Autore: Rosamaria Coniglio

Si è da pochi giorni conclusa la settimana dedicata all’arte e al design, in cui Milano si trasforma in un vero museo a cielo aperto, tra installazioni monumentali e temporary gallery che coinvolgono i brand del lusso di ogni settore, promotori assoluti di una creatività originale e sempre più trasversale, in cui i confini tra arte, wine, food, design e moda diventano sempre più evanescenti.

Tra i protagonisti di questa narrativa dal carattere osmotico, la Maison Ruinart, che affida ogni anno a importanti artisti contemporanei il compito di reinterpretare in chiave artistica il suo patrimonio. L’edizione 2023 di Carte Blanche ha visto l’artista francese Eva Jospin (nota al pubblico modaiolo per aver realizzato la scenografia della sfilata Haute Couture Autunno/Inverno 2021 di Dior) dare la sua personale interpretazione del terroir del marchio, attraverso la creazione un paesaggio scultoreo dal titolo Promenade(s) elaborato attraverso sovrapposizioni e un’affinata tecnica di cesellatura di strati di cartone, capaci di rivelare scene teatrali e infiniti panorami possibili: l’opera diventa così rappresentazione di una successione di strati geologici e temporali, reali e immaginari di quello straordinario patrimonio della più antica Maison de Champagne.

Dopo il lancio ufficiale al Carreau du Temple a Parigi l’8 marzo e in Italia in occasione di Miart, nella VIP Lounge Ruinart, le opere dell’artista saranno presentate nelle più importanti fiere di arte contemporanea di cui Ruinart è partner, da Art Basel Basilea a giugno, a Frieze e Paris + by Art Basel a ottobre, a Art Basel Miami Beach a dicembre.
“Con le mie opere non racconto una storia. Creo un mondo in cui la storia si svolge e si anima”, spiega Jospin.

Promenade(s)

I dettagli emergono nell’opera incasellati in un fitto paesaggio immaginifico, in cui minuziosi elementi architettonici prendono forma e si fondono con quelli della natura, raggiungendo un utopico equilibrio che non può fare a meno del rispetto di un ecosistema e della sua bellezza. L’ispirazione diventa così espressione materica di un mondo che ha nella terra il suo elemento principale: dal mondo sotterraneo delle crayères di Reims (le cave di gesso dove vengono affinate le bottiglie) alle radici e agli intrecci delle viti; dall’incoronazione dei re di Francia nella cattedrale di Reims, alla concessione del titolo nobiliare alla famiglia Ruinart da parte di Carlo X; dalla conversione delle vecchie cave di gesso in cantine, all’impegno di ampio respiro della Maison a sostegno della biodiversità.

Corrispondenze sensoriali: da Eva Jospin allo Chef Mattia Bianchi

L’interpretazione del terroir, della cultura e della storia di Ruinart è un viaggio che si esegue attraverso i cinque sensi. Esattamente come Jospin, lo Chef Mattia Bianchi – Executive Chef del Ristorante Amistà del Byblos Art Hotel Villa Amistà di Corrubbio, nel cuore della Valpolicella, una stella Michelin dal 2021 – trasforma la materia in un vero e proprio percorso narrativo, pezzi d’arte da svelare, condividere, sperimentare e assaporare.

Mattia, che ha conosciuto l’artista a Parigi, ha creato per Food For Art una riflessione sulla manualità e l’artigianalità, ispirandosi alle opere di Eva, nel rispetto del territorio, della sua stagionalità e delle sue eccellenze.

Il pairing e il percorso narrativo di Mattia Bianchi

Dal passaggio nel suo laboratorio al ranch, lo chef ha scelto il tarassaco a fare da comun denominatore per questo percorso culinario che ha visto Ruinart Blancs de Blancs abbinato a un ceviche di salmerino, tarassaco e salsa Champagne e Dom Ruinart Blanc de Blancs 2010 insieme ai tortelli alle erbe spontanee, mosto di pera e Monte Veronese DOP.
Dom Ruinart Blanc de Blancs 2010 è una cuvée affinata 10 anni nelle cantine di gesso con il tappo in sughero. La sua sboccatura avviene artigianalmente, trait d’union nel percorso individuato da Bianchi.
Un percorso elaborato con carattere e un pizzico d’audacia nell’abbinamento di Ruinart Rosé con l’agnello brado e radici primaverili.

Infine, il Dom Ruinart Rosé 2009 composto per l’85% da chardonnay Grands Crusè e un 15% da pinot noir proveniente dal Grand Cru d’Aÿ, è stato abbinato al dessert che si presenta come un Microclima, pensato con pralinato di nocciole e fava tonka: un omaggio – anche visivo – all’opera di Jospin.

Nell’immagine in apertura, Ruinart Blanc de Blancs limited edition by Eva Jospin

A pochi giorni dall’Earth Day (la Giornata Mondiale della Terra, l’occasione più importante dell’anno a livello globale in cui le popolazioni s’impegnano a trovare e realizzare strategie comuni e misure concrete per una reale riduzione delle emissioni dei gas serra), la Cavallerizza Reale e i Giardini Reali di Torino saranno luogo di un’iniziativa di grande portata, per la prima volta in contemporanea con la capitale italiana. Il capoluogo sabaudo, selezionato tra le 100 città europee che si impegneranno a portare a termine gli obiettivi dell’Agenda 2030 dell’ONU, si fa promotore di un evento carbon neutral, aperto al pubblico, creato da AWorld e Club Silencio, con il sostegno di Fondazione San Paolo, rivolto alla rigenerazione ecosostenibile dei territori e a una concreta transizione energetica, che non può prescindere da una sensibilizzazione e
uno stile di vita sostenibile del cittadino.

Elisa, Saturnino, Syria e i Marlene Kuntz sono solo alcuni degli artisti italiani presenti – anche attraverso un live concert di 5 ore di musica no stop – per coinvolgere le nuove generazioni, che hanno la forza di condizionare realmente le scelte dei governi di tutto il mondo.
Le celebrazioni dell’Earth Day Italia, a Roma e Torino, saranno trasmesse in streaming sulla piattaforma Rai Play, con collegamenti tra gli eventi nel corso dei momenti più salienti, anche attraverso RDS, radio ufficiale delle manifestazioni, e Factanza, che sarà media partner di Earth Day Torino sui canali social.

Perché il 22 aprile

Il 22 aprile del 1970, 20 milioni di cittadini americani, rispondendo a un appello del senatore democratico Gaylord Nelson, si mobilitarono in una storica manifestazione in difesa del nostro pianeta. Da allora le comunità di tutto il mondo, istituzioni e multinazionali non perdono l’occasione di celebrare questa giornata per imporre obiettivi che portino a una drastica riduzione di CO2, causa principale del cambiamento climatico e dei disastri ambientali ad esso collegati.

AWorld e Club Silencio

Un’intera giornata dedicata ad incontri, momenti di riflessione e attività realizzate per coinvolgere il pubblico, all’insegna del motto che suona come una nuova prospettiva per realizzare insieme la strada per l’innovazione, “Perché un clima di cambiamento può fermare il cambiamento del clima”.
Grazie a scelte di allestimento a basso impatto ambientale e alla misurazione e compensazione delle emissioni a cura di Climate Partner, l’iniziativa apre un dialogo sui temi più sensibili legati alla sostenibilità, con progetti esperienziali che stimolano la partecipazione attiva dei giovani under 35 alla vita culturale della città, attraverso il lavoro sinergico di Alessandro Armillotta, CEO e Co-Founder di AWorld, e Alberto Ferrari, Presidente di Club Silencio.

L’App AWorld, la Caccia al Tesoro e le attività mindfulness

Raggiungere gli obiettivi più sfidanti, cambiare le proprie abitudini. È più facile e divertente attraverso l’app AWorld, che ha lanciato una challenge collettiva con un goal di grande valore: raggiungere 10.000 buone azioni per il Pianeta in soli 17 giorni. I 50 cittadini più attivi si aggiudicheranno l’accesso all’area del main stage del concerto. E per i più giovani “Sostenibilandia”, il laboratorio informativo che crea soluzioni per il futuro attraverso un linguaggio di facile accesso.

Attraverso la Caccia al Tesoro, i partecipanti impareranno a conoscere quali piccoli gesti concreti ognuno possa compiere quotidianamente per rendere la propria vita e città più sostenibile. Con il supporto di IOC – UNESCO per il Decennio del Mare, Partner dell’iniziativa, nei Giardini Reali i più piccoli, guidati dall’illustratrice ed educatrice ambientale Elisabetta Mitrovic, impareranno a costruire un contatto diretto con le zone naturali presenti nel proprio territorio e a raccontarle nel proprio “diario di natura”.
Per il pubblico più adulto, numerose attività dedicate di mindfulness, condotte dall’associazione Wake Up!

L’installazione multisensoriale di Cubo Teatro con Gaia e l’operazione Bio Forest in tutta Italia

L’Earth Day è una grande occasione per creare operazioni culturali multisensoriali, come l’installazione immersiva curata da Girolamo Lucania (direttore artistico, regista e drammaturgo), una delle anime di Cubo Teatro, che vede esplodere la tematica della salvaguardia del pianeta e la denuncia del livello d’inquinamento dell’ambiente, attraverso una nuova chiave narrativa che unisce performance teatrale a visual art multimediale, con incursioni dall’universo audiovisivo che vedono una selezione di scene da Post Scriptum. Uno sguardo ottimista dalla fine del mondo, docu-serie in cui Barbascura veste i panni dell’ultimo uomo sulla Terra, per raccontare il presente a partire dal futuro. Un dialogo costante tra le forme d’arte più tradizionali e le tecnologie più avanzate, per mettere in atto nuove forme
di denuncia che sappiano creare nuova consapevolezza nel singolo individuo e soluzioni possibili.

L’Earth Day, inoltre, ha rappresentato un’occasione per Conad, che ha portato l’azienda alla piantagione di 11.000 alberi in 11 regioni italiane entro la primavera 2024, confermando l’impegno dell’insegna in progetti a tutela dell’ambiente e delle foreste.
Alle ore 15.30 la cantante Elisa insieme a Giuseppe Zuliani, Direttore Customer Marketing e Comunicazione di Conad, Rete Clima e AWorld daranno il via alla nuova grande operazione di forestazione, piantando un ippocastano all’interno dei Giardini Reali. L’iniziativa promuoverà nel corso dell’anno lo sviluppo di “Bio Forest” in Italia, foreste urbane e periurbane pensate per massimizzare l’impatto positivo sulla biodiversità.

Zacapa 23, il pregiato rum guatemalteco che nasce dall’incontro di rum giovani e invecchiati fino a 23 anni, festeggia la primavera e i giorni di Pasqua con due esclusive limited edition, dedicate a tutti gli appassionati dell’alta pasticceria e del più piacevole dei rituali: la sobremesa, quel momento di relax post pasto in cui indugiare a tavola in conversazioni rilassate e intime, che raggiunge il suo momento più alto nella condivisione di sapori speciali.

Baci stellati per il distillato nato “sopra le nuvole”

Gli iconici Baci di Cracco creano un’inedita e variopinta Zacapa Limited Edition che sa di primavera, nelle sue tre varianti in cui la mandorla, il cioccolato e i frutti di bosco si fondono alle note di caramello, vaniglia e cacao, tipiche del prestigioso rum prodotto a 2300 mt sopra il livello del mare. Un’edizione da regalare e gustare in compagnia, naturalmente con un sorso di Zacapa 23, per sprigionare i suoi sentori di noce moscata, cuoio, tabacco e note di caffè perfettamente bilanciate dal finale speziato. Si può trovare online al prezzo di 70€ allo shop dello Chef Carlo Cracco, a questo link.

La luxury experience con il brand londinese Brik Chocolate

Una seconda limited, questa volta acquistabile su Rinascente.it, è composta da una selezionatissima proposta dolciaria realizzata con il luxury brand londinese Brik Chocolate.
Le proposte sono varie, si va da uno scenografico centrotavola di cioccolato destinato a fare breccia tra i vostri invitati, a cene o eventi speciali, a delle box di praline da gustare nei momenti di evasione per esaltare gli aromi di Zacapa 23. Ogni cioccolatino sprigiona le note di sapore ispirate al processo di distillazione e invecchiamento del rum, ed è modellato con la forma delle montagne guatemalteche da cui ha origine Zacapa 23.
Le confezioni contengono dodici cioccolatini da tre differenti gusti: chicchi di caffè tostati, vaniglia e macadamia, prugna e mandorla. Un’opera di alta artigianalità gastronomica realizzata con ingredienti naturali e senza conservanti, per intensificare l’esperienza di gusto di questo distillato che ama raccontarsi in maniera sempre diversa.

Nell’immagine in apertura, i Baci di Cracco per Zacapa

Avant Toi, il brand di luxury cashmere con un approccio unico all’uso del colore, che ha reso le sue collezioni famose in tutto il mondo, è partner tecnico della mostra Rainbow. Colori e meraviglie fra miti, arti e scienza, in scena al Mudec – Museo delle Culture di Milano, dal 17 febbraio al 2 luglio 2023.
È dall’arte che ha origine l’opera del suo Direttore Artistico e Co-Founder Mirko Ghignone, che trasforma ogni capo, fatto di filati pregiati, in una tela d’artista, passando per la tecnica dell’action painting che conferisce a ogni esemplare l’energia e il fascino di una composizione irripetibile.

Questa coerenza estetica, che si rivela vincente sul percorso di un’azienda in grado di raccontarsi con uno storytelling che riflette la sua forte identità, si colloca in perfetta sintonia con il concept della mostra Rainbow, che come da titolo esplora e racconta “colori e meraviglie”, temi chiave del mondo di Avant Toi. Una realtà definita da un reale senso di appartenenza alla tradizione artigianale del Made In Italy, tramandata attraverso il linguaggio innovativo dell’universo cromatico che apre la strada a sperimentazioni unexpected, per atterrare su sfumature che evocano l’aurora boreale e le pigmentazioni del bosco, unito a un sapiente sviluppo delle forme contemporanee, che valorizzano il corpo e ogni suo movimento.

Il brand avvia col museo una serie di iniziative culturali, tra workshop e la ristampa di uno storico catalogo

La collaborazione del brand darà vita a una programmazione di live workshop aperti al pubblico, con laboratori di action painting curati da Mirko Ghignone che per l’occasione porterà una sua opera inedita come tributo alla mostra.

La partnership di Avant Toi ha reso possibile la ristampa di The Rainbow Book, il catalogo della storica mostra The Rainbow Show, allestita nel 1975 al De Young Museum di San Francisco e in vari luoghi della città.

Nell’immagine in apertura, un ritratto di Mirko Ghiglione, Direttore Artistico e Co-Founder di Avant Toi (ph. courtesy of Avant Toi)

Milano, si sa, è la città che meglio incarna il concetto di contaminazione di culture, sapori e costumi. In questo contesto mitteleuropeo, in cui ogni realtà trova il suo spazio e nella migliore versione possibile, è Brera che apre le sue porte a un luogo dai sapori inediti e soprattutto autentici. Siamo da Coraje, il ristorante di Agostina Gandolfo, dal concept design e dall’anima partenopea-argentina, in cui i sapori tradizionali della cucina mediterranea si fondono con ingredienti inaspettati e i piatti più sfiziosi di quella sudamericana. A partire dall’aperitivo con i signature cocktail caraibici, firmati e preparati dalle sapienti mani di David Lagos, a base di frutta fresca esotica, come maracuja e pompelmo rosa, spremuta al momento: un viaggio oltreoceano nel caratteristico quartiere degli artisti della città meneghina, reso possibile attraverso una rigorosa selezione di materie prime fatta da Agostina e il suo staff.

Design contemporaneo e un menù aggiornato per un viaggio tra i sapori della tradizione

Dal bancone rosa ai dettagli oro, ai velluti ottanio dei divani, fino alle lampade dal design contemporaneo, la cui luce si fonde armoniosamente con l’ambiente del piano terra e del piano superiore. Coraje ci ospita sotto forma di un accogliente salotto dove trascorrere il proprio tempo dalla colazione alla cena, in cui ogni portata diventa una sorpresa, grazie al menù studiato dallo chef peruviano Ernesto Espinoza.

Il menù di Natale: un percorso immersivo tra argentina, Perù e Mar Mediterraneo

Un percorso equilibrato in cui aromi speziati si sposano con i sapori freschi del Mar Mediterraneo, ma con il twist dell’influenza nikkei tipica dell’alta cucina contemporanea peruviana. Si inizia con tris di tartare e paccheri di Gragnano con vongole, cannolicchi e bottarga di muggine; nel filetto di ombrina con bisque di mare all’aji amarillo e manioca si avverte tutta la sua conoscenza del pesce “povero”, in quanto cresciuto in una famiglia di pescatori, che lo porta a creare piatti destinati ad esaltare il suo sapore autentico: un passato che diventa ispirazione e quasi una filosofia, nella scelta dell’utilizzo di tutte le parti del pesce per la realizzazione del brodo e delle salse, parti fondamentali che compongono l’unicità del piatto.

Ogni portata è accompagnata dalle migliori etichette di vini selezionate da Vincenzo Leone, sommelier e direttore di sala, per esaltare sapori ed equilibri, per far vivere al meglio un’esperienza di gusto da vivere tutti i giorni dell’anno, ma in modo particolare in questi di festa.

A seguire il menù di Capodanno, con il panettone artigianale farcito di Coraje che non conosce termini di paragone

Tapas di mare

Sashimi di tonno rosso, tempura di calamaro e “leche de tigre” al peperoncino giallo sudamericano

Tortelli farciti di gambero rosso di Mazara con la sua bisque e tartare in emulsione di zafferano e dragoncello

Ricciola mediterranea servita su purea rustica di patate con cuore di palma e radicchio

Dopo mezzanotte

Cotechino tradizionale con lenticchie

Selva sudamericana

Granadilla, papaya, ananas, maracuja

Panettone Coraje accompagnato da varietà di salse al mascarpone, crema pasticcera e cioccolato

Nell’immagine in apertura, gli interni del ristorante di via Marco Formentini

Dal gin premium in bottiglia numerata alla vodka in edizione limitata, passando per lo champagne che rispetta l’ambiente, ma con un certo stile. Le bottiglie dedicate a questi giorni di festa sono create per sorprendere. Design rinnovati dai dettagli iridescenti, set completi per aspiranti barman, dentro raffinati cofanetti, diventano gli attrezzi del mestiere per chi vuole sperimentare un’inedita ricetta tra le mura della propria casa e condividere l’aroma di un distillato pregiato o un cocktail con il partner o gli amici.
Ogni brand racconta i suoi valori attraverso nuovi packaging che sono il risultato di veri e propri progetti creativi, dall’estetica innovativa e in linea con le esigenze dell’ambiente, portando sotto l’albero e nelle case tutto il proprio heritage, insieme a una visione aggiornata e consapevole, che incontra il gusto delle nuove generazioni di appassionati e collezionisti.

Monkey 47 Distiller’s Cut 2022, un’edizione limitata con un ingrediente insolito

Esce soltanto una volta l’anno la Limited Edition Monkey 47 Distiller’s Cut 2022, prodotta per sole 4000 bottiglie in tutto il mondo, e composta con 48 botaniche. Volete sapere qual è la 48a selezionata per rendere questa versione 2022 del gin della Foresta Nera così unico? Il Galium Odoratum, la stellina odorosa che seduce con i suoi boccioli bianchi e il verde vivace delle foglie. Essiccata per diverse settimane, rilascia note di vaniglia, profumo di fieno appena tagliato, sentori dolci dati dalla cumarina, che vengono sapientemente dosati per creare un perfetto bilanciamento.

Wildlife Warrior Edition: le due imperdibili edizioni firmate Elephant Gin

Elephant Gin, creato da Tessa e Robin Gerlach, impegnato da sempre nella tutela della fauna selvatica africana, celebra le festività con due Wildlife Warrior Edition da regalare e un’attivazione in alcuni tra i migliori locali d’Italia per raccogliere fondi destinati alla Elephant Gin Foundation, la neonata piattaforma indipendente, con sede a Londra e senza scopo di lucro, nata dal desiderio di agire concretamente per la salvaguardia degli elefanti e del loro habitat naturale. Un ambizioso progetto creato dal marchio la scorsa estate, a garanzia di un impegno sostenibile e di lunga durata per la protezione della fauna selvatica africana. Il 15% del ricavato dei due limited pack con bottiglie numerate e impreziosite dalle illustrazioni di Martin Aveling e Mark Adlington, verrà donato alla Elephant Gin Foundation.

Belvedere Vodka Altitude Edition, la limited edition perfetta per l’après-ski

Limited Edition in pink per Vodka Belvedere, che ha inaugurato la stagione sciistica con un nickname a tema nei colori della golden hour tipici dell’après ski: Belvedere Vodka Altitude Edition. Nella nuova bottiglia le cime innevate prendono il posto del Palazzo Reale di Varsavia, simbolo del marchio polacco, mentre i rami del suo emblematico albero si ricoprono di neve. Per l’occasione sono stati creati dei signature cocktail a base di Belvedere Vodka Altitude Edition, come l’Altitude Spiced Punch con succo di mela, menta piperita e americano Cocchi; l’Alpine Coffee corretto con sentore di miele; il Mountain Apple con succo di mela e lo Snow Kir, con sciroppo di cannella e crema di fico.

Dom Ruinart 2010, un’eccellenza 100% sostenibile

Dopo il successo della Second Skin, la Maison Ruinart realizza, per il millesimato Dom Ruinart 2010, un’altra confezione ad alto impatto estetico e 100% sostenibile. Un chalk wrap pensato per il blanc de blancs per eccellenza che quest’anno sembra scolpito nel gesso, materia di cui sono ricchi il terroir e le cantine da cui provengono i raffinati vini Ruinart. Il coffret vellutato e morbido al tatto pone, ancora una volta, un occhio di riguardo sull’ambiente grazie al suo materiale riciclato e riciclabile all’infinito, definito dal suo elegante logo in oro applicato a mano e il “1729” inciso sulla chiusura ad evocare l’heritage di Ruinart, la più antica Maison de Champagne.

Elusive Expressions, la collezione di whisky ideale per un’esperienza di gusto indimenticabile

La Special Release di Scotch whisky è un momento culminante nell’agenda degli amanti del whisky. Si chiama Elusive Expressions ed è stata selezionata con cura dal Master Blender Craig Wilson: un’inedita collezione di otto whisky invecchiati ed elegantemente affinati, che regala un’esperienza di gusto rara e unica, capace di catturare la curiosità dei whisky lovers contemporanei. Troverete all’interno delle eleganti bottiglie, tutte da collezionare, nuovi affinamenti in botte per ottenere caratteri profondi e complessi, che danno vita a sapori inaspettati, mentre i grandi classici torbati acquistano nuovo slancio nell’interpretazione di Elusive Expressions. Con oltre trenta distillerie a disposizione, Wilson ha potuto attingere da più di dieci milioni di botti dal prestigioso catalogo Diageo.

Baileys, il protagonista delle feste natalizie

Un grande classico delle feste natalizie, oltre ad essere l’Irish Cream più famoso al mondo, è Baileys che si presenta all’appuntamento con le festività con un’esclusiva campagna realizzata con lo chef Ernst Knam, Ambassador del brand e vero e proprio guru della pasticceria, tra i più amati in Italia. Lo spot televisivo – prodotto da Bedeschi Film sotto la direzione creativa del team Warner Bros – porta la sua vellutata dolcezza nelle fredde giornate invernali, svelando la prima creazione del pastry chef in esclusiva per il brand: una sacher rivisitata con agar agar al mango, uno strato di mousse al caffè e Baileys, guarnita con una gelée sempre al Baileys.

Mumm Grand Cordon Kraft Box, una scelta sofisticata ed eco-friendly

Con Mumm Grand Cordon Kraft Box, anche la Maison di Reims vuole ribadire il suo impegno per il pianeta. Un messaggio chiaro, una posizione risoluta che si traduce in una box dalla matericità naturale, deliberatamente grezza, realizzata in carta per il 93% riciclata, 100% riciclabile, a protezione del Grand Cordon, sofisticato Cuvée, disegnata da Ross Lovegrove in vetro riciclato, senza etichetta frontale, probabilmente la più leggera al mondo.

Si chiama Together with Style ed è la nuova campagna natalizia che AW LAB ha realizzato, a supporto delle Onlus art4sport e Sport4Inclusion Network, per spingere e dare maggior valore ai temi dell’inclusività e dell’integrazione, attraverso il potere dello sport che aumenta la fiducia in se stessi e la consapevolezza nelle proprie qualità, oltre i limiti e le difficoltà. Lo sport, ancora una volta complice del percorso evolutivo della società, strumento di crescita e di riscatto per Nelson Mandela e uno dei più antichi aggregatori sociali della storia: basti pensare ai cinque cerchi olimpionici intrecciati, che simboleggiano la fratellanza sportiva. Lo sanno bene onlus come art4sport, una delle più attive del nostro Paese, e Sport4Inclusion Network, una rete di fondazioni che lavorano per la promozione e il sostegno delle discipline inclusive, operanti in Italia e Spagna.

Lo sport come veicolo d’inclusione sociale

Il tema dell’inclusione è sempre stato di fondamentale importanza, ma non facile da comunicare e soprattutto da infondere nel pensiero comune tanto da creare una nuova coscienza sociale. Ma ci sono campi d’azione, come lo sport, che sono stati in grado di dare una vera scossa all’opinione pubblica, rendendo importante e speciale quello che per molto tempo è stato un argomento marginale. È lo sport che ha trasformato sguardi indifferenti in occhi illuminati dai nuovi campioni dei nostri giorni, che con i loro sforzi hanno vinto sfide personali e sono diventati esempi positivi per tutti coloro che pensano di non essere all’altezza, solo perché partono da una condizione differente da quella di un comune individuo.

I protagonisti della campagna AW LAB

Ma è la loro unicità, unita alla forza di volontà, che li ha trasformati nei nuovi eroi del nostro tempo. I protagonisti della campagna di Natale AW LAB sono alcuni di questi esempi positivi, che si stanno affermando nelle rispettive discipline. Mayra Jerez, appassionata di danza moderna, è una degli atleti con disabilità che art4sport segue e supporta.

Alessandro Ossola, centometrista, rappresenta l’Italia nel mondo ed è stato tra i protagonisti delle ultime Paralimpiadi di Tokyo. Alessandro è anche un punto di riferimento per la formazione all’interno delle scuole.

Rylé Tuvierra, attivista per i diritti civili e per la sostenibilità, ha fondato a Barcellona The Fierce Walker Lab Agency, un’agenzia di marketing a supporto dei brand che creano una comunicazione inclusiva.

Giuseppe Dave Seke, l’avete visto – e a volte no – nella serie TV Zero, in cui ha interpretato Omar, un ragazzo in grado di diventare invisibile: un superpotere scaturito dalla condizione a cui lo aveva costretto la società in cui viveva. La serie Netflix di Antonio Dikele Di Stefano, ispirata al romanzo Non ho mai avuto la mia età, ha consentito a Giuseppe di condividere la sua esperienza personale attraverso interviste e partecipazioni pubbliche legate al tema dell’integrazione.

Tutti questi personaggi, insieme a tutti coloro che rappresentano, celebrano questo Natale all’insegna della condivisione, indossando alcuni dei più importanti brand di sport style internazionali come Nike, Adidas Originals, Converse, Vans e New Era.

Al link seguente, il video della campagna AW LAB

https://www.youtube.com/shorts/sYmsY7KqsdQ

Moscot, brand eyewear born in New York con una storia lunga più di un secolo, ha da pochi giorni inaugurato un altro punto vendita nel cuore della capitale, che si aggiunge ai 21 situati tra New York City, Los Angeles, Londra, Roma, Seoul, Tokyo, Parigi e Milano.  
52 mq al di là del Tevere, in via Frattina, per il secondo spazio che il marchio dedica alla città eterna, che trova nelle sue antiche fondamenta e nella sua autenticità mai perduta, una profonda corrispondenza con i valori del brand. È il suo stile inconfondibile, infatti, sempre fedele a quei dettagli autentici e a un’estetica Classiconic™, caratterizzata da oggetti vintage, manufatti stravaganti e soffitti old school in latta, che ha conquistato il pubblico di tutto il mondo. La celebrazione di una cultura legata al sogno della Grande Mela che va dagli anni 30 fino ai 70, risuona come una Weltanschauung nei flagship store di ogni parte del mondo negli oggetti accuratamente selezionati, nel colore iconico dell’azienda, nel design senza tempo dei suoi occhiali e persino nella musica, che è parte integrante della Moscot culture. Modelli definiti da una cifra stilistica che persiste come un valore custodito negli anni e ha inizio quando il trisnonno Hayman, nel 1899, inizia a vendere occhiali da un carretto di legno sulla Orchard Street di New York, nel famoso quartiere Lower East Side.

Approda nella capitale un nuovo tempio dell’occhialeria – e del lifestyle – newyorchese

“Roma è città di cultura, con una comunità artistica e cinematografica fiorente da molti anni. L’energia creativa e il passato ricco di storia di questa città ci ricordano il Lower East Side di New York, dove creativi che si esprimono nelle più diverse discipline si sono riuniti e hanno collaborato per decenni”, afferma Harvey Moscot – esponente della quarta generazione e CEO del marchio.

Il loro prodotto sono occhiali che rappresentano, in ogni modello, il carattere e l’heritage dell’intero universo Moscot ispirato all’irresistibile downtown style: dalle montature ai colori, ogni dettaglio conserva quell’allure leggermente nostalgica che fa da ponte tra un’estetica vintage e uno stile che resiste al passare del tempo, dunque più contemporaneo di un pezzo d’avanguardia. “Nessuno sa raccontare la nostra storia autentica, lunga 108 anni e fatta di cinque generazioni meglio di noi – e lo facciamo soprattutto attraverso i nostri monomarca; la nostra nuova sede nel quartiere di piazza di Spagna a Roma non fa eccezione”. Così Zack Moscot, Chief Design Officer della label newyorchese, che abbiamo incontrato in occasione dell’apertura dell’ultimo flagship store.

Un brand icona nel mondo degli occhiali che può vantare una storia di oltre un secolo. Qual è il segreto per una vita così lunga e un mercato sempre in crescita?

Riteniamo che il nostro segreto sia rimanere fedeli a ciò che siamo senza riposare sugli allori, ricordando sempre il nostro passato ma evolvendoci, di generazione in generazione. La nostra missione è la stessa da oltre un secolo: offrire un’esperienza nel settore dell’ottica impeccabile e realizzata da mani esperte, con un design eccellente e di qualità superiore. Mio padre e io (quarta e quinta generazione) ci completiamo a vicenda, in quanto riusciamo a coniugare la tradizione all’interno di un mercato in continua crescita.

“La nostra missione è la stessa da oltre un secolo: offrire un’esperienza nel settore dell’ottica impeccabile e realizzata da mani esperte”

La seconda apertura nella capitale rappresenta il forte legame del marchio con la cultura e una città tra le più antiche del mondo, dalle profonde radici. Un aspetto che ha molto a che fare col DNA di Moscot. Il suo pubblico quali generazioni abbraccia maggiormente?

Crediamo che chi indossa Moscot abbia una certa mentalità al di là della provenienza o della fascia d’età. I nostri clienti sono creativi e pensatori indipendenti. Sono persone che, come dice sempre mio padre, “indossano la montatura – la montatura non indossa loro”. Fortunatamente, apprezzano sia la competenza ottica che la componente moda di ciò che offriamo e per questo siamo in grado di mantenere la loro fiducia. Tutto questo fa sì che il nostro universo riesca ad abbracciare diverse generazioni, dai tempi in cui mio nonno lavorava nel negozio, a mio padre, fino alla mia (millennial), e ora anche alla Gen Z.

“Il DNA del brand e l’estetica dei negozi sono un amalgama organico di cianfrusaglie e arte collezionate nel corso dei decenni”

Quali sono i modelli più amati dalla generazione più giovane?

La nostra montatura Lemtosh, apprezzata in tutto il mondo, attraversa generazioni, continenti e ogni forma di viso. Recentemente abbiamo riscontrato grande entusiasmo per le nostre montature più grosse e robuste, sia in acetato che in metallo, come le Dahven e le Smendrik.

I negozi Moscot sono caratterizzati da affascinanti allestimenti, realizzati attraverso un’accurata ricerca di elementi vintage. Sembra che ogni oggetto al suo interno abbia un valore unico e una propria storia. Possiamo dire la stessa cosa dei modelli delle vostre collezioni? Esistono delle storie legate ad alcuni in particolare?

Sì e sì. Il DNA del brand e l’estetica dei nostri negozi sono un amalgama organico di cianfrusaglie e arte che il mio bisnonno e il nonno hanno collezionato nel corso dei decenni. Si dice che mio nonno collezionasse antiquariato e portasse a casa quegli oggetti solo perché mia nonna diceva: ”Qui non c’è posto per quello”. Ebbene, il manufatto finiva nel negozio (la casa di mio nonno, lontana da casa). Questo è uno dei motivi che spiega l’infinita varietà degli oggetti che si possono trovare in un negozio della griffe. In modo simile, le nostre montature Moscot Original sono la rappresentazione autentica della storia di New York. Abbiamo stili che risalgono agli anni 40, 50, 60, persino agli anni 70 e 80, e molti di questi nomi fanno riferimento a termini usati in famiglia, ereditati e basati su un passato unico e ricco di storia.

“L’identità del marchio è una rappresentazione autentica dei nostri 108 anni di attività, incarna la storia”

Il tipico colore giallo presente nei punti vendita e nella vostra brand identity cosa rappresenta?

Il mio bisnonno ha scelto l’iconico colore giallo Moscot a metà del XX secolo. Ricorda il giallo dei taxi di New York. Gli “occhi” stravaganti e il Pantone stesso divennero un’icona del Lower East Side di Manhattan e avrebbero mantenuto la loro integrità sulle insegne dei negozi di tutto il mondo. L’identità del marchio è una rappresentazione autentica dei nostri 108 anni di attività: incarna la storia attraverso i materiali e gli oggetti che vi sono contenuti. Ad esempio, i cassetti in caldo legno di ciliegio si rifanno a quelli originali del nostro storico negozio di Orchard Street, mentre il soffitto di latta riflette l’architettura newyorchese dei primi del ‘900.

Sappiamo che avete anche un rapporto speciale con la musica, ce ne volete parlare?

Mio padre ha sempre sognato di essere un musicista famoso. È bravissimo con la chitarra, ma purtroppo non sa cantare. Mio nonno gli disse: “Smetti di suonare e diventa oculista”. Era sveglio a scuola, quindi è stato un processo naturale; tuttavia, ha sempre mantenuto la passione per la musica. Mi ha cresciuto con una chitarra e ha sempre accolto la mia indole creativa, condividendo con me l’amore per l’arte e la buona musica. Un pomeriggio di pioggia, prese la chitarra e iniziò a suonare in negozio, la gente cominciò a entrare e ad ascoltarlo. In quel momento capì che poteva unire il suo amore per la musica alla gestione dell’attività: fu così che nacque Moscot Music, progetto che vede artisti emergenti esibirsi in diversi store del mondo. Lo facciamo da oltre un decennio, e questo testimonia l’evoluzione naturale del Lower East Side, che ha l’arte nel suo DNA, non a caso è il “nostro” quartiere.

“La sostenibilità nel design è, in definitiva, qualcosa che dura a lungo e le nostre montature e lenti durano per anni”

In un’epoca in cui soprattutto la generazione Z esige una particolare attenzione alla produzione sostenibile, come risponde un’azienda storica come la vostra? Avete messo in atto delle variazioni nel rispetto dell’ambiente all’interno del vostro ciclo di produzione?

Alla scuola di design ho imparato presto che la sostenibilità nel design è, in definitiva, qualcosa che dura a lungo e le nostre montature e lenti durano per anni e anni. Ho visto clienti entrare nei nostri negozi con lo stesso paio d’occhiali dopo un decennio. Francamente, cosa c’è di più sostenibile di questo? Significa meno montature, meno materiali, meno acquisti e quindi meno rifiuti

Cosa è cambiato in questi 108 anni di storia e cosa invece non cambierà mai?

Il modo in cui possiamo comunicare ai nostri clienti e in cui forniamo la nostra esperienza unica alla nostra clientela si sono evoluti, il nostro cliente si è evoluto. E mio padre, fortunatamente, ha abbracciato la rivoluzione digitale portandola all’interno del brand nel corso degli ultimi dieci anni. Ci piace l’idea di completare 108 anni di storia con un’esperienza digitale di grande impatto, che comunichi i tre pilastri fondamentali dell’azienda: storia, moda e umorismo.
Non cambierà mai il nostro impegno nel fornire le montature più belle in materiali di lusso, la tendenza a non prenderci troppo sul serio e, soprattutto, il desiderio umano di “vedere il mondo con chiarezza, di guardare bene”.

Il modello cult Moscot per eccellenza. Qual è? Lo possiamo individuare?

La nostra montatura Lemtosh è rinomata in tutto il mondo ed è diventata la nostra icona globale. Amata da persone di tutte le regioni, si adatta ad ogni tipologia di viso: Lemtosh è semplicemente Classiconic™.

Nell’immagine in apertura, gli interni della nuova boutique Moscot di via Frattina, a Roma (ph. courtesy of Moscot)

Si chiama “The Freedom Cases” il progetto realizzato da Mytech, brand di riferimento nel settore del mototurismo, specializzato nella produzione di valigie e accessori su due ruote Made in Italy. Il nome s’ispira al concetto di libertà, alla base dei principi che guidano l’azienda, e alla libertà vuole ritornare: quella di cui hanno bisogno i bambini ucraini per ritornare a una vita normale, o a quello che più si avvicina a un quotidiano cui i loro coetanei più fortunati, nel resto del mondo, riescono ad accedere.

Un’iniziativa che unisce lifestyle on the road e solidarietà

Da un gioco di parole – cases=argomenti=bauletti – a un’azione concreta e vero atto di responsabilità, nella scelta di devolvere l’intero ricavato della campagna di crowdfunding, attiva fino al 9 dicembre, all’Associazione Cavalieri delle Nubi di Don Michele Zanon, appassionato motociclista, da sempre in prima linea nell’assistenza umanitaria. L’Associazione, con i fondi raccolti, potrà ampliare il lavoro di supporto, iniziato a seguito dell’invasione russa, a cinque orfanotrofi della città di Leopoli, in Ucraina, che versano in una condizione precaria e difficile, non solo sotto l’aspetto economico, ma soprattutto dal punto di vista psicologico, visto il protrarsi del conflitto. Un progetto generoso che canalizza l’energia di una passione come quella delle due ruote in un obiettivo più grande, destinato alla comunità globale e alla vita umana.

Tutti i fondi passano attraverso il portale www.retedeldono.it, attraverso il quale ognuno di noi può effettuare la propria donazione, per aiutare i bambini ucraini rimasti senza una famiglia e dare loro la chance di una vita libera. Un concetto che rientra nella sfera della normalità e a cui spesso nessuno fa più caso.
I donatori più generosi potranno ottenere tre opere esclusive firmate da performer e rider già noti al mondo dei motori: Filippo Fiumani aka MANI, artista e designer marchigiano; Pasquale Esposito di EvoSound, realtà conosciuta per le customizzazioni esclusive di auto; e l’adventure rider Simone Zignoli con Marika Lodirio, ragazza tetraplegica con la quale due anni fa ha condiviso un’incredibile esperienza on the road.

Il tema della libertà esplorato dagli artisti selezionati da Mytech

Pezzi d’autore, unici ed esclusivi, che attraverso immagini e colori parlano non solo della libertà nell’ambito del viaggio, ma rientrano nel campo della libertà d’espressione, di vivere e connettersi con ciò che ci circonda.
«Abbiamo chiesto ai nostri “artisti” di personalizzare i bauletti Model X attraverso una grafica che interpretasse il tema della libertà: valore che, da sempre, fa parte del DNA di Mytech e di tutto il mondo delle due ruote. Non abbiamo posto alcun limite alla loro creatività, proprio per sottolineare che la libertà individuale e sociale è un diritto da preservare e difendere in ogni sua espressione, soprattutto in un momento storico come questo che, paradossalmente, sembra essere messo in discussione non solo in Ucraina, ma anche in altre zone del mondo, come in Iran, dove le donne vedono il proprio diritto alla libertà assottigliarsi giorno dopo giorno», conclude Laura Contò, Marketing Manager Mytech.

Nell’immagine in apertura, il bauletto Model X Mytech personalizzato da Filippo Fiumani aka MANI

È stata annunciata ieri la selezione dei designer finalisti del Woolmark Prize 2023, all’interno della quale compare il nome di un italiano – per la prima volta negli ultimi dieci anni. È Marco Rambaldi, infatti, uno dei talenti selezionati che porterà e rappresenterà la creatività italiana all’interno di uno dei contest più importanti al mondo in fatto di talent scouting, insieme agli altri sette provenienti da tutto il mondo: A. Roege Hove, Danimarca / Bluemarble, Francia / Lagos Space Programme, Nigeria / MAXXIJ, Corea del Sud / Paolina Russo, Regno Unito / Rhude, USA / Robyn Lynch, Irlanda.

Un premio di duplice rilevanza il Woolmark Prize, non soltanto per il supporto fornito ai designer nel corso di tutte le fasi della produzione delle collezioni che partecipano al contest – dalla lavorazione iniziale del filo al trattamento più giusto per il tessuto, in base alla forma e all’obiettivo finale che si vuole raggiungere – ma anche per il fondamentale link con importanti realtà commerciali a cui tutti i designer finalisti accedono, visto che le collezioni prodotte finiscono nel bacino di vendita degli importanti canali partner di The Woolmark Company.

Quel filo di lana merino testimone dei processi evolutivi della moda

Tema di questa edizione che porta il titolo di Dialogue è il passaggio, agli stake-holder del settore, di una visione originale e indipendente che è quella dei designer di nuova generazione che, attraverso il processo creativo e produttivo, danno valore e nuova forma a un materiale antico, pregiato e sostenibile come la lana merino. Un tema presente nel DNA di The Woolmark Company che si è rinnovato di pari passo con l’evoluzione della moda e dei suoi protagonisti. Basti pensare ai nomi d’inestimabile valore che sono emersi nella storia delle sue edizioni: da Yves Saint Laurent a Karl Lagerfeld (era il 25 novembre 1954 e quel giorno in giuria c’era Pierre Balmain), a Romeo Gigli nel ’90 e Giorgio Armani nel 1992.

Il sostegno economico e il tutoring: strumenti per i talenti di oggi e la moda di domani

Ogni finalista riceverà una sovvenzione di 60,000 dollari australiani (circa 38.800 euro) per lo sviluppo di una collezione in lana Merino e sarà supportato dal programma di formazione e tutoring, che include il mentoring dei leader del settore, come: Gabriella Karefa-Johnson, Global Fashion Editor-at-Large di Vogue e stylist; Holli Rogers, Chief Brand Officer di Farfetch; Sara Sozzani Maino, Scouting and Educational Initiatives Advisor per Vogue Italia e International Brand Ambassador di Camera Nazionale della Moda Italiana; Shaway Yeh, fondatrice di YehYehYeh and Group Style Editorial Director di Modern Media Group; Sinéad Burke, insegnante, scrittrice e attivista; e Tim Blanks, Editor-at-Large di Business of Fashion.

Marco Rambaldi: orgoglio Made In Italy

Designer bolognese, classe 1990, Rambaldi si è distinto per la sua passione e una particolare competenza nell’attribuire forma e significato al vasto mondo della maglieria. Ispirato dall’eredità degli uncinetti e i centrini appartenuti alla bisnonna, ha assecondato quel desiderio di regalargli nuova vita in un contesto non necessariamente tradizionale. Nascono così i primi esperimenti di upcycling, figli di un’urgenza espressiva che lo renderà libero e sempre più vicino a una consapevolezza creativa e a un’identità che si riconosce nei suoi elementi più iconici. I cuori arcobaleno sono il suo manifesto, insieme al flottante cuore jacquard e il punto pizzo sul mohair che diventano “simbolo di una donna forte, libera e non omologata”, per usare le sue parole.
“La maglieria è un terreno molto stimolante per me perché da un filo puoi far nascere tutto quello che desideri, partendo da zero, senza limitazioni di struttura o superficie. Ti permette di dare libero sfogo alla tua creatività”. La sua è una creatività al servizio di una moda che sa guardarsi intorno e offre all’estetica e alla sua narrativa la possibilità di elaborare un messaggio per tutte le generazioni protagoniste di questo periodo storico che non può fare a meno, per lo stilista, di mettere in evidenza e dar voce a temi di riflessione di attualità e di natura sociale, partendo dal presupposto che tutto quello che facciamo ha un impatto sulle nostre vite e su quelle delle persone lontane da noi anche chilometri di distanza.

Nell’immagine in apertura, i finalisti dell’edizione 2023 dell’International Woolmark Prize (ph. courtesy of The Woolmark Company)

Si è da poco conclusa la seconda edizione del Positano Fashion Day: progetto Made in IUAD che ha l’obiettivo di valorizzare l’alta qualità della Moda Positano, attraverso il coinvolgimento attivo degli studenti e delle aziende del territorio che hanno messo a disposizione dei ragazzi i loro iconici tessuti.

Nove i laboratori di sartoria artigianale e 12 gli studenti del Triennio dell’Accademia che hanno dato la loro interpretazione aggiornata di quello stile inconfondibile riconosciuto in tutto il mondo sotto la definizione di moda Positano, al fine di promuoverla con proposte di grande impatto e in grado di dare una risposta ai gusti evoluti della nuova generazione. Dai look più romantici a vere e proprie sperimentazioni, gli outfit sono stati realizzati attingendo ai pregiati tessuti locali. Pizzo sangallo, lino, ricami e applicazioni consuete della sartoria tipica di questa zona prendono vita su abiti, casacche, tute, blazer attraverso forme inedite e tagli all’avanguardia, che trovano corrispondenze con la creatività che troviamo sulle passerelle internazionali.

La piazza ad anfiteatro di Positano è così diventata la cornice di un evento che ha visto alternarsi performance musicali e sfilate degli studenti e dei produttori locali, con la guida di Cinzia Malvini, voce autorevole del giornalismo di moda e del costume italiano, che ha scandito il ritmo della serata coinvolgendo il pubblico presente.

Il vincitore della seconda edizione di Positano Fashion Day

Una giuria di giornalisti ha dato il proprio contributo all’iter dell’assegnazione del premio al giovane designer che ha creato la collezione più centrata e consapevole, assegnando a Thomas Ferrarese il titolo di questa seconda edizione di Positano Fashion Day. La sua interpretazione si è collocata in un perfetto equilibrio tra la femminilità dello stile Positano, definito da lunghi abiti in lino e cotone, e una visione contemporanea e aggiornata, ottenuta attraverso la scollatura esasperata e la pettorina scivolata dei maxi abiti per mettere in evidenza il top in maglia cut-out, caricando di fascino tagli e profili indefiniti. La poetica dell’errore e del valore dell’imperfezione è un tema ricorrente tra i designer di nuova generazione di tutto il mondo.
Thomas Ferrarese ci ha confessato di essere un vero fan della genialità visionaria di Elsa Schiaparelli, in cui il corpo libero diventa veicolo di comunicazione di una creatività che si esprime attraverso codici e forme dove arte e moda si fondono completamente. Il corpo: punto di partenza e di arrivo dell’ispirazione di Thomas (giovane designer con le idee chiare e una visione matura), che desidera far diventare tramite di un’estetica no-gender e simbolo del suo impegno sociale, da cui la moda non può e non deve prescindere.

Un progetto che crea evoluzione e valorizza la tradizione

Un’iniziativa che dà valore e crea rinnovamento allo stesso tempo, per dare continuità a quella tradizione tessile che affonda le sue radici nella costiera amalfitana. Gli studenti hanno dato libero sfogo alla propria creatività realizzando collezioni dal carattere disruptive, identificando la loro ispirazione, pur profondamente diversa, negli aspetti più affascinanti di questo territorio e reinterpretandone la leggerezza, il colore, il mix di tessuti in un percorso creativo che riflette i più recenti trend della moda di ricerca.

Francesca Piana, ad esempio, s’ispira ai colori delle maioliche e introduce i colori acidi, facendo dialogare tessuti fluttuanti con reti fluo e microfibre; Carmine Miranda crea dei kimoni e li decora con ricami che ricordano la tecnica giapponese del kintsugi; Vincenzo Savinelli propone per l’uomo capi classici come camicie e pantaloni destinati a un uso quotidiano, declinati su preziosi macramè; Adriana Rignelli descrive una femminilità sensuale che evoca le principesse cyber-punk dell’era web3 attraverso volumi scultorei e drappeggi in cui tulle e macramè si alternano ai corpetti sofisticati e sensuali.

Un progetto ambizioso, nato da una profonda amicizia e dall’azione sinergica di Michele Lettieri – Presidente della IUAD – e Giuseppe Vespoli – Assessore Turismo e Cultura, alimentato dall’energia dei giovani creativi di una scuola tutta italiana, che mira finalmente a una revisione estetica del costume, quanto più  possibile  di rottura, ma che tiene conto dei valore dei nostri tessuti e della qualità dei nostri processi produttivi.

Nell’immagine in apertura, uno dei look presentati al Positano Fashion Day dagli studenti della IUAD

Si è conclusa da pochi giorni ModaLisboa, la Fashion Week portoghese con un approccio aperto sulla libertà creativa e un occhio attento a tematiche di natura etica che hanno un peso non solo sulle nostre vite, ma anche sul mercato globale. Dall’urgenza climatica a una posizione concreta sul valore dei diritti umani, fino alla profonda riflessione sull’industria della moda a livello globale, la cui urgenza è quella di un indirizzo più pratico verso una transizione ecologica definitiva.
Ma più di ogni cosa ModaLisboa porta alta la bandiera che sostiene la libertà di identità.

Partiamo da una domanda. Anzi due. Fino a che punto le fashion week internazionali devono delineare un’estetica universale tale da indirizzare il gusto di una quantità così massiva di pubblico? È giusto che le passerelle contribuiscano alla creazione di tendenze uniformate per il mercato di tutto il mondo?
La messa in atto di produzioni dalle proporzioni ingestibili, che rispondono a un desiderio di omologazione alle regole del costume, è la diretta conseguenza del fenomeno imitativo realizzato dai colossi della grande distribuzione. Una direzione antitetica può essere quella di iniziare a dare maggior valore a proposte creative veramente libere e indipendenti che non richiedono una produzione iper impattante sul nostro pianeta, anzi la rifiutano, essendo realizzate attraverso sistemi di upcycling o artigianalità uniche, difficili da replicare in serie.

La Lisboa Fashion Week

Tra nuovi brand e marchi più established della creatività portoghese, la moda di Lisbona si è evoluta in qualità e proposta creativa. Luís Buchinho ha portato tagli inediti per dare un gusto sofisticato a una moda che si rifiuta di essere scontata a tutti i costi, ma inserita in un contesto cento per cento urban.

Maria Clara, già vincitrice del premio ModaLisboa x Tintex all’edizione di Sangue Novo nel marzo 2022, si è laureata in Fashion Design presso la Facoltà di Architettura dell’Università di Lisbona, nel 2018. Ha completato le sue competenze nel campo della maglieria a Londra alla Central Saint Martins.
Questa collezione, creata in collaborazione con l’azienda tessile, in linea con i valori di sostenibilità di Tintex, ha scelto di riutilizzare la maglieria in stock insieme a tutto ciò che è considerato rifiuto: colletti difettosi, scarti e test di produzione. La tecnica di stampa manuale e tradizionale del ricamo di Madeira è nuovamente incorporata nelle creazioni, con l’aiuto di Bordal, Casa de Bordados e Fábrica Madeirense. Oltre all’utilizzo dei suoi disegni antichi e storici, è stata fornita la speciale “pittura blu” di questa casa, una miscela creata in collaborazione con il Laboratorio dell’Università di Madeira, per la produzione di una pasta più naturale e sostenibile.

Trionfo di drappeggi e zafferano sulla collezione di Buzina: rendono l’elastico un segno distintivo della collezione, determinandone forme e volumi. Il volume rientra nella sua poetica e nel suo linguaggio, che trova nel dialogo col movimento un’unica via di comunicazione per esprimere carattere e femminilità.

 

Le collezioni di Filipe Augusto e Kolovrat

L’uomo di Filipe Augusto dà seguito a questo progetto evolutivo che mette il corpo al centro di uno storytelling che si avvale di elementi dell’abbigliamento tradizionale portoghese, con dettagli che si concentrano sull’abbottonatura tramite nodi, più frequenti in capi come sciarpe e grembiuli. Elementi preziosi che prendono forme diverse, utili a valorizzare la personalità di quell’uomo che ha qualcosa da dire: pizzi, light lurex e silk velvet si intervallano con microfibre essenziali. E ancora camicie, linee sartoriali rivisitate da drappeggi e nuovi tagli diventano mezzo di espressione del sé.

Ispirazione antico Egitto per l’uomo e la donna di Kolovrat che in maniera quasi teatrale offre una visione antagonista di quello che ha prodotto precedentemente, abituando il suo stesso pubblico ad aspettarsi sempre qualcosa d’inedito. Capi a metà tra un paesaggio lunare e un futuro fantasy che trae Ispirazione dalla simbologia della civiltà egiziana. Luoghi e simboli così lontani da essere ricondotti alla bellezza dell’universo e di entità extraterrestri.
Simboli primitivi su tuniche fluttuanti riportano la nostra attenzione alla libera espressione dell’anima e del fascino dell’universo, di cui noi rappresentiamo solo una piccola parte.

La consapevolezza artigianale di Valentim Quaresma, l’ispirazione cinematografica di Nuno Baltazar

Valentim Quaresma porta la sua consapevolezza artigianale ancora una volta al servizio della moda, i cui confini con l’arte diventano sempre più indelebili, contribuendo all’evoluzione del gusto attraverso la sperimentazione di materiali e forme a metà strada tra scultura e fashion. Il suo marchio è stato lanciato dopo aver ricevuto il premio ITS#7 a Trieste nel 2008.

La moda è un veicolo di comunicazione molto potente il cui ruolo non deve fermarsi alla pura creazione di un concetto estetico, ma deve diventare – attraverso la bellezza – una piattaforma per veicolare messaggi profondi e rivolti all’attualità, in grado di captare l’attenzione del pubblico, il più vasto possibile.

Così Nuno Baltazar sceglie prendere ispirazione dal film cult Grey Gardens – Dive per sempre, il film che racconta la vera storia di due eccentriche e stravaganti donne, madre e figlia, conosciute come Big Edie e Little Edie, rispettivamente zia e cugina di Jacqueline Kennedy. La loro vita fatta di sfarzo, ricchezza e fama si trasformò presto in miseria e degrado. Ecco che la passerella si trasforma in un mix di stile contemporaneo definito da paillettes color block con l’aggiunta del fazzoletto sulla testa di ogni modella, per ricordarci l’importanza di indossare ogni creazione con la consapevolezza di quanto sia importante alimentare le proprie ambizioni e difendere la libertà di portarle avanti.

Sangue Novo

Sul fronte di Sangue Novo – lo special project di ModaLisboa che tutte le stagioni dà risalto alla nuova generazione di creativi della scuola portoghese – sono diversi i nomi che ci hanno colpito per originalità, consapevolezza stilistica e identità creativa.
I protagonisti di Sangue Novo, in questi quattro giorni, sono spinti a esprimere liberamente il proprio stile, andando a toccare il cuore e la personalità di chi si identifica in quello specifico zeitgeist, in una dimensione estetica nuova basata sulla contaminazione tra moda e arte, libera da canoni e tendenze che rappresentano le strozzature per la creatività e per una produzione più sostenibile, dedicata a infinite tipologie di pubblico.

I nuovi creativi della scena portoghese

In questo senso, è sempre maggiore il numero di giovani che trovano consenso nella distinzione al posto di una società omologata e schiava del consenso ottenuto attraverso il codice stilistico. Ad esempio Veehana, il brand di João Viana che ha studiato Graphic Design con specializzazione in multimedia presso la scuola artistica Soares do Reis, a Porto, per approfondire la sua comunicazione ed esprimere idee e pensieri in modo organizzato e obiettivo. Ha lavorato per un anno in un atelier di oreficeria, dove ha messo in pratica il suo gusto per il lavoro manuale. Nel 2021 si è laureata in fashion design presso Modatex Porto e ha avviato il suo marchio, Veehana, dove attualmente lavora.

Inês Barreto lavora sul concetto di autosabotaggio e di sindrome dell’impostore con cui molti individui si trovano ad avere a che fare quando si trovano di fronte a una nuova impresa da affrontare. È in questo contesto, infatti, che la designer laureata al Modatex di Porto si concentra sul concetto di narrazione vissuta più e più volte, che rappresenta il momento di massima vulnerabilità in cui si trova per la prima volta l’impostore, approdando in due possibili soluzioni: liberarci dai nostri pensieri tossici o essere consumati da essi, arrivando in ogni caso alla conclusione che sia noi che il nostro lavoro siamo privi di significato. Il suo rapporto con la moda trascende l’idea di creare abiti, ma affonda nella parte più profonda della sua anima, lavorando sempre attraverso narrazioni che canalizzino la sua voce.

Tra i designer emergenti Molly98 e Niuka Oliveira

Il marchio Molly98 è stato creato dalla designer Maria Duque alla fine del 2019, come identità artistica incentrata sulla creazione d’arte da materiali esistenti. Molly98 è diventata una tendenza slow fashion più alternativa rivolta allo streetwear e al clubwear, basata sul principio dell’economia circolare, zero sprechi e consumo consapevole, con l’obiettivo di creare un impatto rigenerativo nel settore. Questa collezione nasce dall’ispirazione trovata nei dintorni dello stilista: l’ambiente rurale tipico della campagna di Ribatejo, dove è cresciuta e ha trascorso gran parte della sua infanzia. Nella ricerca di influenze, ha sentito i limiti dell’estetica alternativa, che l’hanno portata a un’introspezione elementi tipici del popolo portoghese che ha sentito più vicini a lei. La tipica “tuga” con i suoi trofei e sciarpe delle società sportive alle pareti del bar, il naperon ricamato dalla nonna sopra i mobili, i cugini immigrati che tornano ogni estate vestiti con le magliette della nazionale.

Niuka Oliveira ha studiato anche lei alla Modatex di Porto, presenta una collezione che si focalizza sulle forme organiche della materia. Il suo titolo Emotional Diary è basato sull’opera Blue Tissues, di Rudolfo Quintas, una serie di 28 disegni che rappresentano un autoritratto sulle emozioni interiori nel tempo. Il lavoro ha richiesto tre mesi per essere completato e il metodo della ripetizione è stato utilizzato come sistema per rivelare la variazione emotiva come un autoritratto. L’emozione è rappresentata in modo pratico e visivo, attraverso la manipolazione di forme con materiali diversi. È così che la designer ricerca un’identità organica che serva da punto di partenza per lo sviluppo della collezione, rivelando un aspetto naturale e l’organicità plastica presente negli studi sulle forme.

Nell’immagine in apertura, foto dal backstage di una collezione presentata a ModaLisboa (ph. by Emil Huseynzade)

Si è concluso da pochi giorni il PLUG-MI, il Festival che celebra la urban culture ideato e promosso da Fandango Club Creators, negli storici spazi del Superstudio di via Tortona a Milano, cuore della moda di ricerca del capoluogo lombardo che ha visto anni di evoluzioni e trasformazioni di un’estetica fashion destinata ad aggiornarsi con la stessa velocità del linguaggio delle nuove generazioni.

Un evento, il PLUG-MI, che ha valorizzato nuove modalità e sperimentazioni che i giganti dello sportswear hanno messo in campo per dare una nuova espressione di sé, attraverso il coinvolgimento di artisti, creativi della generazione web3 e nuovi imprenditori visionari che hanno fatto della sostenibilità l’unica strada perseguibile.

È qui che, ai piedi del Cupra main stage, ha preso il via un programma di live performance: dai due enfant prodige della scena rap italiana SHIVA e RHOVE, alle esibizioni di Miles e dei Planet Funk. Numerosi altri live hanno fatto scatenare il pubblico di PLUG-MI: Don Said, Mida sponsored by Openstage, Sgamo, Soul Tripping sponsored by adidas Eyewear e infine Capozanarky, Inoki ft. Adriana & Dj Arden e Sethu sponsored by PHOBIA.

E ancora, installazioni e workshop hanno dato vita a un format evoluto in cui i veri protagonisti sono ricerca e sperimentazione, con l’obiettivo di portare sul mercato la personalizzazione dello stile e la valorizzazione di un’estetica che guarda all’unicità dell’individuo. Grazie a collaborazioni esclusive e contaminazioni tra arte e moda che approdano in una visione antagonista di nuova generazione, prodotto di un panorama culturale che si adatta a utenti più consapevoli in tema di sostenibilità e che prendono le distanze da ogni presupposto di omologazione.

I finalisti del progetto “BE P-ART powered by Reebok”, la live performance di Tvboy all’evento di Cupra

Sullo stage di PLUG-MI è stato annunciato domenica il vincitore del progetto “BE P-ART powered by Reebok”. Il contest ha visto protagonisti giovani talenti della urban creativity che hanno interpretato l’iconica sneaker Classic Leather OG come una tela bianca, seguendo la propria ispirazione. Gli artisti nel corso del mese di luglio hanno caricato sulla piattaforma le opere, ottenendo l’opportunità di vincere un outfit completo firmato Reebok, insieme alla conversione del proprio artwork in NFT in mostra durante l’evento milanese. Una giuria tecnica-artistica, all’interno della quale spiccano due nomi noti al mondo NFT ossia Giovanni Motta e Mendacia Veritatis, ha analizzato gli oltre 130 progetti pervenuti e ha premiato le opere “Classic future” di Mattia Sarti (@just_mattia_sarti), “Mewtallized” di Riccardo Piacenza (@rcrd.pcnz) e “Reebokwave” di Svccy (alias Matteo Succi, @vaporwave_svccy).

Un messaggio positivo che ha contagiato la città di Milano anche attraverso eventi esplosivi che hanno valorizzato la connection tra la urban culture e l’unconventional brand automotive Cupra, sempre attento ad aggiornare il proprio linguaggio per raggiungere la sfera d’interesse delle nuove generazioni. È questo lo spirito dell’evento che è andato in scena al Cupra Garage, che ha visto una live performance di Tvboy, all’opera nella customizzazione di una sneaker poi messa all’asta e un’esposizione dei migliori modelli collezionati da Jacopo De Carli, celebre restauratore delle calzature più iconiche.

Eastpak presenta capsule collection sostenibili, Lotta Leggenda celebra le sue sneakers iconiche

L’iniziativa di Eastpak RE-BUILT TO RESIST, che punta a ridurre gli sprechi dei materiali danneggiati riutilizzandoli in modo creativo e sostenibile, realizzando prodotti unici e dal design non convenzionale, è atterrata al Plug-Mi con una collab straordinaria con il team di Re-Vibe che ha sviluppato, nel corso di live workshop che hanno visto il coinvolgimento del pubblico, mini-capsule upcycling definite da una forte carica di coolness.

Negli spazi del Plug-Mi Lotto ha presentato la linea di calzature Lotto Leggenda 2022, che celebra le grandi icone del passato. Occasione ghiotta per gli sneakerheads più appassionati, che hanno avuto l’occasione di richiedere la customizzazione delle Lotto Leggenda al giovane designer italiano Morris Spagnol (@_morrispagnol_), che nelle sue creazioni mixa la sua passione per l’arte a quella per lo sport e la urban culture.

TY1 e Guè Pequeno ospiti d’eccezione del brand Plus Design

Plus Design – custom partner del Festival – è il marchio lanciato nel 2020 da Ibrahim Fadi, che nella sua area Custom Garage ha messo a disposizione un team di artisti e professionisti per personalizzare sneaker, accessori e capi d’abbigliamento. Ospiti d’eccezione come TY1 – DJ e produttore discografico – e Guè Pequeno, produttore discografico e rapper, hanno espresso a più voci il link tra il brand, la sua community e la cultura metropolitana. Un’experience che apre la strada a nuovi codici di comunicazione con il pubblico, in un rinnovato equilibrio tra ricerca, artigianalità e sperimentazione che volge lo sguardo a un’estetica contemporanea dall’anima green.

Nell’immagine in apertura, la performance di RHOVE a PLUG-MI 2022

L’inconfondibile giallo Modena, colore dello stemma della città del patron della casa del Cavallino Rampante Enzo Ferrari, torna a illuminare la livrea della monoposto F-75, regina della casa di Maranello, che scalderà l’asfalto del Gran Premio D’Italia di F1 sulla pista dell’Autodromo Nazionale di Monza domenica 11 settembre.

I colori della nuova livrea, svelata ieri pomeriggio 7 settembre dai due piloti Charles Leclerc e Carlos Sainz, all’interno del flagship store di via Berchet a Milano, saranno anche i protagonisti di una limited edition di accessori, realizzati da casa Ferrari, attraverso le partnership di prestigio con Bell Racing Helmets, Puma e Ray-Ban, per celebrare i suoi 75 anni di storia. La collezione dedicata all’anniversario è composta da una t-shirt in jersey con loghi sponsor, gli occhiali da sole unisex in metallo e fibra di carbonio e i caschi in scala 1:1 e 1:2 dei due campioni Charles Leclerc e Carlos Sainz, da scoprire sull’e-store ferrari.com e all’interno delle boutique Ferrari in cui l’heritage del brand incontra l’evoluzione estetica e tecnologica che va incontro alle esigenze della nuova generazione, in un lifestyle completo dedicato all’universo della casa di Maranello.

Una storia ultradecennale nel segno dell’inconfondibile giallo della casa

Una storia ricca di eventi lega questo pantone alla storia del marchio fondato dall’ingegnere, pilota e visionario Enzo Ferrari, che ha inizio con la fondazione della Scuderia nel 1929 e prosegue con la nascita dell’azienda nel 1947; da allora il mito del cavallino nero continua ad attrarre l’interesse di appassionati e neofiti da ogni parte del mondo.

Pare che la prima ispirazione per una Ferrari gialla sia nata da Fiamma Breschi, vedova del pilota Luigi Musso e amica del fondatore, che suggerì di portare una vettura di quel colore a un salone che ispirò, in seguito, il Giallo Fly adottato per la prima volta su una 275 GTB. Ma il suo esordio sulle piste si deve alla 195 Inter Berlinetta di Salvatore Ammendola che debuttò per la prima volta nella Coppa Inter-Europa il 15 aprile del 1951, per poi riapparire a più riprese sulle quattro ruote, sui caschi e sulle divise dei piloti degli anni ‘50 e ’60 della Scuderia Ferrari e, in anni più recenti, fu riportato sull’asfalto da campioni di classe come Michael Schumacher, Rubens Barrichello, Felipe Massa e Fernando Alonso. Fino all’iconico logo del GP numero 1000 della Scuderia in Formula 1, in Giallo Modena, seconda anima della casa emiliana.

Nell’immagine in apertura, Charles Leclerc e Carlos Sainz all’evento di presentazione nel flagship store Ferrari di Milano (ph. by Alberto Feltrin, courtesy Ferrari)

Si chiama Revibe e si muove con la velocità e la stessa energia di una community. Una startup di appena un anno, nata dal coraggio e dall’intraprendenza di 4 giovani italiani che hanno scelto Parigi per costruire la loro vita e un progetto visionario, in piena pandemia. Sono Ettore Maria Carfagnini, Elia Maino, Fabio Diroma e Gabriele Barbieri, che hanno scalato la nuova frontiera del marketplace dedicato ai designer indipendenti che operano nell’ambito della produzione upcycling, ma con il valore aggiunto del supporto concreto e continuo della produzione.

Una vera conquista in tema di sostenibilità, in un momento storico in cui il livello di sovrapproduzione del settore tessile ha raggiunto il punto di non ritorno e anche i sistemi di produzione rispettosi dell’ambiente non risolvono del tutto il problema. Esiste, infatti, un altro preoccupante aspetto dell’inquinamento prodotto dal sistema moda, che ha a che fare con tessuti non utilizzati, collezioni invendute e guardaroba rinnovati più del necessario, che stanno materialmente intossicando intere località del nostro pianeta e il cui smaltimento causa una produzione di CO2 insostenibile per la Terra. Per questo motivo l’upcycling diventa il sistema di produzione più innovativo, dando nuova vita a tessuti e capi già esistenti, a un costo di produzione ragionevole per i giovani talenti di tutto il mondo che stanno portando una ventata di freschezza ai codici stilistici del fashion system di nuova generazione.

Sostenibilità e rivoluzione estetica in più di 100 brand da tutta Europa

Tanto di cappello, quindi, per i fondatori visionari di Revibe che, in pochi mesi, hanno raggiunto più di 100 brand di ricerca selezionati in più di 12 paesi europei. Un successo destinato a crescere a ritmi sempre più elevati, grazie a un’operazione mirata di servizi integrati che sostengono il marchio dalla creazione, alla commercializzazione, fino alla comunicazione, diventando un vero e proprio punto di riferimento per i creativi dell’upcycling: i veri visionari della moda zero waste del futuro.

Un’attività che mira, tra l’altro, a trovare risposte concrete alle esigenze della Generazione Z, la più sensibile alle cause del cambiamento climatico e la più predisposta e impegnata a trovare una soluzione. Ma non è tutto, la stessa Gen Z è quella che chiede una rivoluzione stilistica in termini di codici estetici e di fluidità di genere. Grazie alla sua selezione di creativi da tutta Europa, e a un programma di collaborazione con le migliori scuole di moda, Revibe offre una risposta qualitativa che fonde il valore artigianale a quello della ricerca di tessuti innovativi e un approccio estetico antagonista e all’avanguardia.

Revibe è promoter di una “Extended producer responsibility”

Revibe, inoltre, è impegnato costantemente nella selezione di aziende che incarnano il concetto di “Extended producer responsibility” (EPR); per i neofiti del tema, si parla sostanzialmente del principio in base al quale “chi inquina paga”, uno schema obbligatorio per tutte le aziende tessili europee. Nello specifico, si tratta di una politica ambientale per la quale il produttore di un bene è responsabile anche per la fase post-consumo, ovvero per la sua gestione una volta diventato rifiuto. Al produttore viene data, quindi, una significativa responsabilità, dal punto di vista finanziario ed etico, per il trattamento e lo smaltimento dei prodotti al termine del loro ciclo di vita.
Rientra, per fare un esempio, in un tema di etica e di responsabilità la scelta di produrre in “pre-order” una determinata categoria di articoli disponibili all’acquisto, ma non ancora pronti per essere spediti, in quanto soggetti a realizzazione e personalizzazione su misura. Un approccio che, oltre a rendere il capo o accessorio assolutamente unico per il consumatore, si pone come soluzione al problema degli stock invenduti.

La community di Revibe tra eventi live e workshop

Essere parte di una vera community è uno degli elementi di forza di una realtà come Revibe, che attraverso workshop dal vivo e attivazioni di vendita al dettaglio in tutta Europa, mette in connessione il consumatore finale con i designer. Un approccio che permette all’utente di essere parte del cambiamento, rafforzando e portando linfa vitale alla mission di Revibe.
I clienti finali sono invitati a unirsi ai designer nella creazione del proprio capo upcycling, rielaborando capi d’abbigliamento vintage e scarti tessili forniti dall’azienda e dai suoi partner.

Nell’immagine in apertura, Elia Maino ed Ettore Maria Carfagnini, tra i fondatori di Revibe

Torna l’appuntamento con l’International Daiquiri Day, come ogni anno il 19 luglio per celebrare il famoso cocktail che prende il nome dal villaggio cubano di nome Daiquiri dove è stata realizzata la sua miscela. Si dice che il merito sia di un ufficiale del corpo dei Marine che, durante la guerra tra Stati Uniti e Spagna, in seguito all’affondamento della nave Maine nel porto dell’Avana, entrò in un locale e, non riuscendo a bere il rum liscio, si fece allungare il distillato con succo di lime e zucchero. Una miscela di successo che conquistò anche Ernest Hemingway e il Presidente John F. Kennedy.

Rum Diplomatico porta il suo signature Planas Daiquiri in tutta Italia

È Rum Diplomático, il rum super premium di Compagnia dei Caraibi, preparato in condizioni ambientali eccellenti ai piedi delle Ande, a rendere omaggio a questo cocktail dalla storia così affascinante. E lo fa attraverso un calendario di eventi che si svolgeranno in tutta Italia fino al 24 luglio, con il suo signature Planas Daiquiri in oltre 15 locali. L’iniziativa segue la prestigiosa collaborazione del 2021 a Milano con lo Chef Canzian, offrendo questa volta l’opportunità di gustare da nord a sud il cocktail icona di Hemingway, inserito nelle drink list al pubblico con la ricetta speciale a base di Rum Diplomático Planas, rum bianco invecchiato fino a sei anni dagli aromi freschi, tropicali e leggermente fruttati che con il suo 47% di abv offre una maggiore morbidezza e un finale delicato ma pronunciato. Un’occasione unica, quella della Daiquiri Week di Compagnia dei Caraibi, per scoprire Diplomático e rivivere le atmosfere caraibiche di un must have della mixology internazionale.

Scopri qui dove gustare Daiquiri preparati dalle sapienti mani dei migliori bartender d’Italia e mettiti alla prova con la ricetta di Planas Daiquiri.

La ricetta del celebre drink amato da “Papa”

50 ml Diplomático Planas

20 ml succo di lime fresco

15 ml sciroppo di zucchero

Versare tutti gli ingredienti in uno shaker. Completare con ghiaccio. Shakerare. Versare in una coppa di vetro e guarnire con uno spicchio di lime.

Nell’immagine in apertura, il Rum Diplomático Planas, distribuito da Compagnia dei Caraibi

Il percorso verso uno stile di vita e un piano aziendale sostenibile e che tenga concretamente conto delle esigenze del nostro pianeta, è un’importante dichiarazione d’identità e responsabilità per un’azienda, di fronte al mercato e i suoi consumatori. È uno degli obiettivi di Compagnia dei Caraibi S.p.A. – azienda di Vidracco (TO) leader nell’importazione, sviluppo, brand building e distribuzione di distillati, vini e soft drink di fascia da premium a ultra-premium e prestige di tutto il mondo, nonché di craft beer italiane – che ha approvato su base volontaria il suo primo Report di Sostenibilità con riferimento agli anni 2020 e 2021.

Una scelta di natura etica, ma anche di sviluppo e comunicazione dei propri valori, di fronte agli stakeholder del settore e alle nuove generazioni di consumatori sempre più evoluti in termini di consapevolezza ed esigenze etiche. A questo proposito, il Report di Sostenibilità ha l’obiettivo di testimoniare il costante e concreto impegno del gruppo in ambito ambientale, culturale, sociale e di gender equality, dopo aver chiuso il 2021 in forte crescita, con ricavi per oltre 42 milioni di euro e più di 1.4 milioni di litri di prodotto venduti.

“Il 2021 è stato un anno di profonde trasformazioni per Compagnia dei Caraibi – racconta Edelberto Baracco, CEO di Compagnia dei Caraibi – abbiamo affrontato l’impegnativo percorso che ci ha portato alla quotazione sul mercato Euronext Growth Milan. Un percorso grazie al quale, oltre ad una maggiore solidità patrimoniale, abbiamo potuto dotarci di una Governance e una struttura organizzativa adeguata all’ambiziosa strategia di crescita che abbiamo definito. […] Attraverso questo primo Report di Sostenibilità abbiamo cercato di illustrare in modo semplice, ma completo, il contesto in cui operiamo e presentare la nostra performance di sostenibilità in riferimento sia ai risultati aziendali, sia alle questioni di sviluppo sostenibile globale”.

Le azioni condotte da Compagnia dei Caraibi per l’ambiente

In termini ambientali sono diverse le azioni intraprese dalla società. Nel 2018 nella sede operativa di Colleretto Giacosa è stato installato un impianto fotovoltaico che produce annualmente circa 72.000 kWh di energia elettrica, in parte utilizzata e in parte immessa in rete e venduta. Tutta l’energia elettrica consumata proviene da fonti di energia rinnovabile.
Dal 2021 l’azienda si impegna a calcolare e compensare ogni anno la propria Carbon Footprint sulla base della norma ISO 14064.

Nel 2021 sono stati acquistati 1025 crediti di carbonio provenienti da un progetto forestale in Amazzonia chiamato “Maisa REDD+ Project – Cairari Moju, Stato del Pará (Brasile)” al fine di diventare Climate Neutral, e portare a zero l’impatto impatto climatico relativo all’attività aziendale 2020.
A inizio del 2022 è stata calcolata l’impronta dell’anno precedente: il dato, in corso di certificazione, porterà l’azienda alla compensazione delle 1070 tonnellate di CO2 emesse nel corso del 2021.

Il gruppo è attivo oltre che nella compensazione, anche nella riduzione: in quest’ottica è stato definito per il 2022 un obiettivo di riduzione del 5% delle emissioni di gas serra sul fatturato (calcolata in tonnellate per milione di euro di ricavi), anche attraverso i comportamenti virtuosi dei dipendenti coinvolti a contribuire nel proprio agire quotidiano al raggiungimento di tale obiettivo.

Compagnia dei Caraibi per la cultura

Le iniziative relative alla cultura hanno trovato formalizzazione nel 2021 come nuovo pilastro dello statuto aziendale, che riconosce l’importanza dell’arte figurativa, letteraria, musicale ed estetica, come valori di condivisione, positività e bellezza. Compagnia dei Caraibi ha così avviato collaborazioni in qualità di partner e sponsor con associazioni, festival, iniziative locali e nazionali per promuovere eventi culturali e artistici a beneficio della comunità, affermando i valori in cui crede anche al di fuori del proprio core business. La presenza di Compagnia dei Caraibi è diventata consueta in manifestazioni come SeeYouSound International Music Film Festival, Affordable Art Fair, oggi (un)fair, e l’UlisseFest.

Compagnia dei Caraibi per il sociale

In risposta alla crescita della società, anche il tema del capitale umano è stato valorizzato in modo coerente. Se negli ultimi 4 anni, infatti, i dipendenti sono passati da 39 a 49, è cresciuta visibilmente la presenza di nuove figure professionali che ha portato l’organico dell’azienda a un 47% di presenza femminile e a un’età media dei dipendenti di 36,8 anni. 

È stato effettuato un sondaggio aziendale per valutare il grado di soddisfazione generale su tematiche quali possibilità di crescita, livello di stress e salario percepito. L’obiettivo è quello di creare un ambiente lavorativo nel quale le persone coinvolte possano sentirsi a proprio agio e in cui favorire la crescita professionale e personale, alimentando il senso di appartenenza, basato su relazioni positive e sulla valorizzazione delle diverse identità, del rispetto dell’ambiente e dell’assoluta considerazione dei fattori di salute e sicurezza di tutti i collaboratori.

Nell’ottica di consentire ai dipendenti di conciliare la vita professionale a uno stile di vita qualitativamente tutelato, l’azienda ha inoltre adottato la modalità di lavoro ibrida (in presenza e in smart working) in maniera permanente per consentire ai dipendenti di gestire al meglio vita professionale e privata.

Gender equality: codice etico e valore culturale

Inclusione e diversità sono due concetti centrali della people strategy di Compagnia dei Caraibi che include nella sua politica aziendale una cultura laica della social equality con una massima attenzione alla gender equality e al contrasto della discriminazione in ogni sua declinazione. Come da Statuto e Codice Etico, ha tra i suoi obiettivi principali la “centralità, sviluppo e valorizzazione delle risorse umane”.

Nell’immagine in apertura, il Vermouth Riserva Carlo Alberto di Compagnia dei Caraibi (ph. Lorenzo Tridente)

Che cos’è la memoria? perché ne proteggiamo e celebriamo il valore?
Custode delle nostre tradizioni e della storia dei grandi uomini che le hanno messe insieme, è quanto di più prezioso possegga una civiltà per potersi evolvere e per formare una nuova generazione di talenti.
È questo il fil rouge che Accademia IUAD e Lanificio F.lli Cerruti dal 1881 hanno costruito insieme per il Graduate 2022 in un’esposizione dal titolo Trame di Memoria, inaugurata a Napoli a Palazzo delle Arti il 7 luglio e aperta al pubblico fino al 17 del mese.

Una mostra che offre al pubblico il punto di vista della generazione dei designer del futuro, chiamati a riflettere sul tema della memoria, liberi di scegliere gli strumenti per loro più idonei e una selezione di tessuti d’archivio del Lanificio Cerruti. Il risultato è un affascinante percorso creativo e introspettivo che analizza tutti gli aspetti della memoria che hanno un peso nella vita dell’individuo.

Alcune delle opere che troverete al PAN fino al 17 luglio

Approdi Invisibili di Stefano Mosca è un polittico che affronta il tema della memoria come momento di autoanalisi, elaborazione del dolore e crescita personale; da sofferenza e catarsi a una serie di rappresentazioni simboliche dei momenti più cari e spensierati che riportano all’infanzia e all’adolescenza. Legami familiari ed esperienze che hanno fatto da apripista ad amicizie indissolubili rimangono trascritte per sempre nella trama di un boro giapponese, l’opera di Chiara Buoninconti che in Indossare un Ricordo esprime la sua necessità di preservare i momenti carichi di significato, attraverso l’arte del riciclo e rammendo dei kimoni effettuata, a regola d’arte, tramite le tradizionali impunture giapponesi del sashiko. Il tessuto Cerruti al suo interno rappresenta l’anima originale, la tradizione che si tramanda nel tempo.

Con L’Inverno dei Ricordi Valentina Derudi affronta il tema del morbo di Alzheimer, piazzando un corpo umano vuoto (rivestito per metà di tessuto del Lanificio Cerruti, perché lentamente si sta spogliando della sua memoria) e rannicchiato su se stesso, dalla cui testa volano via istantanee di ricordi che il soggetto stesso non è più in grado di trattenere. Valentina invita i visitatori a intervenire in maniera attiva sull’opera, scrivendo un ricordo e lasciandolo dentro quel corpo vuoto. L’opera verrà donata a un centro Alzheimer di Monza.

Ad aprire il percorso espositivo le foto più belle che Nino Cerruti ha selezionato insieme a Michele Lettieri (Presidente Accademia IUAD) dai bauli aperti nella villa di Saint-Tropez del designer. E ancora le creazioni dei graduated che hanno sfilato al Forte dei Marmi insieme a Lanificio Cerruti: un’occasione che i ragazzi hanno preso al volo per dar vita alla loro visione di eleganza dedicata all’uomo e alla donna del futuro, in una nuova consapevolezza e armonia tra tagli aggiornati e savoir-faire artigianale.

L’eredità del Signor Nino

Il desiderio di Mr. Nino, così era chiamato in tutto il mondo, era di dar voce ai giovani e alle loro idee; fu tra i primi a credere nell’evoluzione stilistica del costume attraverso la visione delle nuove generazioni. Ecco perché fu una gioia per lui condividere gli spazi e i materiali della sua azienda progettata da Vico Magistretti con i ragazzi della IUAD. Lanificio F.lli Cerruti è un marchio intriso di storia e tradizione, un mondo fatto non solo di abbigliamento, ma di lifestyle, celebrato per il prestigio e la raffinatezza.

Un Passato Confortevole, Christian Gallo e Stefano Adric; Il Viale dei Ricordi, Federica Guadagno; Sganciaricordi di Maria Napolitano

Nino Cerruti è stato tra i pochi designer ad aver mantenuto una coerenza estetica e stilistica nel tempo, alimentando di volta in volta il proprio il mito, vestendo gli attori e le attrici di Hollywood (da Richard Gere a Jack Nicholson, da Michael Douglas al favoloso abito in pizzo creato per Sharon Stone, solo per citarne alcuni) e persino le teste coronate d’Europa con le sue creazioni che mixavano buon gusto e personalità, al punto da entrare nelle sceneggiature delle pellicole che hanno fatto la storia del cinema; “You can’t bleach a Cerruti, out of the question”, dice Christian Bale nei panni del finanziere Patrick Bateman in American Psycho. Ecco la scelta del Lanificio F.lli Cerruti di collaborare con IUAD, che da più di quarant’anni opera nel campo della formazione nelle discipline della moda e del design, portatrice della tradizione sartoriale napoletana e di innovazione e artigianalità nel design.
Non a caso Giovanni Vietti, il presidente dell’Unione Industriale Biellese, definì Cerruti un visionario, una persona acuta e mai banale, uno stilista fuoriclasse.

Bon Souvenirs, Micol Piizzarelli; Passato-Presente, Ilaria Califano, Alessandra Elefante, Alessia Nocera

Nell’immagine in apertura, la facciata del Palazzo delle Arti Napoli, sede della mostra allestita da Accademia IUAD e Lanificio Cerruti