenimento.

L’ottima riuscita del progetto si riflette nella calca di fashionisti che accorrono da tutto il mondo a vedere le sue sfilate, mossi da fremente curiosità. E cosa c’è di meglio per un brand se non essere considerato interessante per il pubblico-mercato?

La collezione SS24 di Avavav mette sotto la lente d’ingrandimento alcuni meccanismi che stanno dietro la progettazione di una nuova collezione. “NO TIME TO DESIGN” esprime la frenesia, il caos, la pressione sotto cui devono stare i designer di moda una volta entrati nel sistema. Un modo di lavorare che sfiora il ridicolo, ma è seriamente allarmante. Il filtro dell’ironia allora è lo strumento elettivo di Karlsson per affrontare questi discorsi, mentre manda in passerella una serie di capi effettivamente ben realizzati e indossabili, con una nicchia di mercato già conquistata. Altri, realizzati a scopo puramente comunicativo, sono già entrati nella storia. Uno fra tutti l’outfit finale: un abito oversize interamente ricoperto di post-it.

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Le vibrazioni di Giorgio Armani

Da sempre lontano dalle tendenze passeggere e dalla ricerca di coolness momentanea, l’intento di Giorgio Armani resta sempre lo stesso: vestire il tempo presente con un segno vibrante, autentico, fatto di dignità ed eleganza.

Il Re di Milano a proposito dell’ultima fatica ha dichiarato: «Tutto vibra: colori, sensazioni, sentimenti. Questa stagione le vibrazioni diventano visibili: percorrono intere superfici in movimenti ondulatori, in intrecci increspati, espandono la gamma cromatica per toccare note di bronzo e argento, accendersi di verdi e viola preziosi e infine arrivare al bianco che dilaga nella sera.»

La collezione SS24 di Giorgio Armani è intitolata Vibes e secondo tre vibrazioni differenti si è articolata in passerella. Una prima parte vede forme morbide e allungate, con un accento sulle trame evidenti o evocate dalle stampe trompe l’oeil che simulano nodi e tessiture dal sapore estivo. Spicca la scelta di abbinare sneaker e scarpe basse ad abiti da sera, tutti in colori della terra elevati dai tessuti metallici. Si passa poi al blu di Armani, che richiama il mare e le sue mille sfumature. Dall’azzurro chiaro al blu profondo. Concludono la sfilata i colori luminosi come il rosa chiaro, il bianco e l’argento. Tinte e tessuti preziosi, che riescono a toccare le corde emotive di chi osserva senza dover ricorrere ad alcun tipo di intermediazione.

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Rave Review fa rivivere il proprio dead-stock

Chiudendo la Milano Fashion Week, l’ultimo giorno di sfilate Rave Review ha fatto il suo debutto sul calendario ufficiale. Specializzato in up-cycling, Rave Review è il primo brand svedese semifinalista del prestigioso LVMH Prize, oltre ad aver partecipato al Gucci Fest e ad essere stato inserito nel Gucci Vault.  

Sulle note di Take My Breath Away in versione rivisitata, seguita da una cover dei Nirvana di Wuthering Heights di Kate Bush, hanno presentato la collezione SS24 Leftovers Paradise.

Con una serie di look dall’estetica grunge e dalle incursioni New Romantic, il marchio fondato nel 2018 da Josephine Bergqvist e Livia Schuck ha deciso di abbracciare il proprio stock creato nel tempo. Partendo da qui, il duo ha dato vita a una collezione con ciò che aveva già a disposizione. «Poiché abbiamo acquistato la maggior parte dei nostri materiali di seconda mano da impianti di smistamento in Svezia e Scozia, abbiamo accumulato una grande collezione nel corso degli anni. Abbiamo fatto tesoro di tutti i tessuti e gli articoli per la casa che non abbiamo utilizzato nelle stagioni precedente. Si tratta di un inventario impressionante. Per la SS24 è stata una sfida necessaria, ma anche divertente, quella di utilizzare per lo più questi tessuti, con solo una minima parte dei materiali in giacenza. Come stilisti, i limi delle risorse disponibili spesso ispirano più creatività che avere una libertà illimitata».

Inevitabile quindi che il centro della collezione fosse il taglio patchwork, ma pensato in chiave punk, distorta, con i bordi grezzi bruciati. La giustapposizione di ricami, denim strappato, tartan e lenzuola bianche e pelle nera ha dato un aspetto nostalgico ai capi, per dei look apparentemente aggressivi ma dall’animo dolce.

Show fuori calendario che segnaliamo:

L’omaggio a Leonardo di Bosideng

Celebrare il genio italiano fiorentino. Questo lo scopo di Bosideng, che torna a sfilare a Milano con la collezione FW 23/24. Il rinascimento è il punto di partenza del brand specializzato in abbigliamento outdoor leggero, che sceglie la Casa degli Atellani, insieme alla Vigna di Leonardo, come set dello show.

La sontuosa residenza apparteneva originariamente aLudovico il Moro e fu successivamente donata agli Atellani. La famiglia la concesse a Leonardo da Vinci per dipingere l’Ultima Cena, che ha ispirato profondamente l’intera collezione. Il direttore creativo Pietro Ferragina ha presentato una collezione che richiama elementi rinascimentali e disegni di Pietro Pontaluppi, un geniale designer della borghesia milanese che visse in quel contesto. I motivi tratti dai dipinti murali, gli affreschi e l’orifiamma della cancellata sono stati trasferiti su giacche e abiti trapuntati. I ricami sono stati realizzati artigianalmente con seta, cristalli e perle. La collezione gioca con opposti in termini di occasioni d’uso, silhouette e tessuti.

Le lavorazioni artigianali sono realizzate a mano, con una particolare attenzione al ricamo di Suzhou, eseguito su telaio manuale, uno dei quattro stili più antichi della Cina. Tra gli accessori spiccano gli occhiali da sole realizzati in collaborazione con Saturnino Eye Wear. Si tratta del marchio dell’eclettico musicista Saturnino Celani, perfettamente in armonia con il tema.

La sfilata a Milano rappresenta solo la prima tappa di un tour che toccherà le principali capitali della moda in Europa e Asia, seguendo le antiche rotte della Via della Seta.

L’universo inclusivo di YEZAEL by Angelo Cruciani

Nelle due cornici Palazzo Insibardi e di Lineapelle Designers Edition ha sfilato la collezione INFINITE CONNECTIONS di Yezael by Angelo Cruciani.

La prima location è stata la piattaforma dell’esposizione sulla sostenibilità voluta dal più grande distretto di tessuti al mondo, in Cina a Keqiao. Lineapelle Designers Edition si è tenuta invece a Rho Fiera. Si tratta della fiera internazionale più importante, che «racconta la bellezza e la versatilità della pelle» secondo Fulvia Bacchi, amministratore delegato di Lineapelle e direttore generale di UNIC – Concerie Italiane.

Con questa collezione YEZAEL propone in due diverse sfilate capi genderless, resi tali da una manovra produttiva applicata alle taglie. Con questo approccio progettuale inclusivo, Cruciani vuole comunicare che tutti facciamo parte della stessa storia, nonostante le infinite caratteristiche diverse che ci contraddistinguono come unici. Contribuiamo tutti a creare infinte connessione che confluiscono in un unico corso: la vita.

Dai motivi decorativi ai colori scelti, si palesa il tema dell’universo celeste. Nel comunicato stampa del brand si legge: «Questa collezione cerca di fondere il contemporaneo a quella saggezza che arriva da culture che spesso definiamo “primitive”. Un viaggio che ha avuto come punto di partenza l’infinito tutto intorno a noi: sicurezza e fragilità che si raccontano in abiti stellati, per portarci l’infinito addosso e soprattutto ricordarcelo dentro».

Les Benjamins è il nuovo brand di streetwear di lusso con sede a Istanbul che mira a rappresentare l’Oriente contemporaneo.
Fondato nel 2011 dal tedesco Bünyamin Aydin, il viaggio di Les Benjamins è cominciato con 30 umilissime T-shirt stampate, il germoglio di un progetto che nel tempo ha fatto guadagnare a Aydin un invito alla Mercedes-Benz Fashion Week di Istanbul e infine uno spot alla Milano Fashion Week. L’obiettivo e il messaggio del marchio sono chiari: restituire una visione inedita dell’Oriente contemporaneo, raramente contemplato nel panorama della moda e del lusso. A questo si aggiunge una sfumatura interessata e personale: «Siamo una piattaforma che esprime come vorremmo che l’Oriente sia oggi», dichiara Aydin.

La nuova collezione First Wave

Questa stagione Les Benjamins proietta il suo sguardo in lontananza, partendo dalle nozioni preesistenti riguardanti la Terra e i suoi luoghi lontani, per giungere verso qualcosa di più astratto ed esteticamente lontano.
La collezione Autunno-Inverno 2023 del marchio di Istanbul prende il nome di First Wave: l’intenzione del direttore creativo Bunyamin Aydin è stata quella di dare vita a un progetto visivo che illustra come potrebbe apparire la prima colonia umana, una volta abbandonata la Terra e raggiunto un nuovo pianeta desertico e immaginario.
Combinando diversi pilastri estetici del marchio, tra cui elementi fantascientifici futuristici e skins da gaming con simboli culturali orientali tradizionali come il carpet monogram Les Benjamins, First Wave riflette un futuro in cui la nostalgia per la terra indugia ancora, molto tempo dopo che i suoi abitanti se ne sono andati.

Le scelte dei materiali e dei colori

I capi sono stati realizzati partendo da elementi protettivi, intesi come seconde pelli tipo body armours, con imbottiture e silhouettes tecniche militari, l’utilizzo di materiali come la pelle, la seta e il crêpe, giustapposti a hardware e dettagli funzionali provenienti dal mondo tech, come patch, tubi ed elementi con coulisse in silhouette oversize, che in qualche modo rimandano anche allo stile dei raver.
La tavolozza dei colori di base prende una piega malinconica sia nel menswear che nel womenswear, con sfumature di mogano, palude e verde silvestre, ma con lampi di tinte neon e acide che danno un tono cyberpunk alla collezione. L’effetto finale è quello di una palette che rimanda a un panorama distopico e
minaccioso, a cui però non soccombe la speranza tipicamente umana.
In linea con l’impegno del marchio verso l’idea di community, First Wave immagina un mondo in cui una nuova tribù si è venuta a formare in questo distopico territorio desertico e di cui ogni membro si fa portatore della propria nostalgia del passato e dell’Oriente, ma con energetica speranza verso il futuro.

La nuova fase di Les Benjamins in Corea del Sud

La nuova collezione FW23 ‘First Wave’ segna anche l’ingresso del brand nel mercato sudcoreano, costruendo un nuovo ponte da est a est, precisamente tra Istanbul e Seoul. Con il legame storico tra i due paesi e la familiarità con la cultura giovanile in evoluzione nella scena underground, Les Benjamins inaugura una nuova era per la moda mediorientale, diventando il primo brand a forgiare un legame tra la regione e la Corea del Sud.
«È sempre stato il mio sogno portare Les Benjamins a Seoul fin dai primi giorni del marchio», ha detto Bünyamin Aydin. «Entrambe le culture coreana e giapponese hanno avuto una grande influenza sulla mia educazione in Germania».

Viene da qui la collaborazione del brand di streetwear di lusso con il concept store coreano Empty: insieme hanno lanciato un pop-up il 6 settembre con accesso libero per il pubblico.
Inoltre, la collezione è stata reinterpretata dall’artista coreano Cho Gi-Seok, che ha contribuito così a creare una narrazione visiva in grado di collegare pubblici diversi, sfruttando la lente della moda contemporanea.

Heritage, legacy e artigianato di altissimo livello sono i punti focali estratti dal quarto giorno di sfilate della Milano Fashion Week. Da Ferragamo a Bottega Veneta, passando per Dolce&Gabbana, Ferrari e Bally, ci si è concentrati su un’idea di lusso che ha a che fare soprattutto con il concetto di tradizione. Questa intesa come quell’insieme di memorie, notizie e testimonianze che vengono trasmesse da una generazione all’altra. Ne sono scaturite collezioni che si distinguono per la qualità di esecuzione, con capi senza tempo che fanno riflettere proprio sul valore di quest’ultimo.

Il pit stop fashionista di Ferrari

Seppur l’associazione casa automobilistica e linea di moda suoni ancora stonata, il quarto giorno di Milano Fashion Week da Ferrari è stata eseguita una sinfonia. Letteralmente. Con il film di Michael Mann Ferrari recentemente presentato al Festival del Cinema di Venezia, i riflettori non hanno mai puntato così tanto sull’italianissimo marchio.

Rocco Iannone è il direttore creativo a cui è stato assegnato il nuovo brand di abbigliamento. Il suo compito è tentare di costruire le fondamenta di quella che potrebbe essere una delle nuove case di moda maggiormente rappresentative dell’italianità. O, se non altro, di una sua sfaccettatura inedita. Stile di vita lussuoso, una personalità sfacciata ed eccentrica, l’attrazione per il potere e un gran sex appeal. Ecco cosa caratterizza l’ideale possessore di una Ferrari ed ecco cosa caratterizza la collezione SS24 di Iannone. Capi morbidi e rilassati, a tinta unita, che vanno dal casual wear per il giorno agli abiti da sera, in una palette che tocca il blu, il bianco e il rosso, passando per il nude e il rame. Dalla pelle, al denim, alla maglieria, i tessuti si alternano su una serie limitata di look che si ripetono in modo coerente e coeso. Pensato in chiave genderless, protagonista della collezione è il boiler suit (la tuta da lavoro). E come potrebbe essere altrimenti?

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Ferragamo

Maximilian Davis continua con successo il suo progetto per ristabilire Ferragamo tra i brand più desiderabili di quelli storici italiani.

Il rilancio di Ferragamo è passato, tra le altre mosse strategiche, anche dall’utilizzo preponderante di un rosso brillante a cui associare il marchio. Interessante come nella collezione SS24 di questo rosso ci sia a malapena traccia. Al suo posto è apparsa una particolare sfumatura di verde, diversa da quelle introdotte da Daniel Lee per Bottega Veneta prima e Burberry poi. Al suo fianco sono apparsi un azzurro chiaro, che sembra il colore di stagione, e un marrone terracotta. Colori che rimandano in qualche modo alla palette pittorica del Rinascimento fiorentino, periodo artistico in cui Ferragamo si è rivisto con l’ultima campagna della FW24.

Ed è proprio all’italianità del marchio l’aspetto a cui Davis sembra puntare con il nuovo Ferragamo. Sul moodboard di questa collezione sono apparsi infatti il marmo italiano e la materialità dell’Arte Povera. Le armature rinascimentali e l’arte sovversiva del 18 º secolo di Agostino Brunias. Alcune silhouette rimandano ai primi anni ’50, con la vita stretta e le gonne lunghe a ruota. Infine, nota di merito ai trench iper-chic: senza dubbio tra i migliori visti in questa stagione (che per un brand di calzature non è male).

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L’erotismo è sinonimo di Dolce&Gabbana

Da Dolce&Gabbana continua l’operazione archeologica di dissotterramento e restauro delle proprie radici, con una manovra autoreferenziale sfacciatamente esplicita. Da un paio di stagioni il brand ha rimesso mano ai propri archivi allo scopo di riproporre in chiave contemporanea quei capi che hanno fatto la storia della moda. Complice il rinnovato amore delle nuove generazioni per il vintage e il revival, celebrity del calibro di Kim Kardashian hanno richiesto (o recuperato da sé) capi iconici di Dolce&Gabbana.

Prossimi al quarantesimo anniversario, Domenico Dolce e Stefano Gabbana hanno dato vita a una collezione in bianco e nero, risoluta e coscientemente provocante. Qui la lingerie è protagonista, così come l’erotismo che indaga e illustra. Ciò accade anche nei capi più sartoriali, come con il classico smoking doppiopetto in avorio con revers in raso nero; ancora, con il completo più sperimentale che vede il corpo della giacca ritorto di lato per creare un look monospalla. Prima che la moda post-pandemica rilanciasse la lingerie sulle passerelle, inneggiando alla liberazione dei corpi costretti tra le mura di casa, da Dolce&Gabbana i concetti di corpo e libertà costituivano i muri della Maison. E con questa collezione ce lo hanno ricordato.

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Nuova direzione dei Meier per Jil Sander

I coniugi Meier sembrano essersi definitivamente staccati dalla filosofia minimalista di Jil Sander, la fondatrice del marchio che lo ha disconosciuto ancora nel 2013. Oggi di proprietà del gruppo del lusso OTB di Renzo Rosso, dal 2017 il marchio è stato portato avanti dai coniugi Lucie e Luke Meier. Stagione dopo stagione, i due hanno onorato le origini del brand e le precedenti direzioni creative condotte da altri designer, tra cui Raf Simons. Finalmente però pare che la coppia sia riuscita a rendere “proprio” il marchio. Nonostante la collezione SS24 appaia a tratti poco coesa, gran parte dei look scesi in passerella il quarto giorno di sfilate della Milano Fashion Week attira l’attenzione. Silhouette boxy e reinterpretazioni di look tradizionali, come i completi giacca pantalone e i trench lunghi, si sono alternati ad abiti genderless, intarsi metallici e stampe animalier. Una collezione dal sapore sperimentale, ma pur sempre sofisticata (come è tipico del brand).

Il debutto di Simone Bellotti da Bally

Simone Bellotti è entrato a far parte del team di Bally nell’ottobre del 2022, dopo aver trascorso ben 16 anni presso Gucci. Ha preso il posto di Rhuigi Villaseñor, che aveva lasciato l’azienda di proprietà della Jab Holding Company lo scorso maggio. La carriera di Bellotti è costellata da ruoli di grande responsabilità come senior designer presso marchi di prestigio quali Dolce & Gabbana, Bottega Veneta, Gianfranco Ferré, e il sopracitato Gucci.

Per la sua prima collezione al timone del marchio svizzero, Bellotti ha attinto al ricco archivio di Bally, che custodisce autentici tesori dell’artigianato svizzero. Il designer è stato ispirato a esplorarne soprattutto un versante oscuro, misterioso, espressivo e sovversivo. Parliamo della storia del Monte Verità, una comunità utopica di menti libere e creative fondata ad Ascona all’inizio del XX secolo. Questo rifugio per la rigenerazione spirituale e l’espressione artistica e mistica ha accolto famosi intellettuali e artisti del calibro di Carl Jung, Herman Hesse, Rudolf Steiner, Paul Klee e molti altri.

La collezione SS24 fa un ottimo lavoro nel veicolare un’idea di lusso “pragmatico” e funzionale, in cui però sono concessi i guizzi dell’immaginazione tipici e fondamentali della moda. Per omaggiare umoristicamente le tradizioni svizzere, Bellotti ha introdotto una stampa a fragola trasferita su alcuni capi e su certe borse. Tra queste ne risaltava una rettangolare e rigida, ispirata alle borse da viaggio in miniatura da bambini. Ancora, i talismani Appenzeller che sono stati modellati a mo’ di piccole campane di mucca, reinventati come pendenti per le borse e appesi alle tracolle in colori vivaci e gioiosi.

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Il primo fashion show di The Attico

Allure glamour da diva contemporanea, che si sveglia al mattino senza sapere con precisione dove si ritroverà la sera. “Look from day to night” è il motto di The Attico e l’intenzione primaria dietro i design si questa SS24. Il brand è costruito sulla falsariga delle vite reali di Giorgia Tordini e Gilda Ambrosio, le sue fondatrici. Dopo essersi conquistato un posto d’onore nel fashion system internazionale, The Attico debutta in passerella il quarto giorno di sfilate della Milano Fashion Week.

L’estetica cara al loro pubblico è rimasta la stessa, con look da serate a Ibiza e da “walk of shame” di classe per le vie milanesi. Questa volta però, sembra esserci qualcosa in più. L’edonismo anni ’80, caratteristico della collezione, è fuso a un atteggiamento più rilassato e deciso; lo stesso di chi ha acquisito una nuova autostima in seguito a battaglie vinte. Lo styling apparentemente frettoloso è sinonimo di vita frenetica, ma anche di quel minimo sforzo nell’agghindarsi che esprime: “ho altro a cui pensare”. Tutto questo mostrato per strada, con gli ospiti comodamente seduti su divani in pelle anni ’70. Effortleslsy cool.

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Il viaggio di Bottega Veneta

Con la collezione SS24 di Bottega Veneta, Matthieu Blazy ci fa viaggiare. Un viaggio per riscoprire la bellezza di lasciarsi ispirare da ciò che è nuovo ai nostri occhi, inedito, lontano dall’ordinario. Un’Odissea esteriore e interiore, letterale e metaforica, in cui l’unico punto fermo è l’artigianalità. L’idea è quella di staccarsi dai limiti imposti dalle creazioni umane, dimostrando fin dove invece questa capacità creativa può arrivare.

Per questa stagione Blazy ha dato vita a una collezione RTW che per la complessità di realizzazione di alcuni capi sconfina con l’Haute Couture. Si è guadagnata senza dubbio il primo posto in questo quarto giorno di sfilate della Milano Fashion Week.

Secondo il direttore creativo liberarsi dalle limitazioni della vita quotidiana significa spogliarsi dei vestiti che rimandano ad esse, metterli (letteralmente) in borsa e cambiarsi. E in questo modo, cambiare. Addio completi business e strutturati, benvenuti capi “senza confini”. Da qui il mix di riferimenti (ad animali, piante e minerali) condensati nelle linee, forme e volumi di abiti, completi, cappotti. Gonne di frange che sembrano meduse, colori brillanti come quelli dei fiori e texture ruvide come la raffia. La metafora del viaggio e la vita del nomade risiedono soprattutto negli accessori. Ci sono borse-conchiglie giganti, scarpe in pelle lavorata che somigliano a foglie di banano, spalline di perle naturali, borse stampate a mo’ di giornale. Osservare ogni look, uno per uno, è di per sé un viaggio. E allo stato attuale della moda, non si poteva desiderare nulla di meglio se non viaggiare con e grazie agli abiti.

Rilanci polarizzanti, addii commoventi e cambi di rotta inaspettati. Le collezioni dei brand storici presentate il terzo giorno di sfilate della Milano Fashion Week hanno dato molto di cui discutere e su cui riflettere. I marchi più giovani, invece, sembrano affermarsi sempre più nel panorama italiano, grazie a progetti stimolanti e interessanti. “In che direzione sta andando la moda?” è l’eterna domanda che ci si pone di fronte a questi show e alle dinamiche interne che essi riflettono. Indipendentemente dall’esistenza o meno di una risposta giusta però, l’importante è continuare a interrogarsi.

L’epilogo dell’era Chiapponi da Tod’s

Una collezione che è un addio. La Primavera/Estate 2024 di Tod’s, denominata Fabbrica, è stata la lettera di congedo di Walter Chiapponi, da quattro anni il direttore creativo del marchio.

Dichiarata dai conoscitori del marchio la collezione più identificativa del designer, Chiapponi ha eliminato qualsiasi decorazione superflua, puntando a linee diritte ed essenziali, caratteristiche dell’artigianato italiano. In pieno mood “Milano Bene” le modelle sfilavano tra i laboratori di Scala Ansaldo, nel Teatro alla Scala di Milano, tra le note miscelate dell’ouverture e gli attacchi delle arie più famose. Raffinatezza a livelli altissimi. Highlights della collezione sono un cinturone che avvolge la vita come una sorta di semi-corsetto, da cui pendono ganci per tenere borsellini o guanti. Ancora, le giacche staccate dal busto, le gonne aderenti in pelle, i pantaloni morbidi, e i sabot a tacco basso. Sono tipicamente Tod’s gli abiti sartoriali maschili su misura e le sahariane in pelle.

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La paura secondo Cormio

Entrare nell’universo di Cormio è come entrare in un “cabinet of curiosities”. Per il terzo giorno di sfilate alla Milano Fashion Week, Jezabelle Cormio convoglia dettagli e motivi provenienti dal mondo dell’infanzia con elementi disturbanti, dando vita a una narrazione non convenzionale, un po’ spaventosa, ma estremamente intrigante. E la paura è proprio il fil rouge della collezione, come ha dichiarato la designer in un’intervista a Harper’s Bazaar: «Donne che fanno paura, donne che hanno paura.» Ecco forse il motivo per cui l’estetica tirolese, così radicata nel marchio, in quest’occasione lascia più spazio a quella Y2K. Ecco che bandane leopardate e Ugg bistrattati allora condividono lo spazio con cinture borchiate e gonne al ginocchio. La declinazione punk dei look (più punk del solito) fa pensare ai CD di Avril Lavigne e agli outfit paparazzati di Amy Winehouse. È sicuramente dedicato a lei l’hairstyle del look 08.

Gucci Ancora, e ancora e ancora

È successo. Dopo trepidanti attese e aspettative inevitabilmente altissime, Gucci ha presentato la prima collezione firmata Sabato De Sarno. Il designer di origini napoletane stato incaricato di guidare la direzione stilistica dell’intero brand, comprese le categorie di prodotto donna, uomo, articoli in pelle, accessori e stile di vita. Come chiarito nelle settimane passate da François-Henri Pinault, il presidente e CEO di Kering, l’obiettivo di De Sarno è preservare l’appeal delle collezioni presentate finora in passerella e ridefinire l’identità della maison. Il fine, come sempre, è quello di generare nuovi profitti nell’ambito di un concetto di “lusso moderno”.

«Voglio che la gente si innamori ancora di Gucci» aveva dichiarato De Sarno in un’intervista pre-sfilata. Per farlo, la manovra (strategicamente commerciale, ça va sans dire) è stata quella di fare tabula rasa. Una “pulizia” di tutto ciò che poteva rimandare all’era definitivamente terminata dell’ex direttore creativo Alessandro Michele. E se fare il paragone tra i due creativi è tanto ingiusto quanto inevitabile, resta obiettivo che la prima collezione della nuova era sia risultata piuttosto asettica. Complice forse anche la location cambiata all’ultimo causa pioggia, a fine show ci si sente un po’ come quando a casa si osserva un nuovo ripiano Ikea montato. Perfettamente lucidato ed esteticamente gradevole, non ci trasmette alcuna emozione, ma ci regala un senso di soddisfazione per aver portato a termine un (apparentemente) buon acquisto. Con Spotify che suona Ancora ancora ancora di Mina in sottofondo, facendoci sentire un po’ più emotivi del necessario.

Resta importante ricordare, però, che le collezioni di debutto segnano comunque un punto di partenza, un semino da cui far crescere qualcosa. E tutto sommato la SS24 di Gucci è stata piantata in un terreno sicuramente fertile.

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MSGM in dialogo con Gio Ponti alla Milano Fashion Week

Il maltempo ha costretto anche MSGM a trasferire lo show dalla location originaria alla propria sede di via Piranesi. L’intenzione era di sfilare tra due palazzi di Gio Ponti al Campus Leonardo in Città studi, dal momento che la collezione è incentrata sulle geometrie del celebre architetto milanese, trasformate in motivi all-over sui capi. Sulla stessa linea stanno i tasselli colorati sulle gonne e le pennellate sulle casacche, rimandi ai disegni policromi delle lettere di Ponti. Ancora, il direttore creativo Massimo Giorgetti ha reinterpretato il tartan, motivo a lui caro e riscoperto a una mostra al V&A di Londra. Lezione di stile finale: i sandali indossati con le calze al ginocchio.

Ten across the board per la collezione SS24 di Sunnei

Il marchio diretto da Simone Rizzo e Loris Messina si è conquistato un posto d’onore nel panorama milanese grazie agli show che uniscono moda e intrattenimento. Stagione dopo stagione Sunnei invita a osservare i capi delle nuove collezioni adottando un punto di vista diverso, coinvolgendo gli invitati nello show.

Al terzo giorno di sfilate Milano Fashion Week, al pubblico di Sunnei sono state date delle palette da “giudici” con cui si poteva assegnare il proprio voto (da 1 a 10) a ciascun look della collezione SS24. Nel frattempo, una voce fuori campo dava indicazioni sul da farsi. Una trovata divertente per abbracciare (o sfogare?) in modo sano la tendenza al giudizio che ci caratterizza come umani. Sul piedistallo che si illuminava ad ogni look si sono alternati capi tipicamente Sunnei: colori vibranti, stampe a righe, tessuti tecnici e accostamenti coraggiosi. Protagonisti gli accessori, che riescono ad avere sempre un sapore avanguardistico e iper cool: dall’eyewear, alle borse, dai portachiavi agli orecchini rubberized, divenuti ormai un classico del brand.

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Le ribelli dalle buone maniere di Vivetta

Romantica, sensuale, un po’ civettuola, ma anche intellettuale e ribelle. La donna Vivetta sfila a Chiostro dei Glicini in un mare di fiori e soprattutto di pois, il focus della collezione. “Ho pensato a una celebrazione a pois. Un felice fascio di puntini, una manciata di sfere ipnotiche”, ha spiegato la designer Vivetta Ponti. Partendo da Beau Brummell, l’icona dandy che ha reso scandalosi e popolari i pois nella Londra del XIX secolo, è rimasta fedele a se stessa sublimando nei propri capi una serie di spiriti diversi. Brillano i ricami (passione di Ponti), i colori, che vanno dal blu navy al “rosa Vivetta” al verde acido, e i gioielli. Questi ultimi sono stati realizzati a mano in Italia e costituivano la quota eccentrica della collezione, arricchendo l’estetica scherzosamente bon ton tipica del brand.

Versace

Verso sera, ecco l’ennesima sorpresa della Milano Fashion Week al suo terzo giorno di sfilate. Presentata tra le mura dell’Hangar Bicocca rivestito di bianco per l’occasione, la collezione SS24 di Versace ha stupito con un cambio di direzione estetica sconcertante. In un gesto sovversivo e proprio per questo motivo molto Versace, la Casa di moda ha presentato un’immagine di sé molto bon ton e piuttosto cute. Chiaramente non i tradizionali sinonimi del marchio. Infusi di un’evidente estetica anni ’60, i capi hanno sfilato in passerella in tonalità pastello fresche ed energizzanti, con stampe geometriche che rimandano al quadretto optical utilizzato da Gianni negli anni 90. Un cambio di rotta che però è solo formale, perché lo spirito audace e rivoltoso continua a trasparire da tutti quei dettagli Versaciani che hanno fatto la fortuna e la storia della Maison. La ciliegina sulla torta è l’iconica Claudia Schiffer, che chiude la sfilata raggiante come le estati di Versace tra la California e la Florida.

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Alla Milano Fashion Week, la giornata di giovedì 21 settembre si è consumata in un appassionante susseguirsi di nuovi lanci e antiche certezze. Dalle collezioni si respira il desiderio di leggerezza, intesa come fuga dai drammi e dalle sofferenze della vita. Si ricerca conforto nella pura tecnica, che garantisce sempre buoni risultati e quindi non può deludere. Ci si immerge nei ricordi per trarre nuove fondamenta su cui costruire il futuro e non per crogiolarsi nella malinconia. Dalla consapevolezza di Prada alle sperimentazioni di Fiorucci, ecco il meglio del secondo giorno di sfilate della Milano Fashion Week secondo MANINTOWN.

A Milano sfila The Max Mara Army

Colori della terra e blu navy, silhouette anni ’40 e utilitywear. La condizione femminile negli anni della Seconda Guerra Mondiale è alla base della collezione Primavera/Estate 2024 di Max Mara. Per la prima volta le donne si ritrovano a ricoprire ruoli tradizionalmente occupati dagli uomini, come il lavoro nei campi. Parlando delle donne inglesi e americane poi, esse si riuniscono nel movimento civile The Women’s Land Army, una realtà che è stata vitale durante il conflitto.

Il direttore creativo di Max Mara, Ian Griffith, è partito da qui per creare questa collezione, a cui è legato anche dalla personale passione per il giardinaggio. I capi che ne sono derivati rimandano a una donna contemporanea, professionalmente impegnata, pragmatica, ma sofisticata. Poche stampe e ancora meno orpelli e decorazioni lasciano brillare le texture dei tessuti e la costruzione dei capi. Sartorialità e cura artigianale italiana che esprimono lusso. Classico (= di classe) Max Mara.

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ACT N°1 sul ring

La prima collezione di ACT N°1 seguita interamente da Luca Lin, dopo l’addio del collega e co-fondatore Galib Gassanoff è un clash semantico. Il mondo dello sport, della box più precisamente, e dell’informazione si uniscono in una performance teatrale per generare una riflessione sulla realtà odierna. Il dramma è il genere d’elezione di ACT N°1 tramite cui veicolare le narrazioni intrinseche ai propri capi.

Presentata su un ring ricoperto da drappi di tessuto e corde (la vita, con le sue battaglie e limitazioni) la collezione SS24 cattura la resa dei conti più che la battaglia. Gli interpreti dello spettacolo sono calmi, compiono gesti semplici e quotidiani. Ritorna l’estetica utilitaria, in particolar modo nei capi della prima parte dello “spettacolo”, che lascia poi il posto alle rouche e agli chiffon voluminosi, tipici e identitari del brand. Una visione poetica della liberazione della classe operaia, che a suo modo si riappropria dei piaceri e delle “frivolezze” della vita. Privilegi di cui non può godere quotidianamente. E quale marchio per esprimere maggiormente l’evoluzione da operaio a modaiolo delle Crocs? Ecco allora svelata la collaborazione di ACT N°1 con il brand di calzature. Una manovra commerciale tanto poetica quanto arguta.

PRADA dolce PRADA: una certezza alla Settimana della Moda

Difficile sbagliare in Casa Prada, e questa ultima SS24 non fa che confermarlo. Miuccia Prada e Raf Simons sono riusciti a conquistare ancora una volta il cuore dei propri fedeli seguaci, strappando anche qualche lacrima di commozione. A fine sfilata infatti, è uscito in passerella Fabio Zambernardi, che si è congedato tra lo scrosciare di applausi e gli abbracci dei direttori creativi. Pare infatti che lo storico design director lascerà il gruppo a fine anno, dopo 40 anni di servizio al fianco alla Signora Prada. Figura fondamentale dietro le quinte, si devono anche a lui la nascita e lo sviluppo dell’estetica Prada e Miu Miu, che li rendono oggi riconoscibili in tutto il mondo.

La collezione era una delle più attese in questo secondo giorno di Milano Fashion Week. Rispetto al solito, questa volta da Prada si sono focalizzati sull’artigianalità e la tecnica, con un rinvigorente approccio per nulla intellettuale (caratteristico della Casa di moda) e molto concreto. I vestiti sono la base di partenza e il punto di arrivo. In un’industria in cui le idee hanno preso il sopravvento sull’esecuzione, il ritorno alla tecnica-protagonista è davvero ben accolto. Ancora più interessante è il taglio che è stato dato a questo approccio. Non si tratta di quantificare e dimostrare le ore di lavoro dietro la costruzione e decorazione di un capo. Il fulcro è indagare la possibilità o meno di realizzare qualcosa.

E così sfilano in passerella abiti leggerissimi che sembrano cristallizzati nel loro svolazzare. Silhouette sartoriali sovversive negli accostamenti e nei volumi, introdotte con la collezione uomo di giugno. Giacche pesanti e usurate stile fienile, che vengono indossate sopra camicette e gonne sfrangiate dall’attitude fru fru. Influenze anni ’60 e ’90, sobrietà apparente che lascia intravedere un’eccentricità di fondo. Serietà e rigore, ma con il cuore leggero. Questo, alla fine, è il centro di Prada.

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Il compleanno di Moschino

Lo storico marchio Moschino questa stagione compie 40 anni. Il Caso vuole che attualmente, però, la Maison si trovi orfana di direttore creativo. Per sopperire alla mancanza e festeggiare il gran traguardo sono state invitate 4 super stylist che si sono divertite nell’interpretare i primi anni dell’archivio del brand, secondo la loro personale sensibilità.

Il primo segmento della collezione è stato ideato dall’iconica Carlyne Cerf de Dudzeele, che ha reinterpretato in maniera contemporanea alcuni dei capi più iconici e eleganti di Moschino. Gabriella Karofa-Johnson, collaboratrice e stylist di Vogue, ha abilmente rinnovato i tradizionali cappelli da cowboy, gli orecchini oversize e gli abiti all’uncinetto, in un gesto d’amore e ammirazione. Il terzo atto, curato da Lucia Liu, richiama il romanticismo di Moschino, con l’abbondante utilizzo di organza e abiti che sembrano appartenere a un’epoca passata. L’epilogo, firmato da Katie Grand, la stylist e fondatrice della rivista Perfect, rappresenta una toccante conclusione di questo omaggio: una performance che mescola la danza contemporanea con la sobrietà del bianco e nero, due colori amati da Franco Moschino.

Gli angeli di Blumarine

L’aspetto più interessante della collezione SS24 di Blumarine è sicuramente il cambio di direzione intrapreso rispetto all’estetica piuttosto dark a cui ci aveva abituato con gli ultimi show. In maniera piuttosto letterale, infatti, Nicola Brognano ha portato su una passerella completamente bianca e disadorna, una serie di capi angelici. L’intenzione comunicativa è il richiamo alla purezza, alla luce, alla leggerezza interiore.

Al di là dell’opinabile concezione di purezza di spirito, sicuramente più legata a una morale personale che a un’estetica ben definita, la collezione funziona per coerenza di scelte. Blumarine è un marchio trendy, sfacciatamente sexy, legato a quell’estetica Y2K ancora in voga che lo ha così ben definito stagione dopo stagione. In uno stato d’animo sicuramente leggero, farfalle (icona del brand) e ali da angelo si alternano per adornare o coprire (al minimo) il corpo, in maniera provocante e sensuale, ma anche liberatoria. Trasparenza dei materiali e dei tessuti, una palette ridotta a bianco e nero, con alcuni toni di marrone e dei guizzi di lilla e oro, drappeggi e pizzo. Una selezione che rimanda a una visione stereotipata del costume da ‘angelo sexy’ per eccellenza, ma resa ready to wear. E nel migliore dei modi.

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Da Napoli a Milano: le memorie di GCDS

Memorie del passato che ritornano per essere messe nero su bianco, apprezzate e ”traslocare” verso il futuro. La collezione SS24 di GCDS è un insieme di argute trovate per trasformare in capi vendibili i ricordi più cari che Giuliano Calza ha della sua città natale, Napoli. La passerella è stata ricoperta con un telo trasparente di pvc, sollevato a inizio show per esemplificare il rito di inscatolamento e spacchettamento tipico dei traslochi. I colori della bandiera del Napoli e la pelle stampata effetto legno, in ricordo dei mobili della nonna. Il jersey grigio da pantaloni della tuta e il matelassé effetto morbida trapunta, che rimandano allo stare in casa. Il tutto riletto in chiave luxury streetwear, di cui GCDS è il grande rappresentante alla Milano Fashion Week.

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Il nuovo vecchio Tom Ford

Peter Hawkings, il nuovo direttore creativo di Tom Ford, è stato scelto dal designer stesso dopo aver lavorato al suo fianco per quasi 25 anni. In precedenza, Hawkings ha ricoperto il ruolo di Senior Vice President di Tom Ford Menswear. Ora, ha assunto la direzione creativa per le categorie donna, uomo e accessori, oltre a essere il designer principale per le collezioni e le sfilate.

Il suo debutto ha toccato diligentemente tutti i pilastri estetici che negli anni hanno formato il celebre marchio americano. Proprio come un allievo che prosegue la ricerca del maestro, Hawkings ha lanciato una collezione consistente che consolida il marchio per quello che è sempre stato. Magnetico, affascinante, sofisticato, glamour, sexy. Tom Ford oggi è prodotto su licenza dal Gruppo Zegna, per cui anche l’alta qualità dei capi era prevista, pretesa ed è stata ottenuta. Non hanno stupito nemmeno le varie reference all’era Gucci di Ford degli anni ’90, che hanno sicuramente fatto la gioia dei fashionisti. Resta da capire se e come si evolverà ora il linguaggio del brand sotto la nuova direzione di Hawkings.

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Menzione speciale a due presentazioni della Milano Fashion Week che il secondo giorno hanno destato l’attenzione di tutto il fashion system.

Il debutto di Fiorucci alla Milano Fashion Week

Il marchio italiano Fiorucci, fondato da Elio Fiorucci, è stato rilanciato alla Milano Fashion Week il secondo giorno di sfilate. Noto principalmente per il suo design pop, l’animo ribelle e il famoso logo con gli angioletti, lo storico brand è ora di proprietà di Dona Bertarelli. L’imprenditrice svizzera sarà affiancata dal CEO Alessandro Pisani e dalla nuova direttrice creativa Francesca Murri. L’obiettivo dichiarato è riportare in vita l’atteggiamento giocoso che ispirò il fondatore, reinterpretando la sua eredità per una nuova generazione.

Il marchio fu un’icona della moda dagli anni ’60 agli anni ’90, portando a Milano l’energia trasgressiva di Carnaby Street e King’s Road di Londra, influenzata da figure come Vivienne Westwood e i Sex Pistols. Il suo stile comprendeva jeans attillati, scarpe colorate, minigonne, e una vivace esibizione di prodotti nelle vetrine, insieme a elementi musicali e culturali. Genio creativo a lungo incompreso, Elio Fiorucci era soprannominato il “Re del pop” negli anni ’80 e collaborò con figure come Andy Warhol, Truman Capote, Madonna e Keith Haring.

A Francesca Murri la responsabilità e l’arduo compito di ridefinire la posizione del marchio nel settore del lusso accessibile, mantenendo intatti i valori e la storia di Fiorucci. L’esperienza di Murri l’ha vista passare per aziende dal calibro di Ferragamo, Versace, Giorgio Armani, Gucci con Alessandro Michele e il Givenchy di Riccardo Tisci.

15 sono stati i look presentati per questo lancio. La “Collezione Zero” è genderless e molto commerciale, divertente e, soprattutto, abbordabile. Alcuni simboli notoriamente Fiorucci si sono sovrapposti alla stampa di una banana: un’illustrazione che Andy Warhol aveva realizzato per l’amico Elio.

BE ON, Benetton

Andrea Incontri sta facendo un bel lavoro di rinnovamento dello storico marchio fondato nel 1965. Partendo dai codici identificativi del brand come la maglieria, i colori, il cosmopolitismo e l’umanità, ne sta costruendo un’immagine rinnovata, fresca e desiderabile.

La sfilata fuori calendario è stata presentata il secondo giorno della Milano Fashion Week presso il Museo della Permanente di Milano. In passerella sono scesi capi e accessori dai colori vitaminici, immersi nel giardino surreale in cui divertenti fiori e frutti giganti contagiavano gli umori e i capi stessi. Fiori e frutti sono stati infatti stampati su polo, jersey, denim o intarsiati nei capi di maglieria. In passerella, una line up che mirava a rappresentare persone vere e famiglie di oggi, adulti e piccini, ognuno con la propria linea dedicata.

Primo giorno di sfilate alla Milano Fashion Week Primavera/Estate 2024. Mercoledì 20 settembre ha visto la partenza degli show, delle presentazioni e degli eventi che animeranno la Settimana della Moda per la stagione Primavera/Estate 2024. Dal 19 al 24 settembre verranno svelate, secondo il calendario canonico, le linee donna dei vari marchi del lusso. La direzione presa dai nomi più nuovi nel panorama però è di mostrare collezioni miste o dichiaratamente contrarie al binarismo di genere.

Il calendario ufficiale conta ben 64 sfilate, di cui 5 digitali, 74 presentazioni e 34 eventi, totalizzando 172 eventi complessivi, il numero più alto da prima dell’era Covid. L’aspettativa di partecipazione quest’anno è eccezionalmente alta e, come nelle stagioni passate, la Camera Nazionale della Moda offre la possibilità di seguire gli eventi online tramite il proprio sito. Le sfilate rimangono il fulcro della manifestazione, con l’accesso fisico limitato per lo più agli addetti ai lavori, oltre che alle celebrity, ai testimonial dei brand e a influencer vari ed eventuali. Per scoprire quali sono stati gli show più interessanti e avvincenti della stagione allora, seguite i recap giornalieri con le selezioni di Manintown.

L’opera teatrale di Antonio Marras alla Milano Fashion Week

Antonio Marras è un narratore e la collezione Primavera/Estate 2024 è stata la sua pièce. Con la recente acquisizione del marchio all’80% da parte del Gruppo Calzedonia, Marras ha aperto la Milano Fashion Week dando vita a uno show che imitava le riprese di un film. Lo sviluppo caotico della trama (al centro di cui brillava la stella di Marisa Berenson) era ispirato a Boom! di Joseph Losey, girato in Sardegna nel 1967. Una pellicola che ha rimandato Marras ai tempi in cui aveva sei anni, ed era rimasto colpito dall’arrivo dell’eccentrica carovana hollywoodiana giunta ad Alghero per le riprese. Un’allure glamour tipicamente teatrale circonda la collezione, in cui sono presenti tutti i tratti distintivi del designer: il tulle e la mussola a strati e ricamati, il pizzo, i ricami di paillettes, le stampe acquerellate e floreali, le divise militari fuse agli abiti sartoriali. Interessante la presenza più massiccia di borse in questa collezione, oltre all’utilizzo consistente della pelle. L’enfasi sulla calzetteria, invece, è piuttosto comprensibile.

Le borse-monumento di Fendi

Una passeggiata per Roma in un giorno qualunque, dove tutti i passanti però sono brandizzati Fendi. Questo lo scenario allestito da Kim Jones per la collezione donna SS24 di Fendi. Le donne romane con cui lavora a stretto contatto (e quelle che hanno fondato la Maison) hanno ispirato il designer per questa stagione, insieme allo show della SS99 firmato Karl Lagerfeld per Fendi.

Il focus è sugli accessori, a partire dagli iconici modelli di borse del brand ingigantiti nell’allestimento. La Baguette, la Peekaboo, l’Origami e la First riflettono così i monumenti romani tra cui le modelle passeggiano. In direzione opposta, questi modelli hanno sfilato in versione mini e ad essi si è aggiunta la Flip: una sorta di shopper che si piega e diventa clutch. La celebre impuntura “Selleria”, infine, che è caratteristica di tutte queste borse, è stata trasformata in dettaglio nei gioielli di Delfina Delettrez Fendi. In passerella ha fatto la sua comparsa anche la stampa-puzzle con la doppia F del 1990, proveniente dall’archivio e rivisitata su pannelli di nappa, abiti e cappotti.

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Milano Fashion Week, la sfilata di Del Core

A metà fra Couture e RTW fin dagli esordi, le collezioni un po’ atipiche di Daniel Del Core sono sempre mosse da un evidente spirito creativo. Il punto di partenza, o forse solo più evidente, è la natura e così è stato anche per la SS24 Slices of Reverie. È come se le sue architetture nascoste, le forme più bizzarre, i colori vividi e le texture inedite fossero catturate da uno scatto fotografico in macro, e trasportate da Del Core su abiti da sera e look meno formali, ma sempre molto teatrali. Linee e tagli precisi, netti, ma senza essere austeri, ammorbiditi dai tessuti fluenti e dai drappeggi. Il tutto realizzato con grande abilità esecutiva.

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Le ‘malafimmine’ di Marco Rambaldi

Supportata da Zalando, la collezione SS24 Malafemmina segna un ulteriore step dell’ascesa di Marco Rambaldi all’olimpo dei brand affermati nel calendario della Milano Fashion Week. Inclusione e innovazione costituiscono le fondamenta del marchio e tali valori riflettevano squisitamente nei capi e negli accessori.

La libertà è il concetto affrontato in questa collezione, e in particolare la libertà raggiunta tramite la disfatta dei costrutti sociali imposti. Ecco allora sfilare in passerella le “malafimmine”: soggetti volubili, affilati, spesso mal giudicati ma irraggiungibili. Alcuni codici ormai identificativi di Rambaldi sono tornati, rivisitati. Parliamo dei punti a forma di cuore, dei centrini, degli elementi upcycled e della biancheria intima indossata come look casual. Rinnovata anche la collaborazione con Swarovski, mentre ne è nata una con Cuoio di Toscana per il lancio di tre nuove paia di scarpe. Menzione speciale, come sempre, alla line up di esseri umani che in tutte le loro sfumature fisiche ed estetiche hanno indossato i capi Rambaldi. La caratteristica che forse meglio rappresenta il core del marchio.

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L’erotismo partenopeo di N° 21

Nato e cresciuto a Napoli, Alessandro Dell’Acqua è partito dalla città per la sua collezione Donna SS24 e in particolare dai contrasti che la caratterizzano e rendono speciale. Ecco allora che il bianco e il nero si sono alternati nei look, girando attorno al DNA erotico e sensuale che sono propri tanto del marchio quanto della città di Napoli. Un guizzo giocoso, ammiccante e un po’ sfacciato permea la collezione, con i piccoli top reggiseno, gli abiti mini ingénue in organza, i negligé in chiffon trasparente e le paillettes oversize colorate.

Il perfetto non-luogo di Etro

La collezione SS24 Nowhere di Etro è un non-luogo che combina la visione personale dell’artista con l’abilità del marchio storico di scovare i tessuti più rari in giro per il mondo. Marco De Vincenzo, dietro le quinte, ha descritto questa collezione come audace ed eccentrica, mantenuta insieme dalla sua creatività nonostante la confusione visiva di grafica e texture affascinanti e tipiche del suo estro creativo. A differenza della maggioranza dei casi, in questa collezione non sono presenti citazioni o attribuzioni riconoscibili di alcun genere. Tutto ha preso vita in un luogo magico, sospeso, introvabile; nowhere, appunto. In questa SS24 troviamo le manovre più tipiche del lavoro di De Vincenzo: forme complesse, giustapposizioni di volumi inaspettati e costruzioni sperimentali dei capi. Il risultato è un mix di raffinatezza, cura sofisticata e stile fantasioso. Caratteristiche che stanno conducendo Etro verso una nicchia piuttosto cool, una stagione dopo l’altra.

Il rave di Diesel a Milano

Gli show di Diesel sono tra i più attesi della Milano Fashion Week da quando Glenn Martens è stato nominato direttore creativo. Paladino della coolness contemporanea, autore di uno dei più grandi rilanci di brand impolverati degli ultimi anni, ha fatto centro anche quest’anno. La sfilata si è consumata nel mezzo di un enorme party a cielo aperto con ben 7000 partecipanti, DJ set di to Senjan Jansen e gin offerto dalla Bulldog. La formula dei biglietti gratuiti venduti online è stata apprezzata anche quest’anno, anche se la vendita in sé è durata una manciata di minuti. Giusto per capire l’hype intorno al marchio. Da sottolineare che i primi 1500 biglietti sono stati indirizzati agli studenti di alcune Università di Milano: un gesto per esprimere quanto il brand abbia a cuore le nuove generazioni (o almeno questo è ciò che tenta di dimostrare).

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La forza di Diesel è l’energia di una community

Un rave gratuito per tutti, dunque, che pure sotto la pioggia non ha cessato di veicolare un’energia incredibile. E il fulcro era proprio questo. «Si tratta di stare insieme – ha detto Martens – Si tratta di riunire le persone per un momento analogo». E su quest’intenzione viaggia anche il programma di film che verranno trasmessi presso lo Scalo Farini. Il vecchio spazio ferroviario rimarrà infatti aperto al pubblico per diversi giorni. Come ci ha insegnato Alessandro Michele nel suo periodo da Gucci, si tratta di costruire una community. Questo è ciò a cui qualunque brand dovrebbe puntare, per assicurarsi il successo nel futuro.

Il cinema, quindi, è il tema principale su cui sono stati costruiti i look, come esplicitano le stampe di manifesti di vecchi film (come Space World e Batman), gli smoking distrutti, i rimandi dorati alla statuetta degli Oscar e il tappeto rosso su cui i modelli hanno sfilato. Il tutto mixato con un’estetica da apocalisse in corso che ci riporta con i piedi per terra. Ecco allora le stravaganti lavorazioni sui materiali, le manipolazioni dei tessuti e le sperimentazioni sulla costruzione dei capi. Ritornano anche i modelli ricoperti di vernice brillante, ormai sinonimi della coolness Diesel, mentre altri per l’occasione sembravano incrostati nel fango. E tra la pioggia e la location del rave, il fango è stato il modo migliore di concludere il primo giorno di Milano Fashion Week.