Autore: Alessia de Antoniis

Dal felice connubio tra ospitalità di lusso e arte nasce Passione in pietra, il nuovo progetto fotografico ed espositivo nella lobby del The Westin Excelsior, in collaborazione con il giovane talento Federico Pestilli. Un percorso unico alla scoperta di una Roma nascosta, tra scatti di statue e sculture che prendono vita mentre il marmo si trasforma in espressione artistica.

La mostra si terrà fino al 30 aprile nella maestosa lobby del The Westin Excelsior Rome, luogo simbolo della Dolce Vita felliniana, offrendo un itinerario singolare a disposizione dei molti ospiti in visita a Roma. Quella ospitata dal celeberrimo albergo di via Veneto è un’esposizione unica, inserita nelle celebrazioni per i suoi 118 anni di storia.

Federico Pestilli nasce a Roma nel 1985. Il suo operato è il risultato di una formazione internazionale. Dopo aver conseguito una laurea in Storia alla Sorbona di Parigi, si trasferisce a New York lavorando sui set fotografici di moda. E proprio qui Pestilli inizia parallelamente a sviluppare un progetto fotografico indipendente, che lo porta ad esplorare angoli del mondo poco conosciuti. Una fotografia di stampo documentaristico che unisce persone e posti agli antipodi tra loro. Nel 2023 vince il concorso con ILFORD Photo per il suo progetto Extinct sulla fauna in estinzione. Vive e lavora tra Londra e Roma.

Passione in pietra è un progetto che si snoda tra nove gigantografie in bianco e nero, raffiguranti statue e sculture presenti in strade e luoghi simbolo della Città Eterna.

«Le opere della mostra – racconta Federico Pestilli – non sono ancorate a un arco temporale specifico. Le gigantografie nella hall principale sono opere storiche ma relativamente recenti. Nella seconda hall le stampe di dimensioni più intime sono invece di epoca romana, primo e secondo secolo. Il tempo non è stato un fattore critico nella scelta delle opere. Lo è stato invece il loro posizionamento topografico nella città – sono opere situate in prossimità dell’Excelsior – e il loro potere evocativo di passione, sia dei soggetti scolpiti sia degli scultori nel loro lavoro. L’idea di portare delle statue è nata studiando lo spazio espositivo dell’Excelsior e intuendo il potenziale di stampare in grande opere piccole. La foto di un monumento non sarebbe stata più grande del reale, quelle delle statue sì».

Federico Pestilli sulla mostra Passione in pietra: «Per la mostra all’Excelsior ho raccolto le immagini che sintetizzano il mio percorso fotografico. Ho usato le statue per evidenziare il mio pensiero su luce, composizione ed etica»

Queste immagini si inseriscono in un ampio lavoro su Roma e sulla sua evoluzione storico-urbanistica. Qual è il progetto?

I miei progetti si articolano in lassi di tempo vari. Una volta trovata una tematica che mi incuriosisce, inizio un lavoro di archiviazione di immagini in progetti, come fossero delle cartelle per il pensiero. Essendo nato a Roma, il mio progetto su questa città continuerà finché potrò impugnare una fotocamera. Quindi, il primo lasso di tempo è quello a lungo raggio senza scadenza. Il secondo lasso di tempo di un progetto è quello breve che mi costringe a fare sintesi della mia ricerca.

Per la mostra all’Excelsior ho raccolto le immagini che sintetizzano il mio percorso fotografico. Ho usato le statue per evidenziare il mio pensiero su luce, composizione ed etica. Ogni progetto informa gli altri, quando se ne espone uno si fa sintesi dell’esperienza acquisita negli altri. Quello su Roma raccoglie vari soggetti della Capitale, dall’urbanistica antica a quella contemporanea. Per questa presentazione ho voluto sottolineare la fragilità dell’immagine scolpita in marmo: la pietra prende le sembianze umane e ci emoziona, poi rompendosi torna pietra e la nostra illusione si scioglie. A me piace vedere nelle statue, soprattutto antiche, delle pietre con sembianze umane, anziché delle figure umane in decadenza. L’opportunità della mostra mi ha spronato a cercare nuovi dettagli in una città che offre sempre qualcosa da scoprire.

«La pellicola di per sé aggiunge una sensazione naturale e organica all’immagine, difficile da decifrare, ma è simile al suono del vinile rispetto al suono digitale»

Ha vinto il premio ILFORD Photo 2023. Cosa significa oggi fotografare su pellicola? E in B/N?

Fotografare in bianco e nero vuol dire astrarre la realtà. La fotografia digitale è precisa e scientifica, userei anche il termine “televisiva”. Quando vediamo un’immagine molto chiara non ci sforziamo a completarla. Un’immagine astratta invece, senza colori, ci richiede di evocare le nostre esperienze ed emozioni per completarla. La pellicola di per sé aggiunge una sensazione naturale e organica all’immagine, difficile da decifrare, ma è simile al suono del vinile rispetto al suono digitale.

Cosa ama della pellicola?

La fotografia sta diventando sempre più a portata di mano, ormai con il telefono siamo tutti fotografi. Ironicamente mi sembra che più vediamo e meno capiamo, e meno siamo in grado di percepire il valore della realtà. Fotografare in pellicola vuol dire poter vivere il momento in cui si fotografa senza verificare immediatamente se l’immagine ripresa corrisponda all’idea di composizione. Questo vuol dire lasciare più spazio agli errori e aprire più porte all’inatteso. Questo è un pregio della fotografia analogica.

Per ILFORD ha presentato il progetto Extinct, foto di animali nel loro ambiente naturale. Un mondo antitetico rispetto agli scatti esposti all’Excelsior o a quelli dei marmi di Villa Borghese con le mascherine in era Covid. Ci sono due Federico diversi?

Ci sono tanti Federico quanti i soggetti da fotografare. Non credo sia il contenuto a descrivere la creatività di un individuo, bensì la maniera in cui il contenuto viene trasmesso e l’etica che lo vela. È la sensibilità di un artista che va sempre evidenziata prima del contenuto o i materiali con i quali si lavora. Se parliamo di animali o di statue è la percezione della luce e delle forme che è più indicativa di un unico Federico.

«Credo siano tutti più insicuri in un mondo in cui l’immagine è un’arma a doppio taglio»

Si scatta molto più che in passato, ma resterà molto meno, tutto sparpagliato in nuvole virtuali. Cosa racconta, secondo lei, il nuovo rapporto delle persone con la fotografia?

Credo che la nuova fotografia sia soprattutto un linguaggio, una nuova maniera per dire le solite cose. Le persone che riusciranno a dire cose rilevanti saranno la stessa piccola percentuale di prima. Sicuramente ora c’è più “rumore visivo” e per questo è necessario uno sforzo in più per distinguere l’importante dal superfluo. Forse uno dei cambiamenti più grandi è la maniera in cui la gente si rapporta alla propria immagine. Credo siano tutti più insicuri in un mondo in cui l’immagine è un’arma a doppio taglio. Quando giravo a Roma negli anni novanta se volevo fotografare qualcuno la gente si impettiva d’orgoglio. Oggigiorno la gente vuole controllare la propria immagine, non si fida subito.

«Non mi garba essere definito da due, tre scrollate di schermo che dicono “Ah lui fa questo”. Preferisco la domanda “Ma lui cosa fa?”»

Instagram nacque per condividere foto. Perché il suo profilo ne ha così poche?

Il mio rapporto con Instagram e il mondo online è sicuramente conflittuale. Ho resistito molto tempo prima di decidere che una presenza virtuale fosse effettivamente uno strumento utile per me. Più volte ho fatto una purga totale del mio storico di immagini. Non mi garba essere definito da due, tre scrollate di schermo che dicono “Ah lui fa questo”. Preferisco la domanda “Ma lui cosa fa?”. Chi mi segue da tempo sa sia cosa ho fatto che quel che sto facendo. Diciamo che è un incentivo inusuale a seguirmi.

«La fotografia di moda contiene ovviamente una vena di forte creatività, ma nel momento in cui l’immagine si propone di vendere un capo d’abbigliamento questa si appiattisce»

Si è formato nel mondo della moda. È una mia impressione da profana o in questo tipo di fotografia l’arte sta scemando?

L’arte quando deve vendere qualcos’altro non è più arte. La fotografia di moda contiene ovviamente una vena di forte creatività, ma nel momento in cui l’immagine si propone di vendere un capo d’abbigliamento questa si appiattisce fino a essere priva di valore spirituale. Pubblicità e propaganda sono simili in questo contesto. Anche le case di moda sono responsabili di questa realtà; per evitare di essere politicamente scorrette e per massimizzare i guadagni sottraggono potere decisionale ai creativi che si trovano sempre più ad essere ingaggiati come tecnici di fotografia.

Il digitale, e la conseguente facilità di lavorare in post-produzione, sta facendo diventare fast non solo il fashion ma anche il modo di raccontarlo?

C’è sicuramente una sete insaziabile di contenuti in un mondo sempre più digitale. Se fino ad oggi le grandi piattaforme social si sono cibate dell’attenzione degli utenti, in futuro cercheranno di accaparrarsi l’intimità degli utenti. Solo una presa di coscienza individuale e collettiva potrà evitare che gran parte della popolazione mondiale cada preda di un sistema dal quale sia impossibile scollegarsi. Più la moda diventa “fast” e meno tempo si ha per riflettere. Dovremmo tutti prendere un bel respiro e cercare insieme di rallentare un sistema sfrenato.

Antonio Bannò è in varie serie tv di successo: Rocco Schiavone 2, Suburra, Romulus. In Vita da Carlo interpreta Chicco. È nel cast della serie Christian nel ruolo di Davide, tra gli interpreti de Il Principe di Roma di Edoardo Falcone e in Gigolò per caso di Eros Puglielli.

A Cortinametraggio Antonio Bannò è in giuria. Arrivo con i soliti appunti per le domande. Fatica sprecata. Mi trovo davanti un casinista che mi fa fare un salto indietro di trent’anni, ai tempi del liceo. Cerco di fare domande che abbiano un senso… niente… ma non mi arrendo. Poi ci parli e scopri il classico tesoro, quello davanti al quale sei passato tante volte, ma hai sempre visto la superficie senza scendere in profondità. Comunque, dopo i primi due minuti ho chiara la situazione: finirà in caciara (termine romano per indicare… ‘na caciara)

Antonio Bannò: «Sono il terzo figlio, quello lasciato un po’ a se stesso, al quale è stata data libertà»

Capiamoci: chi fa le domande qua? Io o te?

No vabbè, si chiacchiera… sennò è una rottura di palle.

Iniziamo con la domanda a piacere…

Il primo film che mia mamma mi ha portato a vedere al cinema è stato La gabbianella e il gatto. E poi tutti gli Harry Potter. Anche gli ultimi, nonostante fossi già grande. Ogni volta era “A mà, dobbiamo andare insieme”. La mia generazione è cresciuta con loro: quando loro sperimentavano i primi amori, noi sperimentavamo i nostri primi amori; loro il primo bacio e noi il primo bacio (mi chiedo se me sta a… sì, insomma… se è serio, ndr). Sono il terzo figlio, quello lasciato un po’ a se stesso, al quale è stata data libertà. Il terzo è quello che, se cade, è: “si è fatto male? Vabbè rialzati”. Il bello dei terzi è che amano tantissimo i primi. Io poi li amo tutti e due. Mio fratello è la persona più intelligente che conosco.

Sulle piste c’è neve. Hai sciato?

Sono un grande amante del mare. Guardo queste bellissime montagne innevate e dico: tutto bellissimo, dov’è il mare? Mi piacciono gli scogli, amo Salina: si mangia pesce freschissimo. Ma se gli chiedi il limone, ti guardano come se venissi dai Parioli… (ancora una volta mi chiedo se me sta a… sì, insomma…se è serio, ndr).

«Con Binasco ho fatto La cucina di Arnold Wesker al teatro Eliseo, quando ancora esisteva l’Eliseo. Binasco è un grande e ho lavorato con lui perché ho studiato alla scuola dello Stabile di Genova»

Invece da quale Roma vieni?

Dal Portuense.

Come attore vieni dal teatro. Hai lavorato con Valerio Binasco, Ennio Fantastichini…

Con Binasco ho fatto La cucina di Arnold Wesker al teatro Eliseo, quando ancora esisteva l’Eliseo. Binasco è un grande e ho lavorato con lui perché ho studiato alla scuola dello Stabile di Genova. Con Ennio Fantastichini eravamo al teatro Argentina di Roma, nel suo penultimo spettacolo. Fantastichini era una persona meravigliosa. Aveva un cuore grandissimo. Era un grande appassionato di antiquariato. Eravamo in tournée con il Re Lear, regia di Barberio Corsetti, e lui andava in giro per antiquari. Abbiamo fatto tanti teatri di provincia e lui, in qualunque posto, aveva un’amica con un negozio di antiquariato che magari gli diceva “Ennio, devi venire che ho una sedia…”.

Aveva un furgoncino sul quale caricava tutta questa roba e, per la prima, mi regalò un astuccio delle elementari degli anni ’20, in legno, che custodisco gelosamente. Dentro c’è il bigliettino che aveva scritto per me: “Per le tue primine”. Le mie prime a teatro… le mie primine… aveva un grande cuore. Poi offriva sempre da mangiare, quindi gli volevamo tutti bene. Eravamo tutti scapestrati.

A Roma non mancano le scuole di teatro, perché sei andato a Genova?

Ho fatto provini e selezioni anche per altre scuole, ma avevo visto La tempesta diretta da Binasco, dello Stabile di Genova, e ho detto: io attori che recitano così non li ho mai visti.

Da bambino eri quello che a Natale, in piedi sulla sedia, leggeva la poesia a tutti?

Ovvio, perché ero il terzo figlio. Uno era quello bello, uno quello intelligente, io dovevo per forza fare qualcosa. Siccome con lo sport è andata male… Avevo provato con il nuoto, ma ero scarsissimo.

Antonio Bannò: «Ho fatto il liceo classico, ma non si vede per niente»

Prima dell’Accademia?

Ho fatto il liceo classico, ma non si vede per niente. Le cose bisogna nasconderle… sono andato al Montale, lo stesso di Damiano dei Maneskin… vuoi mettere…

Greco o latino?

Greco! Amavo il greco. Un giorno andiamo a San Pietro in visita scolastica. Arriva un prete tedesco e chiede indicazioni in inglese alla mia insegnante di latino e greco. Lei vede che è un prete e parla in latino. Si sono dati le indicazioni stradali parlando in latino! Ho visto conversare in una lingua morta! Però amavo il greco e soprattutto… il vocabolario deve essere il Rocci.

Ti ricordi quando dovevi tradurre quelle parole tipo logos e ti trovavi sette pagine di traduzione? La mia classe al liceo era veramente tosta: seccavano tutti. Siamo partiti in 25 e arrivati in 14. Dovevi studiare. Una volta la mia professoressa di filosofia, donna intelligentissima ma che rompeva le palle, mi becca che camminavo per strada su via dei Colli Portuensi. Era tipo il secondo liceo, quindi il quarto anno. Lei col cane gigante. Mi guarda scandalizzata e mi fa: “al secondo liceo, alle quattro del pomeriggio, sui Colli Portuensi…” . Con sguardo truce e voce che si abbassava sempre più, dice: “Domani t’interrogo”. Probabilmente avrò preso sei meno a quell’interrogazione.

Che alunno eri?

Due anni di fila rappresentante d’Istituto. Ho manifestato senza saperne un cazzo, abbiamo occupato, ma è giusto perché al liceo devi sapere chi sei.

«Ho visto corti che potrebbero essere film. Cortinametraggio è un festival dove ho incontrato delle perle»

Quando hai detto ai tuoi: faccio l’attore?

Sono nato in una famiglia di liberi fino alla fine. Per loro basta che io sia felice. I miei genitori sono spettacolari. Mi piacciono. Li amo e quando li guardo li vedo belli. Quando ho compiuto trent’anni, mi hanno scritto una lettera. Ero appena uscito da una relazione dopo tre anni e mezzo di convivenza. Mi son detto: e ora dove vado? Prima un divano, poi un altro, poi avevo finito gli amici e sono tornato da mamma. Dopo un po’ le ho detto: “Ho trovato una stanza a Centocelle”. Lei mi fa: “Centocelle è lontano”. Le ho risposto: “A ma’, sono andato a Genova quattro anni e non ci siamo mai visti”. E poi le ho chiesto: “Ma tu vuoi un figlio felice o un figlio ubbidiente?” Allora lei ha detto: “No vabbè vai”. E mi hanno scritto una lettera d’amore bellissima.

Quando decisi di fare l’attore, io scrissi loro facendogli proprio quella domanda e me ne ero anche dimenticato. Avevo diciotto anni. Avevo scritto: voi mi avete insegnato la libertà: volete un figlio felice o un figlio ubbidiente? Sono stati due grandi. Mia madre poi mi ha confessato che papà non era tanto convinto. È siciliano, di una famiglia di mezzadri di San Giorgio, frazione di Assoro, comune di Agira, provincia di Enna.

Che ne pensi dei corti che hai visto?

Penso che, se glielo permettono, ci sono dei futuri autori. Ho visto corti che potrebbero essere film. Uno è un incrocio tra Alice Rohrwacher e Ken Loach. Fategli fare un lungo. Cortinametraggio è un festival dove ho incontrato delle perle. C’è un signore, si chiama Pasquale Cozzupoli, che fa la color correction: è l’ultimo step del film e lavora a stretto contatto con i direttori della fotografia. Sta lavorando con Vittorio Storaro, direttore della fotografia di mezzo cinema americano, tra cui Woody Allen. Stanno restaurando tutta la filmografia di Bertolucci. Ha fatto Il cacciatore di Cimino, Gangs of New York di Scorsese. Bellissimo quando ti racconta di Scorsese che “non se capisce niente quando parla”.

Antonio Bannò: «Io sono uno easy, mi piace l’ironia, mi piace che niente sia preso sul serio»

Sei in Vita da Carlo. Il tuo rapporto con Verdone?

Reverenziale. Lui è quello che ti fa “Come stai oggi? Hai dormito bene? OK. Motore, azione”. Lo vedi, io sono uno easy, mi piace l’ironia, mi piace che niente sia preso sul serio, nascondere la profondità in superficie. Ogni tanto mi avvicino e gli chiedo di raccontarmi un aneddoto. Come ad esempio quella volta che girava in esterno. Il film era in pellicola e la pellicola costa. C’era uno col motorino che faceva casino: erano tipi che lo facevano per farsi pagare per non fare rumore.

Nel favoloso mondo del cinema di una volta esistevano anche questi. Un direttore, mi pare di produzione, non gli voleva dare i soldi. A un certo punto Carlo dice: “Qua non si riesce a girare”. Va dal suo capo elettricista che fa: “Vabbè, mo’ te lo risolvo io”. “Senti te, viè un attimo co sto motorino. Viè dietro l’angolo”. Verdone racconta che si sentono tre colpi di pistola. Il capo elettricista ritorna e fa: “A Carlo! Tutto a posto, è scappato come un coniglio. Dai motore!” Hai capito che mondo che era il cinema? Erano pirati.

Sei in serie tv per Sky, Netflix, Amazon, Paramount+. Vorresti fare cinema?

Sì, ma ho imparato ad aspettare. Prima ero molto più impaziente. Sono molto affascinato da Galimberti, tanto che sono andato fino a Brescia per sentirlo parlare. Ero in un momento di crisi. Mi avvicino e gli dico: “Professore, io faccio l’attore nella vita, quindi mi vendo”. Lui guarda i suoi libri e mi fa: “Perché io no?” Gli dico: “Come sopravvivo? Sono venuto qua, mi sono fatto sei ore di macchina, mi dica qualcosa”. E lui mi fa: “Sii competente e poi le cose arrivano”.

A Cortinametraggio Chiara Vinci, madrina della scorsa edizione, ha passato il testimone a Eleonora De Luca. Attrice, nata a Marsala nel 1995, dopo il liceo classico si diploma al CSC. È stata diretta da Paolo Genovese, Pietro Castellitto (I predatori) ed è nel cast di Generazione Neet.

Devo dire – esordisce con una voce brillante nonostante il tour de force di festival che si sono sovrapposti – che se dovessi tornare indietro rifarei il percorso che ho fatto. Forse prenderei prima la laurea e poi farei il Centro Sperimentale con più consapevolezza. Mi ha dato una forma mentis, una disciplina che prima non avevo. Tutto quello che so l’ho imparato al Centro Sperimentale e poi sul campo. È un lavoro che nessuna scuola ti può insegnare: ti può dare le basi, ma poi impari sul set.

«Le persone che mi vedono oggi non riconoscono la Chiara Vinci di dieci anni fa»

Sei andata spedita verso il Centro Sperimentale e non hai pensato a un’accademia teatrale?

Ho sempre fatto teatro al liceo, ma dopo ho avuto paura di iscrivermi a una scuola di recitazione. Quell’anno c’erano i provini al Piccolo Teatro di Milano. Mi sono iscritta e non mi sono presentata. Ero insicura. Ho dovuto lavorare tanto sulla sicurezza. Le persone che mi vedono oggi non riconoscono la Chiara di dieci anni fa. È un percorso che ho fatto anche grazie alla psicoterapia. Nel frattempo mi ero iscritta all’università a Milano, ma continuavo ad avere un senso di rimpianto. Mi sono detta: l’anno prossimo devo ritentare. E se non va, non deve essere perché non ho provato.

Il Piccolo era perso perché le selezioni sono ogni tre anni. Decisi il Centro Sperimentale. Era la scuola dove erano andati i miei miti, che non hanno niente a che fare con la recitazione, come Modugno e Raffaella Carrà. Ma anche tanti registi che amavo venivano da lì. Mia madre mi disse: “Scegli una scuola, una sola”. Fui presa, ma non ero sicura, tanto che avevo pagato il secondo anno di retta universitaria…che è andata in fumo perché mi sono trasferita a Roma.

«Lui non lo sa, ma l’ho ringraziato perché ho mantenuto la promessa che gli avevo fatto»

Sei tornata sui tuoi passi? Sei coraggiosa…

Mi ero iscritta alla Iulm di Milano e studiavo comunicazione e cinema. Sapevo che quello era il mio ambito. Decisi che avrei fatto l’attrice dopo aver visto “Nuovo cinema paradiso”. Rimasi folgorata e dissi: questa sono io! Ogni volta che lo rivedo mi devasta sempre nello stesso modo.

Feci un corso di teatro all’università e il mio professore, Gianni Canova, che ammiro, mi spronò a provarci. Ma mi disse: comunque ti devi laureare. Infatti, dopo il Centro Sperimentale, mi sono iscritta alla Sapienza e laureata l’anno scorso. Lui non lo sa, ma l’ho ringraziato perché ho mantenuto la promessa che gli avevo fatto.

«Forse a volte ti devi accontentare di quello che la vita ti offre, mentre io mi metto lì finché non ce la faccio»

Coraggiosa e determinata…

Miiii troppo… Non so se è un bene essere determinati. Forse a volte ti devi accontentare di quello che la vita ti offre, mentre io mi metto lì finché non ce la faccio. Che ne so se magari ci arriverò a cinquant’anni… Non so se essere ambiziosi in questa società oggi sia positivo…

Un conto è essere testardi, un conto è essere determinati. Pensa a quel povero Mosè che fa un viaggio lungo quarant’anni nel deserto. Se si fosse fermato un giorno prima non avrebbe visto la meta…

Mi piace questa immagine! Ora mi sto concentrando sulla carriera perché finalmente ho iniziato a crederci io. Per questo ringrazio il percorso di psicoterapia. Per me dovrebbe esserci lo psicologo di base. La tutela della salute mentale l’ho anche messa nel lavoro: grazie a due colleghe attrici Federica Pagliaroli (Che Dio ci aiuti, nda) e Liliana Fiorelli (I predatori, nda) abbiamo creato School of love.

«È difficile che gli uomini parlino in pubblico di violenza agita»

School of love è una bellissima iniziativa contro la violenza di genere. Come è nata?

Su Instagram quando ci fu la morte di Marisa Leo, di Marsala come me, uccisa dall’ex compagno. Scrissi un post e mi contattò Liliana. Mi disse: abbiamo tanti contatti, dobbiamo fare qualcosa di concreto. Decidemmo di partire dalla formazione dei più giovani. Abbiamo creato l’evento e chiamato professionisti e personaggi del mondo della cultura e dello spettacolo a tenere una giornata di incontri al cinema Troisi di Roma. Abbiamo coinvolto associazioni che fanno capo alla Casa Internazionale delle Donne e che si occupano e di violenza di genere. Sono venuti circa 300 studenti. Abbiamo parlato di sentimenti e di accettazione. Ci sono state testimonianze di donne che hanno subito quello che erroneamente viene chiamato revenge porn. È intervenuto anche un ex abusante che ha portato la sua testimonianza. È difficile che gli uomini parlino in pubblico di violenza agita.

Siete state coraggiose perché, per quanto si apprezzino simili gesti, sotto resta il rancore nei loro confronti.

Infatti eravamo molto indecise. E poi avevamo un pubblico prevalentemente di minorenni. Durante il suo intervento c’era un silenzio assoluto. Farlo partecipare non è un modo per giustificare una persona che ha agito violenza, ma è stato un modo per ascoltare anche l’altro punto di vista e capire da dove viene il malessere che hanno queste persone e come si può trasformare.

«È strano, ma è più facile dare uno schiaffo che una carezza perché è quello che vedono in televisione»

È bello che partiate dai giovani perché si pensa sempre che deve cambiare chi governa, invece i grandi cambiamenti partono dal basso e soprattutto dalle nuove generazioni.

Per questo ci teniamo a cominciare dalle scuole. Sono i ragazzi i primi a chiedere l’educazione sentimentale. Notiamo come facciano fatica a relazionarsi. Spesso è più facile quando hanno un telefono che fa da tramite invece che con una persona davanti. È strano, ma è più facile dare uno schiaffo che una carezza perché è quello che vedono in televisione. È orribile ma, ad esempio, molti sono convinti che un porno sia la realtà mentre non è così. Ecco perché è fondamentale l’educazione sentimentale, più che sessuale, fatta da professionisti nelle scuole.

Sei stata a Cortinametraggio. Cosa pensi dei corti proiettati? Spesso vengono considerati film di serie B…

Eleonora De Luca, la nuova madrina, ha detto una frase bellissima sui corti: devi raccontare tutto nel tempo di un fiammifero, prima che bruci completamente. I corti sono fondamentali e vanno fatti. Non è vero che il corto è quella cosa che fai prima di diventare famoso. Tutti pensano che il corto sia la gavetta. A Cortina, sia quest’anno che l’anno scorso, è stato bello vedere attori conosciuti che facevano i cortometraggi. Questo vuol dire che si dà dignità al corto. Non va bene che, se sono un’attrice navigata, allora il cortometraggio non lo faccio. Vedere attori affermati che si mettono nelle mani di giovani registi, vuol dire dar loro una possibilità. A Cortinametraggio c’era Paolo Genovese con Piccole cose di valore non quantificabile. Nel 2018, in una delle mie prime esperienze di set appena diplomata, feci un corto con la regia di Paolo. Non sono prodotti di serie B. Raccontare tutto in così poco tempo è difficilissimo.

«Sono una che non riesce a stare ferma»

Alla fine di un set c’è l’ansia da “e ora che faccio?”. Tu cosa fai fuori dal set?

Di tutto. Tutti soffriamo l’horror vacui, è vero. Fino all’anno scorso, quando non lavoravo ero serena perché studiavo. Sono una che non riesce a stare ferma. Ho dedicato molto tempo a School of love. Quando non sono sui set faccio la modella o la fotomodella per campagne pubblicitarie. Sono attiva nel sociale, mi piace fare la presentatrice, mi chiamano per eventi. Viaggio molto. Mi sono anche appassionata al tango e vado nelle milonghe.

Un ballo bellissimo. Ma riesci a ballare così stretta a un estraneo?

Mi fa ridere questa cosa perché anch’io non lo tolleravo. Ho iniziato facendo un abbraccio largo, dove i busti non si toccano, proprio perché all’inizio balli con sconosciuti. Ma è stata una folgorazione. Mi fa anche ridere il fatto che nel mio corso di tango ci siano tantissimi psicologi e psicoterapeuti. Evidentemente è una sorta di terapia. Per me lo è e sono rinata. È anche un’attività utilissima per il mio mestiere: lavori molto con il corpo e devi stare in ascolto dell’altro, soprattutto per la donna che deve seguire l’uomo per capire i passi. È come se l’uomo facesse un disegno a terra e la donna dovesse colorarlo rimanendo all’interno degli spazi…

«Non vado mai al cinema a vedere due volte lo stesso film, ma questa volta sono ritornata il giorno dopo»

Sono appena stati assegnati gli Oscar. Un film che ti ha colpito?

Past Lives, il film opera prima di Celine Song candidato come Miglior film in lingua non inglese. Non vado mai al cinema a vedere due volte lo stesso film, ma questa volta sono ritornata il giorno dopo. Me ne sono innamorata.

Vai spesso al cinema?

Sì certo. Ho il mio cinema di fiducia sotto casa, dove ormai mi conoscono. È bellissimo poter scendere ed essere già in sala, senza problemi di parcheggio o di traffico. Quando andai a vedere Le otto montagne, a sala era strapiena, pioveva e faceva freddo. Arrivo e dico: no vi prego ragazzi non posso tornarmene a casa. Sono stati carinissimi: mi hanno messo una sedia in fondo, dopo l’ultima fila, e mi hanno anche fatto pagare il biglietto ridotto. I grandi film vanno visti in sala.

Tra i giurati di Cortinametraggio, festival di corti che raduna a Cortina registi, attori e addetti ai lavori delle case di produzione cinematografica, quest’anno è arrivato anche Adriano Moretti aka Baronetto aka 7am. Anno di nascita 1999. Classico pariolino a Cortina, Adriano Moretti è uno dei giudici di Cortinametraggio. Parla un italiano corretto (da liceo classico), con quel lieve eco romano tollerato nelle vecchie famiglie di Roma nord: quelle per le quali Roma nord non è tutta quella che sta tra est e ovest, ma si limita a uno ristretto triangolo che ha nel quartiere dei Parioli uno dei suoi vertici e si allarga in direzione Fleming, Vigna Clara, Cassia (ma entro una certa latitudine), Cortina d’Ampezzo (mai oltre una certa altezza). Quella Roma nord per la quale i figli dovevano essere soprattutto educati (e Adriano lo sottolineerà più volte durante l’intervista).

I tanti volti del giovane e intraprendente Adriano Moretti

Ma, a differenza del pariolino per cui al di fuori della Roma nord storica Google Maps si tinge di grigio, Adriano Moretti si è spinto fin sulla Tuscolana, dove ha sede il Centro Sperimentale di Cinematografia. Dall’unione felice di Roma nord, Centro Sperimentale, il mondo romano dei collettivi rap e dell’indie-trap, la musica italiana ascoltata dal papà e il rock inglese, nasce un giovanissimo artista alle prime armi, che ha già al suo attivo un alter ego Baronetto e che nei giorni di Cortinametraggio ha visto uscire Posh, il suo secondo singolo.
Un ragazzo che ha riversato il torpore del pariolino che faticosamente si trascina tra un locale alla moda e un altro, che si spreme le meningi per decidere in quale porto della Sardegna andare d’estate, magari convinto che la Sardegna si estenda in quel piccolo fazzoletto di costa che principia dopo la pietra con su scritto Costa Smeralda, in un iconico personaggio che senza autista si perde, testimonial dello “swærv anglosassone” (ma non cercatelo sul dizionario…).

«Scrivo anche dialoghi comici, io stesso sono un comico, e ho utilizzato Instagram e TikTok per dar vita ai miei personaggi»

Papà direttore del Messaggero. Quando hai detto che avresti fatto lo Youtuber è svenuto, ti ha ripudiato?

No no… l’ho fatto per caso. Sono diplomato al Centro Sperimentale di Cinematografia, quindi la mia passione per il cinema e la recitazione era nota. Scrivo anche dialoghi comici, io stesso sono un comico, e ho utilizzato Instagram e TikTok per dar vita ai miei personaggi. Lui è uno molto social e addirittura mi ricondivide. Per fortuna non mi voleva medico, avvocato, ingegnere. Diciamo che già dopo la scelta del Centro Sperimentale era abituato alle mie velleità artistiche.

Figlio unico?

No, ho un fratello più grande. Anche lui artista, cantante e autore delle sue canzoni. Diciamo che siamo una famiglia di freaks, come direbbero in America. Siamo effettivamente due artisti e questo è stato accolto bene dai miei genitori, per fortuna. Sono stati entrambi contenti di vederci all’opera.

Quindi a casa Moretti niente cene noiose a Natale o per le ricorrenze obbligatorie…

Esatto! Le nostre sono riunioni divertenti.

«Devo mettere da parte il mio gusto personale e cercare di vedere i corti in una chiave più oggettiva, valutarli nel complesso»

Sei in giuria qui a Cortinametraggio. Li hai visti? Che ne pensi?

Sì, ogni sera ne vediamo almeno cinque. È un’esperienza particolare, perché mi porta a vedere questi corti con molta più attenzione di quella che ho normalmente da spettatore. Devo mettere da parte il mio gusto personale e cercare di vederli in una chiave più oggettiva, valutarli nel complesso e non semplicemente perché mi piacciono. Non avevo mai fatto il giurato ed è un’esperienza interessante perché a me piace molto il lato critico del cinema, trovare sempre dei significati più profondi, cercare di analizzare le cose, interrogarmi su quello che ho visto, rimuginarci. È un ruolo che per ora mi sta piacendo davvero molto.

Ti sei diplomato lo scorso anno al Centro Sperimentale quindi hai evitato le proteste per il nuovo cambio di direzione. Se fossi stato ancora iscritto avresti protestato anche tu?

Certo, assolutamente. Sarei stato al fianco di tutti gli studenti, ma sono stata l’ultima classe prima della nuova direzione, ero già diplomato.

«Questo mi piace perché mi dà una capacità di osservazione più ampia, perché cerco sempre di cogliere particolari»

Siamo qui a Cortina, dove è stato girato Vacanze di Natale dei Vanzina (e non chiedermi quale perché il vero è solo uno…) che ha portato sullo schermo i nuovi ricchi degli anni Ottanta di Roma nord. Loro li hanno trovati già confezionati in giro per salotti e bar alla moda. I tuoi da dove arrivano?

I miei nascono dall’osservazione della realtà, quindi se mi capita di vedere qualche personaggio che mi ispira cerco di prendere alcune sue caratteristiche. Poi il mio compito è quello di crearne una parodia e cercare di renderlo più tridimensionale. Questo mi piace perché mi dà una capacità di osservazione più ampia, perché cerco sempre di cogliere particolari. E quando mi capita qualcosa nella mia vita, cerco di renderla a mio modo commedia. Prendo molta ispirazione, ad esempio, da Carlo Verdone che è un uomo che ha fatto questo per una vita. Lui è quello che mi piacerebbe diventare nel corso del tempo, perché dal social e dai video vorrei passare al teatro e al cinema.

«Mi sento abbastanza libero di dire la mia e farò di tutto per difendere questo mio diritto»

Fabio Rovazzi è andato con alcuni youtuber dal presidente Mattarella, che ha sottolineato come chi ha molto seguito ha anche una grande responsabilità e deve preoccuparsi di quale messaggio passa. Ti sei mai posto questo problema? Perché è anche vero che oggi fare comicità tra i paletti del politically correct è difficile…

La comicità si basa anche su dei modelli scomodi. Da questo punto di vista sono abbastanza d’accordo, però so di avere un’educazione tale che non mi porterà mai a invadere determinati territori o essere scorretto o rude, e mi prendo delle libertà. So che, se vengono male interpretate, posso non sentirmi in colpa, perché so di agire in buona fede. Finora non mi è ancora capitato. Forse perché cerco sempre di muovermi all’interno di tematiche che non sono politiche o particolarmente scomode. A me piace fare comicità sul quotidiano, per cui è qualcosa che non mi riguarda più di tanto. Mi sento abbastanza libero di dire la mia e farò di tutto per difendere questo mio diritto perché, soprattutto per chi fa comicità, è importante avere la propria visione che non sia modificata dai condizionamenti esterni.

«Penso che oggi sia utile saper fare un po’ di tutto per chi, come me, vuole fare lo showman, il comico, il presentatore, l’attore»

Su Instagram hai scritto che sei amico stretto di Baronetto Brighton…

È un mio alter ego. Baronetto è il mio alter ego cantante che viene da Brighton e che canta con questo accento inglese. Perché ho creato questa cosa? Perché, avendo la passione per la musica oltre a quella per la commedia, uso questo personaggio comico per unire questi due mondi. Da uno scherzo con dei miei amici, dove cantavo in questo modo posh è nata l’idea di creare un personaggio. Ed effettivamente sta cominciando ad andare, perché alla gente piace. È uno step intermedio per andare poi a fare musica più seria, più intima, che faccio da tanto tempo e che ancora non ho pubblicato con costanza.
Questo è un periodo particolare perché sto andando spesso a Milano, dove ho firmato con un’etichetta. Ci vorrà un po’ di tempo per ripartire col progetto che è sotto il nome d’arte 7am.
7am è il mio progetto sul quale vorrei investire di più nel corso del tempo. È una parentesi che mi diverte molto perché unisce l’utile al dilettevole, è interessante, mischia un po’ le carte in tavola tra commedia e musica. Penso che oggi sia utile saper fare un po’ di tutto per chi, come me, vuole fare lo showman, il comico, il presentatore, l’attore. Secondo me avere tante skill è importante, quindi sto cercando di coltivarle tutte.

«Il mio desiderio di intrattenere le persone era troppo forte per non renderlo un lavoro»

Eri il casinista della classe?

Sì, ero tremendo! Sono sempre stato il casinista della classe e questo mi ha fatto capire, quando ho dovuto scegliere cosa fare nella vita, che il mio desiderio di intrattenere le persone era troppo forte per non renderlo un lavoro. Ho sempre avuto questo desiderio, che non si ferma mai, di stupire gli altri, farli ridere, farli stare meglio. Chi è stato un mio compagno di classe può capire bene quello che intendo, perché non mi fermavo mai. Spesso il mio comportamento mi ha portato a prendere delle note, però almeno non sono mai stato un maleducato. Non tiravo sedie, facevo solo e sempre battute. I professori mi odiavano perché a volte attiravo l’attenzione più di loro, ma ho sempre cercato di emergere con l’umorismo invece che col casino prettamente fisico o con gesti goliardici.

Hai conservato gli amici del liceo?

Molti di loro sono ancora miei amici, altri si sono aggiunti negli anni dell’accademia di recitazione, altri con la musica. Adesso ho ristretto la mia cerchia perché, col tempo, ho cercato di circondarmi sempre di più delle persone alle quali voglio veramente bene e che vogliono bene a me. Credo che per un’artista avere l’affetto degli altri sia fondamentale per sentirsi apprezzati in quello che si fa.
Quindi sì, alcuni di loro sono ancora miei carissimi amici.

Si è conclusa con successo la 19° edizione di Cortinametraggio, il festival di riferimento per i corti, presieduto dalla fondatrice Maddalena Mayneri e diretto da Niccolò Gentili. In questa settimana Cortina è stata la cornice di una serie di eventi che hanno visto protagonisti i giovani registi dei film in gara e gli ospiti della manifestazione. Rocio Muñoz Morales era nella giuria di Cortinametraggio.

Rocío Muñoz Morales: «Nei corti ho trovato una cura che mi ha colpito molto. Ho notato una grande libertà di espressione»

Cosa pensi dei corti che stanno proiettando a Cortinametraggio?

Sono molto colpita, perché ho trovato una qualità alta. Alcuni mi sono piaciuti di più, altri di meno, ma tutti i corti che ho visto hanno una loro dignità e una pienezza nel racconto. Sarei curiosa di sapere i budget, perché mi sono sembrati molto curati a livello di fotografia, sceneggiatura, livello attoriale. Una volta, proprio perché erano progetti più piccoli con un budget ridotto, non avevi il tempo per dirigere gli attori nel modo che avresti voluto. Ho trovato invece una cura che mi ha colpito molto. Ho notato una grande libertà di espressione. Ci sono racconti di realtà più piccole che forse col linguaggio del lungometraggio, per il cinema o per la televisione, farebbero fatica ad essere rappresentate. Storie che, nonostante la loro dimensione più piccola, mi hanno toccato: ho visto rappresentate delle realtà forti.

«Ho partecipato a diversi corti. Mi piace perché mi dà quella possibilità di sperimentare, di essere anche io più libera come attrice, di potermi esprimere»

Anche tu hai recitato in alcuni corti. Alcuni anni fa alla Festa del cinema di Roma eri nel corto Fuori Dal Finestrino

Sì, ma anche da ragazza, in Spagna, ho partecipato a diversi corti. Mi piace perché mi dà quella possibilità di sperimentare, di essere anche io più libera come attrice, di potermi esprimere, di poter anche frugare in cassetti meno conosciuti; e anche di essere ascoltata in maniera diversa. È la prima volta che sono in giuria e dare un giudizio è difficile. Però mi piace, è nutriente e sono davvero contenta di questi pochi giorni durante i quali mi sono riempita di storie.

«Ci sono grandi registi, grandi addetti ai lavori che sono rimasti colpiti dagli attori, dalle storie, da sceneggiature di ragazzi giovanissimi»

Cortinametraggio è un festival piccolo, ma molto partecipato dagli addetti ai lavori…

Mi piace il clima di questo Festival. Appena sono arrivata ho chiesto dei corti proiettati nei primi giorni e tutti li avevano visti, ognuno aveva la sua opinione, c’erano tanti pareri diversi. È questa la bellezza di essere qua. Ci sono grandi registi, grandi addetti ai lavori che sono rimasti colpiti dagli attori, dalle storie, da sceneggiature di ragazzi giovanissimi. Questo è fantastico e ci fa capire quanto sia potente il cinema.

Rocío Muñoz Morales parlando della sua famiglia: «Ho due figlie femmine e credo sia fondamentale insegnare loro l’importanza di essere realizzate come individui, per poi nutrire tutto quello che creeranno»

Hai due figlie e sei qui per lavoro. Ti senti fortunata a poter essere qui, a poter vivere liberamente entrambe le realtà, come madre e come lavoratrice? Ancora oggi molte donne debbono scegliere. E poi: in Spagna è la stessa cosa, siete più sostenute o siamo noi che guardiamo sempre all’estero come se fossero tutti migliori di noi?

Non so perché ma all’essere umano piace sempre tirare fuori i panni dalla lavatrice quando non sono ancora puliti e puzzano di umido, mentre ci sembra che il vicino porti sempre i vestiti in tintoria. Il famoso discorso dell’erba del vicino che è più verde. È difficile essere una donna che lavora: lo è qua come in Spagna e nella maggior parte dei paesi del mondo. Ci sono sicuramente paesi dove sono più avanti, ma la strada è ancora in salita. Essere madre è difficile per qualunque donna: trovarsi di fronte a una bomba che esplode nella tua vita quando hai tra le mani un piccolo essere, una piccola nuova vita che all’inizio devi accompagnare nel percorso di crescita.

Devi essere te il faro che mostra loro quello che la vita è, e unire lavoro e maternità è difficile. Ma io non ho mai rinunciato. Non ho mai avuto l’ansia di dover rinunciare, per lavoro, alla donna che ero o alla donna che volevo essere. Quando ho sentito di essere madre, l’ho accolto con grande gioia. Anche felice delle rinunce che questa cosa significava, perché erano naturali. Non le ho vissute come una mancanza di qualcosa. Al contempo, non ho mai voluto smettere di sentirmi completa. E il mio lavoro mi riempie, mi rende una persona migliore, anche una mamma migliore, una donna migliore.

Credo sia giusto dare alla persona con la quale condivido la mia vita e alle mie figlie la versione migliore di me. Una me che sorride, una me completa. Io poi ho due figlie femmine e credo sia fondamentale insegnare loro, dal punto di vista femminile, l’importanza di essere realizzate come individui, per poi nutrire tutto quello che creeranno.

«Quando il mio lavoro mi destabilizza, quando mi mancano le forze, l’ispirazione, so che lì c’è un punto fermo al quale posso chiedere aiuto anche senza dirlo»

Quanto è importante per te riuscire a tutelare le tue figlie e la tua vita privata? Le persone hanno un bisogno quasi patologico di entrare nella vita privata degli altri, senza rendersi conto che non è vero privato, che spesso è un finto privato creato ad hoc…

Infatti non è vero. Per le mie figlie sono la madre. E sono anche una madre che sbaglia, sono una mamma molto forte, a volte fragile. Sono una persona che non ha paura di niente che in alcuni momenti è invece piena di paure. Questa è la vita vera. Il mio lavoro è solo una parte della mia vita vera. La fama e la popolarità non hanno cambiato chi sono. Sicuramente la realizzazione professionale ha comportato notevoli miglioramenti nella mia vita, ma l’essenza non è cambiata. Le fatiche, le fragilità, i momenti di tristezza, di sconforto, sono sempre gli stessi. Ci sono lo stesso, come le gioie per le piccole cose, come il non aver smesso di essere figlia dei miei genitori, non aver smesso di essere amica delle mie amiche di sempre, non aver smesso di essere sorella delle mie sorelle.

Tutto questo non è cambiato col mio percorso professionale. Anzi, tutte le cose che mi hanno riempito nella sfera personale, sono proprio quelle che mi hanno reso la professionista che sono. Tante volte, quando il mio lavoro mi destabilizza, quando mi mancano le forze, l’ispirazione, so che lì c’è un punto fermo al quale posso chiedere aiuto anche senza dirlo. Ed è bello. Per questo provo a tutelarlo, perché trovo che sia qualcosa di prezioso e di non scontato. Per questi aspetti della mia vita mi reputo fortunata

Essere donna secondo Rocío Muñoz Morales: «Veniamo da anni dove abbiamo coltivato un aspetto più superficiale dell’essere donna. Invece la donna è qualcosa di molto più profondo e di molto più potente di quanto lo sia il nostro aspetto»

A volte sei stata anche modella. Alla Milano Fashion Week hanno sfilato donne over 40, 50, 60. La Rossellini, licenziata da Lancôme perché vecchia a 43 anni, oggi è di nuovo la loro testimonial. È una questione di marketing, perché oggettivamente le donne “over” stanno aumentando, o siamo noi donne ad iniziare ad accettarci così come siamo sdoganando il fattore invecchiamento?

Veniamo da anni dove abbiamo coltivato un aspetto più superficiale dell’essere donna. Invece la donna è qualcosa di molto più profondo e di molto più potente di quanto lo sia il nostro aspetto. Trovo che la donna sia un essere pieno di bellezza, pieno di luce, pieno di amore, pieno di forza, di empatia e con gli anni si diventa sempre più empatica, più forte, più dolce. Secondo me la società ha capito che una donna col tempo si impreziosisce sempre di più, come un gioiello che col passare del tempo diventa un pezzo unico.

«Sono molto legata alla mia famiglia, alle persone che amo»

Com’è Rocio lontano dai riflettori?

Non molto diversa da quella che sta parlando con te. Sono molto legata alla mia famiglia, alle persone che amo. Continuo a fare un percorso di scoperta e sono felice perché negli ultimi anni ho capito quanto sia un percorso lungo e che ci sono obiettivi che hanno bisogno di un percorso più lungo per essere raggiunti. Per questo sono diventata meno esigente con me stessa.

Cristiana Capotondi torna in Rai dopo diversi anni e lo fa con un biopic su una delle grandi donne della storia moderna italiana, l’astrofisica Margherita Hack: Margherita delle stelle dal 5 marzo su Rai 1 e RaiPlay.

Con Cristiana Capotondi, Cesare Bocci, Sandra Ceccarelli, Flavio Parenti, regia di Giulio Base, Margherita delle stelle è una co-produzione Rai Fiction e Minerva Pictures.

Margherita delle stelle racconta la giovinezza di una grande scienziata che nasce a Firenze nel 1922 e cresce nell’Italia fascista e del dopoguerra; un mondo dove le qualità femminili erano limitate alla maternità e alla manodopera, non alla scienza. Parla di una donna che si è imposta in un mondo maschile e maschilista e che ha contribuito a fare la storia della fisica moderna italiana. Una donna non trasgressiva ma libera, con la sua ironia, la sua battuta sempre pronta, la sua capacità di analisi, che è riuscita a parlare a tutti. Margherita delle stelle è la storia di una grande divulgatrice alla quale dobbiamo molto, che ha insegnato a tante giovani donne dopo di lei come sia possibile, se aiutate da chi sta loro accanto, riuscire a rompere quel tetto di cristallo che relega bellissime menti a ruoli dietro le quinte.

«Nata e cresciuta durante il ventennio fascista – racconta Cristiana Capotondi, che incontriamo alla presentazione del film –  Margherita Hack era stata formata ed educata alla libertà da due genitori non convenzionali. Ha poi avuto la fortuna di incontrare un uomo che l’ha sostenuta e spronata a diventare divulgatrice e ad aprirsi al mondo, per essere conosciuta non solo nell’ambiente scientifico».

Da poco mamma, la Capotondi non si è sottratta a un set che ha richiesto anche uno sforzo fisico.

«Come Margherita – ammette Cristiana – ho portato tutti i mezzi di terra a disposizione: macchine, camion, camionette dell’esercito, partendo dalla bicicletta sulla quale ho avuto, devo ammetterlo, delle difficoltà. Ho anche saltato la corda. Tutto in una condizione fisica di ripresa dopo la maternità, quindi spero di aver dato dignità alla sportività di Margherita».

Cristiana Capotondi, protagonista in Margherita delle stelle: «Quello che amo di Margherita è la sua schiettezza, questo spirito toscano tra l’ironico e il serio che le consentiva di dire anche cose che non erano concesse»

E cosa l’ha colpita di questa donna?

Quello che amo di Margherita è la sua schiettezza, questo spirito toscano tra l’ironico e il serio che le consentiva di dire anche cose che non erano concesse. Mi ha colpito il suo ateismo, che non le ha tolto la contemplazione, quel qualcosa di molto spirituale che ci unisce al tutto. Mi è piaciuto il suo spirito di ricerca che la spingeva a non accettare la risposta più scontata, che esiste un dio che ha acceso la miccia, ma ha cercato una risposta nella scienza.

«La donna deve essere, secondo me, messa nella condizione di fare una scelta sapendo che le è garantita la possibilità di realizzarsi»

Lei è una donna indipendente, che fa il lavoro che le piace, è madre. Ha molto in comune con la Hack. Si sente una privilegiata? Cosa pensa di un Paese che costringe le donne a scegliere non solo tra carriera e maternità, ma addirittura tra lavoro e maternità?

Il nostro Paese sicuramente non aiuta le donne a diventare madri e a proseguire nel mondo del lavoro con la stessa ambizione, ma da genitore mi sono resa conto che tante cose non sono più come prima. Per me la competitività, il desiderio e l’ambizione di realizzarmi professionalmente sono cambiati da quando sono diventata madre. I miei interessi e le mie priorità si sono ampliati. Questo è meraviglioso. Probabilmente qualcosa a terra nel mondo del lavoro lo lascio, anche se sono una privilegiata perché faccio un lavoro che mi consente di avere una vita abbastanza agiata, di avere degli aiuti ed è anche un lavoro saltuario. Tante cose di mia figlia me le posso godere perché non sono a lavoro tutti i giorni, 12 ore al giorno, magari lontana da casa.

Credo però che sia naturale: è come una persona che si dedica a venti cose. Le fai tutte bene? Forse no. Se ti dedicassi a cinque cose forse le faresti meglio, ma ne faresti solo cinque. Dipende da come decidi di impiegare le tue energie. Credo ci dovrebbe essere un welfare molto più attento alle mamme. Credo che le madri vadano aiutate perché sono un patrimonio pazzesco, perché credo sia più connaturato all’essere donna il desiderio di genitorialità che non all’uomo. Anche se ultimamente ci sono molti uomini che vogliono diventare papà e tante donne che non vogliono diventare mamma. Ma la donna deve essere, secondo me, messa nella condizione di fare una scelta sapendo che le è garantita la possibilità di realizzarsi. Non è importante solo per il sostentamento economico, ma anche in termini di realizzazione perché è un esempio che si dà alle figlie.

«Penso che si sia arrivati in un’epoca in cui ognuno si deve disegnare la propria vita come la vuole, come la sceglie»

È una donna con un grande senso di spiritualità che vive una famiglia non tradizionale. Creare un ambiente positivo per i bambini trascende la forma della famiglia?

Penso che la famiglia tradizionale oggi sia in grande crisi per via dei modelli, ma anche perché noi abbiamo deciso di realizzarci e il nostro modo di stare in casa è cambiato. Questo mi fa immaginare che la famiglia era molto sulle spalle delle donne. Da questo punto di vista siamo un matriarcato. Con dei vizi di dipendenza, di sudditanza, nei confronti del maschio, ma siamo davvero un matriarcato. La famiglia tradizionale, proprio perché la donna si sta rivoluzionando, non esiste più.

È anche corretto che sia così, perché molto spesso queste storie sono racconti di gabbie, di sofferenza, di mancanza d’amore in contesti che sono rimasti in piedi perché c’era il sociale, c’era il sistema, c’era il fuori. Penso che si sia arrivati in un’epoca in cui ognuno si deve disegnare la propria vita come la vuole, come la sceglie, e un figlio, se viene educato alla verità, sarà educato bene perché molto spesso crescere in gabbie dorate, dove sei cresciuto protetto, non ti consente poi di affrontare la vita con la forza necessaria.

«Margherita diventerà una sportiva e una donna libera nel modo di pensare, responsabile fin da piccola delle proprie scelte»

Il successo di Margherita Hack si deve anche al tipo di educazione ricevuta. Quanto contano i genitori e il loro messaggio nella riduzione del divario tra uomini e donne?

Questo è un racconto che porta sullo schermo una parte della vita di Margherita meno conosciuta. È un romanzo di formazione e abbiamo scelto come punto centrale del racconto la formazione della giovane che poi diventerà Margherita Hack. I genitori sono due personaggi strani per il loro tempo: sono teosofi, un po’ cattolici un po’ buddisti, credono nella reincarnazione, sono vegetariani. Non sono preoccupati del fatto che la bambina sia irruente o vivace, diversa dalle altre bambine. Anzi, rispettano la sua libertà. Diventerà una sportiva e una donna libera nel modo di pensare, responsabile fin da piccola delle proprie scelte.

Anche io sono stata lasciata libera. Ho iniziato questo mestiere perché il mio padre spirituale, che era allora il parroco di Santa Maria in Trastevere, invitò la Rai per una giornata con i boyscout della parrocchia. Il regista della Rai si complimentò con don Vincenzo e disse che, secondo lui, ero un talento. Don Vincenzo lo disse a mio padre che mi chiese: «Sei stata bene, ti sei divertita questo pomeriggio?» Risposi di sì e che mi sarebbe piaciuto farlo ancora. Quindi don Vincenzo fu fondamentale. Nella mia vita ho sempre comunicato le cose importanti alla mia famiglia tramite don Vincenzo. Ogni volta gli dicevo: don Vincenzo devi parlare con i miei genitori. Faccio questo mestiere perché lui ha acceso la risposta positiva in mio papà. Altrimenti forse non sarebbe stato così.

«Per una donna, la scienza è ancora un luogo che parla maschile. Molte fondazioni si occupano di promuovere materie scientifiche per le donne»

Collabora con alcune fondazioni. Quanto è cambiato il rapporto tra le ragazze e gli studi STEM dai tempi in cui studiava la Hack?

Lavoro con fondazioni che si occupano di promuovere le materie STEM e c’è un dato, che accomuna le giovani donne italiane, che credo sia un problema culturale. Molte giovani donne non riescono a immaginare di poter affiancare una vita privata realizzata con una vita da scienziato, magari all’estero, come è accaduto a Margherita Hack. I dati dicono che le giovani donne fino a 16 anni esprimono il desiderio di frequentare facoltà STEM e di lavorare in campo scientifico. Un anno dopo le troviamo che hanno fatto scelte in campo umanistico. Questo credo dipenda, in parte, dal fatto che l’Italia non sia un Paese per ricercatori e scienziati.

Un’altra ragione credo sia che, per una donna, la scienza è ancora un luogo che parla maschile. Molte fondazioni si occupano di promuovere materie scientifiche per le donne. Da Margherita Hack a Marie Curie ad Amalia Ercoli-Finzi, sono tante le donne che hanno lasciato il segno nel mondo della scienza. Queste fondazioni offrono borse di studio a giovani donne che, uscite dal liceo, non hanno i mezzi per continuare gli studi. Come cittadina sarei felice che nel mio Paese non ci fosse una simile perdita di cervelli, da aggiungere a quelli in fuga.

«Margherita delle stelle descrive Margherita anche con le sue imperfezioni»

Cosa risponde a chi pensa che Margherita Hack sia stata raccontata in modo troppo edulcorato, facendone quasi un santino?

Abbiamo rispettato il modo in cui lei si racconta, anche nelle interviste. Margherita delle stelle descrive Margherita anche con le sue imperfezioni. Si racconta studentessa svogliata. Quando deve scegliere se allinearsi al padre, che perde il lavoro e va in rovina perché rifiuta la tessera fascista, lei accetta di leggere il giuramento al duce in pubblico e lo legge perché lei ha voglia di quegli applausi. Non è una cosa da santino. L’eroina avrebbe detto: papà faccio come te e rinuncio al mio momento di celebrità; tu sei antifascista e lo sono anch’io.

Alle leggi razziali lei si ribella solo in un secondo momento. È una studentessa che se può non studia, fa fisica non per una vocazione intellettuale ma perché la fa la sua migliore amica. Raggiunge il successo sempre sdrammatizzando e mai da prima della classe. Se avessimo davvero voluto fare un santino, avremmo certamente evitato il giuramento al duce.

Martedì 13 febbraio alle 21.15 su Sky Arte e in streaming su NOW arriva, a undici anni dalla scomparsa di Gabriele Basilico, il primo documentario sull’opera del maestro della fotografia di architettura: Basilico – L’infinito è là in fondo.

Fotografo, architetto, urbanista. Per lui fu coniato il termine “fotografare alla Basilico”. Nelle sue foto l’assenza di esseri umani risuona come una folla invisibile; nelle sue strade vuote pulsa la vita delle città, i suoi muri non sono limiti ma sipari che celano l’infinito. Paesaggi che non ti fermeresti a guardare, diventano ipnotici e non smetteresti mai di fissarli. «Sono diventato un fotografo di luoghi»: così Gabriele Basilico racconta sé stesso.

Basilico. L’infinito è là in fondo ripercorre le tappe principali della carriera del maestro fotografo, dai primi scatti di reportage realizzati in gioventù negli anni dell’impegno politico, ai Ritratti di Fabbriche della fine degli anni Settanta, fino agli ultimi lavori nelle grandi metropoli degli anni 2000. A raccontare Basilico, voci di spicco del mondo della cultura, persone che gli sono state vicine e che ne custodiscono aneddoti, riflessioni e ossessioni. Per fare alcuni nomi: Stefano Boeri, Gianni Berengo Gardin, Oliviero Toscani, il regista Amos Gitai, la storica della fotografia Roberta Valtorta.

Tra queste, due in particolare guidano lo spettatore in un autentico viaggio: Toni Thorimbert, e la photo editor Giovanna Calvenzi, compagna di vita dell’artista.

Giovanna Calvenzi: «Gabriele ci ha insegnato l’empatia verso la mediocrità e l’astensione dal giudizio aprioristico»

Photo editor per riviste famose, membro della giuria del World Press Photo Contest, curatrice di mostre internazionali, direttrice artistica dei Rencontres Internationales de la Photographie di Arles, guest curator di Photo España, delegato artistico del Mois de la Photo a Parigi 23. Giovanna Calvenzi è stata la compagna di vita di Gabriele Basilico. Nel documentario racconta: «Vedo la sua prima foto e sono sicura che non sarebbe mai diventato un fotografo».

Perché?

Era una foto delle vacanze, come ne avevo viste in tutte le case, senza nessuna pretesa estetica.

Toscani le chiedeva «Stai ancora con quello che fotografa i deserti?». Cosa vedeva lei in quei deserti?

Ho lavorato spesso con Oliviero Toscani, che non si capacitava di come Gabriele preferisse fotografare le città senza persone piuttosto che fare ritratti alle persone, come piaceva a lui. Nei “deserti” io vedevo la straordinaria capacità di qualcuno che sapeva insegnare a vedere.

Lo definirebbe uno storico?

Uno storico dell’evoluzione del paesaggio, dello sviluppo delle città? Forse un testimone, consapevole.

Nella misura in cui Basilico faceva politica con le sue foto, quale messaggio politico ci ha lasciato?

Il concetto di “fare politica” è estremamente complesso. Basilico ha lavorato dalla metà degli anni Settanta al 2012 sulle città del mondo, sulle trasformazioni del territorio italiano, sulle periferie e le loro trasformazioni, a volte visitando e documentando ripetutamente gli stessi luoghi. Ci ha insegnato l’empatia verso la mediocrità e l’astensione dal giudizio aprioristico. Ci ha insegnato, e le sue opere ancora insegnano, a vedere.

Nel docufilm si parla dello “scatto lento” di Basilico. In un mondo pieno di immagini, come editor, questa inflazione di foto rende il suo lavoro più semplice? O siamo davanti a un fenomeno come il fast fashion: una forma di inquinamento da sovrapproduzione di qualità scadente?

Credo che la ricchezza o la sovrabbondanza di produzione delle immagini non siano un problema. La fotografia intelligente e colta continua per la sua strada. Si misura magari con le difficoltà del mercato, di reperire certi materiali, di farsi largo e di essere capita ma, dal mio punto di osservazione, che forse è privilegiato, non genera certo inquinamento.

Le foto in tempo reale da ogni parte del mondo non sembrano aumentare i reportage di denuncia. Penso a Letizia Battaglia, ad esempio, per la quale lei ha curato una personale. Cappuccini e gatti sono più interessanti per il pubblico?

I reportage di denuncia hanno bisogno di giornali che ci credono e che vogliano pubblicarli. Non li vediamo perché i giornali se ne disinteressano. Letizia Battaglia lavorava per un quotidiano di sinistra di Palermo, L’Ora, e tutto quello che realizzava, per alcuni anni, era immediatamente condivisibile. Mancano i giornali, mancano gli acquirenti dei giornali, manca l’interesse per un’informazione profonda. Cappuccini e gattini fanno parte della condivisione del proprio privato, non sono forme di comunicazione e sono alla portata di chiunque abbia un telefono accettabile.

A Roma ora c’è una mostra su Newton e Sky Arte lancia un docufilm su Basilico. Le foto, anche quelle di moda, raccontavano un’epoca. Le foto di Basilico fermano la nostra attenzione su paesaggi che non avremmo mai guardato. Da editor, cosa legge in tutto questo?

Credo che la diffusione nell’uso di tecnologie facili da utilizzare per realizzare immagini, abbia allargato l’interesse nei confronti della fotografia. Newton appartiene a un passato recente ma le sue foto, il suo modo di trattare la moda, i suoi ritratti, hanno sempre qualcosa da insegnarci, anche se fosse solo per migliorare le foto dei nostri gatti. Documentari dedicati ai fotografi italiani e al loro lavoro in questo periodo ne sono stati realizzati diversi: Gianni Berengo Gardin, Paola Agosti, Guido Harari, Paolo Roversi, Luigi Ghirri e naturalmente Gabriele Basilico. Ci vedo un interesse per la cultura dell’immagine e per le persone che alla fotografia hanno dedicato la loro vita.

Toni Thorimbert racconta il Maestro Basilico. «Gabriele, come molti di noi a quell’epoca, aveva un’idea della fotografia come strumento di denuncia sociale. Era uno straordinario fotoreporter»

Toni Thorimbert, reporter, ritrattista, affermato fotografo di moda e art director, inizia a fotografare giovanissimo, documentando le tensioni sociali e politiche degli anni Settanta. Con la sua reflex ha immortalato Jennifer Lopez, Willem Dafoe, Giuseppe Tornatore, Paolo Villaggio, Jovanotti, Marcell Jacobs.

Nel documentario, Thorimbert propone un confronto tra gli scatti di Basilico e la città contemporanea attraverso lo sguardo di cinque giovani fotografi chiamati a dialogare con l’eredità del Maestro. «Ci sembrava bello attualizzare il potenziale del linguaggio di Gabriele e non fare una documentario unicamente celebrativo» spiega Thorimbert. «Gabriele per me è stato un mentore. Nella Milano della metà degli anni 70 la fotografia era un’operazione intellettuale, politicamente schierata, e i fotografi erano intellettuali».

Dopo Milano. Ritratti di fabbrica fu coniata la definizione “fotografare alla Basilico”. Fotografo, architetto, urbanista ma, oggi, possiamo considerarlo uno storico, come Walter Evans o Dorothea Lange con i loro reportage sulla Grande Depressione?

Lo trovo un ottimo punto di vista. La sua cifra era allineata con i suoi tempi ed è vero che più il tempo passa, più le sue foto risultano un documento storico su come le città si sono evolute.

Gabriele, come molti di noi a quell’epoca, aveva un’idea della fotografia come strumento di denuncia sociale. Era uno straordinario fotoreporter. Aveva la capacità di trovarsi al posto giusto nel momento giusto. Il suo impegno politico si è spostato quando ha scoperto che poteva tradurlo raccontando le contraddizioni dello spazio urbano.

Nel documentario lei chiede ai suoi allievi di mettersi nelle scarpe e nella testa di Gabriele. I suoi scatti richiedevano anche decine di minuti. Oggi, dove lo sviluppo non è più una scoperta, dove quando scatto già so che posso lavorare in post–produzione, c’è ancora lo stesso spirito di ricerca e la stessa responsabilità dietro a uno scatto? Cosa è cambiato?

Tutto. E di peggio in peggio. Ora sto seguendo dei fotografi che lavorano col digitale, ma che hanno deciso di apprendere quella lentezza di cui si parla nel documentario. Il problema è: con cosa sostituiamo quello che la tecnologia ci fa perdere in termini di approccio e di profondità? Molti fotografi digitali stanno riscoprendo un atteggiamento più lento. La digitalizzazione ha velocizzato tutto, poi però ci si accorge di quanto la lentezza plasmi una foto.

Basilico aveva la qualità di trovarsi nel posto giusto al momento giusto, ma forse anche capire l’attimo e come sfruttare quel qui e ora era frutto di una grande ricerca. Scattare in maniera ossessiva è lavorare all’inverso: prima scatto e poi vedo cosa ho prodotto?

È quello che io chiamo “pescare a strascico”. Una volta uscivi per pescare saraghi; oggi ragioni che, se hai pescato anguille, va bene lo stesso perché le facciamo diventare saraghi in post produzione. La qualità della fotografia contemporanea ha risentito molto di questo atteggiamento. Quando insegno, lavoro col digitale, ma cerco di recuperare i valori che erano alla base dell’intensità dell’operazione fotografica analogica.

Le mancano gli scatti che trovavamo su riviste patinate, una per tutte Vogue, l’originalità e la mano dei maestri della fotografia?

Spesso nelle conferenze cito Vogue: ma non cito un giornale quanto un mondo, un approccio, un arrivare a Vogue come una certificazione di qualità. Nella mia audience giovanile, questo cade nel vuoto. E giustamente, perché non essendoci una memoria storica particolarmente elevata, soprattutto in Italia, la parola Vogue oggi ha perso il significato che aveva una volta. Grazie alla moda ho fatto un percorso che mi ha dato grandi soddisfazioni, possibilità di viaggiare, di esprimermi, di creare. Newton diceva: «Se non facessi il fotografo di moda, chi mi darebbe tutti i soldi per andare dall’altra parte del mondo a fotografare?». La moda è anche una grande possibilità industriale. Oggi è diverso perché questa realtà industriale viaggia su media che non sono più i giornali. Per quelli della mia generazione, la carriera di un fotografo si basava sui giornali. Oggi sembra che uno stia parlando del medioevo.

La fotografia di moda era una grande forma d’arte…

Lo è stata. E anche una grande forma di reportage. In questo concordo con Oliviero Toscani quando dice: «Davvero il fotografo di guerra è l’unico reporter? La fotografia di moda non racconta i cambiamenti della società nei suoi aspetti umani, sociali, personali?». Secondo me la fotografia di moda, come noi la intendiamo, ha un valore di reportage importante.

Si è svolta al Teatro Sala Umberto di Roma la 9° edizione dei Fabrique du Cinéma Awards. L’edizione di quest’anno è stata condotta da Francesca Valtorta e Riccardo Cotumaccio e si è conclusa con un after party da favola con Valerio Diggiu alla consolle. La mission rimane quella che ha contraddistinto il Premio sin dalla nascita: promuovere la cinematografia italiana indipendente, giovane e innovativa, all’interno di una cornice internazionale.

Tra i vari premiati presenti all’evento: l’attore Andrea Arcangeli per il film Come pecore in mezzo ai lupi; il regista Giuseppe Fiorello, emozionato mentre ritirava il premio per il film Stranizza d’amuri come Migliore Opera Prima; la giovane attrice Denise Tantucci e tanti altri. Ad accogliere i finalisti, insieme alla direttrice editoriale Elena Mazzocchi e al direttore artistico Davide Manca, il presidente Tommaso Agnese, intervistato da MANINTWON insieme a Denise Tantucci e Andrea Arcangeli.

Tommaso Agnese, presidente dei Fabrique du Cinéma Awards

Quali, tra i film selezionati, sono maggiormente innovativi?

Tutti i film che sono arrivati nelle quartine finaliste hanno qualcosa di innovativo nel proprio linguaggio. Il linguaggio cinematografico è fondamentale per un rinnovamento e noi guardiamo sia quello che la capacità di sperimentare all’interno di un film. Tra le categorie più importanti, miglior opera prima e miglior opera innovativa, Stranizza d’amuri di Beppe Fiorello, che ha vinto come Opera Prima, è un film originale perché racconta un tema difficile: quello dell’omosessualità in un ambiente di periferia, di degrado, di difficoltà, dove l’omosessualità tra due ragazzini giovanissimi non è accettata. Una sterminata domenica di Alain Parroni, vincitore come Opera Innovativa, è invece un film con una troupe composta tutta da giovani, che è un segno per il futuro.

«Siamo felicissimi di aver contribuito a creare un ambiente di cinema e di arte dove è bello ritrovarsi»

C’è stato qualche film dove la giuria si è trovata davanti a una maggior divergenza di opinioni?

La giuria è stata omogenea. C’è dietro un grande lavoro svolto dalla redazione della nostra rivista che ha selezionato, tra più di più di 800 film, le quartine finaliste. La giuria ha quindi un compito più semplice e, qualsiasi film scelga, è un successo.

Qual è il bilancio dopo nove edizioni dei Fabrique du Cinéma Awards?

La Sala Umberto era piena e Fabrique du Cinéma ha riscosso un successo di pubblico e di critica,
ma soprattutto c’è stato un grandissimo entusiasmo. Il successo del nostro premio sta crescendo fra i giovani, ma anche tra i produttori, i broadcasters e i distributori: per noi è un gradino importantissimo e siamo felicissimi di aver contribuito a creare un ambiente di cinema e di arte dove è bello ritrovarsi.

Andrea Arcangeli Miglior Attore per Come pecore in mezzo ai lupi e Denise Tantucci miglior attrice per Io e mio fratello: cosa vi ha colpito di questi due artisti?

Andrea Arcangeli ha fatto un bellissimo lavoro sul proprio corpo, un’importante lavoro attoriale di preparazione: si è messo alla prova, ha faticato e ha fatto quello che è proprio del mestiere dell’attore. In un panorama dove molti giovani prendono con superficialità questo mestiere, lui ha calcato quello che è il percorso che un attore deve fare: mettersi costantemente alla prova. Questo è il merito più grande, oltre a una grandissima interpretazione. Denise Tantucci è una attrice che ha iniziato da giovanissima e questo premio è un riconoscimento al duro lavoro che ha fatto per emergere fin da quando era piccola. È arrivata a ruoli da protagonista ancora in giovanissima età, e ci ha colpito tutti per la leggerezza e la profondità nella recitazione e per questo ha meritato il suo premio.

Intervista a Denise Tantucci, miglior attrice per Io e mio fratello

Cosa ti ha colpito della sceneggiatura e cosa ti ha fatto amare il tuo personaggio?

Quando ho letto la sceneggiatura mi ha colpito che il personaggio che avrei interpretato, Sofia, era una ragazza che, come me, era andata presto via da casa. Lei viene dalla Calabria, io sono marchigiana, ma prestissimo ho lasciato la mia regione per andare a Roma a lavorare. Quindi mi ritrovavo un po’ in tutte quelle dinamiche di famiglie che vogliono che spicchi il volo ma, allo stesso tempo, sono dispiaciute che te ne vai e, quando torni, c’è sempre quel dolce amaro del confronto tra due stili di vita diversi. Quello che ho amato del mio personaggio è la sua costante ricerca di affermazione, ma in modo buffo, divertente, irriverente. Sono aspetti del personaggio che la rendono una perfetta protagonista di una commedia.

Ti sei trovata a tuo agio nel ruolo?

Sì, mi sono sentita a mio agio. Poi ero contenta di diventare bionda per la prima volta per un personaggio.

Ti rispecchia? Ti sei mai sentita la pecora nera?

Anch’io, come Sofia, sono stata a Milano, solo che io la mia strada l’ho trovata subito: ho studiato Fisica, che era quello che volevo fare, e ho trovato subito i miei canali. Lei invece è un po’ più irregolare, va a zigzag, come dice in una battuta. È un sentimento che ho provato in qualche fase della mia vita quindi sì, mi ci sono rispecchiata. E anch’io ogni tanto mi sono sentita un po’ la pecora nera della mia famiglia, non per questioni lavorative ma magari per situazioni sentimentali.

Andrea Arcangeli, premiato come miglior attore ai Fabrique du Cinéma Awards

Il film Come pecore in mezzo ai lupi è uscito in sala insieme a due attesissimi kolossal in arrivo dagli Usa, pensavi che saresti stato notato e premiato?

Quando si parlava della data di uscita del film, sostenevo che il fatto che anche due grossi kolossal uscissero in sala in un periodo semi estivo, era la dimostrazione che i film possono uscire anche in periodi diversi. Poi io il mio lavoro lo faccio a prescindere dalla data d’uscita e sono stato contento
dell’accoglienza del film, nonostante in sala ci fossero anche Barbie e Oppenheimer. “Come pecore in mezzo ai lupi” ha avuto la sua visibilità e il suo percorso e sono stato felice che i lati positivi del
film siano comunque emersi.

Temevi di non poter fare Baggio e invece ci sei riuscito. E quando hai letto questa sceneggiatura, come hai reagito? Quali sono state le maggiori difficoltà che hai affrontato?

Mi è capitato in passato di ritrovarmi di fronte a delle sfide che presentavano delle complessità apparentemente insormontabili, ma poi alla fine sono sempre riuscito a tirare fuori qualcosa di buono. Questo per me è diventato un po’ un’ancora alla quale mi aggrappo quando mi ritrovo di fronte a progetti impegnativi come quelli che sto affrontando ora. Nonostante le difficoltà, so che posso fidarmi quasi sempre del mio istinto creativo per riuscire a tirare fuori il meglio. La sceneggiatura di Come pecore in mezzo ai lupi aveva già delle basi solidissime e i rapporti erano già delineati. Il lavoro è stato quello di cercare di rendere giustizia alla sceneggiatura e poi portare il personaggio a un livello nuovo dandogli un’ulteriore anima. Le maggiori difficoltà sicuramente sono state dal punto di vista fisico: perdere 15 kg in quattro mesi non mi era mai capitato. È stato l’aspetto che ha richiesto più attenzione.

«Nel cinema italiano le risorse umane ci sono sempre. Il problema è trovare le figure giuste e metterle nelle condizioni di lavorare al meglio»

Groenlandia spesso ci regala film innovativi. Pensi che il nuovo cinema italiano abbia le risorse umane e le professionalità per affrontare i nuovi linguaggi cinematografici?

Credo che le risorse umane ci siano sempre: è impensabile ritenere che ci siano delle generazioni che non ne abbiano. Il problema è trovare le figure giuste e metterle nelle condizioni di lavorare al meglio. Quando gli sceneggiatori iniziano ad avere delle scadenze sempre più brevi, gli attori e i registi dei tempi di preparazione sempre più stretti, i produttori hanno le varie sovvenzioni che iniziano a chiedere sempre di più, si creano le condizioni sbagliate per lavorare. Questo porta inevitabilmente a uno stress generale che, a prescindere dalle risorse umane, rende difficile portare a termine i progetti con la cura e l’attenzione di cui avrebbero bisogno. Ma le figure professionali ci sono e io ho avuto la fortuna di lavorare con molti di loro.

Dopo il Torino Film Festival, continuano gli eventi in sala per La donna che riapriva i teatri, diretto e sceneggiato da Francesco Ranieri Martinotti, prodotto da Capetown S.r.l. in collaborazione con Rai Cinema e il Teatro Politeama Pratese e con il sostegno di Patrizia Pepe. La donna che riapriva i teatri, il docufilm di Francesco Ranieri Martinotti sulla figura di Roberta Betti, è una storia d’altri tempi con un profumo che stimola i sensi e riscalda il cuore. È insieme una scoperta, una sensazione, un’emozione: un racconto che trasporta lo spettatore in un mondo lontano, dove tutto era possibile.

La storia di Roberta Betti, l’imprenditrice che salvò un teatro

È la narrazione vera e incredibile di Roberta Betti, l’imprenditrice pratese che negli anni ’90 salvò il Teatro Politeama di Prato, un gioiello dell’architetto Nervi, destinato a diventare un garage. Grazie al sostegno di una piccola impresa di pulizie e di molti cittadini, Roberta Betti acquistò il teatro dalla banca e lo riportò alla sua antica gloria, offrendo alla città uno spazio culturale.

La donna che riapriva i teatri è un meraviglioso omaggio a una donna straordinaria e a un teatro che ha saputo resistere alla crisi e alla speculazione, e che rappresenta un esempio di mecenatismo e di passione per la cultura.

Una storia di coraggio che ne racchiude un’altra: quella tenerissima tra Roberta Betti e la sua compagna di vita Elvira Trentini, raccontata da Martinotti con delicatezza e discrezione.

«Una storia d’amore detta e non detta che ho lasciato com’era – racconta Ranieri Martinotti –  perché non hanno mai fatto coming out, non hanno mai voluto rendere pubblica la loro storia di grande amicizia in una città come Prato, dove rischiava di diventare motivo di pettegolezzi. Vivevano in due appartamenti adiacenti sullo stesso pianerottolo, con due ingressi separati. Dentro la casa c’era una porta che faceva comunicare i due appartamenti. Sono state grandi amiche, ma la vita privata appartiene a loro». L’intervista.

«Volevo raccontare una storia quasi sconosciuta, ma che è stato un fiore all’occhiello del nostro Paese; di quando ci si impegnava in prima persona»

Perché un docufilm su Roberta Betti?

Perché quando un autore incontra una storia che lo stupisce, lo sorprende, credo che abbia il dovere di condividerla con il pubblico che immagina di avere. E in un’epoca in cui a occuparsi del patrimonio culturale sono le fondazioni bancarie, gli sponsor, gli stilisti e i grandi marchi, mi sembrava importante raccontare la storia di due donne normali, addirittura due donne del popolo. Perché la Betti era figlia di un muratore e la Trentini era una immigrata istriana a Firenze che ha cominciato facendo le pulizie; poi hanno messo su un’impresa di pulizie che è diventata una società con 300 dipendenti.

Volevo raccontare una storia quasi sconosciuta, ma che è stato un fiore all’occhiello del nostro Paese; di quando tutti sentivano propria una città con i suoi beni, le proprie tradizioni culturali; di quando ci si impegnava in prima persona. Ecco, loro hanno sacrificato anni della loro vita: invece che andare in vacanza, sono rimaste lì a salvare questo teatro e a mandarlo avanti.

«C’è un legame profondo tra queste due donne: Roberta Betti ha ospitato i primi spettacoli di Drusilla Foer»

Hai scelto come portavoce Drusilla Foer, una diva d’altri tempi. Si avverte la mancanza di queste figure?

Evidentemente c’è un filo che lega questi personaggi, queste persone, la loro sensibilità, la loro visione del mondo, e non a caso si sono ritrovate in questo documentario, in questa storia. Drusilla Foer è stata valorizzata e incoraggiata dalla Betti a insistere su un personaggio che, agli inizi, non era scontato che sarebbe diventata una personalità del mondo dello spettacolo e, oserei dire, della cultura italiana.

Perché quando Drusilla sale sul palcoscenico di Sanremo o presenta i David di Donatello, non è che fa la presentatrice e basta, ma esprime un pensiero, delle opinioni. C’è un legame profondo tra queste due donne. Agli inizi Drusilla era uno dei tanti attori che cercavano la propria strada e ha trovato la Betti che le ha detto: “Vai avanti così, ti incoraggio e soprattutto ti do la scena”. Perché è stata la Betti a ospitare i suoi primi spettacoli. Per questo Drusilla non poteva non essere dentro questo documentario e non poteva non aiutare a raccontare questa storia.

I documentari sono un prodotto in forte crescita e la Rai è uno dei maggiori produttori del settore. Mancano i racconti degli anziani che ci trasmettevano la loro memoria? Quel ruolo oggi lo svolgono i biopic?

Oggi diventano record di ascolti documentari dove vengono raccontati gli amori tra un calciatore e la sua ex moglie, mentre questa è una storia particolare, legata a un territorio. In giro per l’Italia è pieno di queste storie, ma bisogna andarle a cercare e bisogna saperle ascoltare.

Io l’ho incontrata per caso e ho deciso di farne un documentario. Non so perché poi hanno successo anche dei documentari tipo quello del rapporto tra un cantante tatuato e sua moglie che fa l’influencer. Quello che so è che difficilmente documentari come questo usciranno nelle sale.

«C’è un punto in cui Roberta Betti dice che ha suscitato l’orgoglio cittadino… il carattere di questa donna incontrava quello di una cittadina industriale»

Quella del Politeama è stata una raccolta di crowdfunding che ha avuto successo. Guardando il docufilm sulla Betti e il Politeama di Prato non si può non pensare a storie come quella del Valle di Roma abbandonato a se stesso…

Oggi lo chiamano crowdfunding, all’epoca era un azionariato popolare diffuso: vendere azioni una ad una alle poche o tante persone appassionate che ancora pensavano che la cultura fosse un valore primario. C’è un punto in cui la Betti dice che ha suscitato l’orgoglio cittadino. Roma è una città sorniona. Prato è una di quelle piccole città operose, dove c’erano tante fabbriche di tessile; e il carattere di questa donna incontrava quello di una cittadina industriale dove la gente si prendeva il proprio telaio, se ne andava a casa e si metteva a lavorare e rischiava.

Poche chiacchiere e tanti fatti. Lei a un certo punto ha smesso di fare chiacchiere e ha convocato le banche, ha convocato gli industriali, è andata alla Consob. Se chiude il teatro Valle i romani vanno in un altro teatro. Nel docufilm c’è la storia di quel vecchietto che dice: “Guardi io vorrei comprare cinque azioni ma devo anche comprare il latte, ne posso comprare solo tre?“

«La perfezione non ti commuove, non ti emoziona»

La donna che riapriva i teatri è un progetto artigianale…

Sì e ha tutti i difetti dell’artigianato, che ha l’orlo imperfetto, con la cucitura leggermente storta, però la perfezione non ti commuove, non ti emoziona. Quindi uno deve accettare anche di fare dei film indipendenti, artigianali, con più lavoro di manodopera e meno di tecnologia per cercare di raggiungere il cuore del pubblico. Ho pensato addirittura di fare un circuitazione diversa, persino nelle sale teatrali, evitando il cortocircuito delle uscite in sala tra grandi debutti, magari stranieri, ed eventi vari.

Credi che l’AI avrebbe dato un simile cuore a questo docufilm?

Il punto è che poi si arriverà a un’intelligenza artificiale così sofisticata che dirai: Mi fai un prodotto artigianale con questi difetti. E magari arriveremo a un livello di tecnologico tale per cui, mettendo le indicazioni, ci si arriva pure a quel risultato. Rimane il fatto che sì, forse la macchina si potrà avvicinare il più possibile, ma gli mancherà l’anima, quel qualcosa di umano che ora arriva credo… spero. Gli mancherà l’urgenza che nasce da una sofferenza. Soprattutto credo che, essendo “intelligente”, non avrebbe l’incoscienza di un autore di fare progetti dettati dalle emozioni.

Porsche Taycan: The art of Soul, Electrified. Questo è il tema del progetto artistico di Stefano Guindani per Porsche Italia. Per Massimiliano Cariola, Direttore Marketing di Porsche Italia, «Questo progetto è stata una sfida entusiasmante e la naturale continuazione di Dreamers.On. Abbiamo voluto che gli artisti si lasciassero ispirare dal sogno e proponessero la loro visione di The art of Soul, Electrified con il loro lavoro. Il progetto è un importante capitolo della storia che vogliamo raccontare verso una mobilità sempre più sostenibile».

La mostra itinerante, partita dalla Soho House Roma, toccherà i Centri Porsche d’Italia nel 2024. Il progetto nasce dalla collaborazione tra Porsche Italia e Stefano Guindani, fotografo e direttore creativo, già ambassador di Dreamers.On, l’iniziativa che celebra i visionari, coloro che aprono nuove strade e immaginano il futuro. I cinque artisti coinvolti sono Andrea Frazzetta, Elisa Seitzinger, Giuseppe Ragazzini, Alberto Ponticelli e Katetheo, ciascuno con uno stile e un’estetica unici, ma uniti da una forte carica espressiva e sensibilità.

«Arrivare dove nessuno si è mai spinto prima. Aprire nuove strade. Superare ogni ostacolo. Immaginare ciò che gli altri ancora non vedono»

«La curiosità di vedere come avrebbero interpretato, ognuno con la propria arte, la Taycan e i concetti che rappresenta, ovvero potenza, futuro, rivoluzione, eleganza, bellezza, mi ha accompagnato dall’inizio alla fine di questo percorso. Il risultato ha svelato mondi diversi, caratterizzati dal personale modo di immaginare e di raccontare le cose» dice Stefano Guindani.

Il pensiero di Stefano Guindani, fotografo di respiro internazionale, è racchiuso in poche, preziose righe: «Arrivare dove nessuno si è mai spinto prima. Aprire nuove strade. Superare ogni ostacolo. Immaginare ciò che gli altri ancora non vedono».

E negli spazi esclusivi della Soho House di Roma, Stefano Guindani ha raccontato a MANINTOWN come seguire un sogno voglia dire continuare a cercare nuove visioni.

«Sono stato protagonista di una delle puntate del progetto Dreamers.On ispirato alle storie dei sognatori. E io ero uno dei sognatori. Da lì è nata la mia collaborazione con Porsche e l’idea di mettere insieme cinque artisti di formazione completamente diversa: un collagista, un’illustratrice, una creativa che usa solo Photoshop senza intelligenza artificiale, un fotografo che collabora con New York Times e National Geographic e un fumettista che ha lavorato anche con la Marvel. L’input che è stato dato loro? Interpretare la Taycan, l’unica Porsche elettrica al 100 % che è la rivoluzione per il futuro Porsche».

«Il trittico di opere richiesto ai nostri artisti, rappresenta il viaggio di Porsche verso una mobilità più sostenibile, attraverso tre pilastri: sostenibilità, elettrificazione e Taycan»

«Ogni artista aveva carta bianca e poteva usare qualunque tecnica. Doveva solo presentare un trittico finale con una parte anche senza auto, una con almeno un dettaglio della macchina e una con l’auto. Spesso le tre opere sono collegate tra loro, come quella di Elisa, una delle artiste più famose presenti alla mostra, che ho conosciuto perché disegna tarocchi bellissimi. Elisa Seitzinger è un’illustratrice contemporanea che ha appena esposto alla Cavallerizza di Torino, dove è allestita la mostra Sacro Fuoco, e che negli ultimi anni ha raggiunto importanti riconoscimenti nazionali e internazionali.
Ragazzini è un collagista che ha creato Mixerpiece, una app creativa ed educativa per bambini e adulti, con oggetti e forme che puoi combinare per creare nuove opere d’arte mentre impari la storia dell’arte, che ha vinto numerosi premi. Ognuno degli artisti presenti ha una sua particolarità e ha declinato a suo modo la filosofia Porsche che è alla base della Tycan.

Il trittico di opere richiesto ai nostri artisti, rappresenta infatti il viaggio di Porsche verso una mobilità più sostenibile, attraverso tre pilastri: sostenibilità, elettrificazione e Taycan».

Gli artisti di The Art of Soul, Electrified che hanno partecipato al progetto artistico di Stefano Guindani per Porsche Italia, sono Andrea Frazzetta, Elisa Seitzinger, Giuseppe Ragazzini, Alberto Ponticelli e Katetheo

Elisa Seitzinger: l’illustratrice che unisce arte medievale e innovazione

Elisa Seitzinger è un’artista torinese che si ispira alle miniature medievali, creando opere bidimensionali e simboliche. Per il progetto artistico di Porsche Italia The Art of Soul, Electrified, ha realizzato un trittico dal titolo Energia che nasce dall’incontro tra scienza e leggenda, usando la tecnica del disegno a china su carta e la colorazione digitale.

“Parto da Zeus – racconta Elisa – perché è il dio dell’energia primigenia. Ha in mano delle saette e, da una di queste, parte un collegamento che è il fil rouge che collega il trittico. Porsche e Stefano Guindani hanno commissionato tre opere, ma io volevo che fosse un unicum: da Zeus nasce Atena che si collega poi con Gaia. Zeus è la parte istintiva, energia potente che si sprigiona; Atena, la dea della Sapienza, rappresenta la tecnologia, la perfezione, la scienza e si ricollega a Gaia, che invece rappresenta la natura, la dea madre, perché la Taycan è comunque un’auto elettrica attenta all’ambiente. Il mio lavoro vuole mettere insieme questi tre aspetti. E poi la Porsche è un mito e questo mi ha acceso la scintilla».

Alberto Ponticelli: il fumettista che esplora il reale e il virtuale

Alberto Ponticelli è un artista noto al pubblico italiano e statunitense che crea storie attraverso le sue tavole. Per il progetto artistico di Porsche Italia The Art of Soul, Electrified, ha rappresentato la sua visione dell’elettrificazione e della mobilità sostenibile con una Tempesta che si fa strada. Il suo trittico è un’opera grafica che combina il disegno manuale con la postproduzione digitale usando texture originali.

«Io sono un fumettista – spiega Alberto – Nel mio lavoro ho inserito la forza, l’aggressività e il controllo. La mia opera nasce dal bisogno fisico di rappresentare queste caratteristiche. La Porsche mi sembrava fondesse la potenza della macchina da corsa per eccellenza, con la sua storia, e l’ordine dato dall’elettricità che per me è un segno di speranza, anche se viviamo un periodo di declino. Per Porsche un’auto da corsa elettrica è sicuramente una sfida estrema, ma credo fermamente che si debba partire sempre da noi per arrivare a cambiare la società tutta. E con Tycan Porsche fa il suo passo verso un cambiamento che ci auguriamo sia epocale».

Katetheo: la graphic designer che crea mondi surreali e colorati

Katetheo (Caterina Theocharidou) è una fotografa che crea universi paralleli; un’artista che racconta personaggi che si muovono in scenari fantastici e vivaci. Caterina è un’artista greca che ha lasciato l’architettura per dedicarsi alla fotografia. Le sue opere sono caratterizzate da colori vivaci e un’estetica minimale ma surreale. Per il progetto artistico di Porsche Italia, ha creato un trittico dal titolo Correre veloci verso un futuro sostenibile usando la grafica digitale. Il suo lavoro mostra il movimento in diverse forme, in un immaginario onirico che è invaso dalla potenza di Porsche Taycan.

«Con la mia arte amo creare contesti che non esistono – spiega Caterina – mondi surreali, immaginari, colorati. Le mie immagini sono create da zero: non c’è nulla di fotografato, è tutto digitale. Lavoro solo con Photoshop e Illustrator. Sono un architetta passata alla grafica. E forse la pulizia dei miei disegni nasce proprio dalla mia impostazione come architetta. In questa creazione ho messo dei gatti neri che si vedono e non si vedono. Li amo e li inserisco spesso nei miei lavori.  Un’altra mia caratteristica? Unire colori pastello e colori vivaci: è una soluzione cromatica strana, ma che amo».

Giuseppe Ragazzini: lo scenografo che crea collage digitali

Giuseppe Ragazzini è un artista visivo che ha realizzato proiezioni pittoriche per spettacoli in prestigiosi teatri italiani come il Piccolo Teatro di Milano e La Fenice di Venezia. Per il progetto The Art of Soul, Electrified, ha usato la sua tecnica personale di collage digitale, che combina animazione pittorica e scenografia digitale. Il suo trittico ultra-pop, dal titolo Sinergia tra anima e creatività, esprime la sua visione dell’elettrificazione e della mobilità sostenibile.

«Sono tre collage digitali – racconta Giuseppe – Io nasco come pittore analogico, quindi per lavorare mi sporco le mani. Ma ho anche un filone digitale dove uso tecnologie. Qui ho usato questa tecnica che chiamo della metamorfosi, che ho già usato per spettacoli teatrali e musicali, quando ho lavorato per gli Avion Travel, Ornella Vanoni, Lucio Dalla. Creavo questi sfondi animati dove i miei disegni si sviluppavano raccontando delle storie. Faccio anche animazioni pittoriche stile Lele Luzzati. Questi creati per Porsche sono uno stadio di una metamorfosi digitale che a un certo punto si è evoluta e ne è stato stampato il frame digitale. È un’opera che ha una matrice pittorica e materica la cui natura è digitale.
Lavorare con Porsche è stato divertente perché ci hanno dato libertà. La mia paura era che cominciassero a mettere dei paletti alla nostra creatività, cosa che spesso i brand fanno snaturando l’opera originaria dell’artista. Invece con Porsche è stato tutto molto naturale e piacevole e questo, secondo me, ha portato a dei risultati autentici».

Andrea Frazzetta: il fotografo che racconta l’energia sostenibile

Andrea Frazzetta è un fotografo che collabora con prestigiosi media internazionali come New York Times, Guardian, National Geographic e l’Espresso. Per il progetto artistico di Porsche Italia, ha realizzato un trittico fotografico con tecnica infrared, che esprime il concept Energia, in armonia con il pianeta. La tecnica a infrarossi gli ha permesso di catturare una realtà invisibile a occhio nudo, con una lunghezza d’onda superiore ai 700 nm: una metafora che mostra quanto possiamo spingere il nostro immaginario verso una mobilità elettrica e sostenibile.

Pietre come i frammenti di sculture romane, fregi, capitelli, portali di travertino e altri reperti archeologici, che spaziano dalla Roma imperiale al Rinascimento, per un palazzo quattrocentesco edificato su una struttura preesistente di epoca romana. Una sede storica, tra Piazza Navona e il Pantheon, ristrutturata mescolando elementi antichi, come la collezione di “pietre” di famiglia, ed elementi di design, e trasformata in una dimora d’epoca con otto suggestivi appartamenti di lusso.

Da affittare, ma soprattutto da vivere: non come semplici turisti, ma come viaggiatori. Una residenza di charme per chi vuole avere la sua casa nella città eterna, per pochi giorni o per una permanenza transitoria. Con spa, palestra, servizi dedicati: dalla spesa a domicilio al maggiordomo, al personal trainer. E, soprattutto, assoluta privacy. Per chi, in fondo, in albergo non riesce a sentirsi a casa propria.
In questa dimora d’arte unica, FraMmenti Club è un’occasione per un dialogo partecipativo per raccontare la Città Eterna, la sua inesauribile cultura e la sua rara bellezza, recuperando la formula degli antichi circoli letterari. Nascono così iniziative che coinvolgono artigiani, galleristi e artisti chiamati a raccontare la loro Roma in un contesto dove l’arte si respira in ogni sua forma. Nell’incomparabile cornice di Palazzo delle Pietre, Clara Tosi Pamphili ha dedicato la serata a Carlo Poggioli, costumista e presidente dell’ASC – Associazione Italiana Scenografi Costumisti e Arredatori.

I costumi di Carlo Poggioli

Un’occasione per parlare di una Roma che ospita le sartorie di costume più importanti del mondo, dove sono stati realizzati migliaia di abiti, dai film epici alle serie contemporanee, da Ben Hur a Il Trono di Spade. Carlo Poggioli ha ripercorso la sua carriera di costumista, dalla formazione con Maurizio Millenotti, Piero Tosi, Gabriella Pescucci, alle collaborazioni con registi come Terry Gilliam, Paolo Sorrentino (Youth, The Young Pope e The New Pope, Loro 1 e 2 e il suo ultimo film, ancora in post produzione), Roman Polanski (The Palace). Fino ai costumi per Terrence Malick e per la nuovissima serie Netflix tratta da Il Gattopardo.

Carlo Poggioli: «I film che vincono gli Oscar coi costumi delle nostre sartorie»

Poggioli ha intrattenuto e divertito gli ospiti di Palazzo delle Pietre raccontando con gioiosa convivialità il suo rapporto con Roma, con il cinema e il mondo delle sartorie romane legate ai set cinematografici e teatrali. Un settore ricchissimo di storia e un patrimonio da proteggere, che spesso è affidato all’amore e alla memoria di chi, negli anni, ha lavorato per crearlo. Un archivio dal valore inestimabile che va regolamentato perché «ci sono film che vincono gli Oscar con i vestiti presi nelle nostre sartorie, fatti da sarte che non vengono neanche menzionate» ha raccontato Poggioli.

«Sto preparando i costumi per Antonio e Cleopatra per il Piccolo di Milano e avevo bisogno di abiti che avevo fatto in passato per una serie televisiva su Tutankhamon. Sono andato alla sartoria Tirelli, dove erano conservati, ed era stato tutto preso per una Aida. Abiti che avevo fatto fare in Marocco. Significa che un costumista ha preso i miei abiti e li ha venduti al produttore come suoi. È inammissibile. Uno dei nostri obiettivi è quello di riuscire ad apporre etichette digitali ai costumi di scena. Per fare un buon prodotto servono tre o quattro settimane e dietro a ogni costume c’è un grande lavoro di ricerca. Tutto questo lavoro va tutelato».

Com’è stato lavorare sul set con Terrence Malick?

Con Terrence Malick è stata una grande esperienza. È un’artista geniale che crea mentre gira. Le sue sceneggiature sono poche pagine. Ne ho alcune dove si legge: “I vecchietti entrano nella stanza e arriva Robertino, che era Benigni (La vita è bella – nda), che si siede e parla con i vecchietti. Chissà cosa si diranno? Lo scopriremo poi”. Erano spunti, idee messe su carta che non avevano ancora uno sviluppo. È stata una bellissima esperienza anche il film su Gesù (A hidden life – La vita nascosta – nda). Abbiamo girato tra Marocco, Malta, Turchia, Roma, Israele, Islanda, con location pazzesche. Malick la sera tardi ti telefonava e ti chiedeva i costumi per il giorno dopo.

Quando ci conoscemmo, lui mi disse: «Io ti chiederò tante cose e tu mi dovrai dire ogni volta cosa è possibile fare. Però sappi che il mio motto è che, se c’è un ostacolo, noi siamo come l’acqua: aggiriamo l’ostacolo e continuiamo». Ricordo quando dovevamo fare i costumi per i diavoli. Tutti diversi. La sera prima mi chiamava e mi diceva come farli. Viaggiavamo tantissimo e ogni volta dovevi scaricare camion, mettere a posto la sartoria, tenendo presente che sono posti isolati dove non è che vai a comprare le stoffe: devi avere tutto l’occorrente, comprese le tinture. All’inizio, anche per soggezione, dicevo: «Vedo quello che riesco a fare». Col tempo, quando mi chiamava e mi diceva: «Io domani vorrei fare questo diavolo», avevo imparato a rispondere: «Guarda, oggi mi sento molto acqua». Lui rideva e accettava.

Come ha pensato il costume da bagno iconico di The Young Pope?

L’idea è stata di Paolo Sorrentino. Paolo vuole che gli abiti siano senza tempo, mai troppo descrittivi. Sul set, poi, tutto può cambiare all’improvviso: è programmata una scena e la sera ti dicono che il giorno dopo se ne gira un’altra e tu non sei pronto perché il vestito non è finito. Ma devi risolvere il problema o metti in difficoltà una produzione. Non girare un giorno ha un costo elevato, per cui cerco sempre di fare in modo che le cose funzionino.
Adoro Jude Law. Per The Young Pope abbiamo girato in agosto. Lui era il Papa e doveva entrare nella Cappella Sistina indossando dei mantelli: avevo cercato di farli leggerissimi, ma pesavano 10 chili perché erano ricoperti di pietre. Per evitare il peso della colla, le avevo fatte cucire a mano.
Migliaia di pietre cucite a mano. Ogni volta mi scusavo perché doveva indossare quegli abiti con un caldo torrido. Non li levava neanche durante le pause. Alla fine gli chiesi perché e lui mi rispose: “Tu non sai come è utile per me il peso di questi costumi, perché mi fanno capire il peso della Chiesa che un Papa ha sulle spalle”. Una frase che non dimenticherò mai.
La tiara era fatta di sughero, ma pesava lo stesso perché era piena di fili metallici e ricoperta di pietre. Ci fu un momento allucinante. Stavamo per girare. Jude era sulla sedia gestatoria. Paolo Sorrentino mi dice che Jude, sulle spalle dei portantini, deve alzare lo sguardo al soffitto affrescato e chiede se la tiara avrebbe retto. E gridava: “ma lo può fare?”. Tremavo, perché avevamo una tiara sola e pensavo: se la tiara cade da quell’altezza, abbiamo finito di girare. Ho afferrato del biadesivo e ho attaccato la tiara sulla testa di Jude mentre lui diceva: “2 millimeters left”… Nel frattempo Paolo da lassù che urlava: “giriamo!”. Jude mi guarda e dice “don’t worry”. È bello quando hai la collaborazione di queste star. È difficile quando hai quelli antipatici.

Chi sono gli attori antipatici?

Ho incontrato poche persone antipatiche o che mi hanno fatto problemi. Uno è John Cusack: non ho più parlato con lui. Il lavoro del costumista è quello di aiutare gli attori a entrare nel personaggio. Prima di incontrarli mando sempre i disegni, il campione dei tessuti, per far sì che siano preparati a quello che poi indosseranno.
Con John Cusack è stata la prima volta che ho litigato con un attore. Lui ha una sorta di claustrofobia e non sopporta le giacche. Il problema è che doveva fare un film dell’Ottocento. Lamentò che le spalle erano troppo strette. Avevamo già ingrandito la giacca: se continuavamo, diventava un modello anni ‘70. Dovevamo girare il giorno dopo e rifare la giacca daccapo era impensabile. Decido di mettere della lycra sotto le braccia usando una tecnica che usano i ballerini. Il primo giorno di girato, Cusack esce dalla roulotte e mi fa chiamare dicendo: “guarda, si è rotta la giacca”. L’aveva rotta lui. Chiamo il regista e il produttore e dico loro: “nella scena precedente, che non abbiamo ancora girato, lui deve avere una colluttazione. Facciamo che durante la colluttazione la giacca si è rotta. È tutto realistico”. E lo abbiamo lasciato così per gran parte del film.

Si è mai sentito in soggezione con gli attori?

Un attore che mi preoccupava era Michael Caine. Per Youth dovevamo fare la prova costume e gli abiti erano molti. Andai nel suo appartamento a Londra. Trovarsi davanti a una icona del cinema di quella levatura mette in soggezione. Michael Caine è un grande professionista e, nonostante la sua età, è stato in piedi per ore. Durante la prova non proferiva parola. Annuiva col capo. Rimaneva davanti allo specchio. Ero preoccupato che non gli piacesse nulla. Io sudavo freddo. All’ultimo costume gli mostro gli accessori, tra i quali il cappello che ha tenuto nel film, e mi dice: “Grazie Carlo perché finalmente, mentre tu mi provavi tutti questi abiti, io capivo che cosa dovevo diventare. Pensavo alle scene che dovevo girare”.

Molti stilisti creano abiti di scena. Qual è la differenza tra stilista e costumista?

Noi collaboriamo con la moda. Ho appena collaborato con Saint Laurent. La differenza fondamentale è che la moda pensa sempre a donne iconiche, che anche in cucina indossano abiti meravigliosi, come nei film degli anni ‘50. Il cinema crea dei personaggi. la moda è rivolta a un’ideale di bellezza. Noi vestiamo uomini e donne di ogni età, grassi o magri: dobbiamo fare dei caratteri. Comunque il cinema ha aiutato la moda e la moda ha aiutato il cinema. Pensiamo ai film degli anni ‘40 con i costumi di Adrian. Se disegnava degli abiti per un film, si innescava un meccanismo industriale per produrli per i grandi magazzini. Guadagnavano vendendo le copie degli abiti di scena nei grandi magazzini tipo Harrods. Ci sono stati casi dove i gli abiti hanno guadagnato più del film. Io però penso che i due mestieri vadano tenuti separati. Nel film di Sorrentino ho avuto a che fare con Saint Laurent, ma hanno rispettato le mie indicazioni per gli abiti della protagonista. Se però arriva uno stilista che vuole imporre il suo modello perché altrimenti non è distintivo della sua maison, allora la collaborazione sul set non funziona.

Chi si rivolge a un costumista del suo calibro, pretende l’aderenza alla realtà storica o le chiede creatività?

Dipende. Ad esempio ci sono registri giovani ai quali non devi parlare di costume. Però riesco a farli ragionare e dico loro: se tu affronti questo periodo, ad esempio fai Il Gattopardo, racconti un momento dell’Italia, un pezzo di storia. Puoi uscire fuori da un certo territorio, ma entro certi limiti.
Quello che oramai sono tremende sono le piattaforme. Hanno gli algoritmi che dicono: questi costumi non attirano i giovani, perché magari sono troppo gonfi. Allora ambientate la serie in un’altra epoca dove gli abiti sono più aderenti. Devi rispettare il periodo storico, non puoi raccontare il falso ai nostri giovani. Come mettere la nobiltà con neri americani nel ‘700. Questo vuol dire insegnare il falso. Ci sono registi che mi chiedono di allontanarmi dalla realtà. So che sbaglio, ma sbaglio come dico io, con una libertà creativa nella misura in cui è possibile averla. Ma se devo fare una cosa storica come Il Gattopardo non è che gli posso mettere le minigonne.

«L’intento è quello di descrivere il cinema e lo scenario underground che lo anima non solo come un mondo di finzione e messa in scena, bensì come un nastro di Moebius dove la fiction si fonde con la vita, rendendo evidente l’ossimoro pirandelliano delle Maschere Nude, in cui è proprio la vita reale a creare la maschera, mentre la finzione scenica la libera». Queste le parole con le quali Emanuele Napolitano, uno dei due registi, descrive I 400 Giorni – Funamboli e Maestri.

Ventiquattro aspiranti attori per un viaggio lungo 400 giorni che si trasforma in una road map per attori emergenti. Un docufilm che parte dal progetto DO Tour Casting, che ha portato alla creazione di un vivaio di talenti emergenti under 30 presentato al Torino Film Fest fuori concorso. Il repertorio del documentario include anche filmati e testimonianze dell’Archivio storico Istituto Luce e della Cineteca di Bologna.

Un grande coro a più voci, un esperimento che vede da un lato attori e attrici del panorama cinematografico italiano come Anna Foglietta, Claudio Amendola, Stefania Sandrelli, Luca Marinelli, Paolo Genovese. Dall’altro giovani attori in formazione, alcuni dei quali hanno già avuto l’opportunità di sperimentare set importanti.

“I 400 giorni” è un modo per raccontare il cinema con lo spirito delle parole pronunciate da Alberto Sordi nelle prime scene: «Il nostro cinema italiano è un cinema del quale si dicono tante cose. Lasciamo pure che le dicano, noi continuiamo a lavorare nel nostro piccolo».

Adele, Sarah e il loro percorso nel docufilm

Adele Cammarata, 23 anni, romana e diplomata all’Accademia Silvio D’Amico. È uno dei volti principali della prima stagione della serie Disney I leoni di Sicilia e la ritroveremo anche nella seconda. 

E Sarah Short, 23 anni, di Torino. Ha studiato in Inghilterra e all’Accademia dei Filodrammatici di Milano. Sarà nel cast delle serie Rai Marconi e al cinema come protagonista nel film Clorofilla, presentato in concorso ad Alice nella Città durante la Festa del cinema di Roma.

Giovani attori e solo 5 minuti per un provino che potrebbe cambiare la loro vita. Inizia così il percorso di Adele e Sarah.

«Anche nella frattura di un breve silenzio può riverberare l’unicità della comunicazione»

Pensate davvero che 5 minuti siano sufficienti per capire e per farsi capire, per dare un’opportunità unica?

Adele: La misura del tempo impone un certo limite. La sfida è pensare di non avere nulla da dimostrare, ma qualcosa da far accadere. La semplicità di questo grande compito pone di fronte al rischio di essere spogli, privi di sostegni. E a volte la paura di questo vuoto spinge le proprie capacità oltre i confini prefissati. Cinque minuti non sono certo sufficienti alla comprensione; per questo cavalcare l’imbarazzo e il disagio può essere la chiave. Anche nella frattura di un breve silenzio può riverberare l’unicità della comunicazione. 

Sarah: Come in qualsiasi provino, ci sono sempre tanti elementi che sono al di fuori del mio controllo. Per questo, l’unica cosa che mi limito a fare è concentrarmi su quello che ho preparato e sul mio lavoro, che è l’unica cosa che posso controllare. Durante il provino ho fatto così, nella speranza che emergessero, per vie traverse, la mia passione e la mia professionalità. Adesso mi sento di dire che 5 minuti possano bastare per capire se ci si può fidare di qualcuno. Mal che vada ci si sbaglia.

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«Da spettatrice, penso che ogni attore e attrice abbia la sua modalità di esistere e ogni modo di recitare funzioni rispetto a un determinato progetto»

Luca Marinelli nel docu dice: “Che cos’è il talento? Non ne ho la più pallida idea”. Anche se poi accenna a una spiegazione. Per voi cos’è? 

Adele: Mistero. È qualcosa che non si sa di avere: è, e basta. Possederlo altro non è che un illusione. A volte si sente poggiando l’orecchio sull’orlo del proprio abisso, quel confine sottile da cui echeggia un frastuono lontano, rapsodico, celato tra le pareti di un innato dono. 

Sarah: Non esiste un talento riconoscibile universalmente. Da spettatrice, penso che ogni attore e attrice abbia la sua modalità di esistere e ogni modo di recitare funzioni rispetto a un determinato progetto. Come attrice, riconosco in me stessa una necessità di fare questo mestiere: non so se abbia a che fare col talento.

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«Non penso di poter fare la differenza. Spero di poter essere differente»

In 400 giorni vediamo alternati mostri sacri del cinema italiano e giovani ragazzi poco o affatto conosciuti: attori all’inizio e all’apice della loro carriera. Quale contributo pensi di poter dare al cinema italiano? Dove credi di poter fare la differenza? 

Adele: Il cinema italiano può sopravvivere, anche senza il mio contributo. Non penso di poter fare la differenza. Spero di poter essere differente, che la mia proposta sia sempre nuova, diversa, inconsueta, inaspettata, unica, metamorfica. 

Sarah: È molto difficile rispondere in qualità di attrice. Penso che la differenza si faccia attraverso l’insieme, quindi vorrei continuare a crescere, confrontarmi con tante menti e anime diverse. Ho avuto la fortuna di lavorare con registe e registi giovani. Mi piacerebbe molto continuare su questa linea, affrontando tanti personaggi e spaziare il più possibile.

Il consiglio di Stefania Sandrelli ai giovani è di iniziare dal teatro. È un consiglio datato o ancora valido?

Adele: Il teatro non è solo un punto di partenza, ma un luogo di arrivo. Oggi più che mai è necessario condividere la potenza di un rito antico quanto la nostra specie, per ritrovarci e riconoscerci animali nella compresenza dei corpi, nella vibrazione elettrica di un qui e ora, l’immediatezza più autentica che possa esistere. 

Sarah: Consiglio validissimo! Io lo pratico quando non lavoro nel cinema e non potrei vivere senza.

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«L’errore è il più grande maestro. Concedersi la libertà di sbagliare permette di imparare a rinnovarsi, cambiare, grazie all’esperienza del fallimento»

Francesco Scianna consiglia a chi inizia di trovare dei grandi maestri. Ne avete trovato almeno uno? 

Adele: L’errore è il più grande maestro. Concedersi la libertà di sbagliare permette di imparare a rinnovarsi, cambiare, grazie all’esperienza del fallimento. Fallire clamorosamente, fallendo meglio. 

Sarah: Una grande persona con cui ho la fortuna di lavorare in teatro è Filippo Renda. Sono cresciuta moltissimo a livello recitativo grazie a lui. Non riesco a definirlo maestro perché non si pone mai come tale, anzi. Forse è proprio per questo che lo stimo, perché nel lavoro con lui non si ha paura di dire quello che si pensa. Ci si può permettere di sbagliare e quindi, inevitabilmente, di crescere.

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«Maya è stato un viaggio difficile, che ha richiesto molta costanza e volontà di mettersi in dubbio. Proprio per questo però è stato un regalo»

Il ruolo che maggiormente vi ha messo alla prova finora e che vi ha fatto dire “non sono più a scuola, qui si fa sul serio”?

Adele: EVA, Entità Virtuale Analitica. Il ruolo più stimolante e altrettanto complicato che fino ad ora ho interpretato. Timshel è stato il primo spettacolo a cui ho preso parte dopo la formazione accademica. La richiesta da parte dei registi – Massimiliano Burini e Matteo Fiorucci – era di fornire alla drammaturgia inedita un apporto autorale, personale. Non essendo fisicamente presente in scena in quanto corpo, tutto il lavoro era incentrato sul tentativo di riprodurre una voce digitale, che conservasse il sé un perturbante sentore umano. La magia di esserci senza essere visti.

Sarah: Tutti i lavori mi hanno messa alla prova in maniera diversa. Sicuramente il ruolo più totalizzante è stato quello di Maia, nel film Clorofilla. Maia è una ragazza che riesce a malapena a parlare, è spaventata persino della sua voce e non riesce a comunicare con gli altri. Io tendo ad affrontare il dolore con molta ironia. In un certo senso ho più schermi, mi nascondo facendo rumore. Il suo silenzio invece è assordante e violento, sia per se stessa che per gli altri. Per questo ho dovuto lavorare su un tipo fragilità che nella vita non mi permetto di vivere. È stato un viaggio difficile, che ha richiesto molta costanza e volontà di mettersi in dubbio. Proprio per questo però è stato un regalo.

Il vostro sogno? 

Adele: Sognare il proibito, tramite l’arte di sparire, scivolando riflessa nel corpo di un altro. 

Sarah: Continuare a vivere questo mestiere in equilibrio tra leggerezza e gravità.

La vostra paura? E come la superate?

Adele: L’invadente timore di non essere all’altezza. Quando questo sentire si fa insopportabile, provo a guardarmi indietro, rendendomi di nuovo testimone di ciò che ho costruito per arrivare dove sono. È sempre una sorpresa riscoprirsi ancora in ciò che così sapientemente non so fare. 

Sarah: La perdita di controllo. La supero perdendo il controllo.

L’eleganza classica e sartoriale di Brunello Cucinelli veste l’albero dell’Hotel Eden. Una coccola che va oltre il cashmere e che avvolge dolcemente la pelle nelle fredde giornate invernali, e che si trasforma in esperienza sensoriale. Le candele bianche nel camino della Sala Lettura di uno degli hotel più preziosi della Dorchester Collection, la magia delle Feste che si tinge delle iconiche tonalità del bianco e dell’oro. È “Winter in White”, il ton-sur-ton firmato Brunello Cucinelli per avvolgere i luoghi del cuore con un’atmosfera accogliente.

Le decorazioni dell’Hotel Eden sono firmate Brunello Cucinelli

Dalle raffinate decorazioni festive agli accessori in pregiato legno d’ulivo fino ai soffici Plaid e Cuscini: creazioni che trasmettono agli ambienti sensazioni di serenità. Candele artigianali che scaldano La Libreria con dettagli dalla bellezza quasi celata e creazioni uniche che rendono il Natale all’Hotel Eden Roma un momento raffinato da scoprire insieme ai propri cari.

Ispirati alle caratteristiche del borgo di Solomeo, gli addobbi rivestiti in cachemire e sottili fiocchi di neve in legno arricchiscono, fino al 7 gennaio, La Libreria e la lobby di Hotel Eden con dettagli raffinati, svelando un mondo in cui ogni elemento trasmette comfort e armonia.

Per celebrare l’unione di due brand accomunati dall’amore per le tradizioni, e in omaggio all’Umbria di Cucinelli, presso La Libreria sarà possibile gustare un menù di delizie umbre che prevede specialità del territorio sia dolci che salate. Il Natale all’Hotel Eden è stato inaugurato con un pranzo per pochi selezionati ospiti presso La Terrazza, degustando carpaccio di branzino e limone amalfitano, risotto con zucca, taleggio DOP e aceto balsamico invecchiato, calici di Kikè Fina Vini e Morellino di Scansano dell’Azienda Agricola Terenzi.

Il menù di Natale e della Vigilia: la tradizione con un twist

Familiarità e convivialità: queste le caratteristiche del Natale al ristorante La Terrazza dell’Hotel Eden. Sofisticato il menù della Vigilia: Capesante, tartufo nero pregiato e arancia, Scampo con dressing allo Champagne, Ravioli ripieni all’astice e dragoncello, Dentice e mandorle, Yogurt, carota e pompelmo, Panettone e Pandoro e una selezione di delizie di Natale.

La grande famiglia Dorchester è felice di accogliere i propri ospiti anche per il Pranzo di Natale. Mont Blanc di foie gras e prugne, Tortellini in consommé di manzo, Coda di rospo e Lardo di Colonnata IGP in alternativa ad Agnello e funghi porcini, Come una ricotta e visciole, Panettone e Pandoro e una selezione di delizie di Natale sono nel menù scelto dallo chef de La Terrazza. Atmosfere più rilassate si possono godere presso Il Giardino Ristorante.

La cena di Capodanno con vista su Roma

Per chi ama vivere anche il Capodanno in modo sofisticato e discreto, Hotel Eden quest’anno ha una proposta che renderà l’arrivo del nuovo anno un’esperienza indimenticabile. Il Cenone sarà servito anche all’interno della suite più esclusiva di Hotel Eden, la Suite Penthouse Bellavista, che aprirà per la prima volta le sue porte dando la possibilità di cenare con amici in uno spazio intimo e riservato, circondati da una delle viste più belle di Roma.

Una scelta esclusiva che coniuga, in perfetta armonia, raffinatezza senza tempo e panorami mozzafiato. Brunello Cucinelli e Hotel Eden Roma: un Natale di eleganza, tradizione e armonia, indimenticabile come la città eterna.

Il 23 novembre torna in prima visione su Rai 1 (dal 14 novembre in anteprima su RaiPlay) la seconda stagione di Un professore con Alessandro Gassmann, Claudia Pandolfi, Nicolas Maupas, Damiano Gavino, Domenico Cuomo, regia di Alessandro Casale. Un professore è una coproduzione Rai Fiction – Banijay Studios Italy. Il primo episodio, originariamente previsto per il 16 novembre, è stato posticipato in seguito a un cambio di programmazione dell’emittente.

Alessandro Gassmann torna così a vestire i panni di Dante, il docente di filosofia che tutti avremmo voluto avere. Dante e suo figlio Simone convivono nella loro villa con Anita (Claudia Pandolfi) e Manuel (Damiano Gavino). Ben presto il loro equilibrio avrà uno scossone: tornerà a casa Floriana (Christiane Filangieri), la mamma di Simone (Nicolas Maupas), Nicola (Thomas Trabacchi) apparirà dal passato di Anita e al liceo Leonardo Da Vinci arriveranno nuovi alunni, Mimmo (Domenico Cuomo), Nina (Margherita Aresti), Viola (Alice Lupparelli) e Rayan (Khadim Faye).

Alla conferenza stampa di presentazione abbiamo incontrato alcuni dei protagonisti.

«Una tv finanziata dallo Stato, come la Rai, ha la funzione di informare e intrattenere tutti. Credo che Un Professore 2 sia una serie che si avvicina a tutti e, in questo senso, sia utile e necessaria»

In una Rai sotto fuoco incrociato, le serie prodotte riscuotono invece un notevole successo. Serie come Un Professore 2 rispecchiano maggiormente uno dei ruoli fondamentali della Rai?

Alessandro Gassmann: Credo che questa serie sia giusta per questo momento storico. Una serie edificante, non superficiale, che tratta la filosofia in maniera intelligente e che avvicina le famiglie. Questo è quello che, in teoria, una televisione pubblica dovrebbe sempre fare. Una televisione finanziata dallo Stato, come la Rai, ha la funzione di informare e intrattenere tutti, a prescindere dal credo politico o religioso. E credo che Un Professore sia una serie che si avvicina a tutti e, in questo senso, sia una serie utile e necessaria.

Un Professore è anche una serie che scommette su nuove leve…

Alessandro Gassmann: Abbiamo attori bravissimi che hanno ottenuto i ruoli perché hanno fatto i provini migliori e che dimostrano la loro bravura anche nella seconda serie, dove crescono anche professionalmente. Auguro loro una carriera lunga almeno quanto la mia.

Nel cast anche Nicolas Maupas e Damiano Gavino.

Parliamo di rapporti al di fuori del set: siete quelli che speriamo diventino gli attori di riferimento del futuro che a loro volta apriranno la strada ad altri giovani…

Nicolas Maupas: Ho avuto la fortuna di lavorare con colleghi estremamente disponibili e molto simili a me… che non sono una persona particolarmente complicata. A partire da Mare Fuori ho lavorato con persone bellissime, con le quali trascorrere anche momenti privati fuori dal set. Spero che questo gruppo continui a essere unito, perché sarebbe bello vedere, un domani, quali possibilità si apriranno nelle nostre carriere, decidere cosa fare nel nostro settore, nel nostro cinema italiano. Farlo insieme sarebbe stupendo, perché vorrebbe anche dire arrivare con un bagaglio di esperienza conoscitiva l’uno dell’altro, saper lavorare come una squadra.

«Una tv pubblica che fa dei buoni prodotti, soprattutto per un pubblico giovane in formazione, è sicuramente una bella eredità da costruire».

Le serialità Rai sono un prodotto di qualità che sta avendo molto successo. Siete attori giovani che stanno riportando i giovani a vedere la Rai. Vi sentite coinvolti in questo processo di rinnovamento della tv pubblica?

Effettivamente che anche io ho iniziato a guardare la Rai. Quando ho iniziato, a 18 anni, non avevo idea di un meccanismo che potesse riportare un nuovo pubblico sulla tv pubblica. Riuscire a farlo avendo successo, vuol dire che, a prescindere dalla piattaforma, il progetto sta funzionando e il nostro è un lavoro di qualità. Le mosche in genere vanno sul miele, quindi vuol dire che stiamo creando un buon miele. Spero che la Rai continui su questa strada e che questa progettualità possa svilupparsi nel migliore dei modi. Una tv pubblica che fa dei buoni prodotti, soprattutto per un pubblico giovane che è in formazione, e che sarà quello che andrà a creare contenuti nel futuro, è sicuramente una bella eredità da costruire.

Domenico Cuomo è Mimmo in Un Professore 2

Al centro di produzione Rai, anche una delle new entry di Un professore 2 Domenico Cuomo, che interpreta il ruolo di Mimmo: «Ringrazio i miei amici del cast che mi hanno permesso di entrare in questo gruppo facendomi sentire subito a casa. È stato bello portare in scena un rapporto che è più quello con un padre che con un professore. Mimmo, il mio personaggio, ha carenze affettive, familiari, di istruzione, tipiche di un ragazzo che viene da un istituto di detenzione. Quello che mi ha motivato sul set è stato il poter portare in scena lo spirito di redenzione che può avere un ragazzino che vive in una condizione di semilibertà.

Quello che può regalare la semilibertà è poter accarezzare una nuova vita. La possibilità di tornare a relazionarsi con coetanei al di fuori di un ambiente che non è quello del regime penitenziario, ma è una scuola. Un rapporto che non è sicuramente il semplice rapporto alunno professore, ma un rapporto tra persone, tra esseri umani. È questo il grande concetto che, credo, il professor Dante porta a questi ragazzi, scendendo dalla cattedra e aiutandoli. Spesso quello che manca all’interno dei rapporti è l’umanità. Quella non dovrebbe mai mancare. Spero che il messaggio del mio personaggio arrivi a tutti i ragazzi che nella vita reale hanno questo problema di redenzione: a loro auguro di riprendersi la propria vita e di riprendere quel filo di umanità che lega tutti noi».

Mimì. Il principe delle tenebre, lungometraggio d’esordio di Brando De Sica prodotto da Indiana Production, Bartlebyfilm e Rai Cinema e distribuito in Italia da Luce Cinecittà, arriva al cinema il 16 novembre.

Una favola nera, quella di Brando De Sica, che celebra l’aspetto immaginifico del cinema e la sua capacità di interpretare l’attualità attraverso la lente del fantastico e dell’horror. Un film che miscela le fascinazioni gotiche del primo Tim Burton al realismo di autori italiani come Matteo Garrone.
Nel cast i giovanissimi Domenico Cuomo (Mare fuori) interprete di Mimì e Sara Ciocca (Improvvisamente Natale e Una famiglia mostruosa) nel ruolo di Carmilla. Il regista e sceneggiatore Brando De Sica racconta a MANINTOWN perché non è un film sui vampiri.

«L’horror in realtà è una continuazione del comico, è un Giano bifronte. La cosa più vicina a un comico è un horror»

A parte pochi casi, in Italia l’horror è un genere meno frequentato. Hai avuto difficoltà a realizzare questa pellicola e come mai ti sei allontanato così tanto dallo stile di famiglia?

L’horror in realtà è una continuazione del comico, è un Giano bifronte. La cosa più vicina a un comico è un horror. Entrambi hanno bisogno dei tempi giusti, entrambi hanno bisogno di maschere, entrambi lavorano sul dionisiaco dell’animo umano. In qualche modo sono simili. La passione per l’horror è stata, per fortuna, colpa di mio padre, perché da piccolo fu il primo che, a 5 anni, mi fece vedere Dracula il vampiro di Terence Fisher e poi La notte dei morti viventi di George Romero. Mio zio Manuel e papà sono dei grandi fan del cinema horror. Fui folgorato e ho continuato nel tempo a ricercare questa emozione.

Per quanto riguarda il finanziare un film horror in Italia, io ho avuto un altro genere di problemi. Circa dieci anni fa la sceneggiatura di questo film era pronta. Purtroppo ha avuto una gestazione lunghissima perché incontrai una produzione con cui si crearono delle situazioni spiacevoli. Ma, alla fine, sono riuscito a salvare il film che avevo scritto e a farlo nonostante le persone cercassero di seppellirmi: solo che non avevano considerato che io ero un seme.

Nel cast c’è Domenico Cuomo: lo hai visto in Mare Fuori…

Quando scelsi Domenico, aveva appena cominciato a fare Mare fuori e aveva pochissime pose rispetto agli altri ragazzi del cast. L’ho scelto tre anni fa, quando non era ancora conosciuto.

«A parte la scrittura, la fotografia, il sound design, il lavoro con gli attori è forse una delle cose che amo di più in assoluto»

Come mai hai scommesso su attori alle prime armi?

Nella mia testa, per questo tipo di storia, servivano degli attori non troppo conosciuti per immedesimarsi di più. E poi cercavo dei preadolescenti. Mimì. Il principe delle tenebre è un film che parla anche del passaggio dalla pubertà all’adolescenza. Domenico, al tempo, aveva 17 anni e Sara 13. Li ho scelti perché ho trovato il personaggio nel loro sguardo, nella loro anima, nei loro cuori puri. Io scelgo così gli attori: per il carattere che hanno, per il tipo di personalità, perché percepisco quali caratteristiche hanno e come lavorare con loro all’interno del personaggio. È un qualcosa di energetico. Domenico aveva quest’aria così aristocratica, principesca, esattamente com’era Mimì nella mia testa.

Dieci anni fa, invece, avevo pensato a Ciro Petrone, che in Gomorra faceva Pisellino. Ma era diventato troppo adulto e ho dovuto rifare il cast. Non ci poteva essere un Mimì migliore di Domenico Cuomo. Quando lo vidi mi innamorai immediatamente. Decisi anche di usare gran parte del budget del film, che era piccolissimo, per il casting, per avere più tempo, per consultare più casting director che mi facessero vedere più attori. Alcuni li abbiamo presi dalla strada nonostante, a causa del Covid, fosse difficile fare street casting. Era un momento in cui era difficile anche incontrare l’attore personalmente; dare – alle comparse come ai protagonisti – il tempo necessario per potersi esprimere; iniziare il casting con la ginnastica come faccio di solito, per buttare via le energie elettrostatiche.

La fase del casting per me è importante: non resto seduto dall’altro lato di una scrivania, altrimenti diventa una cosa tipo polli in batteria. Venendo da una famiglia di attori, e avendo io stesso recitato, amo moltissimo gli attori. A parte la scrittura, la fotografia, il sound design, il lavoro con gli attori è forse una delle cose che amo di più in assoluto.

«Ormai è tutto nice and easy, usiamo sempre gli stessi attori anche se il pubblico è stanco»

Tu ami fare i casting e molti attori si lamentano del self taping…

I video sono stati utili per fare una grande scrematura quando eravamo tutti in lockdown. Pur di andare avanti è stato usato quel metodo. Nel mio caso, però, le ho volute incontrare personalmente dedicando loro del tempo. In questo viaggio picaresco che è Mimì, con tanti personaggi, era importante che tutti fossero giusti per la parte. Dovrebbe essere sempre così e il casting non dovrebbe essere un’eccezione. Gli attori sono l’elemento più importante di un film dopo la storia. È vero però che ci sono due problemi. Il primo è che alcune produzioni prendono gli attori per fama e non per bravura. Oppure per numero di follower. Altri perché sono raccomandati.

Ma la cosa peggiore è che ci sono molti registi che magari non hanno gusto. Arriva una persona che non avevano preventivato e che fa un provino bellissimo, ma hai paura, preferisci giocare sul sicuro e prendi quello che ha già lavorato e porta pubblico al film. Alla fine, però, hai sempre gli stessi attori. Sono in tutti i ruoli e non scegli più un volto poco conosciuto perché ci credi. Ci sono tanti attori e registi che conosco e che non lavorano nonostante siano più bravi di quelli che stanno lavorando. Ci sono anche gli attori che preferiscono non rischiare con il nuovo regista arrivato. Ormai è tutto ‘nice and easy’, usiamo sempre gli stessi anche se il pubblico è stanco. Poi vengono premiate quelle situazioni che sembrano del tutto nuove, quando semplicemente si tratta di persone che hanno rischiato.

«Mimì è un film ricco di simboli, un film sulla ricerca di identità, sull’importanza dei sogni e sulla fuga dalla realtà»

Come ti sono venuti in mente i vampiri visto che oramai li abbiamo visti un po’ in tutte le salse?

Questo non è un film con i vampiri, ma un film visto nell’ottica dei fan dei vampiri . Quando ho scritto il soggetto, non lo sapevo. Io scrivo inconsciamente e, finito il film, dopo il montaggio e il sound design, realizzo che è come se fosse stata una grande seduta di psicanalisi. Solo alla fine capisco quello che ho fatto.
Mimì è un film ricco di simboli, un film sulla ricerca di identità, sull’importanza dei sogni e sulla fuga dalla realtà. Sul momento del passaggio dalla pubertà all’adolescenza. I vampiri sono simbolici perché i vampiri non esistono: non riflettendosi allo specchio, non sono, e per essere devono bere il sangue e prendere il DNA di una persona.

«Il lavoro più nobile che un essere umano può fare, è quello di nobilitarsi e cercare di essere un uomo migliore»

Tu quanto hai faticato per trovare la tua identità?

Parlerei più di centralità e di organizzazione dei vari io che abbiamo dentro di noi. Per organizzare i vari io e trovare una centralità, c’è stato un percorso molto faticoso e difficile. Sono stato aiutato dall’analisi e, soprattutto, dallo yoga e dalla meditazione trascendentale. Con tutti questi strumenti ho lavorato su tutti gli io della mia persona e nell’anima. Perché alla fine, il lavoro più nobile che un essere umano può fare, è quello di nobilitarsi e cercare di essere un uomo migliore. Non solo non per se stesso, ma anche per tutti gli altri che beneficiano del tuo cambiamento. Cercare di trovare la centralità è importante per essere giusti, onesti e buoni.

Quando sei andato a studiare negli Stati Uniti sei riuscito a trovare un ambiente dove essere ‘figlio di’ o ‘nipote di’ era meno pesante?

Negli Stati Uniti non sentono questo peso. È tutto molto normale. Questo peso l’ho trovato soltanto in Italia. Ma se ci pensi bene, solo la categoria artistica viene additata o viene attaccata. Conosco figli di notai che fanno i notai, figli di chirurghi che fanno i chirurghi, figli di tassisti che fanno i tassisti. Una categoria molto rispettata, ad esempio, sono i figli dei ristoratori: se leggo “ristorante aperto dal 1915”, vuol dire che si deve mangiar bene, che è un posto che ha delle tradizioni. Poi, se ci pensi, il figlio ha ereditato le mura, ma se non capisce niente di carbonara è un disastro.

Per i figli di attori, registi, cantanti, che fanno il lavoro dei genitori, è diverso. Ma noi non siamo come i figli dei politici, non possiamo occupare posti dove facciamo danni alle persone. Come dicono gli americani, al massimo facciamo due ore di popcorn e Coca Cola. Se poi il mio film è una schifezza, non me lo faranno rifare. Poi io sono il meno aiutato, perché mio padre ha lavorato sempre e solo con un produttore: Aurelio De Laurentiis. Non ha fatto lobbismo nel tempo. Io in qualche modo, sono il figlio del clown e sono fiero di esserlo. Quando mio padre ha cercato di aiutarmi con il film che si bloccò, rifiutai perché volevo farcela da solo.

Tra le produzioni presentate ad Alice nella Città, ha riscosso notevole successo di pubblico Maledetta Primavera, cortometraggio che celebra il primo anno di professionismo del calcio femminile. Per “Maledetta Primavera” Carolina Morace, emblema italiano del calcio femminile, ha ricevuto il premio WomenLands di Alice nella Città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma.

Ma per Carolina il successo era già arrivato il 1° luglio 2022, quando il calcio femminile è stato proclamato “professionistico”. Proprio da questo epocale passaggio il regista Daniele Frontoni ha realizzato il corto “Maledetta Primavera”, che vede la Morace tra le prime testimonial. Nel cast le attrici Dodi Conti, Roberta Pompili, Valeria Altobelli, anche autrice della colonna sonora originale.

Il doppio ruolo di Valeria Altobelli nel film: attrice e compositrice

Compositrice e docente di international cyber law, Valeria Altobelli è presente alla Festa del cinema di Roma con due progetti. Uno è Maledetta Primavera, corto del quale firma la colonna sonora e al quale partecipa come attrice, l’altro e Paradox Effect, con Harvey Keitel, per il quale ha scritto parte della colonna sonora.

Intervistata da MANINTOWN, Valeria Altobelli ha raccontato la storia dietro a un corto che è stato accolto a Roma con un successo al di là di ogni aspettativa. “Vedere la sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica stracolma – esordisce Valeria – ha lasciato tutti noi senza parole. Milleduecento persone che applaudivano. Non ce l’aspettavamo. Siamo stati orgogliosi che il corto abbia fatto parte del progetto WomenLands sulla parità di genere, che è stato promosso da Alice nella Città in collaborazione con Roma Expo2030. Definirei “Maledetta Primavera” un cine-progetto che vuole dare “un calcio alle differenze”.

«Tante persone si sono trovate insieme per raccontare una storia vera, una storia di donne»

«Alla base di questo progetto c’è la fiducia di tutte le persone che hanno contribuito alla sua realizzazione in un momento in cui nessuno parlava di calcio femminile. Sicuramente – continua la Altobelli – è un progetto che si è trovato nel posto giusto al momento giusto, grazie anche ai mondiali di calcio femminile di quest’estate.

C’era una grande sinergia tra i giovani che hanno preso parte al film al cortometraggio e tutti coloro i quali hanno, a vario titolo, partecipato. Strepitose le atlete dalle squadre giovanili alla serie A, fino alla Nazionale con le Azzurre che hanno portato l’Italia all’ultimo Mondiale.

Ho scritto la colonna sonora in tre ore insieme al mio pianista. È andato tutto a ritmo grazie all’energia bellissima creatasi durante i lavori, dove tante persone si sono trovate insieme per raccontare una storia vera, una storia di donne, di un lascito e di una testimonianza. Il sogno di diventare una calciatrice era della madre, Bruna, ma poi è la figlia Carolina che riesce a coronarlo.

«Maledetta Primavera è una storia di quartiere ambientata nel mondo del calcio femminile, ma che potrebbe essere il sogno di una donna che vuole fare la cantante, la notaia, l’astronauta»

Maledetta Primavera racconta non solo un passaggio di consegne, ma di sogni. Il corto parla di una storia di quartiere, ambientata nel mondo del calcio femminile, ma che potrebbe tranquillamente essere il sogno di una donna che vuole fare la cantante, la notaia, l’astronauta. Perché, a volte, ci si trova a sognare semplicemente in epoche sbagliate. Questa è la storia di Bruna.

In un momento in cui il calcio non era affatto appannaggio delle donne, un sogno così non poteva essere realizzato. Ci sono poi momenti in cui la realtà supera la fantasia e a realizzare questo sogno è una figlia che porta avanti un discorso che le è stato trasmesso dalla passione di un nonno e dall’amore di una madre».

Valeria Altobelli sul red carpet: “Un sogno non mi basta”

«Per il red carpet ho addirittura indossato una giacca con su scritto il titolo della mia canzone per il corto “Un sogno non mi basta”. E anche noi, con questo corto, abbiamo tutti realizzato un sogno.

Nessuno si aspettava che l’avremmo chiuso in tempo, che saremmo riusciti a proiettarlo alla Festa del cinema di Roma, in una sala importante come la Sinopoli. Le riprese del corto sono state effettuate i primi di settembre 2023. Pochi giorni, ma molto intensi, per la troupe guidata da PMR Studio e dal suo capitano di ventura, Daniele Frontoni, alla prima esperienza di tale portata.

Quando sono stata contattata per questo progetto per scrivere una canzone, non esisteva il cast, non c’erano patrocini, non c’erano le risorse.

Ma c’era una bella storia e quando ci sono belle storie vanno raccontate, in modo che ognuna di noi ci si possa ritrovare. Sono impegnata da moltissimi anni sul fronte femminile e mi sono appassionata così tanto al progetto di “Maledetta Primavera” che sono stata felicissima di contribuire alla sua realizzazione patrocinandolo con la mia Onlus mondiale, Mission, e coinvolgendo associazioni come il Coni e la Figc.

«La potenza di Maledetta Primavera è quella di mostrare che, con impegno e sacrificio, ce la puoi fare»

Il passo a far parte del cast, poi, è stato breve. Credo fermamente che se noi continuiamo a raccontare belle storie, di rivalsa, di resilienza, di persone che ce l’hanno fatta, riusciremo a dare ai giovani un respiro maggiore e a consentire loro di raggiungere sogni sempre più elevati. Le brutture saranno così sempre di meno.

Sono un’artista, quindi è ovvio che sono una sognatrice. E la potenza di “Maledetta Primavera” è proprio mostrare che con impegno e sacrificio ce la puoi fare. È questo il bello di una storia nella quale si crede veramente: quando gli ostacoli sono tanti e si trova la forza per superarli, significa che, forse, quel sogno è quello giusto.

Alla Festa del cinema di Roma, tra lo scintillio di gioielli veri e bigiotteria, c’è una perla: Dall’alto di una fredda torre, scritto da Filippo Gili, con la regia di Francesco Frangipane, prodotto da Lucky Red e Rai Cinema.

Dall’Alto di una Fredda Torre, ovvero come si può recitare in maniera contemporanea una classicità.
Il classico “chi butti giù dalla torre? chi scegli tra mamma e papà?” tradotto per la sala. Nel film la collaudata squadra nata vent’anni fa sulle assi del teatro Argot di Roma, formata da Filippo Gili, Francesco Frangipane, Vanessa Scalera e Giorgio Colangeli, alla quale si aggiungono Edoardo Pesce, Anna Bonaiuto, Elena Radonicich e Massimiliano Benvenuto, crea un gioco di scatole cinesi emotive ed emozionali. Un gioco di specchi tra personaggi, figure archetipiche, voci dell’anima.

Il film ha la brillante sceneggiatura di Filippo Gili

Gili scrive, e Frangipane dirige, la storia di un universo che si sgretola un frammento dopo l’altro. Di un mondo di affetti, paure, silenzi, bugie bianche che ipocritamente mettono a tacere la nostra morale. Di una coperta sempre più corta che cerca di nascondere una verità sempre più ingombrante. Alla Festa del cinema – dove Francesco Frangipane ha ritirato il premio come Miglior Opera Prima presso lo spazio Lazio Terra di Cinema – abbiamo incontrato Filippo Gili per affrontare i temi del film.

«In questo momento storico la morte è furbescamente elaborata in maniera esterna a noi, giornalistica. Nella migliore delle ipotesi narrativa. Ma mai come centro fondamentale della nostra esistenza»

Elena (Vanessa Scalera) e Antonio (Edoardo Pesce) in un momento in cui anche la morte è spettacolarizzazione, a cosa ci riportano?

Al fatto che la morte è un patrimonio della spiritualità e non degli eventi. In questo momento storico la morte è furbescamente elaborata in maniera esterna a noi, giornalistica. Nella migliore delle ipotesi narrativa. Ma mai come centro fondamentale della nostra esistenza. La morte è il fondale davanti al quale ogni cosa assume una forma. In questo film, la forma che assume la loro vita è radicale, tremenda, ma è il paradigma di una situazione che, in un’altra epoca, si sarebbe vissuta in maniera più autonoma, più personale. Oggi sono i conflitti in Palestina, in Ucraina, gli atti di terrorismo e gli atti di crimine generalizzato, le tragedie attraverso le quali noi facciamo, superficialmente e comodamente, i conti con la categoria più importante che esista: la morte.

La dottoressa (Elena Radonicich) a un certo punto dice ad Antonio, uno dei figli: «Scegli di pancia, quindi d’istinto». Ma cuore e mente sono così scollegati? Possiamo davvero tirar su un muro all’interno di quella che in realtà è la vita? E poi perché la parte più vera di noi dovrebbe essere quella “di pancia”?

La dottoressa secondo me agisce con dei parametri alla fine quasi scorretti, perché per lei pensa che almeno uno vada salvata. E secondo me gioca d’azzardo, sia con Elena che con Antonio. Lei fa il suo gioco. Dire “agisci di pancia” è dare voce allo strano ricatto che all’improvviso la vita mette davanti ai due fratelli ed è un ricatto che, oggettivamente, crea una forbice tra razionalità e irrazionalità. Perché, attraverso la razionalità, la scelta non è perseguibile. Attraverso la pancia, un indice infantile, istintuale, la risposta a chi è meglio tra papà e mamma, a chi butti giù dalla torre, in teoria si può dare.

«Scrivere per il cinema, per me, è un po’ un tornare a casa. Il teatro mi ha però dato la possibilità di approfondire alcune tematiche»

Cosa perde e cosa guadagna il testo passando da una drammaturgia a una sceneggiatura? E qual è stata la parte più difficile da tradurre? In teatro anche il respiro trasmette qualcosa…

Se il montaggio è fatto bene, il respiro si può trovare anche al cinema, in una sapiente cura della dinamica espressiva e temporale della scena. Quello che mi sono perso è la possibilità di andare fino in fondo nella spiegazione della perversità, ricorrendo però a un linguaggio infantile, violento, onirico, per poter arrivare alla stessa conclusione alla quale la razionalità arriverebbe molto prima ma con meno coraggio. Perché non si può salvare la vita né all’uno né all’altro.

La possibilità che dà la dialogalità lunga, estesa, di una scena teatrale, l’ho persa. Ma ho guadagnato, in termini di paradigmi visivi, la capacità di raccontare l’esistenza di due genitori, il fatto che abbiano capito, la leggerezza filosofica con cui si avvicinano alla catastrofe presentita e non domandata perché si fidano. Il padre si fida dei figli: non ha capito la malattia ma ha capito che una catastrofe sto arrivando. O a lui o a lei. E, se ci si ama, è la stessa cosa. Però rispetta in maniera meravigliosa questa educazione dei figli nei loro confronti: questi figli che diventano padri e i padri che diventano figli. Il padre accetta questo ribaltamento dei ruoli con amore, ridiventa un bambino che passivamente accetta la realtà. E questo è un guadagno nella trasposizione cinematografica.

Molti pensano che tu sia un drammaturgo prestato al cinema…

La perversità delle storie che scrivo è che sono tutte nate come sceneggiature trasformate per il teatro. Scrivere per il cinema, per me, è un po’ un tornare a casa. Il teatro mi ha però dato la possibilità di approfondire alcune tematiche.

«Il film ti dice che è ridicolo tentare di scegliere quello che non si può scegliere»

La scena che ami di più?

Quando Elena sta in macchina con Antonio e cerca di scendere dalla macchina in corsa. E Dario, il cavallo bianco, taglia loro la strada. Dario è la sostituzione del problema, è la malattia che corre, ma è anche l’amore che questa malattia fa emergere, perché la malattia rigenera l’affettività. Dario è il super ego che in qualche modo colloca definitivamente Antonio nella situazione di non ritorno.

Perché, anche se dovessero scegliere di non scegliere nessuno dei due genitori, è comunque una scelta. Dario è quello che li guarda da lontano alla fine del film, che torna ma non rientra, li ama ma non li riaccoglie. Ho amato scrivere questa scena perché è la chiave che mi ha consentito di aprire la pièce teatrale trasportandola nel paesaggio cinematografico. Sono soluzioni che in teatro non hai.

Chi ha deciso quel finale? A teatro si è avvezzi a finali aperti. Al cinema pensi che lo spettatore si sentirà un po’ abbandonato?

L’ultima scena è stata pensata da entrambi. Qui Francesco ha avuto un ruolo importante. Il pubblico cinematografico è sicuramente più abituato ad essere accompagnato, mentre quello teatrale è più allenato a dover fare i conti con le proprie elaborazioni, ad affrontare una specie di transfer con il testo. Secondo me, i margini per evadere in maniera occidentalmente soddisfacente, non c’erano. Il finale è chiaro e anche la decisione dei figli si legge benissimo.

Il film ti dice che è ridicolo tentare di scegliere quello che non si può scegliere. Pretendere che il film dica chi muore, lo trovo volgare. Il punto è: come vivi la tragedia che si scatena se arriva l’archetipo nella quotidianità? Che sia complesso di Elettra o complesso di Edipo, che facciamo?

Dall’Alto di una Fredda Torre è il film di Francesco Frangipane presentato alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public che sarà prossimamente in sala. Nel cast Vanessa Scalera, Anna Bonaiuto, Edoardo Pesce, Giorgio Colangeli, Elena Radonicich e Massimiliano Benvenuto.

Prodotto da Lucky Red in collaborazione con Rai Cinema e Sky Cinema, Dall’Alto di una Fredda Torre è stato premiato come Miglior opera prima italiana al Rome Film Fest «per la forza con la quale ha saputo mettere in scena al tempo stesso un dramma familiare e un dilemma morale e per l’intelligenza con la quale ha valorizzato tutti gli attori che hanno partecipato al film».

Il film Dall’Alto di una Fredda Torre ha la forza di una tragedia contemporanea

Dall’alto di una fredda torre è un film corale, che mostra la sventura di un uomo e una donna ai quali viene dato un potere divino: decidere della vita e della morte di altri esseri umani. Nella fattispecie, della vita o della morte di un genitore. O di entrambi. Una sceneggiatura dove lo stile di Filippo Gili emerge con la forza di una tragedia contemporanea. Un film pieno di domande che restano insolute nella misura in cui lo spettatore non abbia voglia di approfondire un testo ricco di paradossi, di ossimori, e decida di non addentrarsi nelle piaghe dell’anima dei personaggi. Un viaggio esistenziale dal quale i due gemelli tornano, dopo aver attraversato l’inferno, a riveder le stelle.

«Dall’alto di una fredda torre non è un film sulla malattia, ma sulla scelta, sul viaggio; un film verso gli inferi che fanno questi personaggi»

Perché hai scelto di dirigere Dall’Alto di una Fredda torre e cosa ti lega così tanto alla scrittura di Filippo Gili?

Ho una lunghissimo sodalizio con Filippo Gili, Vanessa Scalera, Giorgio Colangeli e Massimiliano Benvenuto, che nello spettacolo faceva il fratello e nel film fa il dottore. Il nostro gruppo è nato anni fa al teatro Argot di Roma. Il primo progetto fu “Prima di andar via”, da cui Michele Placido ricavò una trasposizione cinematografica.

Io, pur essendo profondamente teatrante, ho fatto spesso incursioni nel cinema, perché sono stato aiuto di Marco Risi. Ho scritto diverse sceneggiature di film e da anni avevo voglia di realizzare la mia opera prima. Ho scelto una sceneggiatura di Filippo, perché la sua è, già in teatro, una drammaturgia potente, intelligente, mai didascalica. Una scrittura che non racconta il dramma ma racconta il tragico. Filippo Gili scrive tragedie contemporanee.

Quello che principalmente mi affascina è partire dalla quotidianità di una famiglia, che poi viene rotta da una notizia improvvisa che rompe quella normalità. E, da quella notizia, andare a indagare sulle micro rotture di ogni singolo personaggio.

Dall’alto di una fredda torre non è un film sulla malattia, ma sulla scelta, sul viaggio; un film verso gli inferi che fanno questi personaggi. È questo quello che mi affascina di più: come si fa a scegliere? Quali sono i parametri? La salute? L’età? O bisogna spingersi più in fondo e dire a chi voglio più bene? E se abbiamo un’idea diversa, come la mettiamo? Tiriamo la monetina? A me interessava raccontare il tema della scelta e aprirsi a delle domande. Non mi interessano le risposte, perché non ci sono risposte. Soprattutto non c’è una risposta giusta, perché salvare uno significa uccidere un altro. Quindi qualsiasi risposta è sbagliata. Le sceneggiature di Filippo permettono questo tipo di lavoro: toccare lo spettatore e lasciarlo tornare a casa con le stesse domande che si fanno i personaggi.

Il fatto che foste già, in parte, una compagnia rodata, quanto ha contribuito al film? E come è stato inserire attori nuovi?

Per me è stata una risorsa. L’idea di lavorare con un gruppo di attori, e considero anche Filippo, con i quali siamo abituati a parlare lo stesso linguaggio, ad avere gli stessi gusti, le stesse visioni, è stato fondamentale. Con Anna Bonaiuto avevo già fatto Giusto la fine del mondo di Lagarce: un’altra drammaturgia, ma vicino al mondo di Filippo. Per me è stato fondamentale averli, umanamente ma anche artisticamente. Vanessa non è più la stessa del 2011, quando Prima di andar via iniziò ad andare in scena: nel frattempo ha fatto una carriera straordinaria. A mio avviso è l’attrice della sua generazione più talentuosa che abbiamo in Italia. Ed è riuscita a mantenere la sua formazione anche all’interno di una fiction come Imma Tataranni che le ha dato una grande popolarità mediatica, ma all’interno della quale ha conservato il suo graffio.

La grande novità per me è stata Edoardo Pesce, un attore con il quale non avevo mai lavorato e che non ha un background teatrale. È stata una scommessa, ma mi piaceva l’idea di usare lo straordinario talento di Edoardo in un ruolo diverso da quelli che ha sempre fatto. Ero convinto che potevo calarlo in un ruolo con una fragilità, figlio di una famiglia borghese, un orsacchiotto buono con tanti smottamenti interiori.

Era una scommessa in senso lato, perché è un attore eccezionale, e sono stato sempre convinto che fosse la scelta giusta.

Franceso Frangipane: «Dal lato cinematografico abbiamo deciso di non dare una risposta, perché non si può dare una risposta»

Molte domande esistenziali lasciate apparentemente aperte. In teatro lo spettatore ha un approccio diverso, è più avvezzo a simili tecniche. Questo tipo di lavoro, al cinema, rischia di lasciare lo spettatore disorientato?

È la scommessa che dovremmo capire come andrà. Su questo finale io e Filippo abbiamo discusso molto, ma io ho voluto che rimanesse il più aperto possibile. Teatralmente funzionava, ma anche dal lato cinematografico abbiamo deciso di non dare una risposta, perché non si può dare una risposta. Spero che non scateni quel nervosismo da spettatore che vuole sapere cosa succede, come va a finire. Preferisco scommettere sul fatto che gli spettatori escano portandosi a casa una domanda e spero, come succede in teatro, che tutti provino a immedesimarsi in questi due fratelli, a chiedersi “ma io che avrei fatto?”. Io che tipo di rapporto ho con mia madre, mio padre, mio fratello? Spero di farli tornare a casa con delle domande che magari non arrivano la sera stessa, magari dopo qualche giorno. Il finale è chiaro. Quello che rimane di non detto è solo perché o in che modo.

The Cage è il film scritto e diretto da Massimiliano Zanin presentato Fuori Concorso nella sezione Panorama Italia ad Alice nella città, kermesse che affianca la Festa del Cinema di Roma. Con Aurora Giovinazzo, Valeria Solarino, Brando Pacitto, Desirée Popper, Alessio Sakara, Patrizio Oliva e la partecipazione di Fabrizio Ferracane.

Un film forse poco riuscito se ci si aspetta un action movie sul WMMA, l’MMA femminile. The Cage è un lavoro che, nella cornice di un racconto sui combattimenti WMMA, allarga l’obiettivo alla battaglia delle donne all’autodeterminazione.

Valeria Solarino in The Cage lotta contro le gabbie sociali

The Cage, la gabbia. In realtà le gabbie raccontate da Massimiliano Zanin nel suo film sono tante.
La gabbia del nostro passato, quella di una relazione tossica nella quale ci ritroviamo incapaci di uscirne; quella della morale cristiana, subdola, soffocante, che ci vuole madri, mogli, sottomesse; quella dei traumi che viviamo e che possiamo usare come massi sui quali arrampicarci per scalare una montagna o come pietre sepolcrali che ricordano il nostro nome, la nostra immagine, ma sotto le quali giacere già morte nonostante siamo ancora in vita. Il film si avvale di validi attori come Brando Pacitto (Alessandro), Aurora Giovinazzo (Giulia) e della bravissima Valeria Solarino (Serena), con noi su MANINTOWN.

In The Cage due frasi aprono e chiudono la parte centrale del film. Il prete che dice: «Aiutala a fallire» e il ragazzo che dice: «Io c’ho provato a farla fallire». Spesso i falsi amici sono i più difficili da riconoscere quelli che, uomini o donne che siano, fanno finta di aiutarti sperando che tu fallisca. Ne hai mai affrontati?

Ho avuto un’educazione alla libertà e ho sempre cercato di fare le cose nelle quali credevo, che mi rispecchiavano, e ho avuto attorno persone che accoglievano questo mio aspetto. Questa frase è terribile. “Aiutala a fallire” è emblematica, perché la vittoria di qualcuno ci spaventa. Ci mette di fronte alle nostre possibilità, ma se una persona fallisce è meglio anche per me, perché non mi devo sforzare. Invece, se una persona vince, è un problema, perché allora devo vincere anch’io o comunque devo sforzarmi per arrivare a un livello superiore a quello al quale sono. Quindi è sempre meglio il fallimento dell’altro, nella competizione becera, e non solo sportiva. Anzi, nello sport c’è un grandissimo rispetto dell’avversario, che diventa colui che mi permette di realizzare il mio obiettivo. Paradossalmente, l’avversaria più temuta, il nemico numero uno di Giulia, è la sua migliore amica perché le permette di realizzare il suo sogno. Giulia ha vinto tutti gli incontri, ma le manca quello e, finché l’avversaria non dice: «Ok, tu questa rivincita te la meriti», Giulia non riesce a uscire dal suo incubo. Riesce a superarlo soltanto grazie a colei che dovrebbe essere il suo nemico. È una situazione emblematica.

«Ci sono spesso ostacoli che ci vengono posti, qualcosa che ci fa superare il nostro limite»

C’è una frase del film dove dici a Giulia che ci sono due tipi di fighter: quello che è imbattibile in allenamento ma poi non regge in gara e quelli che hanno il coraggio di entrare nella gabbia e affrontare le proprie paure. C’è una gabbia nella quale sei entrata?

Ci sono spesso ostacoli che ci vengono posti, qualcosa che ci fa superare il nostro limite. Il mio personaggio, ad esempio, si arrabbia con Giulia perché lei combatte sempre in piedi. Giulia potrebbe anche vincere combattendo così, ma lei vuole che Giulia combatta a terra perché quello è un ostacolo che va superato e gli ostacoli aumentano le tue possibilità.

«Ancora una volta, la donna è vista esclusivamente come generatrice di vita, quindi non nella sua complessità. Ovvio che la maternità rappresenti un aspetto meraviglioso, ma non esaurisce, e non deve esaurire il ruolo di una donna»

Il prete ricorda più volte a Giulia l’importanza di essere madre, moglie, di avere una famiglia. È un pensiero strisciante che continua ad essere inculcato alle donne. Adozione, affido, nipoti, creano famiglie di serie B?

I messaggi che riceviamo continuamente sono in quella direzione. Ultimamente la presidente del Consiglio ha anche parlato di detassare quelle donne che danno, con due figli, il loro contributo alla società. Innanzitutto come se i figli fossero un affare solo femminile. Può accadere, ma molto spesso c’è anche un uomo che partecipa alla messa al mondo di un figlio. E poi, ancora una volta, la donna è vista esclusivamente come generatrice di vita, quindi non nella sua complessità. Ovvio che la maternità rappresenti un aspetto meraviglioso, ma non esaurisce, e non deve esaurire il ruolo di una donna. È vero che viene continuamente riproposto questo modello, ma, secondo me, la società civile, che è più pronta a ricevere i messaggi che vengono dal mondo della cultura, può fare molto nell’educare le nuove generazioni.

«La vera parità si ha quando non c’è una disparità data da qualcosa che è indipendente da te»

Alla Festa del Cinema riceverai il premio Q-cultura per il tuo impegno sociale e artistico a difesa dei diritti dell’uomo e della donna. È bella la motivazione: diritti dell’uomo e della donna…

Sì, iniziamo a chiamare le cose con il loro nome. È molto bella questa motivazione. Dare un nome a una cosa le dà una dignità, la fa esistere, le dà una struttura. È un concetto che era stato ripreso anche da Michela Murgia, che amavo e continuo ad amare moltissimo. Ci sono tante professioni che troviamo strano declinare al femminile, preferiamo continuare a chiamarle al maschile, ma semplicemente perché sono ruoli che prima non erano occupati solo da uomini. Adesso che le cose stanno cambiando, diamo dignità a quelle professioni. Non esiste solo il presidente, esiste la presidente o presidentessa, come più ci piace. Sono semplicemente cose che prima le donne non facevano e ora, fortunatamente, fanno.

Forse dovremmo anche smetterla di dire “è un mondo maschile” o “è un campo femminile”…

Il problema è dare a tutti le stesse possibilità di partenza. La vera parità si ha quando non c’è una disparità data da qualcosa che è indipendente da te, come il ceto sociale o il genere. Le stesse possibilità si danno quando due persone vengono messe nelle stesse condizioni di poter concorrere per un ruolo e scegliere un tipo di vita.

«Quando c’è una gabbia, da una parte e dall’altra, c’è un problema di paura»

Nella gabbia a volte veniamo messe, a volte ci mettiamo da sole. Indipendentemente da come ci siamo finite, mettere o tenere una donna in gabbia può essere un modo che gli uomini hanno per non affrontare qualcosa di cui hanno paura?

Quando c’è una gabbia, da una parte e dall’altra, c’è un problema di paura: anche chi ti mette nella gabbia, in realtà ha paura di dominarti. Perché mettiamo la tigre in gabbia? Perché abbiamo paura di essere divorati.

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È bellissima la scena dove Brando Pacitto è nudo nella gabbia davanti alla tigre. Alla fine chi è nudo, inerme, è lui…

Io in quella scena ho visto anche un’altra cosa: lui vuole risolvere tutto, ma non riesce a risolvere la sua vita e l’unica soluzione che trova è farla finita. Ma non ce la fa neanche lì. Lo vedi agire in quel modo e ti viene da dire: no non si risolve così, esci da questa gabbia e combatti davvero.

«Nel settore del cinema la disparità è ancora profondissima»

Alla Festa del cinema si sta parlando tanto di cinema al femminile. In realtà i dati dell’osservatorio del Mic parlano di un rapporto uomini – donne alla regia di 1 a 10; tra il 10 e il 16% sono le donne direttrici della fotografia o che si occupano di musiche o effetti speciali, settori prevalentemente tecnici. Le donne sono la maggioranza tra le costumiste o le truccatrici. C’è una certa manipolazione nel modo di raccontare i numeri?

Sicuramente ci sono tante registe donne, che è il ruolo principale sul set, però c’è ancora una grande differenza. Nel settore dell’audiovisivo è un discorso complesso, dove c’è anche un grande divario nei compensi, perché vieni pagato in base a quanto contribuisci al film in termini di incassi al cinema. La disparità è ancora profondissima.

Per arrivare dove sei, hai rotto il “soffitto di cristallo”?

Sicuramente sono stata fortunata, ho incontrato bei ruoli, importanti, ma ho scelto io in quali ruoli cimentarmi.

Applausi a scena aperta per la prima stampa del film di Antonio Albanese Cento domeniche, presentato oggi alla Festa del Cinema di Roma e al cinema dal 23 novembre. Cento domeniche è un atto d’accusa su una vergogna italiana. Un film, come dichiarato in chiusura, dedicato alle vittime dei crac bancari che hanno bruciato decine di miliardi di euro, e dove i privilegiati si sono salvati.

L’opera di Albanese è un gioiello, un pugno nello stomaco, un urlo di rabbia impotente. Uno sguardo semplice, lucido, su quel mondo incomprensibile ai più che è il sistema bancario. «Ma l’hai mai visto un contratto tu?», urla Albanese all’ex moglie.

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Un film su ‘una vergogna nazionale’: i risparmiatori traditi dalle banche

Una finestra su una vergogna nazionale vista dalla parte del tessuto connettivo dell’economia italiana, fatta di lavoratori, di risparmiatori, di gente che si è costruita casa da solo, lavorandoci “cento domeniche”. Albanese, firmando probabilmente il miglior film della Festa del Cinema, sbatte in faccia al pubblico il mondo amorale delle banche, di quella finanza che ha da decenni soppiantato l’economia, eliminando ogni considerazione dell’essere umano in nome di ingenti profitti nelle mani di pochi.

«Sono io il coglione o sono loro i delinquenti?» è l’urlo di dolore di un Albanese che dice: «Volevo solo pagare il matrimonio di mia figlia». Cento domeniche è la storia di un tradimento, di un’Italia colpita al cuore, dove la parola famiglia è solo uno slogan per vendere. La storia di uno che ne racconta mille. Ma è anche il ritratto impietoso di un’Italia cieca, dove ci si racconta che tutto si aggiusta, che adesso passa. Un’Italia che si fida delle persone sbagliate, con uno Stato che si volta dall’altra parte ed è di fatto connivente.

Standing ovation per Cento domeniche al Rome Film Fest

Cento domeniche è un grande atto di denuncia, un film meravigliosamente politico, sulla manipolazione, sul risparmiatore che si ritrova azionista solo perché non in grado di capire cosa firma, su un mondo dove la vittima viene raccontata come carnefice. Su un’Italia ormai incapace di fare squadra, dove si va troppo spesso in solitaria, dove regna una profonda solitudine. Dove chi sta in alto neanche si sporca le mani: arma vigliacchi che, per paura di perdere il posto, fanno il lavoro sporco in giacca e cravatta. Un film da standing ovation che sembrava non smettere, con i bravissimi, tra gli altri, Sandra Ceccarelli, Elio De Capitani, Bebo Storti, Maurizio Donadoni e Giulia Lazzarini.

Le origini di Antonio Albanese nel film

«Questo film – racconta Antonio Albanese – rappresenta le mie origini, la mia estrazione operaia ma, soprattutto, è la rappresentazione di un’ingiustizia, di una sopraffazione». E poi continua dicendo: «Con Piero Guerrera, mentre scrivevamo la sceneggiatura, mi sono reso conto che è immensa e di una crudeltà incredibile. Volevamo raccontare questa vergogna, sottolineare i danni che possono creare anche poche persone. Ci sono state scene emotivamente faticose da girare. Era importante rispettare tanto dolore. Sono grato agli attori e alle attrici che hanno accettato questa sfida coraggiosa, dove abbiamo raccontato cosa può provocare la malvagità. E la storia di un uomo onesto che non ha il coraggio di ribellarsi, che si dà la colpa di quello che è accaduto. Viviamo in un mondo dove anche se reagisci non si risolve niente, dove non si sa mai chi è il colpevole».

Il regista: «Cento domeniche è un film necessario»

«Desideravo da tempo lavorare sul mondo operaio: milioni di persone definiti come “gli ultimi”. È una cosa che mi fa venire il nervoso! Sono “i primi” perché sono loro che sostengono questo Paese. Ma da decenni sono abbandonati da una politica che non si gira mai da questa parte. Sento Cento domeniche come un film necessario», incalza Albanese dal palco della Festa del Cinema di Roma.

«Mentre lavoravamo al film, abbiamo scoperto storie incredibili di esseri umani che sono usciti dopo mesi sentendosi in colpa, che si vergognavano di questa loro condizione, di questo tradimento. Dove sono i colpevoli? Chi ha provocato questo crimine puro? Questa malvagità è incredibile e non si deve più ripetere!».

«Una delle battute che amo di questo film – conclude Albanese – riguarda un tema che trovo che si stia sottovalutando. È quando lui dice: “Finiremo tutti in fondo a un fondo”. È una frase tragicamente comica, ma è un argomento del quale sentiremo parlare».

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Scritto e diretto da Riccardo Milani, Io, noi e Gaber è un ritratto vivido del “Signor G”, Giorgio Gaber, protagonista di una delle pagine più preziose della storia culturale del nostro Paese, genio libero e artista
indimenticabile. Il documentario è stato presentato alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Proiezioni Speciali.

La carriera di Gaber, dall’esordio al Teatro Canzone

Girato tra Milano e Viareggio, nei luoghi cari a Gaber, il documentario è un viaggio esclusivo che attraversa tutte le fasi della sua carriera artistica: dai primissimi esordi nei locali di Milano al rock con Adriano Celentano, dal sodalizio artistico e surreale con l’amico Jannacci agli iconici duetti con Mina, alle canzoni con Maria Monti, dagli anni della popolarità televisiva al teatro, con l’invenzione, insieme a Sandro Luporini, del Teatro Canzone, piena espressione del suo impegno politico e culturale. Sullo sfondo, come locus amoenus che tutto muove e in cui tutto converge, si staglia il Teatro Lirico di Milano, simbolo del vicendevole amore tra Gaber e il pubblico milanese, e che oggi porta il suo nome Teatro Lirico Giorgio Gaber.

Il ricordo della figlia Dalia

Riccardo Milani racconta Gaber attraverso il ricordo personale della figlia Dalia Gaberscik e delle persone
storicamente a lui più vicine, ma anche con le testimonianze di colleghi e artisti che lo hanno
vissuto e amato. Una galleria di personaggi che comprende Gianfranco Aiolfi, Massimo Bernardini,
Pier Luigi Bersani, Claudio Bisio, Mario Capanna, Francesco Centorame, Lorenzo Jovanotti
Cherubini, Ombretta Colli, Paolo Dal Bon, Fabio Fazio, Ivano Fossati, Dalia Gaberscik, Ricky Gianco,
Gino e Michele, Guido Harari, Paolo Jannacci, Lorenzo Luporini, Roberto Luporini, Sandro Luporini,
Mercedes Martini, Vincenzo Mollica, Gianni Morandi, Massimiliano Pani, Giulio Rapetti – Mogol,
Michele Serra.

Riccardo Milani racconta il documentario Io, Noi e Gaber

«Giorgio Gaber – dice Riccardo Milani – è stato una persona importante della mia vita. Da piccolo
mi ha divertito con l’allegria di Goganga, Il Riccardo o La Torpedo blu, e dal liceo in poi mi ha fatto
alzare la testa e avere uno sguardo sul mondo segnando il mio percorso di formazione. Raccontarlo per me è stato soprattutto un modo per ringraziarlo per tutto quello che nei decenni mi ha dato e, soprattutto, ha dato a tutti noi. E stata una voce importante per tutti noi anticipando tutto quello che in questi decenni si è avverato, prevedendo che l’ideologia del mercato avrebbe schiacciato oggi tutte le altre, segnando una disperata continuità tra lui e Pier Paolo Pasolini. Per questo, tra le rarissime certezze della vita, ce n’è sicuramente una: Gaber ci serve ancora e ci serve adesso».

«È stato un lavoro lungo e intenso, al quale la Fondazione – aggiunge Paolo Dal Bon, Presidente
della Fondazione Gaber – ha partecipato rimanendo sempre vicina al regista e alla troupe. Abbiamo
avuto il privilegio di assistere ad un vero e proprio lavoro cinematografico, il vero cinema applicato
al racconto della storia artistica e della vita di Giorgio Gaber, che ci auguriamo possa restare a
disposizione di tutti per sempre, proprio come i film classici. Un’opera realizzata con grande
passione, rispetto e ammirazione per la figura di Gaber, come se fosse in qualche modo sempre
presente, come se aleggiasse sul lavoro di tutta l’equipe».

La proiezione speciale del 22 ottobre alla Festa del Cinema di Roma è stata il grande preludio ad
una serie di nuove iniziative realizzate e supportate dalla Fondazione Gaber a coronamento di un
anno di straordinarie celebrazioni. Io, noi e Gaber, docufilm prodotto da Atomic in coproduzione con Rai Documentari e Luce Cinecittà e distribuito da Lucky Red, sarà disponibile nelle sale cinematografiche il 6, 7 e 8 novembre.

Suspicious Minds è il film di Emiliano Corapi presentato in concorso nella sezione Alice nella Città alla Festa del Cinema di Roma. Nel cast del film, scritto e diretto dallo stesso Corapi – con le musiche di Giordano Corapi – Francesco Colella, Amanda Campana, Matteo Oscar Giuggioli e l’attrice olandese Thekla Reuten.

Quando un uomo e una ragazza rimangono bloccati nell’ascensore dell’hotel in cui soggiornano, nei rispettivi partner, rimasti fuori, s’insinua il dubbio che nel tempo trascorso dentro sia accaduto qualcosa. Tuttavia, il sospetto del tradimento genera nelle coppie, che vivono fasi diverse della vita, reazioni opposte, innescando dinamiche sempre più pericolose.

Amore, gelosia e fragilità nel film Suspicious Minds

Suspicious Minds: due coppie di età diversa, un ascensore e uno scherzo del destino, come quelli
tanto cari a Woody Allen. Quegli eventi apparentemente insignificanti che cambiano delle vite. Due coppie come tante, due giovani innamoratissimi e una coppia di mezza età che vive serenamente la propria routine, quando tutto procede, sempre nello stesso modo, tra ricordi cristallizzati di un passato che non c’è più.

In realtà due coppie che Corapi obbliga a fare i conti con le proprie fragilità. Entrambe in vacanza, i loro destini si scontrano, per caso, in un albergo romano. Un incidente innesca quanto di più lontano sembrava potesse contaminare le due coppie: la gelosia. 

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Intervista al regista Emiliano Corapi

Corapi, alla sua terza prova registica, qui anche in veste di sceneggiatore e costruisce il film come una sorta di divertente thriller, regalando allo spettatore una ritmata sequenza di repentini cambi di scena, oscillando continuamente tra leggerezza e dramma e riaprendo la storia ogni volta che sembra questa sia stata chiarita. 

La sceneggiatura, scritta dallo stesso Corapi, è ben costruita e offre dei dialoghi brillanti e credibili. Il cast è composto da attori noti e meno noti, ma tutti efficaci nel loro ruolo. Thekla Reuten e Francesco Colella interpretano la coppia più matura, che cerca di ravvivare il loro rapporto con un gioco pericoloso. Amanda Campana e Matteo Oscar Giuggioli sono i due giovani innamorati, che devono affrontare il dubbio e la paura di perdere l’altro.

Il film è stato presentato in concorso alla sezione Alice nella Città della Festa del Cinema di Roma 2023, dove ha ricevuto un buon riscontro da parte della critica e del pubblico. Suspicious Minds è un film che sa divertire e commuovere, ma anche far riflettere sulle dinamiche dell’amore e della fiducia. Un film che merita di essere visto e apprezzato.

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Di nuovo relazioni tra persone di differente età, dalle vite assopite, che riscoprono ciò che avevano dimenticato. Che tornano giovani, anche solo per il tempo di una fugace relazione o una notte. Vede la generazione degli over 50 così scontata?

In realtà non credo che il film parli di relazioni tra persone di età diverse, o della voglia di sentirsi ancora giovani, quanto piuttosto della fragilità dei legami e dei sentimenti, anche quando questi sono forti. Sebbene infatti i due cinquantenni del film possano desiderare un’avventura, alla base del loro dramma c’è il timore segreto di essere al capolinea della loro storia. Per questo sfruttano l’incidente inziale e la situazione di dubbio che ne deriva, per fare una verifica dei loro sentimenti che, dopo anni di relazione e intrappolamento nei ruoli genitoriali, non sono più così chiari.

«Gli incontri casuali posso generare situazioni e dinamiche che di norma, nella routine di una persona, non si verificano. Credo sia per questo che sono ricorrenti nelle storie»

In Amore a domicilio avevamo due estranei messi insieme dal caso. Qui quattro. Cosa la affascina di queste situazioni?

Gli incontri casuali posso generare situazioni e dinamiche che di norma, nella routine di una persona, non si verificano. Credo sia per questo che mi attirano e che sono ricorrenti nelle storie. 

In Suspicious Minds le due coppie del film, nelle loro diversità, hanno un tratto in comune: nella difficoltà scoprono di essere estranei. Siamo tutti perfetti sconosciuti?

Non proprio. Quello che i personaggi della storia si trovano a sperimentare sono comportamenti non abituali, ma accidentali, dovuti alla situazione del momento che li mette alle corde. Nessuno di loro ha una natura che tiene segreta. Più che sconosciuti tra di loro, mi sentirei di dire che ognuno scopre aspetti estranei dentro di sé. I ragazzi, ad esempio, scoprono debolezze e desideri che fino a poco prima non immaginavano e che mettono in crisi l’idea che hanno di loro stessi e del loro amore. Come a dire che improvvisamente il vero sconosciuto è dentro di loro. Un cambiamento che non riescono ad accettare.

“Preferisco non sapere, basta che la smettiamo” è una battuta del film. Siamo così fragili? 

Non credo che la battuta indichi fragilità o paura di accettazione della realtà. Il personaggio che la pronuncia ha appena compreso che tra lei e il marito c’è ancora qualcosa da salvare e cerca di focalizzare il discorso su questo piuttosto che sul male che si sono appena fatti per arrivare a scoprirlo.

«La maturità, oltre a stemperare alcuni eccessi, ci dà la possibilità di concentrarci meglio su ciò che conta veramente»

L’età rende più saggi o si ha solo più paura della solitudine, perché il tempo che abbiamo davanti è di meno o perché pensiamo non si possa più costruire qualcosa di nuovo?

Bella domanda, per la quale probabilmente non c’è una risposta che vale per tutti. Ognuno vive il tempo che diminuisce a modo suo, così come la capacità o meno di fare compromessi. Penso però che la maturità oltre a stemperare alcuni eccessi, ci dia la possibilità di concentrarci meglio su ciò che conta veramente e di guardare con più indulgenza alle nostre disfunzioni e ai nostri errori. È quello che tentano di fare i due personaggi adulti di Suspicious Minds.

Tra le due figure maschili, dov’è Emiliano Corapi?

In realtà si trova in tutti e quattro i personaggi. Sia negli uomini che escono da questa storia abbastanza “ammaccati”, sia nelle donne che dimostrano al dunque più forza e coraggio. 

Io e il Secco è l’opera prima di Gianluca Santoni in concorso nella sezione Alice nella città alla Festa del Cinema di Roma. L’opera di Santoni è un fiore che sboccia nel fango. Una favola realistica, un film di speranza più che di denuncia. Ma una speranza alla portata di molte. Un film che parla di famiglia e di come la famiglia sia un qualcosa che va al di là dei legami di sangue.

La colonna sonora è firmata da Davide Pavanello, in arte Dade, e include anche un classico della musica italiana, Sere Nere di Tiziano Ferro, re-interpretata dai Santi Francesi, duo vincitore di X Factor composto da Alessandro De Santis e Mario Francese.

Protagonista è “Denni con la i”, un ragazzino di dieci anni e una missione da compiere: salvare sua madre dalla violenza di suo padre. Piccolo com’è, da solo non ce la può fare e chiede aiuto a un super-killer. La persona scelta è il Secco, che non è un criminale ma un innocuo sbandato con un disperato bisogno di soldi. L’incontro tra Denni e Secco dà vita a un’avventura che oscilla tra dramma e commedia, un buddy movie ad altezza bambino, in bilico tra la fantasia e una realtà anche troppo cruda. Un film sul senso dell’essere uomini.

Di Io e il Secco ne parliamo con il regista Gianluca Santoni alla Festa del Cinema di Roma.

«Io e il Secco è un film che mi assomiglia»

Gionatan con la G era il titolo del suo corto del 2016. Ora c’è “Denni con la i”. Sempre due bambini e sempre, sullo sfondo, situazioni di disagio. Che relazione c’è tra i due progetti?

Gionatan con la G era il cortometraggio con cui mi sono diplomato al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. È stata la prima volta che abbiamo trattato questa tematica assieme alla sceneggiatrice Michela Straniero. Per Io e il Secco siamo ripartiti dalla stessa premessa, ma abbiamo lavorato su personaggi completamente diversi, calati in un altro contesto. In questo film, ad esempio, ci sono l’ironia e la fantasia, che non avevamo in Gionatan con la G. Voglio molto bene a quel corto, ma in un certo senso Io e il Secco è un film che mi somiglia di più.

Punto di partenza: la violenza domestica. Qui però c’è un pezzo in più: la violenza assistita. Chi è Denni per Gianluca? Perché le preme lo sguardo dei bambini sulla loro infanzia rubata?

In Denni c’è sicuramente qualcosa di me. Anche se la sua storia non è ricalcata sulla mia, anche se i suoi genitori non sono i miei, anche se non ho vissuto quello che lui vive nel film, abbiamo ugualmente molto in comune. O meglio, Denni ha qualcosa in comune con il bambino che sono stato. Penso che la storia di Denni abbia a che fare con tutte le storie di molte e molti di noi, perché tutte e tutti, in un modo o nell’altro, abbiamo avuto a che fare con modelli di mascolinità tossica. Dentro o fuori casa. Parlo di quei modelli che oggi possiamo e dobbiamo mettere in discussione.

Io e il Secco racconta la possibilità di una vita diversa per le donne vittime di violenza

La sceneggiatura è firmata anche da Michela Straniero. Una donna entra meglio nelle pieghe, e nella piaga, della violenza sulle donne?

Crescendo ho capito che purtroppo le donne hanno a che fare con molte situazioni negative, a volte terribili, che raramente noi uomini siamo costretti ad affrontare. Ma quello che mi ha spinto a lavorare con Michela, per questo film come per i cortometraggi precedenti, è stato il suo talento e la sua grande sensibilità.

Di nuovo la violenza e il degrado delle periferie metropolitane, ma senza una morale. Oggi la denuncia passa meglio con le immagini nude e dirette? O semplicemente la morale non interessa più?

Semplicemente non sono interessato alla morale, perché non penso di avere nulla da insegnare, specie a chi vive queste situazioni difficili. Però credo che il cinema abbia lo straordinario potere di far sentire meno soli e di portare delle carezze. Quindi più che di morale mi piace pensare che abbiamo cercato di raccontare delle possibilità. La possibilità di una vita diversa per le donne che vivono quello che vive Maria, la mamma del protagonista, e la possibilità per i ragazzi come Denni e Secco di diventare uomini diversi rispetto a quelli che li hanno cresciuti.

A differenza di Gionatan, che era ambientato nella periferia Romana, per Io e il Secco l’ambientazione scelta è quella della provincia del centro Italia. Per la precisione siamo a Ravenna, anche se alcune scene sono state girate a Cesenatico. Abbiamo voluto raccontare quella provincia dove la nebbia abbraccia i campi coltivati, dove d’inverno le folle di persone in vacanza lasciano le spiagge e si portano via i colori. Trovo questi luoghi suggestivi e affascinanti.

Ho usato come mappa le fotografie di Luigi Ghirri, in cui l’ordinario diventa straordinario, e sembra che sia lì, alla portata di tutti. Sono luoghi in cui sembra quasi che “la vera vita è altrove”. Ma non è così. Basta avvicinarsi all’umanità per capire che anche in questi luoghi ci sono delle avventure da raccontare.

L’equilibrio delicato della scuola di cinema

Si è formato al Centro Sperimentale di Cinematografia. Cosa pensa del cambiamento del CdA e del Comitato Scientifico voluto dal nuovo Governo? E del fatto che il Ministero dell’Università entri nella gestione di una scuola di alta formazione che non fa parte delle università?

Devo molto di quello che so di questo mestiere all’esperienza al Centro Sperimentale. Frequentare lì il corso di regia per me è stato bellissimo. Comprendo la preoccupazione degli studenti, perché credo che la scuola di cinema sia un equilibrio delicato e credo basti poco per rovinarlo. Sicuramente il CSC non è un’università e ha esigenze molto diverse. Mi auguro che il nuovo CdA ne tenga conto.

Castellitto nuovo preside del CSC fa ben sperare?

Penso che sia molto positivo che ci sia ancora una persona di cinema, con un profilo come il suo, a ricoprire questo ruolo. Credo sia ancora presto per capire come sarà la sua gestione.

Alla Festa del cinema di Roma arriva anche il biopic su John Galliano High & Low – John Galliano diretto dal regista premio Oscar Kevin MacDonald. Tanti sguardi diversi per un Galliano che diventa espediente per leggere in un mondo tanto scintillante quanto opaco: quello dell’alta moda. Il Galliano di Kevin MacDonald è gentile, creativo, anaffettivo, narcisista, bisognoso di affetto, amato, usato, geniale, infantile, sognatore, autolesionista, privo di empatia, manipolativo.

La storia di un Paradiso perduto e di un angelo che brucia le sue ali con il suo stesso fuoco; di uno dei più influenti fashion designer al mondo cancellato dall’industria della moda. Ma il biopic del regista britannico è anche una testimonianza del settore dopo Dior, dopo Coco, dopo i grandi creatori e le grandi creatrici che realizzavano sogni per pochi; della moda dell’alta finanza, di gente come Bernard Arnault, per i quali non ci sono artisti ma fattori di produzione.

Interessanti i primi piani che inquadrano un Galliano che parla guardando dritto nella telecamera, a volte confuso, apparentemente spaesato, che fissa ogni singolo spettatore per convincerlo che vuole essere perdonato, ma dove emerge il distacco tra uno sguardo privo di empatia e le parole di scuse appena accennate. Più giustificazioni che scuse.

La forza del lavoro di MacDonald è nell’aprire tante porte senza chiuderne alcuna, nel lasciar raccontare versioni contrastanti a personaggi famosi lasciando fluire gli interventi, mostrando un John vittima dei suoi genitori, che fagocita il suo assistente Steven che per lui avrebbe fatto qualsiasi cosa, amato da modelle che sfileranno per lui gratis quando non aveva soldi, che distrugge hotel, che si lamenta del troppo lavoro. Il maggior pregio del lavoro del regista britannico è aver firmato una regia scevra da moralismo. Alla Festa del Cinema di Roma abbiamo incontrato il regista premio Oscar Kevin MacDonald.

«Ho voluto fare un film che non avesse un finale, ma tante questioni lasciate aperte, sulle quali si può discutere e avere opinioni diverse»

Dopo il licenziamento da Dior, nessuno ha più parlato di Galliano. È come se fosse morto. Non ha pensato che fosse un’operazione rischiosa riesumare un ‘dio ucciso’ per le sue dichiarazioni razziste e antisemite?

Pericoloso per chi?

Per lei…

(Ride, ndr) Non credo che ci fosse un rischio per me. Credo che sia una storia affascinante e non ancora completamente raccontata. Una delle prime storie di cancel culture. Ora sono più frequenti, ma lui sicuramente è stato uno dei primi ad essere beccato in video in una situazione scomoda e a essere additato per quello che aveva fatto. Per me è solo una storia affascinante dove si possono avere tante opinioni diverse. Non mi sento di avere un’opinione definita. Ritengo siano tutte situazioni non ancora chiarite. Per questo ho voluto fare un film che non avesse un finale, ma tante questioni lasciate aperte, sulle quali si può discutere e avere opinioni diverse.

«Lo scopo fondamentale di John Galliano è quello di essere capito, di far capire la sua personalità e, soprattutto, dare speranza a chi ha problemi di dipendenza»

Galliano dice di aver bisogno di essere perdonato, ma per lui potrebbe essere solo un’operazione di marketing. Si è mai sentito manipolato da Galliano?

Quando un regista fa un film su una celebrità, deve sempre tener presente il fatto che le persone famose hanno uno scopo per far quel film. Ma ce l’hai anche tu. Io avevo ben chiaro il mio scopo. Posso garantirti che questo è un film assolutamente indipendente: non ci sono soldi messi dal mondo della moda e non è un film per riabilitare John in qualche modo. John voleva veramente potersi spiegare. Lui vuole essere perdonato. È una cosa che lo renderebbe immensamente felice. Non vorrebbe che nel momento della sua morte, il suo necrologio iniziasse con: John Galliano l’artista controverso per aver fatto questa cosa.

Il suo scopo fondamentale è quello di essere capito, di far capire la sua personalità e, soprattutto, dare speranza a chi ha problemi di dipendenza. Perché questo film parla anche delle dipendenze. Il suo desiderio è mostrare che si può cambiare e si può riuscire a trasformare le situazioni. Ti garantisco che non c’è un film, in questo Festival, che parli di persone famose, più indipendente di questo.
Le persone famose che appaiono nel mio film, Naomi Campbell, Kate Moss, Penelope Cruz, Charlize Theron, loro sì hanno corso un rischio ad apparire nel mio film, ma lo hanno fatto per amore, per affetto nei confronti di John.

«Quello che ho trovato interessantissimo sono state le reazioni estremamente diverse del pubblico. È quello che volevo creare con questo film»

Quali sono state le reazioni del pubblico?

Il mio è un film che nasce con l’idea di promuovere un dibattito. Questa è la quarta o quinta volta che lo porto in un Festival e quello che ho trovato interessantissimo sono state le reazioni estremamente diverse del pubblico. È quello che volevo creare con questo film. Non avevo nessuna intenzione di dare una soluzione chiusa: bianco o nero. È un film dal quale deve nascere un dibattito sul personaggio. Se questa persona deve essere perdonata, in che modo e, soprattutto, se e come possiamo o dobbiamo distinguere l’arte dall’artista.

Galliano ha esagerato, anche se era una persona con disturbi e vittima di dipendenze. Perché tanto moralismo, tanta ostilità? Il mondo della moda non è etico. Il problema sono state le idee di Galliano o il fatto che, rese pubbliche con un video, facevano perdere denaro alla maison Dior?

Il mondo della moda è un mondo molto particolare, che in realtà spesso, e soprattutto in passato, non si è fatto molte domande e ha lasciato correre molte cose che nel mondo, in generale, non verrebbero tollerate. Però bisogna dire che non si dovrebbe essere giudicati per i peggiori cinque minuti della nostra vita. Lui ha avuto la sfortuna di essere registrato in un video. Se la cosa fosse successa magari cinque anni prima, sarebbe finita da qualche parte in un trafiletto di giornale, e nessuno se la sarebbe poi ricordata.

«Per John Galliano fare questo film è stato un atto coraggioso. Non aveva bisogno di me per riabilitarsi. Perché tirare fuori di nuovo questi discorsi?»

Alla fine del film c’è una frase della giornalista del Washington Post Robin Givhan: «Non sarebbe stato perdonato se non avesse avuto buone relazioni nel mondo della moda e se non fosse stato un uomo bianco». Quella frase è la sua firma?

L’ho messa nel film perché sono parzialmente d’accordo e perché credo rappresenti l’opinione di molti. Ma non c’è una verità oggettiva. Personalmente, posso dire che a me John Galliano piace come persona e credo che nella vita non abbia altro che la moda. È bravo nel suo lavoro. Per cui mi chiedo: perché bisognerebbe impedirgli di fare lo stilista? Prima discutevamo sulle motivazioni che ha una persona per fare un film come questo. Per John fare questo film è stato un atto coraggioso. Non aveva bisogno di me per riabilitarsi. Perché tirare fuori di nuovo questi discorsi? Ha voluto fare questo film per esplorare la propria personalità e dare speranza alle persone con delle dipendenze. La speranza che ci può essere di nuovo un futuro.

Possiamo almeno considerarlo un narcisista?

Io l’ho incontrato e ho creato un legame con lui. È una persona molto complicata. Ma chi non ha mai fatto qualcosa di sbagliato? Quelli del video sono probabilmente cinque minuti importanti, ma non è tutto quello che è. Sicuramente è narcisista, sono d’accordo con te, anche sul fatto che non è una persona che piace facilmente. Ma non voglio che nessuno dica che sono stato manipolato. Questo è probabilmente il film più indipendente di questo Festival.

Zucchero “Sugar” Fornaciari, “il Cappellaio Matto dalla voce di cuoio”, come lo definì la stampa inglese, arriva per la prima volta al cinema il 23,24,25 ottobre con il film documentario Zucchero – Sugar Fornaciari, presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma.

Il film documentario, con la regia di Valentina Zanella e Giangiacomo De Stefano, racconta lo straordinario artista attraverso le sue parole e quelle di colleghi e amici come Bono, Sting, Brian May, Paul Young, Andrea Bocelli, Salmo, Francesco Guccini, Francesco De Gregori e Roberto Baggio. Un viaggio dell’anima che, grazie a immagini provenienti dagli archivi privati di Zucchero e dal “World Wild Tour”, il suo ultimo e trionfale tour mondiale, va oltre il ritratto di un musicista di successo, arrivando fin dentro i dubbi e le fragilità dell’uomo.

Il film “Zucchero Sugar Fornaciari” racconta l’uomo oltre l’artista

Quello di Valentina Zanella e Giangiacomo De Stefano non è una star, non è un divo. È un uomo schivo, timido, semplice, umile. Un uomo della Bassa che, dietro al soprannome con cui è famoso nel mondo, resta Adelmo, nato a Roncocesi, una frazione del comune di Reggio Emilia. Che viene da un altro luogo, un’altra solitudine, dove è tornato quando è stato male. E da dove ha gridato il suo Miserere per annunciare la sua rinascita.

Un artista immenso che parla con delicatezza della depressione che lo colpì dopo la separazione: «Leggevo Bukowski perché stava peggio di me», «ero così depresso che solo l’idea di stare meglio mi spaventava». Che scrive Miserere «perché mi sentivo misero».

Un gigante che protegge ancora il piccolo Sugar, come lo soprannominò la maestra della scuola a Forte dei Marmi, che custodiva nello zaino un vasetto di plastica con un po’ di terra emiliana raccolta prima del trasferimento con la famiglia: «In classe lo tiravo fuori, lo aprivo e lo annusavo».

Alla Festa del cinema di Roma, Zucchero è arrivato con i registi Valentina Zanella e Giangiacomo De Stefano che ci raccontano la genesi di un progetto che è un viaggio nella memoria di tanti sparsi nei cinque continenti.

Chi ha dato il via a questo progetto?

 Valentina: Noi. Sapevamo che altre produzioni si erano proposte. Noi abbiamo presentato un progetto scritto in tre, insieme a Federico Fava, sceneggiatore che ha firmato opere come Il Signore delle Formiche diretto da Gianni Amelio. Abbiamo così dato un taglio cinematografico a questo lavoro. È stato accettato e siamo partiti.

«Il film “Zucchero – Sugar Fornaciari” non è l’apologia di Zucchero, ma un racconto onesto, nel quale lui si rispecchia. Non volevamo un documentario celebrativo, ma che mostrasse il percorso di un grandissimo cantante»

Zucchero quanto vi ha lasciato carta bianca e quanto ha partecipato alla scrittura o alla direzione?

Giangiacomo: Nei documentari che io e Valentina abbiamo scritto insieme abbiamo sempre cercato di lavorare con i personaggi di cui parlavamo. Per noi è importante confrontarci con loro senza ingannarli. È chiaro che con Zucchero c’è stato un rapporto di fiducia, di confronto, su quello che noi raccontavamo. Ma è il nostro punto di vista, la nostra regia, che ha indirizzato il prodotto. Zucchero ha avuto modo di vedere gli step di questo lavoro. E, a volte, anche di rompere certi schemi. All’inizio può esserci stata una certa diffidenza, che piano piano è stata infranta.

“Zucchero – Sugar Fornaciari” non è l’apologia di Zucchero, ma un racconto onesto, nel quale lui si ritrova e si rispecchia. Non volevamo un documentario celebrativo, ma che mostrasse il percorso di un grandissimo cantante dal respiro internazionale. Lo facciamo raccontando le radici della sua musica, le ragioni che sono alla base della sua poetica, le sue origini emiliane. Il suo mescolare tutto con gli echi della musica americana che arrivavano negli anni Sessanta, quando era un ragazzo giovanissimo. Da quel mix Zucchero ha creato il suo stile e il suo modo di fare musica, che lo ha portato a girare tutto il mondo. Questo è “Zucchero – Sugar Fornaciari”.

Valentina: Zucchero ci ha dato molto materiale  proveniente dai suoi archivi. La carta bianca c’è stata e non è scontata.

«C’è un’energia che lui ha e che comunica agli altri, che arriva sottopelle. Non c’è calcolo, non recita. Credo che sia questo il misticismo di cui parlano»

C’è un aggettivo che ricorre spesso nel docufilm ed è “mistico”. Avete percepito questo misticismo di cui parlano in molti?

Valentina: Lo dicono Sting, Bono e altri. Quando abbiamo iniziato a conoscerlo, mi sono venute in mente le parole di Leonard Cohen: «C’è una crepa in ogni cosa ed è da lì che entra la luce».  Nelle sue ferite abbiamo percepito di avere davanti qualcuno che ha davvero uno “spirito divino”. Lo definirei così. Era tangibile.

Noi non abbiamo fatto un prodotto che dovesse supportare un disco o altro: lo abbiamo sì seguito mentre stava facendo la tournée, ma solo per conoscerlo. Per vedere il tipo di fama che ha in giro per il mondo e per fare delle registrazioni. Poi ci siamo resi conto che, sia che fossimo a Roma, a New York, a Barcellona o in Norvegia, lui riceve sempre lo stesso tipo di affetto. C’è un’energia che lui ha e che comunica agli altri, che arriva sottopelle. Non c’è calcolo, non recita. Credo che sia questo il misticismo di cui parlano.

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Nell’ultima parte affrontate il tema della depressione. È un tabù che sempre più persone famose tendono ad infrangere, ma qui non c’è spettacolarizzazione. Viene usata più come un punto di partenza per raccontare una rinascita. Da chi è partita l’idea?

Giangiacomo: Zucchero ne aveva già parlato in altre occasioni. Vorrei però soffermarmi su un aspetto importante che accomuna molti artisti: partono sempre da una sofferenza. Questo, secondo me, vale nella musica come in ogni forma d’arte. Bisogna avere la necessità di esprimersi e questo, di solito, nasce da un disagio.

Anni fa, un personaggio americano di un mio progetto, usò la locuzione “dysfunctional celebration of life”: celebrazione disfunzionale della vita. Anche in Zucchero c’è quel disallineamento interiore, quella diversità che, nel progredire, ti stimola la necessità di creare. Ma tutto parte da una sofferenza, altrimenti è un’arte istituzionale. I grandi artisti partono sempre da qualcosa che rompe uno schema, personale o all’interno della società.

Penso che tante persone si rivedano in quello che vedono, perché tutti noi attraversiamo delle fasi di cambiamento. Credo che Zucchero abbia sofferto durante quelle fasi di transizione, che sono quelle che fanno soffrire ognuno di noi. È il cambiamento che ci genera sofferenza, il perdere qualcosa. E il cercare quel qualcosa ti dà l’urgenza di creare. E questo, secondo me, in Zucchero c’è tantissimo.

«Zucchero ha toccato il cuore di milioni di italiani. Non è un’operazione nostalgia, è il racconto di qualcosa che ha un valore, restituito attraverso uno strumento contemporaneo»

I docufilm, i biopic, stanno avendo molto successo. Portano sullo schermo l’aspetto umano delle grandi star che fanno parte della storia della musica. C’è il bisogno di cristallizzare delle storie al passato?

Giangiacomo: Penso di no. Penso che il documentario piaccia perché è un genere che permette di essere estremamente creativi. Il documentario ha finalmente la ribalta che merita perché lo puoi fare in tutte le maniere. Noi lavoriamo sull’immaginario. Quando si guarda il passato, dobbiamo risvegliare qualcosa che ci riporta a un tempo che non deve essere per forza nostalgico, ma che ci risveglia delle sensazioni, delle immagini, dei ricordi.

C’è un punto del documentario che è emblematico del nostro punto di vista: quando parte Rispetto tu vieni catapultato nella metà degli anni Ottanta. Il nostro immaginario ci riporta indietro nel tempo, anche se tu non sei un suo fan. Ma quella musica fa comunque parte del tuo trascorso. Zucchero ha toccato il cuore di milioni di italiani. Non è un’operazione nostalgia, è il racconto di qualcosa che ha un valore, restituito attraverso uno strumento contemporaneo. Di documentari se ne vedono tanti perché è un linguaggio che funziona.

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Cosa avete amato di Zucchero conoscendolo privatamente? Cosa portate con voi di questa esperienza?

 Valentina: La magia, l’umanità. La simpatia. E anche il suo misticismo. Zucchero è sempre stato molto riservato, di lui si è sempre saputo poco. Mi ha colpito il grande amore e affetto che grandi star hanno per lui. Rapporti iniziati per lavoro, che poi sono diventati delle grandi amicizie. Per lui Bono è un amico, Sting è un amico, Brian May è un amico. Questa è una cosa che noi non dimenticheremo.

 Alessandro: Aver avuto la possibilità di entrare nella vita di un personaggio così importante. Per me è una necessità quella di entrare nelle storie. E se a me rimane qualcosa, è proprio di essere potuto entrare in un mondo così importante e di aver potuto dare il mio punto di vista. Per me è un privilegio dal punto di vista personale: raccontare dall’interno è la mia urgenza. Da qui nasce la mia creatività. E questo documentario, secondo me, arriva in un momento in cui c’era un’urgenza anche nella vita di Zucchero.

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Alla Festa del Cinema di Roma 2023 arriva anche Diabolik – Chi sei?, terzo e ultimo capitolo della trilogia sul famoso ladro delle sorelle Giussani, diretta dai Manetti Bros. Nel cast Giacomo Gianniotti, Miriam Leone, Valerio Mastandrea e Monica Bellucci.
Diabolik – Chi sei? arriva in sala il 30 novembre distribuito da 01 Distribution. Alla presentazione del film Monica Bellucci, Miriam Leone e i Manetti Bros.

Il terzo capitolo della trilogia si immerge negli anni ’70

Nel terzo episodio della trilogia, non cambia solo il periodo storico, dagli anni ’60 a gli anni ’70, ma Ginko non è più il nemico di Diabolik, non ne è più ossessionato. Anzi, i due si ritrovano dallo stesso lato a combattere una banda di ladri che terrorizza Clerville.

«A lavoro finito possiamo ammettere che è una trilogia – dichiarano i Manetti Bros – Fare dei film è diverso dal realizzare un fumetto seriale, quindi abbiamo cercato di dare a ogni film un’impronta diversa. In ciascuno abbiamo raccontato Diabolik attraverso gli occhi di qualcun altro. Nel primo film attraverso gli occhi di Eva Kant, poi tramite quelli di Ginko, suo avversario e, nel terzo, la narrazione procede dal punto di vista di Diabolik. Il primo film è stato anche un esercizio sullo stile, sulla moda, sul ricostruire l’ambiente degli anni ‘60. Era la prima volta che facevamo un film in costume. Ci siamo divertiti e appassionati, ma è stato un lavoro impegnativo. In questo terzo film siamo negli anni ‘70, con tante musiche funk. Abbiamo giocato su un terreno più nostro, più personale dei Manetti. Siamo degli appassionati della cultura anni ’70, che sia cinema, musica o fumetti. Quel periodo che è a cavallo tra la fine degli anni ‘60 e gli anni ’70 ha cambiato la società e anche noi».

Diabolik – Chi sei? e il ruolo della donna

Il terzo capitolo della saga ha una particolarità: è un film molto femminile, dove Eva e Altea mettono in ombra Diabolik e Ginko. «In realtà – rispondono i Manetti Bros – questa storia è stata scritta dalle sorelle Giussani. Noi seguiamo solo il loro percorso. Analizzando la loro scrittura, ci siamo resi conto che c’è qualcosa nei personaggi di Eva e Altea che le accomuna. Ci troviamo di fronte a quattro personaggi: Ginko, Diabolik, Eva e Altea. Sono super intelligenti, hanno un carattere fortissimo. Una cosa che li distingue: Eva e Altea sanno porre l’intelligenza e la forza al servizio del sentimento, Diabolik e Ginko no.

L’apporto dato da Eva e Altea in questo film, a livello simbolico, forse rappresenta l’insegnamento che cercano di dare ai loro uomini senza riuscirci. Diabolik, infatti, non riesce mai a essere compassionevole. Ginko, d’altro canto, non riesce mai a essere innamorato come Altea vorrebbe, perché pensa: «Io sono un poliziotto e non posso amare una duchessa». Qui crediamo sia racchiusa la forza femminile dei personaggi delle Giussani. «Un mondo governato da uomini – concludono i Manetti Bros – stiamo vedendo dove ci sta portando. Per questo sarebbe bello che donne come Eva e Altea, donne che nel mondo vero ci sono, uscissero di più allo scoperto».

Film non particolarmente convincente. Lungo il prologo, bella la fotografia e la scelta del bianco e nero. Più che Diabolik – Chi sei? forse il titolo avrebbe dovuto essere “Diabolik – Dove sei?”. Troppo tempo trascorre senza il famoso ladro: in fondo è lui che il pubblico vuole vedere.

Con Widow Clicquot la storia della Grande Dame della Champagne arriva alla Festa del cinema di Roma. A presentarlo il regista Thomas Napper, Haley Bennett (Barbe-Nicole Cliquot), Tom Sturridge (François Clicquot), Anson Boom, i produttori Joe Wright e Christina Weiss Lurie.

Widow Clicquot è la donna che creò lo Champagne. La storia sconosciuta di un grande marchio che molti di noi pensavano fosse legato a qualche azienda familiare francese. Il racconto di una delle tante donne che la storia si è dimenticata di tramandare.

Widow Clicquot: una donna contemporanea in un film d’epoca

È il 1805, Barbe-Nicole Ponsardin, a soli 27 anni, rimane vedova del marito, François Clicquot. Erano stati innamorati, nonostante il loro fosse stato un matrimonio combinato, e insieme avevano lavorato per sviluppare metodi innovativi nella produzione vinicola dell’azienda di famiglia. Nonostante l’ostracismo del codice napoleonico alle attività imprenditoriali femminili, l’invadenza del suocero, l’ostilità di uomini potenti e l’embargo napoleonico dei prodotti francesi, Barbe-Nicole si ostina a proseguire l’attività, dalla coltivazione alla vendita. E crea il Veuve Clicquot, lo champagne più famoso del mondo.

Widow Cliquot è un film ben riuscito, con un’ottima fotografia, che risente fortemente della presenza di Joe Wright. La storia di una donna contemporanea racchiusa in un film d’epoca. Un film dallo svolgimento non lineare che procede su due binari paralleli: presente e passato, creazione di un futuro impero e vita privata. Madre, moglie, e imprenditrice. Una donna moderna che finalmente esce dal fondo di una cantina, dove era stata dimenticata, e ci ricorda che il metodo con cui si crea uno champagne che abbia bollicine piccole e non grandi “come occhi di rospi” è l’ennesimo contributo femminile a un mondo saccheggiato dagli uomini.

Le parole del regista Thomas Napper

Come racconta il regista Thomas Napper, la storia si svolge tra il 1789 e i primi anni del Ottocento. «Quando ho letto la sceneggiatura – esordisce Napper – mi ha stupito vedere personaggi dell’epoca così moderni. Mi colpì la scena, durante la prima notte di nozze, quando lui le propone che il loro matrimonio sia di qualità, di viverlo insieme, lavorare insieme e condividere pienamente le loro vite. Quella non sarebbe una sorpresa, se non fosse che siamo nel 1789. È una frase che ha in sé tutta l’idea della rivoluzione francese, i principi dell’uguaglianza che si andavano diffondendo nella Francia all’epoca. E, a partire da quel punto, loro evolvono: lavorano insieme, fanno squadra, lui le insegna e lei apprende più rapidamente di quanto lui forse vorrebbe. Sono moglie e marito che costruiscono insieme i loro futuro».

«Il film – continua Thomas Napper – mostra il viaggio intrapreso da una donna, la sua autorealizzazione che non avviene tramite un uomo. È incredibilmente moderna se pensiamo all’epoca, alla letteratura di autrici come Emily Bronte o Jane Austen. Le donne all’epoca cosa potevano fare, se non sposarsi presto, fare figli e abbellire la vita del marito? Non potevano possedere delle proprietà, conti in banca o gestire imprese. Il film vede il mondo attraverso gli occhi di una donna, che prende il possesso dei vigneti, li gestisce, comincia a interessarsi di contabilità, a capire come dovesse essere il sapore di un vino».

Il film è uno sguardo su una donna non solo che assume un simile ruolo, ma che eccelle in quel ruolo. E, soprattutto, mostra il duro lavoro e gli sforzi fatti per diventare la grande imprenditrice e innovatrice che è stata. Nonostante tutto. E che rifiuta di risposarsi per non perdere il diritto, garantito eccezionalmente dal codice napoleonico alle vedove, di essere imprenditrici dei beni ereditati dal marito.

Jetsun Pema, sorella del Dalai Lama, è arrivata alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia in occasione delle Giornate degli Autori. A Venezia Jetsun Pema, una delle più importanti figure femminili del nostro tempo, ha presentato in anteprima italiana il documentario Amala – La vita e la lotta della sorella del Dalai Lama. Ha poi partecipato all’evento Jetsun Pema, la madre del Tibet. Una vita per l’istruzione e la libertà organizzato da WIFTMI – Women in Film, Television & Media Italia, Isola Edipo, Fandango e dall’Unione Buddisti Italiani. All’incontro era presente anche l’attrice Kasia Smutniak e il regista del docufilm Geleck Palsang.
Jetsun Pema è stata a lungo presidente del Tibetan Children’s Villages, organizzazione di beneficenza per la cura e l’educazione di orfani, indigenti e bambini rifugiati dal Tibet con sede a Dharamsala, nell’India settentrionale.
In occasione dell’evento, abbiamo avuto il piacere di rivolgere alcune domande a colei che i bambini del Tibet chiamano affettuosamente Ama-La: Jetsunma Pema, la madre del Tibet.

«L’istruzione che ho ricevuto dalle suore in queste scuole era davvero completa. Le loro priorità erano quelle di aiutare coloro che ci circondano e imparare ad essere compassionevoli»

Nata a Lahsa, in Tibet, nel 1950 si rifugia in India, dove ha studiato al Convento di St. Joseph e poi al Convento di Loreto. Com’è stato mantenere le sue radici in un contesto cattolico?

Ho studiato in queste due scuole perché le suore cattoliche forniscono un’ottima educazione. Anche se l’istruzione che impartiscono è basata sulla religione cattolica, ho trovato ci fosse una forte connessione tra questa e la mia religione e cultura. Durante quegli anni offrivano anche lezioni di tibetano due volte a settimana, facendoci sentire ancora più legati alla nostra identità.
L’istruzione che ho ricevuto dalle suore in queste scuole era davvero completa. Le loro priorità erano quelle di aiutare coloro che ci circondano e imparare ad essere compassionevoli, entrambi pensieri fortemente condivisi anche dalla religione buddhista.

«La lingua è alla base di qualsiasi cultura, in quanto gioca un ruolo fondamentale nella conservazione della propria formazione e identità»

È possibile conservare le proprie tradizioni se si è obbligati a usare una lingua diversa dalla propria?

La lingua è alla base di qualsiasi cultura, in quanto gioca un ruolo fondamentale nella conservazione della propria formazione e identità. Per questo motivo, nelle nostre scuole, troviamo sia molto importante istruire i bambini rifugiati del Tibet nella loro lingua. Se si insegna ai bambini usando la loro lingua madre, capiscono meglio e, di conseguenza, riescono a sfruttare pienamente tutto ciò che apprendono. Dopo la scuola elementare, infatti, tutte le materie, dalla matematica alle scienze sociali, vengono insegnate in lingua tibetana.

Alla morte di Mao, lei ha fatto parte della delegazione mandata da suo fratello in Tibet, dove è stata accolta come se lei fosse il Dalai Lama in persona. Nella sua cultura una donna ha diritto a così tanto rispetto?

Nella cultura tibetana, se una persona è imparentata con il Dalai Lama, guadagna automaticamente un certo livello di rispetto agli occhi di tutta la popolazione. Quando sono arrivata io, sua Santità era in esilio e gran parte della popolazione non lo vedeva da diverso tempo.
Nel 1981 andai anche in Cina, dove i contatti tra la popolazione tibetana in esilio e quella rimasta nella propria terra erano interrotti da lungo tempo. Vedermi, dopo tutti quegli anni, li ha resi molto felici perché ha dato loro la speranza che le cose, un giorno, potessero migliorare. Al nostro arrivo, tutti noi membri della delegazione fummo accolti con grande rispetto dal popolo cinese, perché eravamo inviati di Sua Santità. Per questo motivo non ho mai pensato che mi ritenessero inferiore in quanto donna; qualsiasi persona in contatto con il Dalai Lama era automaticamente rispettata da tutti.

«Nella cultura tibetana le donne vengono considerate allo stesso livello degli uomini e vengono trattate con lo stesso rispetto»

Nel docufilm si vedono donne ricoprire posti di responsabilità. Qual è il ruolo della donna nella cultura tibetana?

Nella cultura tibetana le donne vengono considerate allo stesso livello degli uomini e vengono trattate con lo stesso rispetto. Crediamo che la figura materna in una casa sia la più importante, in quanto è lei che, nella maggior parte delle famiglie, ne gestisce l’organizzazione. Nelle famiglie nomadi, per esempio, mentre gli uomini si prendono cura dei pascoli, sono le donne a rimanere a casa per cucinare e accudire i figli. Anche nel caso dei commercianti che viaggiavano fino in Cina e in India, erano le donne ad avere il compito di restare a casa per gestire tutti gli affari di famiglia.
Oggi, in Tibet, si trovano donne che amministrano monasteri e che sono molto rispettate per la forte influenza religiosa che hanno sul nostro popolo.

Papa Francesco sta aprendo un importante dialogo con la Cina, mentre i Tibetani vengono strettamente controllati nella pratica della loro religione. Senza un supporto politico esterno così forte, come quello che lo Stato Vaticano dà ai cittadini cinesi di religione cattolica, crede davvero che tibetani potranno da soli fare qualcosa?

Qualsiasi cosa stia facendo Papa Francesco è gestita dal Vaticano e io non ne sono a conoscenza.
Nel nostro caso, Sua Santità il Dalai Lama ed io ci siamo impegnati per mantenerci in contatto il più possibile con il popolo tibetano. Il contesto, al momento, è molto complesso poiché il governo cinese sta mandando migliaia di bambini in scuole cinesi per imparare la loro lingua e cultura.
Nonostante ciò, noi siamo fiduciosi che la situazione possa migliorare e non ci arrenderemo mai.
Credo che, finché il mondo continuerà a parlare del Tibet, il Tibet continuerà a vivere. Facendo da portavoce a quelli che sono stati silenziati, continueremo a fare proprio questo: terremo viva la cultura e l’identità tibetane.

«La nostra speranza è che il governo cinese, vedendo l’approccio di Sua Santità, si sentirà spinto ad aprire un dialogo con lui»

La Cina ha problemi con Taiwan, Hong-Kong, la popolazione Uiguri. Il Tibet non sarà indipendente. Quale prospettiva vede realmente per il Tibet?

Il mondo in cui viviamo oggi non ha confini e, in una situazione del genere, Sua Santità ha avuto sempre un approccio molto pragmatico. Lui ha introdotto un metodo basato sulle vie di mezzo, così da poter trovare una soluzione che porti benefici sia al popolo tibetano sia a quello cinese.
Sono diversi anni che continuiamo a usare il dialogo come metodo e abbiamo fiducia nel fatto che, prima o poi, porterà a dei risultati. La nostra speranza è che il governo cinese, vedendo l’approccio di Sua Santità, si sentirà spinto ad aprire un dialogo con lui.

«Parlare del Tibet è già un qualcosa che aiuta enormemente il nostro Paese. È necessario che più persone si rendano conto della situazione in cui il mio popolo si trova»

Cosa può fare l’Occidente per il Tibet e cosa non sta facendo?

Come ho spiegato prima, parlare del Tibet è già un qualcosa che aiuta enormemente il nostro Paese. È necessario che più persone si rendano conto della situazione in cui il mio popolo si trova e di quello che sta provando a fare per migliorare le sue circostanze attuali. È fondamentale impegnarsi di più per diffondere questi dati al maggior numero di persone possibili. Il film sull’esilio dei tibetani, che i giovani nel nostro villaggio stanno realizzando, per esempio, dovrebbe essere sponsorizzato maggiormente in Occidente. È necessario sfruttare di più le tecnologie moderne che ci permettono di essere collegati a persone in ogni angolo del mondo, per poter aumentare la consapevolezza riguardo a questa situazione anche nel mondo occidentale.

In Ucraina i russi hanno rapito e deportato circa 13.400 bambini per trasformarli in russi. Il suo popolo conosce la pulizia etnica. Cosa la gente non comprende di questo dramma?

Sono diversi anni che il governo cinese sta forzando migliaia di bambini tibetani a spostarsi in scuole cinesi per insegnare loro la loro cultura e religione. Ritengo che questa sia una forma di “genocidio culturale,” proprio come quello che sta accadendo in Russia. Qualsiasi persona che apprezza l’avere diritto alla propria libertà, alla propria lingua e alla propria cultura, dovrebbe capire la gravità di questa situazione. Il popolo ucraino sarà un portavoce di grandissima importanza riguardo a questo argomento, sia in Europa che nel mondo Occidentale in generale. La nostra speranza è che presto il mondo capirà che questi eventi, al giorno d’oggi, non dovrebbero più accadere.

«La compassione va oltre la religione e questa è una delle lezioni più importanti che ci insegna il Buddha»

Il buddhismo è arrivato da noi attraverso libri e film. Anche chi non sa nulla della religione buddhista sa che esiste un uomo chiamato Dalai Lama. Qual è il messaggio che l’Occidente dovrebbe imparare dalla religione buddhista?

Sua Santità ha sempre diffuso messaggi di pace e compassione e ancora oggi parla spesso dell’unità tra le persone. Questa unità non cambia tra persone di religione o etnia diverse. La compassione va oltre la religione e questa è una delle lezioni più importanti che ci insegna il Buddha. In Europa, per esempio, ci sono centri buddhisti tibetani, così come ce ne sono altri indiani e di diversi altri Paesi. Penso che questo abbia ampliato la visione che abbiamo delle religioni e del mondo in generale. Un tempo, il Buddhismo non era accettato come religione di Stato, ma negli ultimi 20/30 anni è stato riconosciuto come tale.

Da questo punto di vista quali cambiamenti ha visto in Europa da quando arrivò la prima volta?

Rispetto a quando sono venuta in Europa le prime volte, ho notato che oggi ci sono molte più persone che intraprendono corsi sul buddhismo, il che dimostra che c’è un maggior interesse e una maggiore comprensione a riguardo.

«Ho sempre creduto che nascere essere umani sia una delle fortune più grandi che si possa avere. Ogni vita umana dovrebbe essere vissuta con uno scopo specifico»

Ognuno di noi ha una missione. In questa vita lei ha diretto il Tibetan Children’s Villages. Ma qual è la sua vera missione?

Ho sempre creduto che nascere essere umani sia una delle fortune più grandi che si possa avere.
Ogni vita umana dovrebbe essere vissuta con uno scopo specifico. Credo che uno dei più importanti sia quello di occuparsi dei bambini e della loro istruzione e di assistere i malati. Ci sono un’infinità di cose che si possono fare per aiutare coloro che ci stanno attorno e, ogni volta che ne facciamo una, mettiamo in atto uno dei pilastri fondamentali del buddhismo.

Per la religione buddhista le persone creano il loro Karma. Lei si è mai chiesta quale retribuzione
karmica subisce il popolo tibetano?

Nella religione buddhista crediamo che ognuno è padrone di sé stesso. Allo stesso tempo, però, crediamo nel Karma collettivo ed è per questo che la sofferenza è inevitabile. Nonostante ciò, il Karma collettivo è anche la legge che ci permetterà di accumulare Karma positivo tutti assieme, per poter un giorno migliorare le nostre condizioni di vita.

Dall’11 al 17 settembre a Milano torna la terza edizione MAX3MIN – Very Short Film Festival, 70 film da 37 Paesi per esplorare la cultura del corto: tre giorni di festa nel capoluogo lombardo tra cinema, musica, incontri e una programmazione in streaming gratuita in tutto il mondo. La manifestazione, dedicata ai cortometraggi di breve durata per un massimo di 3 minuti, sarà ospitata nei bellissimi spazi della Cineteca Milano MIC, a partire da venerdì 15 settembre.

Cos’è MAX3MIN – Very Short Film Festival

MAX3MIN è l’occasione per vedere video senza alcuna distinzione di genere, categoria, classificazione, etichetta. Anzi: più sono fluidi, sfuggenti, inclassificabili, più sono MAX3MIN. Documentari di battaglia politica, automobili parlanti, video-monologhi interiori, autobiografie collettive, ASMR d’autore, storie d’amore tra sistemi di videosorveglianza, reel collage, enigmi. Tra le animazioni: stop motion, sand animation, 3D, pastelli, vetrini da scienziato che diventano personaggi fantasy, memorie inclassificabili eppure vere. Cinquanta visioni per cinquecento generi: frullati e fatti a schegge, condensati in – regola tassativa – non più di 180 secondi.

Insieme ad essi, le scommesse di NEXT GEN, il concorso dedicato agli studenti delle scuole di cinema e delle accademie. 20 proposte da tutto il mondo, ideate da chi deciderà il nostro modo di raccontare le storie domani, e intanto muove i primi passi.

Elogio della brevità: il cinema che vuole dire tutto subito

Quello di MAX3MIN è cinema impaziente, che ha urgenza di dire tutto subito. Che non vuole lasciarti il tempo di meditare, che mira a provocare una reazione immediata: puntare, fuoco! Intollerante e insofferente alle categorie, alle limitazioni, ai comparti di genere. Rapido come un battito di ciglia, come un haiku, un reel di Instagram.

Dal formato stream-only pensato apposta per i tempi pandemici nel 2021, MAX3MIN ha testato il modello di festival ibrido “online + sala” nel 2022, (ri)scoprendo il piacere e l’eccitazione della proiezione dal vivo. Con una sua unicità: la forma brevissima, immersa nel buio della sala, diventa un attivatore sensoriale senza precedenti, un viaggio frenetico e iperstimolante in cui in pochi minuti si attraversano le storie del mondo.

Forte di questi esperimenti, MAX3MIN nel 2023 si espande ancora: online, dall’11 al 17 settembre, con l’intero programma disponibile sul sito; in presenza, nel weekend 15-17 settembre, nel contesto inedito e simbolico della Cineteca di Milano MIC. Tre giorni per un programma mai così ricco: insieme al concorso anche talks, masterclass, incontri con i registi, interviste, rendez-vous. Una formula più ricca e nel segno della multicanalità, attenta così a intercettare le tipologie di pubblico più disparate, da chi difende la resistenza del “buio in sala” alle fasce d’età più giovani e già abituate a fruire di contenuti super brevi, che hanno già dimostrato grande seguito nei confronti di MAX3MIN (nel 2022 il 37% del pubblico è da racchiudere nella fascia tra i 18 e 35 anni).

Tutto sempre all’insegna della brevità, del flash, del micro-racconto, lontano dagli schemi dei festival tradizionali, ma con in più il piacere dell’incontro fisico (e carnale) con chi il micro-cortometraggio lo ha scelto come forma espressiva.

Il concorso MAX3MIN 2023 è contro il buon senso

MAX3MIN cerca le storie di un mondo che si trasforma nel momento in cui esso sta cambiando sembianze. Lo scopo della sua ricerca è la sua natura: il cinema breve, rispetto al lungometraggio, ha il potere di essere istantaneo, di cogliere il cambiamento mentre accade. Perché non richiede per forza grandi risorse, perché i dispositivi mobili hanno “democratizzato” la produzione, perché Instagram Reels e TikTok ci hanno fatto scoprire che si può raccontare subito, qui ed ora, con niente in mano (quasi niente, chiaro: uno smartphone è la base).

E così nel 2023 il team di programmazione ha deciso di stringere ancora le maglie del concorso riducendo il numero dei selezionati da 100 a 50 e cercando in maniera stringente e categorica storie che colgono il presente e soprattutto vedono il futuro. Via le storie levigate, corrette, “carine”, “giuste”. I film ben fatti e confezionati: sì, ma solo se sono veri. Altrimenti meglio racconti sfocati, soggettive traballanti, frammenti rubati, sequenze sconnesse.

Storie che arrivano da Paesi fuori dallo scopo occidentale e patriarcale del sistema-cinema: quale storia ha bisogno di raccontare oggi un’animatrice ucraina di 24 anni? Che fiction fa un regista siriano con uno
smartphone e due amici che si prestano a fare gli attori? Quante immagini del reale potete vedere oggi dall’Uzbekistan? E dall’Iran? E dall’Italia? Contro il “buon senso”, che è il vero nemico del futuro: un cinema così breve che non ti dà il tempo di mentire, ti elettrizza prima che tu voglia staccargli la spina, ti dice la verità prima di diventare pura estetica, vetrina, (esercizio di) stile. Un cinema che vede il domani, ma solo se è onesto: magari sbagliato e imperfetto, ma autentico.

I corti dell’edizione 2023 di MAX3MIN avranno per soggetto i corpi, le relazioni, il rapporto con i social media, l’adolescenza e il passaggio all’età adulta, gli sguardi sulle città, ma anche riflessioni sulla contemporaneità che spaziano dalla geopolitica al cambiamento climatico. Video che incrociano i generi più disparati, dal documentario al videoclip, dall’animazione alla fiction. Un viaggio nel cinema corto e cortissimo che offre uno spaccato sul mondo in maniera istantanea.

Il programma del Festival a Milano

MAX3MIN trasporterà la magia del cinema in formato breve in città, con proiezioni, eventi e molto altro, per tre giorni di vera e propria festa. Oltre alle proiezioni dei cortometraggi in concorso, arricchiranno il programma gli incontri con gli ospiti e gli appuntamenti musicali. Il concerto/masterclass Un’anima divisa in trio (venerdì 15 ore 19.00) con Giovanni Venosta, Alberto N.A. Turra, Daniele Moretto e Sarah Stride, le playlist musicali a cura di Giraffe e un imperdibile appuntamento sabato 16 in serata, con il party di Discosizer con i live set di Psycho_Mind_Transmission, Dove Quiete e Walter Prati e djset a seguire.

Nella tre giorni milanese troveranno spazio anche incontri con i registi, talk tra cui un appuntamento realizzato con il media partner Rolling Stone Italia. Saranno inoltre esposte 3 opere per 3 artisti: Oliviero Fiorenzi, Paola Citterio e Lara Ilaria Braconi. La giuria del Concorso Internazionale di MAX3MIN 2023 sarà composta da: Giacomo Abbruzzese, regista e vincitore dell’Orso d’Argento alla Berlinale 2023 con il suo primo lungo Disco Boy; Martina Melilli, regista e artista multidisciplinare; Luca Pacilio, giornalista e curatore; Simone Angelini, fumettista e illustratore; Lara Casirati, festival strategist per la casa di distribuzione Varicoloured, nonché festival programmer e selezionatrice. Verranno assegnati anche il Premio del Pubblico, scelto dagli utenti tramite votazione on-line e in sala, e una menzione speciale attribuita dalla redazione di Rolling Stone Italia.

Tutti i film di MAX3MIN sono disponibili gratuitamente online su questo sito.

È il sesso bellezza! è il podcast dell’attrice e performer burlesque Giulia Di Quilio presentato alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e che dal 25 settembre sarà su tutte le piattaforme digitali.
Divina, Giulia Di Quilio è sbarcata allo spazio Hollywood Celebrities Lounge e su MANINTOWN chiacchieriamo di…sesso, bellezza!

«La vittimizzazione secondaria rafforza gli stereotipi e i pregiudizi che creano il problema culturale del nostro Paese»

Giulia, la nostra Presidentessa del Consiglio, donna, difende il compagno. «Io non leggo, in quelle parole: Se tu giri in minigonna ti possono violentare. Leggo più quello che mi diceva mia nonna: occhi aperti e testa sulle spalle. Purtroppo gli stupratori esistono». Ti esibisci seminuda in pose provocanti. Stai dicendo che sei disponibile ad essere aggredita perché gli stupratori, è un dato di fatto, esistono? Non avevi una nonna che ti dava consigli?

Beh, non mi rifarei ai consigli di mia nonna, una donna degli anni ’20 del Novecento, cresciuta rigidamente durante il fascismo e vissuta in un mondo patriarcale e maschilista: un sistema di valori che oggi, per fortuna, si va sgretolando, visto che stiamo assistendo all’inizio della fine del patriarcato. Mia nonna non avrebbe potuto capire o vivere le esperienze che noi donne di oggi affrontiamo: sono passati più di cento anni e l’essere umano è portato a evolvere invece che a involvere, grazie a Dio!

Fosse stato per mia nonna, una donna non sarebbe nemmeno potuta andare in giro con una maglietta a mezza manica. Io ho dovuto lavorare molto su me stessa in psicoanalisi per imparare a non giudicarmi e a sentirmi libera di esprimermi. Per questo trovo assurde queste dichiarazioni e che si debba ancora scaricare le responsabilità sulla vittima e non su chi mette in atto certe dinamiche.

La vittimizzazione secondaria rafforza gli stereotipi e i pregiudizi che creano il problema culturale del nostro Paese. Sottovalutare la gravità di alcuni ragionamenti concorre a creare la cosiddetta “cultura dello stupro”. “Te la sei cercata, sei così bella e sensuale che non posso non provarci con te…”: quante volte mi sono sentita rivolgere questa frase.

«La grande latitante del nostro tempo è proprio l’educazione sessuale ed emotiva delle persone»

Perché è così difficile parlare di sesso?

Nella nostra cultura concetti come corpo, sessualità, nudità, identità di genere, sono ancora pervasi da un senso di disagio profondo: un insieme di vergogna e fastidio che affonda le radici nella paura e nell’ignoranza. Mi rendo conto che parlare di sesso, da donna, neutralizzando i sensi di colpa e la vergogna, è ancora raro. A volte è difficile anche per me quando le risatine e le battutine diventano grevi.

Mi batto affinché queste tematiche siano normali e quotidiane. O meglio: lo sono, ma c’è sempre qualcuno che li legge sotto una lente morbosa e malsana. Prima mi sentivo in colpa, oggi so che è dell’altra persona il disagio, perché davvero non c’è nulla di male. Anzi, penso che la grande latitante del nostro tempo sia proprio l’educazione sessuale ed emotiva delle persone.

Noi impariamo guardando. Per il sesso vige l’omertà. Quali sono le idee più sbagliate che circolano sulla sessualità, femminile e maschile?

Ce ne sono talmente tante che non saprei da dove cominciare. Ho sentito dire cose di ogni tipo. «Le femmine non guardano il porno, le femmine hanno meno voglia degli uomini di fare sesso, le donne non cercano la notte di sesso ma la relazione». Potrei andare avanti per ore. Ma non è che ai maschi vada meglio. Il machismo nuoce anche a loro: «I maschi vogliono solo scopare, i maschi non mostrano le emozioni, i maschi hanno paura di impegnarsi».

Siamo sempre nell’ambito dei pregiudizi, quindi dell’ignoranza. Io non penso che maschi e femmine siano uguali, ma nemmeno troppo diversi e spero, in cuor mio, che si possa superare il patriarcato. Ma non per farlo sostituire dal suo opposto, il matriarcato. L’obiettivo è arrivare a una parità di opportunità, di rispetto delle diversità e di emancipazione da diktat sociali imposti da un’astratta morale comune fuori dal tempo.

«Le fantasie sessuali nascono da esigenze psicologiche profonde che hanno urgenza di esprimersi, perché parlano di noi e dei nostri bisogni»

Cosa le presone vogliono sapere sul sesso? Cosa fanno più difficoltà a chiedere?

Mi colpisce che tante persone si chiedano se i loro gusti sessuali siano “normali”: alcuni mi scrivono dicendomi che tengono segreti i loro desideri, addirittura non ne parlano neppure in coppia per paura di essere giudicati. Lo stesso accade con certe fantasie, che vengono auto-censurate ancor prima di essere espresse. Eppure le fantasie sessuali nascono da esigenze psicologiche profonde, che hanno urgenza di esprimersi, perché parlano di noi e dei nostri bisogni, delle direzioni verso le quali si vorrebbe andare, sia in maniera individuale che in coppia.

Aprirsi all’altro nelle proprie fantasie porta a una maggiore intimità; farlo con noi stessi porta a una maggiore conoscenza di sé. Nel mondo delle fantasie tutto è possibile e questo spaventa, ma sublimarle attraverso il racconto è un modo per viverle e agirle diversamente che nella realtà: quindi hanno un potere taumaturgico. Reprimerle, invece, è il modo migliore per farle uscire fuori senza controllo, e si sa “il sonno della ragione genera mostri”: tutto quello che viene ricacciato nell’inconscio ci agisce nel modo peggiore.

Perché credi ci sia più vergogna a parlare di sesso che di violenze sessuali, raccontate invece nei loro aspetti raccapriccianti?

Credo sia a causa della nostra cultura cattolica: il dolore è più accettato e ritenuto giusto rispetto al piacere. Godere fa sentire in colpa, come se non stesse bene: “non si fa e non si dice”. Anche quando si parla di educazione sessuale, non si parla mai di piacere, ma di come prevenire le gravidanze o le malattie sessuali: va benissimo, ma non ci sofferma su come dare piacere o come riceverlo, come sintonizzarsi e comunicare con l’altr*.

Hai due figli in età scolare. L’ora di religione non si tocca, ma l’educazione sessuale nelle scuole è un
argomento divisivo. Cosa noti parlando con altre madri?

Sì è proprio così. Volevo esonerare i miei figli (gemelli di 7 anni) dall’ora di religione, ma sarebbero stati gli unici a non farla su più di 40 bambini (vanno in due sezioni diverse!). Avrebbero rischiato di venire discriminati al contrario: curioso, se si pensa che, teoricamente, abitiamo in uno stato laico.
Quando si parla di educazione sessuale, poi, le cose vanno anche peggio. Le poche volte che ne ho parlato con le altre mamme sono stata guardata malissimo. Mi sono sentita dire “Cosa??? Educazione sessuale ai bambini di questa età???”. Si tende a pensare che ai bambini debbano essere nascosti temi come sesso o morte, mentre loro sono sensibilissimi e capiscono tutto, soprattutto i non detti. Purtroppo, se sono gli stessi genitori ad essere irrisolti nella propria vita intima, come si può pensare che siano in grado di guidare i più piccoli?

«Dobbiamo parlare di sesso e relazioni, consenso e confini personali, incoraggiare e interrogare i nostri desideri»

Rocco Siffredi propone di chiudere i siti porno perché trasmettono il sesso in modo errato. È così?

Rocco Siffredi non ha capito che non abbiamo bisogno di criminalizzare il porno, che può essere un esempio per i ragazzi, ma non l’unico. Paradossalmente servirebbe migliorarlo e ampliarlo. Sono necessarie più narrazioni possibili per dare maggiore spazio alle fantasie, ai desideri, senza ridurre la sessualità a stereotipi, a corpi perfetti con orgasmi infallibili, in modo performativo e ginnico. Dobbiamo parlare di sesso e relazioni, consenso e confini personali, incoraggiare e interrogare i nostri desideri, ed allenarci a dare e ricevere piacere senza sensi di colpa. La repressione, la paura, i divieti, portano a commettere le peggiori azioni e continuano a veicolare il messaggio che il sesso sia qualcosa di sporco o negativo, allontanando la possibilità di trovare benessere nella propria sfera privata.

Nella prima serie del podcast i temi caldi sono stati il tradimento, il calo del desiderio, il sesso in gravidanza, i sogni erotici, la masturbazione, le insicurezze legate al corpo e i sex toys. Che feedback hai avuto?

Non immaginavo tanto clamore: il podcast ha superato i 100.000 download. Non mi aspettavo il Premio come Miglior podcast Benessere agli Italian Podcast Award! Abbiamo aperto la strada a tutti gli altri podcast sul sesso: mi sento una pioniera. Le puntate più apprezzate: “Fantasie”, “Sesso dopo i 40” e “Sante e Puttane”.

Gli argomenti che sono maggiormente dei tabù?

Dal punto di vista femminile, una delle puntate meno ascoltate è stata quella sul sesso in gravidanza. Basta guardare i social di Chiara Ferragni per farsi un’idea di cosa si pensa delle mamme: ogni volta che lei si mostra in maniera sexy, arriva qualcuno che le ricorda che “È una mamma… Dio Santo!”. È il cliché dal quale non riusciamo a liberarci di “Santa o Puttana”: quando diventi madre in Italia diventi Santa, quindi il sesso e la sessualità sono temi che ormai non ti appartengono più. E quando ne parli trovi sempre resistenze o malcelato fastidio.

Nell’immaginario collettivo omosessuali e bisex hanno meno tabù. È vero?

Non credo. Anche qui ci sono parecchi pregiudizi, per esempio la promiscuità: avere gusti sessuali diversi non significa per forza avere tanti partner.

Uno degli argomenti della seconda serie è il poliamore. Cosa hai scoperto?

Mi ha stupito scoprire che la monogamia non viene solo da un costrutto sociale, ma è una vera e propria esigenza evolutiva: non è la vergogna o la paura a tenerci in una relazione stabile. Quindi non è strano avere bisogno della coppia per evolvere e conoscere altro da sé, ma è altrettanto vero che la coppia non basta a soddisfare il bisogno di conoscenza ed esperienza che molti di noi avvertono. E sono sempre di più le persone che scelgono modelli alternativi di relazione. La risposta al solito: “Ma allora non ami veramente il tuo partner!”, sono andata a cercarla nell’antica Grecia…ed è davvero molto interessante quello che ho scoperto.

Cosa?

Lo trovate nel mio podcast!

Quanto voglia c’è di conoscere la propria sessualità, di vedere il sesso come un gioco?

L’interesse è forte e, credo, comune a tutti. Più difficile è trovare gli strumenti adatti per esplorare quell’interesse in cui il desiderio del gioco condiviso ricopre un ruolo fondamentale. A volte si ripiega su una fruizione meccanica del sesso, in cui l’ansia dell’orgasmo la fa da padrona. Purtroppo è difficile mettersi o rimettersi in gioco, emancipandosi da certi obblighi quasi rituali privi di una vera curiosità per sé stessi e per l’altro.

Un modo per trasformare una conversazione sul sesso da imbarazzante in divertente?

L’ironia e, soprattutto, l’autoironia aiutano. Il sarcasmo, che a volte scade nella volgarità goliardica, spesso nasconde dei seri blocchi psicologici e culturali. La si butta a ridere perché si ha paura di raccontarsi e di svelarsi sul serio. Parlare della propria sfera sessuale senza falsi pudori, al contrario, trasforma l’imbarazzo in verità. E la verità, con tutta la sua inafferrabile complessità, può essere molto erotica.

Una donna è sessualmente libera se fa sesso come un uomo?

Una donna è sessualmente libera quando fa ciò che vuole, ciò che la fa star bene, chiaramente nei limiti del consenso reciproco.

E quando un uomo è sessualmente libero?

Quando riesce a esprimersi davvero, senza ridursi alla caricatura di un archetipo, di un “voler essere”
imposto da modelli che, ormai, hanno perso senso e aderenza al reale.

Una dramedy per raccontare una tragedia e solo 20 minuti per farlo. È Miss Agata di Anna Elena Pepe e Sebastian Maulucci che, alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, ha vinto il Premio Starlight International Cinema Award per la migliore sceneggiatura (scritta da Anna Elena Pepe e Nicola Salerno). Un corto che arriva, colpisce e termina. Veloce, gentile, feroce.

Dopo essere stato proiettato allo Short Film Market del Clermont – Ferrans International Film Festival, al Golden State Film Festival di Los Angeles, al Queens Underground Black History Month Film Festival a NY, Miss Agata chiude a Venezia il suo percorso festivaliero.

Miss Agata è un corto che fonde due pregiudizi completamente diversi: quello verso gli stranieri e quello verso le donne che chiedono aiuto per essere protette. In realtà una donna strana, come Agata, e uno straniero come Nabil (Yahya Ceesay), sono molto più simili di quanto non sembri. Entrambi i termini, strano e straniero, provengono dal latino ‘extraneus’, che indica una persona diversa dal normale.

Agata è strana. È una donna fuggita da un compagno violento. «Le vittime di violenza domestica possono sviluppare un disturbo post traumatico da stress (DPTS), simile a quello dei reduci di guerra. Il trauma ripetuto può portare a distorcere la realtà, ad agire irrazionalmente e a non vedere più le opportunità che la vita può dare. Questo film è dedicato a tutte le vittime imperfette». Questa didascalia chiude il corto di Anna Elena Pepe che, con MANINTOWN, abbiamo incontrato a Venezia.

«Le vittime imperfette sono quelle che non agiscono, o non reagiscono, secondo il copione che la società impone alla vittima»

Cosa sono le vittime imperfette?

Le vittime imperfette sono quelle che non agiscono, o non reagiscono, secondo il copione che la società impone alla vittima. Che è quello di subire e basta o di fare la scelta giusta, di comportarsi “bene”. In questo caso Agata cerca di reagire, ma facendo la scelta sbagliata.

Gli eventi che possono causare il DPTS sono la guerra, ma anche l’aggressione a sfondo sessuale. Un soldato ha diritto a soffrirne mentre una donna è vista come una che esagera. Nel corto la donna se lo sente dire sia dall’ex compagno che dalla collega d’ufficio…

Sì, è molto triste e complicato. Per questo ho deciso di fare un film al riguardo. Si pensa che una volta che il perpetratore della violenza non è più presente, non ci sia più il problema. Invece queste persone non riescono a rifarsi una vita, ad avere una carriera o un’altra storia. Ma questo ovviamente non fa notizia, non se ne parla. Anzi la persona in questione diventa anche un problema con cui la società non vuole avere a che fare.

Picchiare la moglie per “correggerla” è stato un diritto del marito fino al 1963. Quanto è ancora radicata nella società italiana la “violenza di diritto” di un uomo sulla compagna?

È una deriva molto malata dell’ossessione del “rispetto dei ruoli”: le donne storicamente facevano certe cose, gli uomini altre. Ai maniaci del controllo, chi agisce diversamente fa perdere la testa. Ma purtroppo non è una realtà solamente italiana.

«Il corto ha due anime forti, quella che parla di violenza di genere e quella che parla di integrazione»

Nel corto il personaggio interpretato da Andrea Bosca dice: «Lo vedi cosa mi fai fare?». Cosa impedisce a molte donne di vedere che non è colpa loro se sono picchiate?

Premetto che è difficile capire gli esatti meccanismi, che variano da storia a storia. Molte donne sono vittime del cosiddetto “Trauma Bond”. Un legame traumatico che le lega al perpetratore, da cui non riescono a staccarsi, e che è stato costruito nel tempo, gradualmente. La persona inizialmente si pone come anima gemella, che fa sentire la vittima al sicuro, capita e amata come mai prima. Poi piano piano cominciano le cosiddette “red flags”, episodi preoccupanti che la vittima spesso ignora, e quando comincia a capirli, purtroppo è già nel vortice dell’abuso da cui è difficile staccarsi.

Il corto è già stato proiettato in festival stranieri. Reazioni che ti hanno colpito?

Quello che mi ha colpito è che il corto arrivi agli spettatori indipendentemente dalla lingua. È girato in italiano, ma le razioni sono state istantanee e molto forti in Francia, In Inghilterra e in America.
Cosa non scontata perché chi fa comedy sa che lo humour non è sempre facilmente traducibile.
Diciamo che il corto ha due anime forti, quella che parla di violenza di genere e quella che parla di integrazione. Per la violenza ho avuto molte donne che mi hanno approcciato dopo le proiezioni, dicendomi che si sono sentite capite e si sono riviste; che hanno riso con Agata, ma si sono anche commosse. Da una parte mi fa piacere, ma al contempo mi preoccupa vedere quante persone abbiano in qualche modo vissuto un abuso, fisico o psicologico.

«La responsabilità della violenza è di chi la infligge, punto»

Quanto noi donne siamo responsabili di tramandare il patriarcato?

La responsabilità della violenza è di chi la infligge, punto. Detto questo sicuramente un lavoro di prevenzione alla base va fatto, profondo e che abbraccia tutta la società, donne e uomini. È per questo, per esempio, che un film come Barbie è stato importante. Perché è arrivato alle masse, ha creato consapevolezza. Molte persone la parola ‘patriarcato’ non la conoscevano bene e soprattutto non la riconoscevano.

Lavori con le immagini. Il corto, per la sua brevità e il suo linguaggio, arriva meglio a un pubblico giovane?

La brevità aiuta sicuramente. Però i giovani di oggi sono molto sensibili e non vanno sottovalutati. Mio nipote è adolescente e guarda la Corazzata Potëmkin senza batter ciglio.

Il cinema, anche il corto, può essere uno strumento per fare politica?

Secondo me sì. È un po’ quello che si faceva nella Commedia Italiana di una volta, cercare di usare il cinema e lo humour per dare messaggi importanti. Ci tengo però a puntualizzare che un cortometraggio cinematografico non è una pubblicità progresso. La narrativa è differente, gli elementi sono costruiti ad arte in modo che il messaggio arrivi in maniera trasversale.

Nel film Chiara Sani è Giulia, una donna che si spaccia per emancipata, aperta di vedute, invece si rivela piena degli stereotipi più beceri.

Giulia rinchiude molti stereotipi di pregiudizio contro gli immigrati. Quando abbiamo presentato il film a New York, mi hanno detto che era la “perfect italian Karen”. Karen è un termine usato negli Stati Uniti per indicare questo tipo di persone, che sono così comuni che hanno persino una parola apposta che li definisce!

Classe 1996, originaria di Udine, Demetra Bellina è alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia con il film Non credo in niente, opera prima di Alessandro Marzullo. Demetra l’abbiamo vista anche in Youtopia (di Berardo Carboni), Comedians (di Gabriele Salvatores), Non uccidere 2 e Tutta colpa di Freud – la serie. In Non credo in niente è una hostess in un film gotico dove una Roma decadente fa da sfondo a una generazione di trentenni che vivono vite frammentate, riflesso, più che della società liquida di Bauman, di uno sgretolamento interiore di sogni e valori.

Il suo account Instagram racconta la Demetra pubblica, attrice, modella. Scatti artistici. Ma la Demetra fuori dal set com’è? In cosa crede? Tra un red carpet e uno shooting, il festival di Venezia è un buon momento anche per conversazioni informali: l’intervista di MANINTOWN.

«Credo che oggi più che mai ci sia bisogno di credere in qualcosa, perché sembra talmente facile lasciarsi andare al nichilismo»

Alla Mostra con Non credo in niente. Anche Demetra Bellina non crede in niente?

No, io credo in tante cose. Anzi, credo che oggi più che mai ci sia bisogno di credere in qualcosa, perché sembra talmente facile lasciarsi andare al nichilismo, al pensiero che vale solo oggi, essendo il domani così incerto. Credo che oggi più che mai si debba essere fedeli alle proprie convinzioni e ai propri ideali.

Crede in dio? Qual è il suo rapporto con la religione?

Credo che la percezione della religione sia cambiata molto negli ultimi 50 anni. Sono cresciuta con la religione cristiana, ma non posso dire di essere osservante. Sicuramente credo in qualcosa, ma difficilmente gli si potrebbe dare un nome assoluto.

Crede nell’amore? Nel film recita: «L’amore, quello eterno, è per i poveri. I ricchi cambiano amanti tutta la vita. I ricchi si risposano». Cosa ne pensa Demetra?

Io credo ciecamente nell’amore! La reputo la cosa più importante che c’è. Può essere eterno oppure no, ma è prezioso in ogni caso. Il “vero” amore è quello che ti arricchisce la vita, che ti fa stare bene quando ci pensi e che ti fa desiderare le cose migliori possibili per qualcuno che non sei tu stesso o la tua famiglia d’origine. Ti porta a desiderare di fare delle rinunce, pur di sapere che la persona che ami è felice. Per me questo è l’amore: condividere sé stessi e i propri desideri con l’altro. Sicuramente la società di oggi spinge a porsi continue domande: se valga la pena stare con una persona sola per tutta la vita. Io credo di sì. Credo che se si è felici con qualcuno… perché mai bisognerebbe cambiare? Per essere “più felici con qualcun altro”? Ma che significa?

E nell’amicizia? Com’è Demetra amica?

Non ho mai avuto molti amici, anche se avrei voluto. Guardo con molta ammirazione da sempre quelle compagnie di amici, che riescono a rimanere unite nel tempo. Io solitamente scelgo una persona o due, sperando che loro facciano lo stesso con me.

Crede nella sorellanza? Qual è il suo rapporto con le donne?

Dipende quali. Sono cresciuta in una famiglia dove la maggioranza erano donne, ho una sorella e solo cugine femmine con cui siamo cresciute insieme. Abbiamo un rapporto meraviglioso. Non ho mai avuto però un gruppo di amiche donne, tendevano un po’ ad escludermi, ho sempre avuto più amici maschi o un’unica amica del cuore.

«l regista Alessandro Marzullo è riuscito a rappresentare la frustrazione e le speranze schiacciate di molti giovani di oggi»

Il film apre con la citazione di Bauman “Nella nostra epoca il mondo intorno a noi è tagliuzzato in frammenti scarsamente coordinati, mentre le nostre vite individuali sono frammentate in una successione di episodi mal collegati fra loro”. Il film racconta di vite frammentate o di vite alienate? Senza generalizzare, questi giovani rappresentano un paradigma della generazione alla quale appartengono? È davvero tutto così brutale, dissacrante, privo di regole, reciprocamente offensivo? La violenza, fisica e verbale, fa così parte del linguaggio quotidiano?

Secondo me sono vite frammentate. Noi vediamo solo le notti dei personaggi, vediamo e sentiamo la loro fatica e sì, anche la loro alienazione. Il regista Alessandro Marzullo è riuscito a rappresentare la frustrazione e le speranze schiacciate di molti giovani di oggi, che, dopo tanto studio, si ritrovano magari a lavorare in nero nella cucina di un ristorante. Cercando ancora, nonostante le difficoltà, di raggiungere i loro sogni. Io non trovo il film violento: sarà che lo vedo così somigliante alla realtà che ci sono assuefatta. Anzi, trovo che sia stata tirata fuori una poesia e una luce laddove spesso non si riesce a vederla, cioè nella quotidianità sfilacciata in cui ci troviamo.

Secondo me è vero che la società di oggi è molto più faticosa rispetto a trent’anni fa, ma credo anche che sia nel nostro potere di rendere le nostre giornate migliori, a partire dalle piccole cose. I personaggi spesso ballano, cantano, suonano… Queste sono cose che possono rendere felici, a prescindere che sia il proprio lavoro o meno, a prescindere che uno sia bravo o meno. Tra i miei ricordi più belli ci sono musica e allegria, non successi.

Tra i problemi dei personaggi c’è sicuramente il fatto di essere tutti così divisi, infatti quando sono insieme va sempre un po’ meglio. Credo che il modo per migliorare la nostra società sia stare insieme agli altri, parlare senza prevaricare e tollerare le nostre differenze, capire che non siamo gli unici a sentirci in un certo modo, molto spesso gli altri hanno i nostri stessi pensieri, ma stando ognuno per conto nostro, non lo sappiamo!

«La mia soluzione personale è cercare sempre nuove cose, nuove idee e ricordarsi che il tempo è fatto per andare avanti e non indietro, e che si può decidere di lasciarsi andare fingendo di essere eterni adolescenti o prendere in mano la situazione e fare quello che c’è da fare in quanto, ormai, adulti»

Crede che due persone debbano completarsi a vicenda per essere felici? Accoppiati male è meglio che soli?

Credo proprio di no, però è opinabile il male e il bene all’interno di una relazione: a qualcuno piace stare con una persona opposta a sé, a qualcuno con la persona più simile possibile. Non credo si possa giudicare, ognuno sa di sé che cosa vuole e che cosa no. Anche stare insieme per non stare da soli, se è una scelta di entrambi. Non mi sento di giudicarli. Certo è che io non potrei mai.

«Non ce la faccio più. Ogni cosa che facciamo non funziona. Non abbiamo più vent’anni» è una frase del film. Questa può essere una constatazione o una lamentela. Se la frase fosse la sua, quale sarebbe il suo passo successivo?

Non credo che sia una lamentela. C’è, e c’è stata, molta pressione sui giovani. Non ho vissuto altre epoche, ma dai racconti di persone più grandi una volta era diverso, oggi questa retorica del “successo”, che cerca di convincerti che se non ce l’hai sei un fallito già a 25 anni, sta distruggendo le speranze dei giovani. Anche io tra qualche anno non avrò più vent’anni, ci sono momenti in cui viene lo sconforto a pensare al tempo che passa, ma credo sia inevitabile preoccuparsi del futuro.

Comunque, la mia soluzione personale è cercare sempre nuove cose, nuove idee e ricordarsi che il tempo è fatto per andare avanti e non indietro, e che si può decidere di lasciarsi andare fingendo di essere eterni adolescenti o prendere in mano la situazione e fare quello che c’è da fare in quanto, ormai, adulti. Mia nonna mi ha sempre detto che il periodo migliore secondo lei comincia dopo i 30 anni… Staremo a vedere.

«Per me la musica è un linguaggio universale, ascolto musica proveniente da molti luoghi diversi nel mondo!»

Nel film canta. Ha in uscita un EP. Anticipazioni? Qual è il suo genere, i suoi riferimenti, il suo linguaggio?

Sì! A breve uscirà il videoclip della canzone del film, So many roads di Riccardo Amorese. È stato bellissimo poter finalmente cantare sul set, e poter far esprimere il personaggio anche attraverso la musica. Dopo anni di tribolazioni finalmente farò uscire il mio Ep. Il mio genere è un misto di generi.

Ho cominciato ad amare la musica da quando ero piccola ascoltando Mozart, poi ho scoperto Bob Dylan e i Beatles grazie a mio papà che era un musicista. Ho cominciato a studiare canto a dieci anni e poi a suonare la chitarra, il pianoforte, l’armonica e adesso il basso e il synth. Per ora l’album verte sul blues, il folk e qualcosa di elettronica. Per me la musica è un linguaggio universale, ascolto musica proveniente da molti luoghi diversi nel mondo! Spero che questo EP sia il primo di una lunga serie.

Sta scrivendo un libro: c’è una Demetra che non trova il suo posto sul set e ha urgenza di farsi
sentire? Per parlare di cosa?

Il libro si intitola Erechtrica ed è una raccolta di racconti, poesie, lettere ed illustrazioni ambientato in un mondo interno all’anima degli esseri umani. Il libro parla della società di oggi guardandola dal punto di vista dei sentimenti delle persone, che vengono uno alla volta persi in favore del nulla assoluto; l’anno scorso ne ho tratto anche uno spettacolo teatrale, che si intitolava Quando la musica è finita, forse lo riporterò in scena l’anno prossimo. Credo che più che un’urgenza di farsi sentire fosse un modo per capire io stessa cosa stessi pensando: non credo che le poesie vengano scritte per gli altri, ma per se stessi. Poi, quando lo farò uscire, magari farà porre delle domande anche a qualcun altro e sarò contenta!

«Ci sono già moltissimi bravi sceneggiatori e sceneggiatrici che non trovano sbocchi lavorativi. Sarebbe bello se venissero date più possibilità a giovani che si sono formati per fare questo mestiere»

Le sceneggiature sono uno dei problemi del cinema attuale. Pensa di unire cinema e scrittura e provare anche la strada della sceneggiatura?

Scrivere sceneggiature è molto diverso dallo scrivere letteratura, avevo comprato dei libri per cominciare a studiare, però so che ci sono già moltissimi bravi sceneggiatori e sceneggiatrici che non trovano sbocchi lavorativi. Sarebbe bello se venissero date più possibilità a giovani che si sono formati per fare questo mestiere, secondo me. Poi, ho molte idee per soggetti che magari un giorno qualcuno svilupperà.

Com’è Demetra figlia?

Bisognerebbe chiederlo ai miei genitori, ma non male, credo. Non si sono mai lamentati più di tanto. Non davanti a me, quantomeno.

Padri contro figli, criminali sulla via dell’oblio e una città che brucia, in senso più letterale che metaforico. Potremmo condensare così Adagio, il film di Stefano Sollima presentato nella quarta giornata del Festival del Cinema di Venezia con Pierfrancesco Favino, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Adriano Giannini e Gianmarco Franchini. La pellicola ha incassato dieci minuti di applausi in sala e segna una metaforica chiusura del cerchio rispetto a Romanzo Criminale: la cornice è una Roma ancora più crudele e surreale, devastata dalla corruzione, dai blackout (veri!) e dagli incendi.

Le riprese di Adagio a Roma, tra incendi e blackout

Il regista Stefano Sollima ha raccontato alcuni dettagli delle riprese del film Adagio: «Abbiamo girato in estate, unico modo per catturare e trasporre il caldo torrido romano. Altra ragione che rendeva fondamentale le riprese con la città non troppo popolata erano i blackout, che abbiamo realizzato davvero, chiudendo al traffico ampie zone della città. Qui l’illuminazione stradale è stata spenta per pochi minuti, giusto il tempo delle riprese, e la città, al buio, veniva illuminata soltanto dalle nostre auto che simulavano il traffico cittadino con un effetto finale piuttosto suggestivo. ù

Dietro Adagio c’è un atto d’amore verso la città, che mi era mancata. Io volevo tornare a Roma, tornare a raccontare la città. L’ho trasfigurata, come credo si debba fare in un film come questo, dove gli elementi naturali, come l’incendio e il blackout, sono sì funzionali alla drammaturgia, ma sono anche parte di quello che succede a Roma. Alcuni degli elementi del film, come l’incendio o il blackout, potrebbero sembrare distopici, ma a Roma sono la realtà. Mentre scrivevamo ci sono stati degli incendi. Sembra un elemento fantascientifico, in realtà è semplicemente una parte della città».

Stefano Sollima spiega il legame tra ‘Adagio’ e ‘Romanzo Criminale’

«In Romanzo Criminale – spiega il regista in conferenza stampa – c’era la storia di una banda che ha esercitato su Roma un potere enorme. Qui, essendo un lavoro sulla decadenza, con vecchi che vivono ormai ai margini della società, è chiaro che c’è un collegamento con la banda, ma la loro appartenenza alla banda è solo per dargli un passato mitologico. Non è un collegamento in atto. Infatti, in una delle battute, uno dei giovani fa: “Ma questi chi se li ricorda più? Non contano più un cazzo”. A Roma la banda della Magliana è stato un fenomeno sociale importante e quindi ci ricolleghiamo a quello, ma non ha nessun legame reale con i personaggi e con la storia. Resta sullo sfondo.

La storia tratteggia il declino inesorabile, struggente, di tre vecchie leggende della Roma criminale, alla ricerca di una redenzione impossibile in un mondo ancora più cinico, caotico e feroce di quello che avevano governato negli anni d’oro, che schiaccia relazioni familiari, amichevoli e fraterne, non lasciando altri legami tra gli uomini al di fuori del denaro. Una città governata dal caos, dalla corruzione, dal cinismo, ma con uno spiraglio di luce: la nuova generazione».

In conferenza stampa, tra gli altri protagonisti del film, anche Toni Servillo e Pierfrancesco Favino.

Toni Servillo: “In Adagio recito in romanesco”

«È il mio primo film con Stefano e sono rimasto ammaliato dal soggetto, dalla sceneggiatura, dall’incontro e dal lavoro sul set – racconta Toni Servillo – Il personaggio che mi ha offerto recita nella recita. Come gli altri, che sono dei criminali, ha vissuto dentro certe regole e vuole rispettarle fino alla fine, senza arrendersi mai, sapendo di andare a sbattere contro un destino inevitabile.

Adagio è la storia di questi uomini che fanno i conti con loro stessi, ma quella libertà che si immagina abbiano desiderato e che, in maniera scellerata, hanno avuto da giovani, la mantengono fino all’ultimo. In questo film Stefano mi ha aiutato in una cosa che dubitavo di riuscire a fare: a recitare in romanesco».

Pierfrancesco Favino: “Nel cinema di Stefano Sollima non esiste Dio”

«Sono al terzo film con Stefano Sollima – aggiunge Pierfrancesco Favino – È sempre bello il gioco di invenzione che c’è nei suoi film. Anche visivamente, essere all’interno di essi vuol dire avere l’opportunità di occupare lo spazio con il corpo in una maniera diversa e poter giocare con le inquadrature della meravigliosa fotografia di Paolo Carnera. Uno dei motivi per cui mi piace il suo cinema, una cosa rara nel nostro cinema, è che non esiste Dio.

Stefano per me è uno dei pochi registi punk che abbiamo. Nei suoi film non c’è mai redenzione. In questo film i personaggi sono come delle falene impazzite, ognuno attorno alla propria ossessione, persone che credo debbano fare i conti con se stessi. Non credo che Stefano racconti storie di bene o male: racconta storie di uomini che hanno cose da fare. Il messaggio più bello del mio personaggio è che le colpe dei padri non ricadono per forza sulle teste dei figli, perché i figli sono individui capaci di scegliere da soli».

Il soggetto e la sceneggiatura di Adagio sono firmati da Stefano Bises e Stefano Sollima. Nel cast Pierfrancesco Favino, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Adriano Giannini, Gianmarco Franchini, Francesco Di Leva, Lorenzo Adorni e Silvia Salvatori.
Il film è prodotto da Lorenzo Mieli per The Apartment Pictures, società del gruppo Fremantle, da Ludovico Purgatori e Stefano Sollima per AlterEgo, in collaborazione con SKY, con NETFLIX e con Massimiliano Orfei di Vision Distribution

Segnatevi questa data: 28 settembre 2023, giorno di uscita del film Non credo in niente, opera prima di Alessandro Marzullo passata anche dal Festival del Cinema di Venezia. Il film è stato presentato tra gli eventi collaterali della kermesse, all’interno del panel “Co-produzione internazionale: uno sguardo al futuro”. L’incontro, che si è tenuto alla presenza del regista, della protagonista Demetra Bellina e del produttore e attore Lorenzo Lazzarini, si è svolto presso lo Spazio Fondazione Ente dello Spettacolo.

Il film, presentato in anteprima alla 59ma Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro è prodotto e distribuito da Daitona e Flickmates. Nel cast: Demetra Bellina (Comedians, Gabriele Salvatores, 2021), Giuseppe Cristiano (Io non ho paura, Gabriele Salvatores, 2003; Come Dio Comanda, Gabriele Salvatores, 2008), Renata Malinconico (Ovunque tu sarai, Roberto Capucci, 2017), Mario Russo (Calibro 9, Toni D’Angelo, 2018; Una femmina, Francesco Costabile, 2021), Lorenzo Lazzarini (Love in the Villa, Mark Steven Johnson, 2022), Gabriel Montesi (Esterno Notte, Marco Bellocchio, 2022; Siccità, Paolo Virzì, 2022), Antonio Orlando (Il Primo Re, Matteo Rovere, 2017; Il Traditore, Marco Bellocchio, 2018) e Jun Ichikawa (Cantando dietro i paraventi, Ermanno Olmi, 2003; House of Gucci, Ridley Scott, 2021).

Non credo in niente, un tuffo nella vita dei trentenni di oggi

Quattro ragazzi, grandi ambizioni, un successo che sembra irraggiungibile e la fatidica data dei 30 anni che incombe. Non credo in niente è un viaggio nei sogni, nelle lotte e nelle delusioni di quattro artisti (o aspiranti tali): una hostess dai mille talenti, un aspirante attore che cerca rifugio nel sesso occasionale e una coppia di musicisti costretti a lavorare in nero in un ristorante per pagarsi le bollette. A unirli è la città di Roma, colta nella sua luce più crudele e decadente. Il film di Alessandro Marzullo è un racconto corale e frammentario in cui è facile immedesimarsi: attraverso un’estetica di contrasti, restituisce il disagio e la frustrazione di chi ha trent’anni oggi. Giocando con il montaggio e con il tessuto musicale, fatto di dissonanze e distorsioni, Alessandro Marzullo mette in scena proprio quella società “liquida” anticipata da Bauman. MANINTOWN ha intervistato in anteprima con Lorenzo Lazzarini, qui nella duplice veste di attore e produttore.

Dopo il Pesaro Film Fest, Venezia. Vi aspettavate di arrivare in laguna?

L’avventura di questo film, Non credo in niente, l’abbiamo scoperta e inventata giorno per giorno. A partire da quando Alessandro (Marzullo – ndr) ci parlò per la prima volta del film. Da luglio 2020 ad oggi, ne abbiamo passate tante: molti eventi ci hanno abbattuto e stimolato allo stesso tempo. Eventi incredibili, drammatici, che alla fine sono stati anche la fortuna di questo film. Venezia 2023 è solo uno dei tasselli, importantissimi, che servono ad accompagnare il film verso l’uscita del 28 settembre. Siamo molto emozionati.

«Per noi la produzione di un film è in pellicola, il Cinema si fa in pellicola… Inoltre, lavorare in pellicola, dà tutta un’altra energia, apprezzi e vivi ogni attimo e cerchi di renderlo al meglio»

Il film non è in digitale. Perché tornare alla pellicola? Aumenta i costi e i rischi. Lei è un produttore così temerario?

Temerario sì, anche un po’ incosciente magari, ma non penserei alla scelta della pellicola. I costi sono relativi, ma è proprio l’uso dell’analogico che fa ragionare più economicamente. La pre produzione, quindi, diventa fondamentale, cosicché sul set tutta la troupe, compresi gli attori, siano responsabilizzati ed attenti a sbagliare il meno possibile. Per noi la produzione di un film è in pellicola, il cinema si fa in pellicola. Senza parlare del fatto che proprio la scelta del Super 16mm ha reso quel senso di “zozzo” e di denso che serve alla nostra storia. Inoltre, lavorare in pellicola, dà tutta un’altra energia, apprezzi e vivi ogni attimo e cerchi di renderlo al meglio. Alla fine di ogni notte di ripresa, 12 per la precisione, mi trovavo a tenere strette fra le braccia le pizze di girato da consegnare in laboratorio e, dopo tante ore di set e il sonno arretrato, avere tutto il valore del lavoro fra le mani è un’emozione incredibile.

Il film, come avete dichiarato anche al festival di Pesaro, risente dello stile del regista Wong Kar- wai. Il cinema asiatico è stato inizialmente sottovalutato, finché non è arrivato agli Oscar. È ora di uscire dallo schema classico dove guardiamo al cinema francese o a Hollywood?

Io sono classe ‘93, come il regista Alessandro Marzullo, e inevitabilmente siamo cresciuti con il Cinema anni Novanta, con i grandi film hollywoodiani mainstream, ma siamo anche una generazione che ha vissuto in pieno la crisi degli anni 2000, che ci ha costretti a guardare altrove. Le influenze sono giuste e formative, ma credo che dovremmo guardare al nostro cinema, il cinema italiano che fu e che ha insegnato a tutto il mondo.

«Non si cerca più di arrivare al pubblico, di farlo emozionare, non c’è la missione di arrivare ai grandi numeri, è un sistema produttivo che è fine a se stesso nella fase che va dallo sviluppo alla post produzione»

Venezia, senza i blockbuster americani, potrebbe essere un’occasione per il cinema Italiano ed europeo. Ma basterà l’assenza degli americani per risollevare il nostro cinema o serve altro?

Non basta. Ma la Mostra credo che abbia altri scopi, anche perché siamo in una fase in cui, il più delle volte, precede l’uscita al cinema e tra i due eventi possono passare anche vari mesi. La missione sta a noi produttori, ma c’è tanto da fare.

Lei è co-founder di Daitona, nonché attore con una buona formazione teatrale. Cosa rende il cinema italiano non più competitivo?

Non si cerca più di arrivare al pubblico, di farlo emozionare, non c’è la missione di arrivare ai grandi numeri, è diventato un sistema produttivo fine a se stesso nella fase che va dallo sviluppo alla post produzione. La distribuzione fa fatica a rientrare degli investimenti e, soprattutto, non c’è più voglia. Sono pochi quelli che veramente rischiano e che se lo possono permettere. Importante, poi, è anche l’aspetto umano. Non si parla più con i registi, con gli autori, non si discute, non si combatte, ma si è diventati dei puri amministrativi tra bandi, Spid e email. Visto che nasco come attore, faccio la stessa annotazione per i selftape: ormai anche i coprotagonisti vengono scelti attraverso uno schermo. E, infine, anche l’esperienza umana di Non credo in niente che viene restituita, non è solo il film di 100 minuti, ma tutto quello che ha mosso e che muove.

«Crediamo che oggi, almeno per quanto riguarda il tipo di film che stiamo producendo, il metodo distributivo più efficace sia creare l’evento, rendere esclusiva la visione del prodotto, dando valore a tutto quello che c’è di prezioso nella composizione del film»

Nello scaricabarile che va dalle produzioni ai gestori di sale, lei è ai piani alti della filiera: produce. Qual è oggi il problema nella produzione? Che futuro hanno le piccole case di produzione indipendenti? Essere piccoli o medi è uno svantaggio di fronte ai colossi internazionali o consente qualcosa in più?

Non parlerei di piccoli o grandi, piuttosto di scafati o fortunati. Noi, come produttori attivi da 8 anni, ci siamo dovuti creare un nome, speriamo buono, dal nulla. Nessuna delle nostre famiglie viene dal settore e abbiamo cercato di fronteggiare gli scogli della produzione in vari modi. Nelle difficoltà del settore non ci siamo scoraggiati e questo ha stimolato la fantasia nel produrre. Altrimenti Non credo in niente non avrebbe mai visto la luce. Stiamo cercando, anche in vista delle recenti riflessioni ministeriali, modi alternativi di produrre e, soprattutto, di distribuire i film. Crediamo che oggi, almeno per quanto riguarda il tipo di film che stiamo producendo, il metodo distributivo più efficace sia creare l’evento, rendere esclusiva la visione del prodotto, dando valore a tutto quello che c’è di prezioso nella composizione del film.

«È sempre più raro quel fiuto che dovremmo avere per gli autori, per le grandi storie che vanno raccontate e per individuare come vanno raccontate e distribuite. Il produttore dovrebbe solo produrre»

L’Italia è oggi un mercato appetibile per le produzioni internazionali che beneficiano del tax credit. È ben regolamentato o la legge va rivista?

Da quello che ho visto, e qui parlo come attore, avendo avuto la fortuna di partecipare a grandi produzioni statunitensi ed inglesi che hanno girato in Italia, la mole produttiva è aumentata a dismisura, dando lavoro continuativo e ben pagato a molte figure professionali. Questo è però diventato una difficoltà per le produzioni più piccole, che hanno difficoltà a contrattualizzare, per esempio le maestranze, a cifre che stiano al passo con le paghe straniere. Si sta viziando il mercato. Mi auguro che il tax credit per gli stranieri sia attivo per molti anni ancora, ma temo le ripercussioni sul mercato.

In Italia negli ultimi anni si sta producendo tanto. L’Italia rischia di diventare un service, un Paese dove si producono film di altri, lasciando morire la grande tradizione cinematografica italiana?

Sono le piattaforme che producono. Noi rischiamo sempre di più di essere soltanto i loro “organizzatori generali”. C’è chi ne ha fatto un business, anche noi lo facciamo con la produzione dei commercial, senza i quali non potremmo sostenere la problematica del cash flow del cinema.
Ma così si rischia di scardinare il vero lavoro del produttore: è sempre più raro quel fiuto che dovremmo avere per gli autori, per le grandi storie che vanno raccontate e per individuare come vanno raccontate e distribuite. Il produttore dovrebbe solo produrre.

All’interno del Festival del Cinema di Venezia 2023, uno spazio è dedicato alla presentazione di Cortinametraggio, il festival di riferimento per i corti, giunto alla sua la 19a edizione. Cortinametraggio si terrà a Cortina D’Ampezzo dal 12 al 17 marzo 2024. A dare il volto a Cortinametraggio 2023 è la giovane e talentuosa Eleonora De Luca (Padrenostro di Claudio Noce; Le sorelle Macaluso di Emma Dante; L’Ora Legale di Ficarra e Picone; La Mafia uccide solo d’estate di L. Ribuoli), madrina del festival presieduto e fondato da Maddalena Mayneri e dedicato al meglio della cinematografia breve italiana.
Eleonora era già stata alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2020 quando ricevette il premio “Nuovo Imaie” come migliore attrice esordiente per i film Le sorelle Macaluso di Emma Dante, dove ha interpretato il ruolo drammatico di Maria, aspirante ballerina classica, e Padrenostro di Claudio Noce, dove era la tata dei figli di Pierfrancesco Favino.
Nel frenetico viavai di artisti che, nonostante gli scioperi, anima la Laguna in questi giorni, abbiamo incontrato Eleonora De Luca.

Intervista all’attrice Eleonora De Luca

Com’è tornare a Venezia non solo da attrice ma anche da madrina di Cortinametraggio?

Ho avuto la fortuna e la stranezza di essere qui nel 2020, presentando Le Sorelle Macaluso di Emma Dante e Padrenostro di Claudio Noce, entrambi in concorso ufficiale. Il 2020! L’anno in cui ogni posto era svuotato e da riabitare emotivamente, mi sono trovata in una Venezia semi-vuota e magica. Sono tornata qui nel 2021 per la riconsegna del Talent Award di Nuovo Imaie come miglior attrice che avevo vinto l’anno precedente e ora rieccomi per la terza volta, per L’Invenzione della Neve di Vittorio Moroni e per questa nuova esperienza di Cortinametraggio. Sono molto felice di cominciare qui il mio approdo a quest’avventura. Un rito sull’acqua vero e proprio. Passeggiare per Venezia è come incedere in un sogno, e il cinema è sogno della vita, per cui è un’esperienza totalmente onirica.

Ha una notevole formazione teatrale e ha partecipato a film con grandi registi. Cosa pensa dei
cortometraggi?

Penso che il dono della sintesi che appartiene ai cortometraggi possa avvicinarsi al mondo della poesia. Perciò è una forma d’arte in cui bisognerebbe avere un’urgenza bruciante. Fare un cortometraggio è un po’ come far intuire la potenza di un incendio mostrando solo un fiammifero. Mi affascina, sono molto curiosa di ciò che vedrò.

«Un teatro che è quasi un tribunale della vita, in cui non si può mentire»

Nel suo passato, breve vista la sua età, c’è molto teatro greco. Cosa l’ha portata a studiare all’Inda questa tipologia di rappresentazione e cosa le ha lasciato nella cassetta degli attrezzi? È stato un
supporto o un ostacolo quando ha fatto il salto nel cinema e nella televisione?

Mi sono formata presso la scuola del Teatro Greco di Siracusa, L’Istiuto Nazionale del Dramma Antico. Quella è la mia culla, i miei primi passi d’attrice sono stati in un teatro antichissimo, da 8.000 spettatori. Un teatro che è quasi un tribunale della vita, in cui non si può mentire. Porto con me quella verità. Non credo nella scissione teatro/cinema, credo che un attore debba essere liquido, saper prendere la forma e riempire qualsiasi tipo di recipiente. Una cosa considerata assolutamente normale in America, per esempio. Sono un’attrice con una formazione completa, e mi diverto a trasformarmi. Ogni mutazione di linguaggio, per me, è una sfida.

È a Venezia anche con il film L’invenzione della neve, in sala dal 14 settembre, presentato in anteprima mondiale in apertura a “Le Giornate degli Autori”. Che esperienza è stata?

Un’esperienza unica. Questo film è stato un puro esperimento cinematografico. Sono felice che Vittorio Moroni mi abbia scelta, in un film di sole sei scene, in un cast di soli sei attori. È stata una grande responsabilità. Il pubblico poi ha risposto con grande stupore. Lo stupore è una delle mie emozioni preferite, una tra le più rare da tenere vive, passata l’infanzia.

«Mi innamoro delle storie, che devono essere urgenti per chi le scrive e dirige»

So che alcune scene sono state girate senza interruzione anche per mezz’ora di seguito. Recitare così è più da teatro che da cinema…

Tutte le scene! Giravamo per tre giorni di fila la stessa scena, in loop, in piano sequenza, senza possibilità di fermarci. Ogni errore doveva essere utilizzato, giustificato, reso parte del gioco. Ogni scena durava più o meno 25 minuti, e noi attori giravamo liberi come animali, con una scena scritta, sì, ma totale libertà di improvvisazione. Più che teatrale o cinematografica, direi proprio da attore. Da attore vero, purosangue. Per un operazione del genere bisognava essere atleti pronti. L’improvvisazione non si improvvisa.

Un genere che vorrebbe affrontare?

La distopia. E la fantascienza. Magari anche tutti e due i generi fusi insieme. Sono un’amante dei romanzi e dei racconti di Philip K. Dick. Mi piacciono i personaggi che cercano di tenersi dritti nelle storie distorte. I personaggi a fuoco negli scenari offuscati.

Da chi vorrebbe essere diretta?

Steven Spielberg! Parla al mio cuore di bambina. In ogni caso per me non importa il nome, potrebbe essere anche un emergente. Mi innamoro delle storie, che devono essere urgenti per chi le scrive e dirige. È una delle prime domande che faccio ai registi con cui lavoro: «come mai lo fai?»

«Inoltre credo nell’immenso potere dissacrante della risata. La risata, anche solo come azione, ti costringe ad aprirti, ti rende vulnerabile, pronto a recepire»

Con chi vorrebbe tornare a lavorare?

Ficarra e Picone: hanno un posto speciale nel mio cuore. Sono stata battezzata da loro con il mio primissimo film, L’ora legale, appena diplomata come attrice, in un anno di provini in cui arrivavo costantemente in finale, ad un passo dal ruolo, e nessuno poi si fidava di me, sconosciuta. Ho avuto paura che il cinema fosse solo questo, un circolo vizioso in cui si continuavano a premiare le comodità, le conoscenze, e non gli atti coraggiosi. Salvo e Valentino non sono così. Rischiano.
Scrivono storie scomode. È grazie a loro se per me si è aperta questa meravigliosa porta. Sono due artisti che stimo tantissimo, che sanno essere persone ancora prima che talenti. Inoltre credo nell’immenso potere dissacrante della risata. La risata, anche solo come azione, ti costringe ad aprirti, ti rende vulnerabile, pronto a recepire. È molto più facile rendere un po’ tristi le persone che farle ridere di gusto, come fanno loro.

Venezia quest’anno è un po’ meno americana. Un bene o un male per la Mostra?

Non saprei. Venezia è un porto, e un porto è un po’ come un punto interrogativo proteso verso il mare. Non puoi prevedere chi sbarcherà e cosa porterà. Però è il porto della bellezza. Credo che si debbano valorizzare sempre le belle storie, indipendentemente dalla nazionalità di chi le scrive o produce. Spero che Venezia continui ad essere bellissima, quindi.

Progetti che stanno per uscire dal cassetto?

Ho appena finito di girare un film molto interessante, una co-produzione internazionale, Cuori di Sale, diretto da Rosa Russo. Sono una delle due protagoniste principali e recito in italiano, francese, inglese e siciliano. Mi sono divertita moltissimo perché è stato un ruolo da pura irresponsabile. Ho altri progetti in vista ma aspetto di poterne parlare.

«Il cinema per me dev’essere luce pura che fluisce libera. Sogno un mondo dove essere donna o uomo sia come essere bruni o biondi»

Sarà su Sky con L’arte della gioia per la regia di Valeria Golino. Una storia di donne, diretta da una donna. Quanto è importante raccontare il mondo femminile in modo diverso? Quanto spetta a noi donne uscire dallo schema santa-puttana nel quale siamo sempre state rinchiuse? E quanto il cinema e la televisione hanno oggi questo compito?

Penso che spetti un po’ a tutti, donne e uomini, dare valore all’umano, in tutte le sue sfaccettature e a prescindere dal suo genere di identificazione. La parola “Diavolo” viene da “diaballo”, che significa separare, dividere. I mostri quindi stanno nella separazione, nel voler schedare. Nell’ostinarsi a non vedere l’essere umano, nella sua eterogeneità e nelle sue meravigliose singole differenze, come unico, coeso, esteso. Il cinema per me dev’essere luce pura che fluisce libera.
Sogno un mondo dove essere donna o uomo sia come essere bruni o biondi. Sogno un cinema in cui si raccontino personaggi con cui chiunque può empatizzare, anche uno spettatore maschile se la protagonista è una donna. Allora il cinema diventa politica, senza bisogno di parlare di politica. Il cuore vince su qualsiasi ragionamento, e il pubblico va preso da cuore a cuore. Goliarda Sapienza, nel suo romanzo L’arte della gioia ha regalato alla sua protagonista la possibilità di essere un personaggio che sfugge agli incasellamenti demoniaci. Sono felice che Valeria Golino abbia deciso di rievocare questo romanzo. È il momento giusto e la persona giusta per farlo. E sono fiera di avere preso parte a questo silenzioso e sensibile golpe.

Tra i film della selezione ufficiale del Festival del cinema di Venezia 2023, è stato presentato Finalmente l’alba, un film scritto e diretto da Saverio Costanzo. Nel cast Lily James, Rebecca Antonaci, Joe Keery, Rachel Sennott, Alba Rohrwacher e Willem Dafoe. Il film è prodotto da Rai Cinema in collaborazione con Fremantle e Cinecittà S.p.A.
Finalmente l’alba è il viaggio lungo una notte della giovane Mimosa (Rebecca Antonaci) che, nella Cinecittà degli anni Cinquanta, diventa la protagonista di ore per lei memorabili. Una notte che da ragazza la trasformerà in donna.

«Inizialmente volevo scrivere un film sull’omicidio della giovanissima Wilma Montesi – racconta Saverio Costanzo – avvenuto nell’aprile del 1953 e che rappresentò per l’Italia il primo caso di assassinio mediatico. La stampa speculò sulla vicenda, che coinvolgeva personalità della politica e dello spettacolo, e nel pubblico nacque un’ossessione che presto diventò indifferenza. Dalle cronache scomparve la vittima per fare posto alla passerella dei suoi possibili carnefici. Poi, come accade spesso scrivendo, l’idea iniziale è cambiata e, piuttosto che far morire l’innocente, ne ho cercato il riscatto. Mi piace infatti pensare che Finalmente l’alba sia un film sul riscatto dei semplici, degli ingenui, di chi è ancora capace di guardare il mondo con stupore.
La protagonista, Mimosa, è una ragazza semplice, una giovanissima comparsa di Cinecittà che, nella Roma degli anni ’50, accetta l’invito mondano di un gruppo di attori americani e con loro trascorre una notte infinta. Ne uscirà diversa, all’alba, scoprendo che il coraggio non serve a ripagare le aspettative degli altri, ma a scoprire chi siamo».

Saverio Costanzo a Venezia 80: racconti al femminile e voci di donne

«Mi trovo più mio agio con personaggi femminili – continua Saverio Costanzo – Mi era capitato di dirlo anche in occasione de L’amica geniale. Mi viene naturale. Trovo che sia più divertente. Da maschio imparo molto quando entro dentro personaggi femminili. È un’esperienza molto più elettrizzante. L’omicidio di Wilma Montesi fu una sorta di spartiacque all’interno dell’opinione pubblica italiana, perché da quel momento le cronache raccontarono un’Italia che aveva perso l’innocenza. Il fatto di dare più spazio ai carnefici che alla vittima è un’abitudine che abbiamo perfezionato negli anni: quella di non avere più nessuna empatia verso la vittima, ma solo di interessarci, nel tempo brevissimo che abbiamo a disposizione prima che arrivi un altro omicidio, dei carnefici. Scrivendo mi sono ritrovato a cambiare l’epilogo.
Non riesco a pensare in termini femminili e maschili. Se i maschi imparano a dialogare con la loro parte femminile, imparano moltissimo di loro stessi. Questo è un esercizio che mi piace fare».

Rebecca Antonaci, la giovane Mimosa di Finalmente l’alba al Festival di Venezia 2023

«Rebecca è stata una fortuna per me. Come con Adam Driver, Luca Marinelli e altri attori che ho avuto la fortuna di dirigere, ci siamo incontrati per caso. Giravo una pubblicità. L’unica che io abbia mai girato, perché quell’esperienza mi è servita per capire che è un campo che non mi interessa. Lì però incontrai Rebecca.
Uno dei personaggi dello spot era questa ragazza, adolescente, che mi colpì perché riusciva a concentrarsi, a crearsi un suo spazio, all’interno della confusione che regnava sovrana in un set piccolissimo. E poi mi colpì la sua curiosità. Stavo scrivendo il film e ho iniziato a pensare a lei. Quando sono arrivati i provini è stata una delle prime persone che ho voluto vedere. Poi ho fatto provini per un anno cercando qualcuno che mi facesse cambiare idea. Ma alla fine è rimasta lei».

Il caso Montesi di Finalmente l’alba, presentato a Venezia 80

«Ho scelto il caso Montesi perché, in tanti anni, ho capito come cambiare l’epoca ti aiuta a guardare senza sociologismi la realtà di oggi. Non siamo così diversi, ma la realtà degli anni ‘50 è apparentemente più semplice. Ho scelto questo caso anche perché fu un archetipo di quello che è accaduto dopo. L’Italia non è un paese semplice per una donna, a mio parere. È una questione culturale. Vedere le foto di Wilma Montesi buttata sulla spiaggia a faccia in giù, con le calze abbassate, è una di quelle immagini che rimangono.
Wilma Montesi era una comparsa, voleva fare l’attrice, quindi ho trovato spazio e materiale per ricostruire quella Cinecittà. Cinecittà non è solo uno studio cinematografico. Ci sono tanti studi più grandi e più avanzati di Cinecittà. La differenza non è solo la storia che si respira in quei luoghi, siamo noi. Ricordo che giravo scene con il peplo egiziano, vedevo le facce delle persone in mutande e le immaginavo che tornavano con la lambretta a casa la sera. Erano uguali, ora come allora. E pensavo: vedi qual è la differenza? Cinecittà siamo noi. Sono le nostre maestranze, le nostre comparse, il nostro atteggiamento, il nostro modo di urlare, anche la nostra cialtroneria.

«Il film racconta anche il dietro le quinte del cinema del tempo»

Il film racconta anche il dietro le quinte del cinema del tempo. Penso al personaggio di Lily James.
Essere una diva negli anni ‘50 doveva essere un inferno. Venivano invidiate, amate, ma la cura della loro immagine, il loro dovere di essere seducenti, ammalianti, fatali, doveva essere micidiale. Il personaggio di Lily James ha le nevrosi di chi è sempre sotto l’occhio di bue, sotto lo sguardo di qualcuno nell’inquadratura finale, quella che ci fa salutare il personaggio. In realtà capisci che lei deve sempre fare quello che le chiede il sistema. Non è mai chi è veramente. 
Ci sono anche personaggi negativi che si aggirano in secondo piano, ma non sono gli artisti: sono quelli che stanno attorno agli artisti, che li sfruttano, li usano. Che trattano le donne come moneta di scambio. Quelli sono i predatori, ma non sono artisti. 

In film di Saverio Costanzo che ha fatto discutere

Finalmente l’alba aveva già fatto discutere prima dell’inizio della mostra perché Alberto Barbera, direttore della mostra del cinema di Venezia, aveva dichiarato che il film è costato quasi 30 milioni di euro: uno dei più costosi tra quelli in concorso e con un budget inusuale per un film italiano Saverio Costanzo è entrato nella discussione: «Per me è un film come Hungry Hearts (film diretto dal regista nel 2014 con Adam Driver – nda) che costava 500.000 €. Sono abituato a passare da film con budget poverissimi a film come questo. Domani potrei fare un altro film, come si suol dire, con due pinze e una tenaglia. Non riesco strategicamente a pensare: ora faccio il grande film per la sala, poi ne faccio uno piccolo. Per me i film nascono tutti attraverso lo stesso processo creativo.
Ci sono storie che hanno bisogno di più mezzi e storie, come Private (suo film d’esordio nel 2004 – nda), e altri che richiedono meno risorse. Per me quello del budget non è un tema. E in un film americano non ne discuteremmo mai. Quello del budget è un atteggiamento che dobbiamo iniziare a superare».
Forse quello del budget non sarà un problema, ma il fatto che si continuino a girare film in perdita non fa bene all’industria cinematografica italiana. Speriamo che il nuovo film di Saverio Costanzo ripaghi la Rai e gli altri investitori del loro ingente sforzo economico.

Leone Film Group, Rai Cinema e 01 Distribution hanno presentato a Venezia Ferrari, il nuovo attesissimo film del quattro volte candidato al Premio Oscar Michael Mann, in Concorso al Festival del cinema di Venezia2023, l’edizione numero 80 della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Nel cast il candidato all’Oscar Adam Driver nel ruolo di Enzo Ferrari e il Premio Oscar Penélope Cruz in quello della moglie Laura, oltre a Shailene Woodley che interpreta Lina Lardi, Patrick Dempsey e Jack O’Connell che indossano le tute dei piloti Piero Taruffi e Peter Collins, Sarah Gadon nel ruolo di Linda Christian e Gabriel Leone in quello del carismatico Fon De Portago. Scritto da Troy Kennedy Martin (The Italian Job) e dallo stesso Mann, il film è basato sul romanzo di Brock Yates Enzo Ferrari: The Man and The Machine ed è stato girato in Italia.
Ferrari è un’esperienza cinematografica epica, spettacolare e appassionante, ambientata nell’affascinante quanto rischioso mondo delle corse automobilistiche degli anni Cinquanta: la storia di una leggenda che ha costruito un mito inossidabile diventando un’icona mondiale.

La storia del film Ferrari presentato al Festival del cinema di Venezia 2023

Modena 1957. Enzo Ferrari, ex pilota e costruttore delle auto più famose al mondo, sta vivendo una crisi personale e professionale. L’azienda che dieci anni prima aveva creato dal nulla è in grave difficoltà e anche il matrimonio con la moglie Laura sta diventando sempre più tempestoso dopo la morte del loro unico figlio Dino e la scoperta dell’esistenza di Piero, il figlio che Ferrari aveva avuto da una relazione extraconiugale. In cerca di riscatto, il “Drake” decide di puntare tutto su una gara di velocità che si disputa in Italia: la leggendaria Mille Miglia.
Michael Mann ha scelto di girare in Italia, con gli esterni a Maranello, per restituire le atmosfere e l’autenticità di personaggi straordinariamente intensi e visionari che hanno creato quella fusione di arte in movimento e potenza da corsa che è la Ferrari. La produzione vanta nomi di eccellenza tra cui il direttore della fotografia, il premio Oscar Erik Messerschmidt, la scenografa Maria Djurkovic, due volte nominata agli Academy Awards, il costumista due volte candidato all’Oscar Massimo Cantini Parrini, il premio Oscar per il sonoro Lee Horloff e il montatore Pietro Scalia, vincitore di due Oscar.
Ferrari ha alle spalle una lunga genesi. Era il 1991 quando Vittorio Cecchi Gori e Silvio Berlusconi acquistano i diritti del libro Enzo Ferrari: Il L’uomo, le macchine, le corse di Brock Yates per farne un film.
Nel 2004 era ancora tutto fermo. Venne allora chiesto a Sydney Pollack di dirigere il film con Al Pacino, ma il progetto non andò in porto. Nel 2006 la Cecchi Gori fallisce. Due anni dopo arriva il produttore Niels Juul (The Irishman di Martin Scorsese) e nel 2010 si aggiunge Mann, per un film da 95 milioni di dollari.

Michele Savoia interpreta Carlo Chiti nel film Ferrari

Nel cast, nei panni dello storico progettista Carlo Chiti, Michele Savoia. È lui ad aprirci una porticina su una grande produzione internazionale.

Michele, per te un grande salto: questo film ti ha catapultato su un set internazionale. Com’è stato dare volto e voce all’ingegner Carlo Chiti, uno dei padri di macchine storiche come la Ferrari 156 F1 o la 250 GTO?

Carlo Chiti è sicuramente una delle menti ingegneristiche italiane più brillanti. Nella sua carriera ha avuto sempre intuizioni geniali che hanno cambiato la storia automobilistica. Un grande onore poterlo interpretare. Ho voluto studiare il più possibile della sua vita, delle sue abitudini e del suo carattere. Una persona di estrema professionalità, senso del dovere, ma anche un uomo che amava ridere e raccontare barzellette (da ciò che mi ha raccontato chi lo ha conosciuto).

Un grande italiano come Ferrari raccontato da un americano. Il film di Michael Mann ci restituisce l’anima italiana di Ferrari?

Michael Mann è un regista strepitoso, con le idee perfettamente chiare e una profonda cultura italiana. Prepara questo film da 20 anni e conosce ogni dettaglio della storia di Ferrari e anche della cultura italiana dell’epoca e secondo me, ha restituito con molta onestà lo spirito e l’anima tricolore. Piccola curiosità, a volte si discuteva molto anche su cosa ci dovesse essere in tavola da mangiare nelle scene di pranzi/cene e cosa dovesse essere servito prima o dopo secondo la cultura italiana.

«È stato come viaggiare lontano portando in valigia la moka per il caffè»

La storia della Ferrari era stata raccontata anche nel film Le Mans 66 – La grande sfida con Matt Damon e Christian Bale. Adam Driver è stato Maurizio Gucci nel film di Ridley Scott. Com’è stato essere uno straniero in una delle storie italiane più famose al mondo?

Poter portare la nostra cultura in una storia nostrana raccontata dagli americani è stata una bellissima sfida, inaspettata, ma è stato come viaggiare lontano portando in valigia la moka per il caffè: un sogno ad occhi aperti che sembrava irraggiungibile, divenuto realtà tra i confini di casa.

Un dietro le quinte del film durante la produzione?

Conservo un sacco di ricordi dei miei tanti giorni sul set. Già il solo vedere Michael Mann con la sua instancabile energia e i suoi occhi luccicanti per la gioia mentre dirige, è un dono enorme. La grande professionalità e concentrazione sul set, la grande libertà nell’esplorare i personaggi e le scene. E, personalmente, un momento intimo che porterò nel cuore è stato quando, il giorno del mio compleanno, sul set, Adam Driver, Patrick Dempsey e Michael Mann mi hanno cantato happy birthday a fine riprese.

È stata l’attrice Charlotte Rampling, protagonista del film Portiere di notte, ad accompagnare la regista Liliana Cavani a ricevere, a 90 anni, il Leone d’oro alla carriera al Festival del cinema di Venezia 2023, l’edizione numero 80 della Mostra d’arte cinematografica organizzata dalla Biennale.
«Sono la prima persona donna a ricevere questo premio – ha dichiarato la Cavani- e trovo che non sia giusto. Ci sono donne, sceneggiatrici, registe che lavorano bene al pari degli uomini e dobbiamo dargli la possibilità di essere viste. Il festival dovrebbe considerare anche che le donne possono fare bei film. Io sono la prima donna a ricevere il Leone alla carriera. Serve equilibrio in questo senso e mi auguro che questo inizio abbia un seguito»,
Liliana Cavani, è a Venezia 80 anche per presentare il suo film fuori concorso L’ordine del tempo, in sala dal 30 agosto.

«Il cinema si fa con gli attori. Scegliere gli attori giusti vuol dire essere già a metà strada del film. Perché il film lo fanno loro. Il regista sta dietro, dà le direttive, però se c’è l’attore davvero giusto, allora c’è un film».

Nel cast: Alessandro Gassmann, Claudia Gerini, Edoardo Leo e Angela Molina. Il film è prodotto da Indiana Production, Vision Distribution, Sky e Rai Cinema.
«Quando io e Paolo Costella leggemmo il libro di Carlo Rovelli intitolato L’Ordine del Tempo – racconta Liliana Cavani – abbiamo deciso di scriverne una versione cinematografica. Quando sono così affascinata dalla lettura da sentire nascere emozioni, voglio trasmetterle al mio pubblico, e di solito decido di farci un film. Paolo e io ci siamo immersi in parole emozionanti come: “Tutta la nostra fisica, e la scienza in generale, riguarda il modo in cui le cose si sviluppano ‘secondo l’ordine del tempo’”».
«Ho avuto la fortuna di trovare grandi attori che si unissero a me in questa avventura: artisti che possono offrire un’ interpretazione autentica della vasta gamma di emozioni che questa storia ha richiesto, trovando un personale modo per esprimere paura, nostalgia, stupore, incertezza, speranza. Perché il cinema si fa con gli attori. Scegliere gli attori giusti vuol dire essere già a metà strada del film. Perché il film lo fanno loro. Il regista sta dietro, dà le direttive, però se c’è l’attore davvero giusto, allora c’è un film».

Al Festival del cinema di Venezia 2023 Liliana Cavani racconta il suo film L’ordine del tempo

«La prima volta che venni a Venezia fu con Philippe Pétain: processo a Vichy, un documentario fatto con pochissimo materiale cinematografico. C’era stato il processo e avevo molto materiale fotografico, per il quale ho dovuto inventarmi una sorta di montaggio. Avevo anche intervistato un generale di quasi novantotto anni, a Parigi, quasi seduta sulle sue ginocchia perché era sordo.
Erano le prime produzioni televisive dove si parlava della Seconda Guerra Mondiale. Da lì, sono poi finita a girare quattro ore sul Terzo Reich, tre ore sull’eredità di Stalin. Conoscevo la guerra del Peloponneso meglio della Seconda Guerra Mondiale, perché, per quanto assurdo, a scuola succede così. Per me fu una rivelazione che ci fossero ancora dei nazisti in giro. Fu un’esperienza formativa per me e che influenzò il cinema che feci subito dopo. Iniziai con un Francesco d’Assisi con quattro soldi. Avevo trovato per caso un vecchio libro su una bancarella. Nella mia vita il caso a volte l’ho incrociato. Vengo da una famiglia atea: conoscevo Francesco per la letteratura, per il suo Cantico, per la descrizione che ne fa Dante nella Commedia. Prima di quel film, però, c’erano state le ore di immagini riprese durante guerra: tanto materiale girato con piccole cineprese…per questo i negazionisti sono assurdi, perché è tutto filmato. Venivo quindi da una grande lezione di storia, con milioni di morti nei campi di sterminio: un passaggio del quale il mio cinema credo abbia risentito».

«Noi abbiamo paura del tempo futuro e ci dimentichiamo di quello passato. Eppure noi siamo perseguitati dal tempo. Questa è stata un’occasione per parlare del tempo».

A proposito del film presentato fuori concorso a Venezia, L’ordine del tempo, Liliana Cavani racconta: «Questo film è nato da un libro di Rovelli, che veniva a casa mia per spiegarlo a me e al mio cosceneggiatore, visto che i suoi libri parlano di fisica. Noi ci guardavamo e ci dicevamo: tu hai capito? Non capivamo tutto, però abbiamo avuto la possibilità di riflettere sul tempo. Noi abbiamo paura del tempo futuro e ci dimentichiamo di quello passato. Eppure noi siamo perseguitati dal tempo.
Questa è stata un’occasione per parlare del tempo.
Pensando al tempo, il momento della mia vita che mi è piaciuto di meno, è stato vedere l’apertura dei lager. È il ricordo peggiore di tutto quello che ho visto. Quando sento parlare i negazionisti, credo si dovrebbero legare a una poltrona e far vedere loro i fatti. Si fa poca storia. Oggi pensiamo che in passato fossero incivili, invece le guerre sono diventate sempre più criminali. C’è stato un crescendo, ma a scuola non lo raccontano.
Oggi sono felice di essere qui con il mio produttore perché ha deciso di fare questo film. I produttori dovrebbero osare e fare cose che non si erano fatte prima».

La seconda edizione del Festival des Cabanes a Villa Medici, la splendida sede rinascimentale dell’Accademia di Francia, ha ospitato un incontro con il famoso fotografo di moda, Paolo Roversi.

Roversi, il fotografo che non voleva fare il fotografo. Il fotografo che considera la sua vita come un sentiero senza fine, le cui pietre miliari sono i suoi incontri con Peter Knapp, direttore creativo di Elle, Laurence Sackman, Franca Sozzani.

Punti di svolta: la campagna pubblicitaria del 1980 per Dior, l’incontro con Rei Kawakubo fondatrice di Comme des Garçons  (“sono stato stimolato dalla sua capacità di mescolare la cultura orientale e occidentale e dal rapporto corpo – vestito”), il calendario Pirelli 2020, per la prima volta scattato da un italiano. Ha firmato le tre immagini ufficiali di Kate Middleton, vestita in Alexander McQueen, in occasione dei 40 anni della futura regina inglese.

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Ha legato il suo nome a riviste come Elle, Marie Claire, Harper’s Bazaar e Vogue e a grandi stilisti tra i quali Giorgio Armani, Valentino, Krizia, Cerruti, Romeo Gigli, Dior, Yves Saint Laurent, Alberta Ferretti, Hermès, Pomellato, Givenchy, Guerlain, Comme des Garçons e Yohji Yamamoto.

Paolo Roversi vive a Parigi dal 1973, ma non ha mai dimenticato Ravenna, la sua città natale.

“Le mie radici ravennati sono profonde. Anche se vivo da cinquant’anni a Parigi, sono per metà francese, ho una moglie francese, ogni volta che torno a Ravenna io torno a casa. Sono cresciuto davanti alla bellezza dei mosaici bizantini e, quando li rivedo, è come se ritrovassi figure familiari: sento che ci apparteniamo. Ho viaggiato tanto, ma quando torno sento l’amore di cui parla Ungaretti nella poesia “Casa mia”, quando conclude dicendo “credevo di averlo sparpagliato per il mondo”. In quel momento mi rendo conto che il mio amore per la mia città è ancora tutto là”.

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Quello con la fotografia è un rapporto che nasce da bambino…

La fotografia per me è sempre più una domanda che una risposta. Ho un approccio mistico e spirituale a quest’arte.

Il mio rapporto con la luce è nato dalla paura del buio che avevo da bambino. Quella luce che filtrava da sotto la porta e che proiettava sui muri figure spettrali. Mi facevano paura, non capivo se fossero realtà o sogni. Quelle immagini sono state le mie prime foto e si ritrovano nei mie scatti, nella sovrapposizione di sogni, ombre, realtà, fantasmi.

La sua prima forma di espressione è la poesia, la fotografia arriva in un secondo momento…

Da ragazzo andai in Spagna. Ero uno studente appassionato di poesia. Scattavo foto come un turista, ma percepii che forse la fotografia poteva essere un modo poetico per esprimermi. Fu allora che avvenne il mio passaggio dalla poesia scritta alla poesia fotografica.

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Il suo studio è il suo palcoscenico…

Il mio studio è un piccolo palcoscenico dove tutto può accadere. Non è semplicemente una stanza dove lavoro, ma un modo di fotografare: è uno stato d’animo, un modo di porsi davanti a un soggetto. Il mio studio è ovunque io vada e uso la mia macchina: lo studio sono io, non è semplicemente la mia stanza di Parigi. È un luogo dove non c’è niente di logico. Quando chiudo quella porta, quella stanza si trasforma nel mondo del sogno, delle sensazioni, dei sentimenti, delle memorie, dei ricordi, delle ossessioni, ma di razionale non c’è niente. Il mio studio è parte della mia mente.

Una foto nasce dalla luce. Il suo rapporto con la luce?

Anche il mio rapporto con la luce non si può razionalizzare. Non si può ragionare con la luce: la luce è un sentimento. Quello che è difficile, è imparare il sentiment de la lumière.

Ogni persona ha una luce interiore che porta dentro, una luce che illumina l’invisibile: quella che spesso definisco “anima” ed è quella che cerco di fotografare.

Quando mi chiedono “come fai a fare queste foto?”, rispondo “non lo so”. Non c’è una ricetta. Si lavora, si prova, si vede: è il frutto di tanto lavoro e tanta passione. Per me fotografare non è inquadrare qualcosa del mondo esteriore e portarlo dentro la foto: è risvegliare qualcosa del proprio inconscio e portarlo alla luce. Non si prende una fotografia, si dà una fotografia.

La mia fotografia si basa sulla sottrazione. Ho sempre cercato di rimuovere le maschere che le persone indossano per rivelare la loro bellezza interiore.

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La messa a fuoco è un momento importante dello scatto, ma la  messa a fuoco sfocata è una sua cifra stilistica…

La mia infanzia è avvolta dalla nebbia di novembre di Ravenna. Forse da lì nasce il mio amore per le lunghe esposizioni, che danno all’anima il tempo di rivelarsi. Per me la fotografia è una pagina nera sulla quale disegniamo senza matite e sena pennelli: solo con qualche raggio di luce.

Julia Margaret Cameron, che usava una camera come la mia, un giorno fece un ritratto di John Herschel e le dissero: “si bello, però è sfocato”. E lei rispose: “chi ha il diritto di dire qual è il legittimo punto di fuoco?”.

Quando metto a fuoco, non cerco di scattare quando è a fuoco ma quando è bello”.

Come si definirebbe come fotografo?

Più che un fotografo mi sento un artigiano fedele ai suoi strumenti. Per trent’anni ho lavorato con una Deardoff 20×25. È stata la mia compagna di viaggio dal 1930. La Polaroid era diventata la mia materia prima, la mia seconda pelle. Ricordo la trepidazione nell’attesa di quei sessanta secondi prima di aprire il Polaroid, sperando di vedere un miracolo, una magia.

Quando scatto cerco di allontanarmi dalla realtà più che posso: mi piace avere un approccio alla fotografia dove non so cosa viene fuori. Mi piace essere sorpreso, non controllare completamente il processo. Per me la fotografia non è una semplice riproduzione della realtà, ma una rivelazione di quello che è e di quello che non è, quello che mostra e quello che nasconde.

Spesso le foto sono cose che succedono per caso e vanno prese come un regalo della luce, un regalo del destino. Il mio lavoro è cosparso di dubbi. Vanno prese decisioni sulla scelta del soggetto, della luce, dello sfondo, della macchina. Tantissime decisioni e tantissimi dubbi. Credo che il dubbio sia uno stimolo per l’immaginazione e le certezze delle porte chiuse, degli ostacoli alla creatività. Il mio cuore e la mia mente hanno sempre vagato nel dubbio.

Antoine de Saint-Exupery scrisse che l’essenziale è invisibile all’occhio. Io credo che le fotografie siano una porta su un’altra dimensione.  La fotografia, per me, è un processo sentimentale.

Ai miei studenti dico sempre che più si pensa meno si vede. E dico anche: se arrivate a un bivio non andate per la strada conosciuta, non esitate ad andare dove non siete mai stati, verso l’ignoto verso la sorpresa, dove nasce il dubbio. Andare dove si è già stati è più facile, ma meno interessante.

Come interagisce con le modelle e i modelli?

È un rapporto che si basa su una fiducia reciproca: uno scambio di emozioni, di sensazioni. Lancio delle vibrazioni che spesso mi ritornano, forti, sotto forma di emozioni. Questa emozione è il momento della fotografia.  Se non c’è questa emozione, non c’è la fotografia: la guardi e non c’è niente. Se ti annoi guardando una foto, quella scintilla non è scoccata. Uno scatto riuscito è un momento di grande energia e di gioia. La fotografia è una festa, non deve essere un obbligo.

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Sapere che una foto potrà essere lavorata in post-produzione, priva i nuovi fotografi delle emozioni di cui ha parlato, della ricerca dell’attimo, della scintilla?

Penso che la post produzione non deve servire a creare la foto o a riempirla di quel sentimento che può esserci solo al momento dello scatto. Può essere utile per ritoccare, togliere una ruga, ma non per eliminare il processo creativo. Non sono un fanatico della post produzione. Vengo da trent’anni di Polaroid, quando le foto così uscivano e così rimanevano: nessuno le metteva in post produzione. Le emozioni del momento dello scatto, l’energia del fotografo, il suo spirito, la sua personalità, la sua poesia: è tutto questo che fa la foto. Spesso mi dispiace che non si facciano più pellicole e io non le possa più usare.

Ha una musica preferita quando scatta?

Mi piace ascoltare la musica lirica, le opere. In studio la musica è importante perché dà uno spirito, un’atmosfera, crea un’energia che dà ritmo a tutta l’equipe. Nel mio  studio si ascolta Johnny Cash, Dalla, Battisti. Non ci sono regole. Cambiare musica può cambiare l’atmosfera. Quando metto su Mozart e dico ai miei studenti “fotografate con questa musica”, ho certe foto. Se metto su del rock, ne ho altre completamente diverse.

La musica influenza lo stato d’animo e una foto è uno stato d’animo.

Come sono le foto di famiglia di Paolo Roversi?

Le fa mia moglie. Io sono come il calzolaio con le scarpe rotte. Ma adoro gli album di famiglia: è un presente continuo, una piccola eternità. Adoro vedere mia madre vestita da sposa e quella luce fermata per sempre in un tempo che diventa eterno.

Nell’immagine in apertura Paolo Roversi (ph. Alex de Brabant)

Si è già alzata l’onda Pride che, da fine maggio a settembre, tingerà tante città italiane dei colori dell’arcobaleno. Il 10 giugno, senza il patrocinio della Regione Lazio (negato cinque giorni prima dell’evento), colorerà le strade del centro storico della capitale. Al Roma Pride 2023 le madrine saranno Paola & Chiara, accompagnate da Carmelo e Mauro: le Karma B.

Un’onda Pride all’insegna dell’intersezionalità, per chiedere il riconoscimento di diritti civili che valgano per uomini e donne di qualsiasi colore, nazionalità, orientamento sessuale. Insieme per la libera circolazione delle persone nel mondo, per la protezione delle persone più vulnerabili, per politiche rispettose dei diritti umani, a tutela di migranti economici e richiedenti asilo. Per chiedere gli stessi diritti riservati alle coppie cis-etero in termini di accesso alle adozioni e alla procreazione medicalmente assistita. Per il riconoscimento del certificato europeo di filiazione.
Più di 50 diverse manifestazioni per chiedere diritti che non appartengono “ai gay”, ma agli esseri umani. Pride che non parlano di tolleranza, perché nessuno di noi vuole essere tollerato, ma di rispetto. Pride che, quest’anno, non verranno sostenuti da città come Pordenone e Gorizia, per il secondo anno di seguito dalla Regione Lombardia, che ne ospita ben sei, e neppure – notizia giunta dopo l’intervista – dalla Regione Lazio. Il tutto mentre il Parlamento europeo, che ha approvato la depenalizzazione universale dell’omosessualità, «esprime preoccupazione per gli attuali movimenti retorici anti-diritti, antigender e anti-Lgbtiq a livello globale» e «condanna fermamente la diffusione di tale retorica da parte di influenti leader politici e governi nell’Ue, come nel caso di Ungheria, Polonia e Italia».

Il 10 giugno, nella città eterna, insieme alle sorelle Iezzi, torneranno dunque a esibirsi le Karma B, che a settembre rivedremo con Nunzia De Girolamo in Ciao Maschio; ne abbiamo approfittato per rivolgere loro alcune domande.

“Ciò che conta è trovare quello che ci accomuna invece che quello che ci divide e rende diversi”

Ma quanto è importante che, in nome dell’intersezionalità, dopo gli ennesimi femminicidi, anche tutte le donne etero salgano su quei carri insieme alla comunità Lgbtq+?

Non solo ogni donna etero ma anche ogni uomo, ogni persona, tutte e tutti dovremmo manifestare per quelli che sono diritti elementari, diritti civili, diritti legati all’essere umano. Ognuno di noi appartiene a qualche minoranza e si può differenziare in qualche modo: per occhi, colore della pelle, sessualità. Ciò che conta, però, è trovare quello che ci accomuna invece che quello che ci divide e rende diversi. Siamo tutti unici, ma appartenenti all’unica grande famiglia umana.

Mai come in questo momento storico le manifestazioni di resistenza andrebbero sostenute dal basso…

Sì, mai come ora è importante essere in piazza e il 10 giugno, a Roma, noi ci saremo. Condividiamo “dal basso”, perché ogni lotta per i diritti nasce dal basso, poi a eventi come quelli di Roma e Milano prendono parte anche personaggi famosi e popstar. La capitale lo scorso anno ho registrato 900.000 presenze, Milano 300.000.
La novità, invece, sono i Pride che stanno iniziando a nascere nelle province, dove ce n’è davvero bisogno. Molti di noi sono stati ragazzini gay discriminati nella propria cittadina, nel paesino, e sono scappati nelle grandi metropoli. Avere il supporto dal basso è vitale, ma serve anche quello delle istituzioni: vorrebbe dire che siamo tutelati in quanto persone, com’è giusto che sia per qualunque cittadino. 

“Il Pride è come un enorme, collettivo sospiro di sollievo, gioioso, festoso e grato, perché siamo arrivati a un punto della storia in cui possiamo riprenderci posti che a lungo ci erano stati negati”

I Pride oltre che manifestazioni sono feste…

La gioia dei Pride sta nel fatto che proviamo a riappropriarci, per quel giorno, di quelle strade e piazze che negli altri giorni affrontiamo con paura, con sospetto, per timore di essere guardate/i, giudicate/i, umiliate/i, derise/i, addirittura picchiate/i, a volte uccise e uccisi. Quel giorno è come un enorme, collettivo sospiro di sollievo, gioioso, festoso e grato, perché siamo arrivati a un punto della nostra storia in cui possiamo riprenderci quei posti che a lungo ci erano stati negati.
C’è la gioia del concerto e anche la gioia della rivendicazione di diritti sociali. C’è la richiesta di visibilità: io merito di essere visto perché non ho niente che debba essere nascosto; perché essere visti, essere considerati, è la base per essere umani.

“Fa parte del Pride, e della liberazione che comporta, scendere in strada a chiedere i propri diritti vestiti più colorati, per farsi notare”

Arisa ha dichiarato: «la comunità Lgbtqia+ non è fatta solo di macchiette o scene plateali, ma di gente normalissima». Vi sentite due macchiette o due persone normali?

Rigettiamo in toto questa definizione: non esistono macchiette né contesti plateali. Ognuno è quello che si sente di essere ed esprime la propria identità come ritiene più opportuno, nessuno può né deve arrogarsi il diritto di usare un termine del genere. Sono persone, non sappiamo cosa c’è dietro la maschera: queste definizioni buttate là con leggerezza possono essere molto dolorose.
Il Pride stesso, come nasce in America, è manifestazione di gioia e divertimento. Quel giorno è come quando una squadra di calcio vince il campionato e si scende in piazza con dei look particolari; non vuol certo dire che quelle persone siano così anche nella quotidianità.
Fa parte del Pride, e della liberazione che comporta, scendere in strada a chiedere i propri diritti vestiti più colorati, per farsi notare di più. E se pure, non solo quel giorno, ma tutti i giorni della propria vita, chiunque di noi decidesse di andare in giro vestito come un camaleonte, nessun altro avrebbe il diritto di definirlo macchietta. Noi invitiamo tutti e tutte a presentarsi al Pride come vogliono, anche in giacca e cravatta.

“Siamo intersezionali, le battaglie di uno sono le battaglie di tutti”

Il Corriere della Sera stima che i genitori grazie alla gestazione per altri siano circa 250 coppie l’anno, nel 90% dei casi eterosessuali. Quanto la battaglia contro la GPA rischia di essere usata in modo proditorio da forze politiche che manifestano valori omofobi? Non si rischia l’effetto boomerang, vanificando battaglie più urgenti che tutelerebbero un maggior numero di persone? Parlo del matrimonio, dell’adozione, del mantenimento dei diritti acquisiti di figli di coppie omogenitoriali, dei diritti dei figli nati e registrati all’estero. Noi abbiamo, adesso, figli ai quali sono stati negati il 50% dei diritti che derivano loro dal genitore “cancellato”, come l’assistenza sanitaria, i diritti ereditari, tutte le tutele che spettano loro. Siamo tornati ai figli illegittimi.

Partiamo dal discorso delle famiglie omogenitoriali: l’ultima volta che c’è stata una grande discussione su questo tema è stato quando sono state approvate le unioni civili, nel 2016. Allora furono stralciati gli articoli sulla stepchild adoption: storicamente è una ferita aperta nella nostra comunità. Secondo la nostra personalissima opinione, quello che sta accadendo è una conseguenza delle tematiche che sono state congelate nel tentativo di avere almeno un minimo di legge sulle unioni civili. Questo ha originato una serie di problemi, tra i quali il cambio di rotta sul riconoscimento dei figli di coppie dello stesso sesso, centrali tra le rivendicazioni di quest’anno.
A nostro avviso, la GPA è un tema che forse svia, però fa parte di una serie più grande di rivendicazioni. C’è una parte di comunità, anche se piccolissima, di uomini che avvertono questa necessità, e in quanto tale va rappresentata. È un po’ come il claim della violenza contro le donne: se toccano una, toccano tutte. Non esiste una percentuale troppo piccola perché non sia presa in carico dall’intera comunità. Che poi alcuni esponenti politici ne facciano un argomento fantoccio, usandolo in modo divisivo, è vero, ma non è colpa nostra. Non combattiamo solo le battaglie che ci riguardano strettamente: siamo intersezionali e le battaglie di uno sono le battaglie di tutti. Non si lascia indietro una rivendicazione per paura che le altre vengano sminuite. O perché il 90% di chi ne beneficerebbe è rappresentato da coppie etero.

“Tutti i cittadini e le cittadine, di qualsiasi genere e etnia, hanno il diritto di trovare il loro posto in Italia”

Il 2 giugno avete aperto Propaganda Live su La7 cantando l’Inno di Mameli in abito tricolore. Avete fatto discutere…

Non è una provocazione. Siamo orgogliose del nostro Paese. Vedere due drag queen che cantano l’Inno d’Italia potrebbe sembrare una provocazione, ma non lo è. È una “dichiarazione” d’amore per il nostro Paese, e sottolineiamo “nostro” in quanto, secondo noi, tutti i cittadini e le cittadine, di qualsiasi genere e etnia, hanno il diritto di trovare il loro posto in Italia. Non a caso abbiamo scelto la strofa che recita «noi siamo da secoli calpesti e derisi, perché non siam popolo, perché siam divisi», perché vorremmo che finalmente si ritrovasse uno spirito comune che ci porti tutti insieme nella stessa direzione, per uno stato inclusivo, dove ci sia posto e spazio per tutti e per tutte.

“Ciao Maschio è una trasmissione di successo che non parla di politica, ma dell’essere umano”

State anche lavorando a un disco. Cosa farete quest’estate?

Stiamo lavorando ad una serie di canzoni con vari autori e autrici e siamo in attesa di notizie su un altro progetto televisivo. Sarà anche un’estate di incontri in giro per l’Italia. Prima della tournée, che inizierà a fine anno, saremo madrine del Catania Pride il 17 giugno e, il 1 luglio, del Lecce Salento Pride.
Faremo poi una serie di date dove incontreremo il nostro pubblico; non si tratterà di un concerto da replicare sempre uguale, ma di una serie di incontri diversi che nasceranno di volta in volta insieme al pubblico presente. Saremo l’8 giugno a Roma per La Pride Croisette, il 10 al Roma Pride, il 15 a Rimini per We Make Future e il 30 giugno a Ventimiglia. Il 15 luglio al Martina Franca Siamo tutte Pride, il 4 agosto a Cagliari Poetto, il 12 agosto a Cuneo e l’8 Settembre al Padova Pride Village Virgo. Altre date sono in corso di definizione.

A settembre vi rivedremo in Rai?

Incrociamo le dita. Nel mondo dello spettacolo non si conferma niente finché non sei sul palco. Nunzia (De Girolamo, ndr) lo ha detto in trasmissione nell’ultima puntata e il nostro desiderio è quello di tornare a lavorare con lei. È sensibile, aperta su molti temi e ci piacerebbe prendere parte anche alla quarta edizione del programma.
Ciao Maschio è una trasmissione di successo che non parla di politica, ma dell’essere umano. Quindi incrociamo le dita per l’edizione 2024. 

Nell’immagine in apertura, Carmelo e Mauro, alias le Karma B (ph. Danilo D’Auria)